95年のこの録音は、彼のサキソフォン・ソロ・アルバムとしては2作目。彼はアルト&ソプラノ・サックス、ソプラニーノを自由自在に操る高度なテクニックを持つ。エヴァン・パーカー、ネッド・ローゼンバーグ等々の歴代の強者達とも堂々渡り合える力量がある。共演歴は、フレッド・フリス~タラソフ~吉沢元治~ハイナー・ゲッベルズ~ワダダ・レオ・スミス等々書き上げて言ったらキリがない。演奏は、短いもので1分18秒、長くても6分55秒の曲が17曲並んでいる。テクニックの羅列を聴かされるのかと言えば、そうではない。彼は、自身の持つ高度な技量と自身の考える音楽をすでに直結させており、テクニックを聴かせて驚かすようなレベルではすでにないのだ。彼の生まれ育った土地柄なのか(私の”シチリア”に対する思い込みなのか?)、その音楽は深刻ぶったものではない。明るい表情で、軽みがある。これを、「音楽が軽い」と考えるかどうかは、聞き手の自由なんだが・・。ライヴでは、サックスにゴム手袋を被せて、吹き込まれる息と、キーの開閉によって、ゴム手袋が縮んだり膨れたりすると言う茶目っ気のある演奏も見せる。YouTubeで見る事が出来るので、お楽しみあれ。彼と知り合ったきっかけはとは。ある日、見知らぬミュージシャン(それがジャンニ)からCDが届いた。「ネッド・ローゼンバーグにコンタクトを取るべき。」と紹介されたとのことだった。このCDが気に入った私は、彼の初来日に協力し、防府でもソロ・ライヴを行った。思い出深いアルバムなのだ。彼は岡山市の曹源寺に毎年来ては禅の修行をしており、「常楽/Joraku」を名乗る。Moffett/チャールズ・モフェットは、1929年テキサス州フォートワース生まれのドラマー。同郷のオーネット・コールマンはモフェットの一歳年下。十代の頃は、オーネット、デューイ・レッドマンらとジャムセッションを行っていた。50年代は8年間ハイ・スクールで音楽教師をしていたが、61年NYCに出てオーネットとの共演を再開した。」はジャズ史に燦然と輝く金字塔だろう。69年録音のこのアルバムは、音楽一家”モフェット・ファミリー”による初アルバム。コダリルは、一曲目で父親がヴァイブラフォンを叩いている横でドラムを演奏している。7歳と考えれば上出来。父親はドラム以外のもヴァイブラフォン、歌、トランペットと忙しい。O'Tool(ds)を加えている。jeffreyが参加。モフェットは、ドラムを叩くよりはヴァイブラフォンを叩きたかったようで、”ドラマー・チャールズ・モフェット”を期待すると肩透かしを食らうかも。演奏は録音の年を考えると、オーソドックスな感じは否めないか。Lasha/プリンス・ラシャは、1929年テキサス州フォートワース生まれのアルト&バリトン・サックス、フルート、クラリネット奏者。オーネット・コールマンとは幼なじみで、勉学も音楽も共に学んだ間柄。そのせいか、この二人は音楽までもが兄弟のようだ。言ってもその後のオーネットほどの飛翔はラシャには無かったのだが。ラシャは、54年オークランドで、これまたオーネット・スタイルのソニー・シモンズと出会い、意気投合して双頭グループを結成した。62年録音の本作は、グループのファースト・アルバム。ラシャは、ここでは主にフルートを吹く。そのせいもあって、相方のシモンズの方がよく目立っている感じは否めない。音楽のコンセプトは、正に同郷のオーネット流「フリー・ジャズ」。言うか、まだまだこの頃は、後に多様化を見せるフリー・ジャズ/フリー・ミュージックには程遠い時期だ。みんな手探りで新しい道を探っていた頃で、その大きな手本としてオーネット・コールマンという存在があったのだった。所謂フリー・リズムとは言い難い。旧来のジャズの形からほんの一歩踏み出したといったところだろうか。このコンビは70年代にもアルバムを残している。Lancaster/バイヤード・ランカスターは、1942年フィラデルフィア生まれのアルト・サックス、フルート奏者。バークリー音楽院、ボストン音楽院に通う間にフリー・ジャズに興味を持ち、60年代中頃より注目を浴びる。68年録音の本作は、彼の初リーダー・アルバム。フリー・ジャズと言うよりは、彼のアフリカン・アメリカンとしての血のざわめきに正直に向かい合ったブラック・ジャズといった感じか。注目はソニー・シャーロックの参加だろう。殆ど伴奏(彼が!)に徹しており、ソロらしいソロはほどんど無いのが少々残念ではある。異色なのが大スタンダード・ナンバーの「ミスティ」と「オーヴァー・ザ・レインボウ」の2曲。思い入れたっぷりのドロドロの演奏。この曲で主役を取らせてもらえた。Lovens/パウル・ロフェンスのパーカッションのトリオの1976年の録音。フェルケルの録音は同じくFMPにこのアルバムと同年にソロ・アルバム(S'Gschank)が有る。かれの録音は70年代にはこの二枚しか見当たらない。近年INTAKTから二枚組が出ていたが、それ以外を知らない。スイス人なのだろうか。ベースのフレイに至っては、このアルバム以外見当たらない。そんな二人にロフェンスが加わったアルバムなんだが、珍品扱いするべからず。バンドの形態としては所謂「ピアノ・トリオ」なんだが、三者対等の「ナニナニトリオ」とは言えない演奏だ。ピアノはあえて言うならばシュリッペンバッハ派と言って差し支えはないだろう。(本家ほどのパワーもスピードも少々劣る気はするが・・。)硬質な響きでパワー・プレイも点描写で抽象的表現も有り、三者が丁々発止音を繰り出す正に「インタープレイ」だ。フレイのベースもロフェンスと十分渡り合える力量があるし、ユニークなプレイなんだが、アルバムがこれ一枚とは(私が知らないだけかもしれないが)不思議。ロフェンスは言わずもがなの好プレイ。ドラムの範疇を大いに逸脱した演奏が聴ける。Theurer/マーティン・トイラーは、1954年ドイツ、ルール生まれのヨーロッパ・フリーの第一世代に次いで現れたピアニスト。次世代期待のピアニストだったというイメージがある。79年西ベルリン録音のFMPからリリースされた本作は、ピアノ・ソロ。彼のデビュー・アルバムだ。FMPでは、81年にロフェンスとのデュオ。82年には、何とシュリッペンバッハとのピアノ・デュオ・アルバムを録音している。アイデア豊富というか引き出しの多い人で、プリペアード・ピアノや内部奏法も使い(当時はフリー・ジャズでは、プリペアード・ピアノや内部奏法を聴くことは稀だったように思う。一部使うことはあっても、一曲丸ごとプリペアード・ピアノを弾きまくるのは少なかった。)、彼のその使い方はユニークで、単にピアノの打楽器化を越えたものだ。ピアノとは思えないノイジーな響きも厭わない。彼の演奏はスピードとパワーを兼ね備えたもので、LP1枚が、あっという間に終わってしまう爽快さが有る。Festival’82」と言う、現代音楽とフリー・ジャズのミュージシャンや評論家を集めたコンサート、シンポジウムが有った。ジャズ側からは、ペーター・コヴァルト、ギュンター・ゾマー、佐藤允彦等々が参加し、インプロヴィゼイションだけではなく、現代音楽の作曲家の作品(このイベント用に作曲された曲)も演奏した。その時トイラーも出演していた。副島輝人さんの証言では、コンサートを聴いた高柳昌行が「この中に本物が二人いる。レオ・スミスとマーティン・トイラーだ。Catcher(Nessa/1979)*このレヴューは、牧野はるみさんが書かれたレヴューです。音楽産業及び現象から完全に離れた所にレオ・スミスは存在する。「スピリット・キャッチャー」は創造における音によるアプローチを忠実に表現した三つの作品から成っており、A面のImageでは、ハーモニーがメロディーを呼び起こし、音色がヴィジョンへと広汎されていく美しい世界が展開される。Stonesはハープのアンサンブルの為に作曲された作品で、これをバックにスミスはソロ・トランペットの即興演奏を行っている。Catcherは、アークラスメイション(当時はアークリアンベンション)と名付けられたスミスの記譜法ならではの、ミュージシャン個人が自己に挑戦し、それと同時にアンサンブルとしての調和が要求される、緊張感溢れる秀作である。Lovens/パウル・ロフェンスは、1949年ドイツ、アーヘン生まれのドラマー。70年代からシュリッペンバッハ・トリオのドラマーとして、グローブ・ユニティのドラマーとして、その他数多くのFMP等のアルバムに名前を刻むヨーロッパ屈指のドラマーの一人だ。Records」からの78&79年録音のデュオ・アルバム。ドラマー二人のデュオなんだが、そう感じられる所は少ししか聴く事が出来ない。この二人、オーケストラをグイグイとスイングさせる事も出来るドラマーなんだが、ここではそれをどこかに置いて、ドラマーから大いに逸脱したノイズ発生器と化している。リズムも無ければ、ビートも無い、聞き分けられるようなパターンすら皆無。ジャズ系と言ってよい二人のこの大いに逸脱した演奏は、当時同じくジャズを変えたい、ジャズから離れたいと願うミュージシャンに大きな影響を与えたものだった。Lytton/ポール・リットンは、1947年ロンドン生まれのドラマー。60年代にはロンドンでジャズを演奏していた。同時にタブラもインド人のタブラ奏者に就いて習っていたようだ。Improvisationを開始。エヴァン・パーカーとデュオを続けていたところに、ベースのバリー・ガイが加わり、エヴァン・パーカー・トリオとなった。現在でもこのトリオは続いている。エヴァン・パーカーの「エレクトロアコースティック・アンサンブル」のメンバーとして、パーカッションとライヴ・エレクトロニクスを演奏している。このアンサンブルで来日ツアーもあった。Records」からリリースされたこのアルバムは、リットンの初のソロ・アルバム。77年西ドイツ、アーヘンと、79年ベルギー、Plombieresでのライヴから収録されている。ドラムの他、ホームメイドの楽器やライヴ・エレクトロニクスも動員したもので、所謂「ドラム・ソロ」とは相当趣を異にする演奏だ。叩く、擦る(振り回す、投げる?)ことによって出て来るサウンドにエレクトロニクスの音も加わる。エレクトロニクスの音って、アコースティックの音に混ざると、混ざり合うことなく分離して聴こえて違和感を覚えてしまうことがある。リットンの演奏にはそれを感じることはない。打楽器の演奏とは思えない響きが満載なので、そこに電子音が混ざっても同化してしまうのだろう。電子音といっても、その使い方は補助的なものだが。打楽器奏者の演奏する音楽の極北に至ってる気がするんだが・・・。Music/1980)シカゴのAACMからは、次世代の優れたミュージシャンがどんどん現れる。その代表格的な二人、カヒル・エル・ザバーとエドワード・ウィルカーソン(二人は、AACMの会長を務めていたことがある)に、ライト・ヘンリー・ハフを加えたこのトリオは、その後も長く続く重要なグループの一つだ。アンサンブルの名前通り、ここでは単なる勢い任せのフリー・ジャズは演奏されず、自らのルーツ、アフリカ、それも太古のアフリカの大地のリズムと、現代のアフリカン・アメリカンの文化を混ぜ合わせた音楽が展開される。リーダーのザバーは、手製のバンブー・フルートを吹き、ゴングとシンバルだけでフロントを煽り、通常のドラマーの領域を大いに逸脱する。本作は、1981年ドイツ・レコード批評家賞を受賞した。vol.1(AEOC/1975)ドン・モイエ。1946年NY州ロチェスター生まれ。言わずと知れた「アート・アンサンブル・オブ・シカゴ」のドラム&パーカッション奏者。あの顔のペインティングからは結びつかないが、アカデミックな中で打楽器の基礎を学んでいるようだ。デトロイト・フリー・ジャズというグループで活動をし、68年に渡欧。渡欧中、S・レイシー、P・サンダースらと共演。69年にパリでAECに合流した。AECは彼の参加により、多彩で強力なリズムを獲得することとなった。75年録音の本作は、彼のソロ・アルバム。アフリカン・アメリカンの持つリズムを越え、汎アフリカ(いや汎地球というと大風呂敷になるか。)のリズムを、モイエ一人で叩き出す。所謂現代音楽の打楽器の演奏に見られる、整然としたクールさとは無縁。彼の血の中に流れるリズムが自然と表出されており、心地良い熱狂を伴う。言え、所謂「ドラム・ソロ」とは別もの。クリシェだけで構成された凡百のソロとは次元を異にする。豪快な連打もあるが、ほとんどは空間を意識した割合静かな演奏の方が多いくらいだ。ジャンルを越えた打楽器アルバムの傑作。71年、単身AACMに参加した豊住芳三郎氏は、モイエとスティーヴ・マッコールと三人でパーカッション・アンサンブルを結成していた。Mangelsdorff:Diggin(TBM/1971)これはドイツの革新的トロンボーン・プレイヤーで、ドイツ・ジャズ界の重鎮アルバート・マンゲルスドルフのグループが来日した折、新宿のジャズ喫茶「DUG」で行ったライヴの模様を収録した日本のマイナー・レーベル「TBM」がリリースしたアルバム。80年前後、この姉妹店「DIG」共々「DUG」もしょっちゅう入り浸っていた。一杯のコーヒーで何枚もLPを聴いていたものだった。分かるのだが、この演奏が行われた「DUG」にはバンドが演奏出来るようなステージはおろか、狭いスペースすら無いのだ。Hubner(ds)のカルテットが演奏している。レコードで聴いている分には、音が分離して聴こえているが、実際にここの空間に身を置いて聴いていたら、激しい音の塊が次々に飛んで来て大変だったことだろう。ここで言う「大変」は「凄く気持ちいい」と同義語なんだが。一口に「ヨーロッパ・フリー」と言っても様々なんだが、ここで聴ける演奏は「ヨーロッパのジャズ!」だ。「フリー」なんだが、「ジャズ」なんである。ジャズの熱気がムンムンしているのだ。1(INCUS/1971)これは、1971年に録音されたデレク・ベイリーの最初のソロ・アルバム。一度リリースされた後、一部曲を差し替え、白地に名前とタイトルだけ書かれたシンプルなジャケット・デザインに変更して再発された。ここで紹介するのは、再発分も含めて全てが収録され、ジャケットも初版に戻されたCDだ。ミシャ・メンゲルベルク、ウィレム・ブロイカー、ギャヴィン・ブライヤーズ作曲の三曲という構成になっている。ベイリーと言えば正に革新的、超絶的なギターの演奏家であることも重大だが、それ以上にフリー・インプロヴィゼイションのグル的存在だ。新しくファンになった人には、全く白紙の状態で行う完全即興以外の彼の演奏なんて思いも付かないだろうが、ここでは古くからの盟友ブライヤーズと、演奏家/作曲家として異才を放つ二人のオランダ人、メンゲルベルクとブロイカーの超ユニークな”曲”を演奏しているのだ。どの曲も、ベイリーの完全即興に負けず劣らず超個性的で、初めて聴いた時の衝撃を未だに忘れられないでいる。妙なフレーズが今でも鼻歌で出て来る始末。この頃のベイリーのギターの演奏は、殺気をも含む切れ味の鋭さを持っていた。その後「殺気」は減じて行った。吉沢元治さんは、「それで良かったんだ。それで色々なミュージシャンと演奏可能になったんだから。Coltrane(Musicworks/1976)*このレヴューは、横井一江さんが書かれたレヴューです。詩人白石かずことサム・リヴァースの歴史的共演。詩の朗読と音楽によるコラボレーションの最高の瞬間を捉えた録音だ。白石かずこは日本を代表する詩人であるだけでなく、日本におけるポエトリー・リーディングのパイオニアであり、現在も第一人者。リヴァースらのミュージシャンとは、この録音で初めて会った。詩は文字から解き放たれ、音韻となり、フリー・ジャズと相見える。コトバと音楽によるインタープレイは、詩を立体的に浮かび上がらせ、活字にはないリアリティで時代の空気と共に蘇る。共演者達は日本語を解さない筈だが、完璧に白石の詩を理解し、演奏しているかのよう。リヴァースの録音でも五指に入る出来だ。そんな奇蹟ともいえる時間を切り取った貴重なドキュメント。Radio(Saravah/1969)*このレヴューは横井一江さんの書かれたレヴューです。「これは全くラジオのようなもの、音楽以外の何ものでもない」タイトル曲の冒頭が何をか語らん。唄うというよりは呟くように繰り出されるコトバの背後で、フラジャイルで繊細な感性が震えている。異色の歌い手ブリジット・フォンテーヌとまさに前衛そのものだった時期のアート・アンサンブル・オブ・シカゴ。60年代も終わろうとする頃のパリ、その時代でなければあり得なかった出会いが、類い希な作品を残した。抒情的でありながらも過激さを秘めている音。密やかな甘い罠がどこかに仕掛けられているのか、これを聴いた者を虜にする。この時期のフォンテーヌには、オトナと少女の間を彷徨う摩訶不思議なオーラがある。パリにはブルトンが出会ったようなオンナがどこかにいるような気がした。Wuppertal(FMP/1973)*このレヴューは、牧野はるみさんが書かれたレヴューです。ジャズはアメリカン・ミュージックであるが、世界中にクラシックの演奏家が存在する様にジャズもしかり。学校の音楽室にエリントンの写真は未だに無いまま、ジャズの定義は益々曖昧になって来ている。ヨーロッパ人にとってアバンギャルドであることは反体制である。職業として芸術を選んだ場合、その実験的行為がユニークな現象として人々に受け入れられるのも、ヨーロッパならではである。Unityは70年代初頭におけるその成功例の一つである。このライヴでは、シュリッペンバッハ、ショーフをはじめとする、当時のフリーミュージシャン達の気鋭が感じられる。会場が楽器の音で一杯になり、息が苦しくなるくらいの気迫で迫って来る。これを聞くときは、ヴォリュームを上げ、ヨーロッパのフリーをお楽しみ下さい。Justice/1973)*このレヴューは、牧野はるみさんが書かれたレヴューです。Ensembleはセントルイス他の芸術家グループ・個人をひとまとめにヒューマン・アーツ・アソシエーションとも呼ばれる。アフリカン・アメリカンにとって人種差別との戦いは現在においても日常だが、六十年代当時の芸術家達の間に芽生えた社会的責任感は、アメリカ各都市の地域社会に大きく貢献した。A面でアフガニスタンの音楽が取り入れられている事からも判る様に、世界中の音楽及び思想を差別なく研究し、自分達のサウンドを作り上げて行くグループの寛大な姿勢が表れている。芸術家は創作を通じて人々に真実を伝える役割を担っている。今何を感じているかを表現できる優れたミュージシャン程、世界中の人と繋がる音楽が作れるのである。*ジャケット写真はFREEDOMからの再発CD。Germany(Leo/1978)旧ソ連にフリー・ジャズが存在していたことだけでも十分衝撃的だったのに、このアルバムの内容たるや当時の西側諸国の想像をはるかに越える代物だった。旧ソ連と言っても、今ではバルト三国の一つのリトアニアを活動の拠点としていたというのも面白い。モスクワを中心としたソ連から見れば周辺地域であったことが幸いしていたのであろうか、今現在から見ても(聴いても)十分すぎるほどこの音楽はユニークである。「自由の無い国の、自由すぎるほどの音楽」、「何モノからも開放された音楽」が繰り広げられている。「ガネリン・トリオ」と称されるこのトリオも、元々はガネリンとタラソフとのピアノとドラムのデュオだった。そこにサックスのチェカシンが加わることで、ガネリン・トリオは結成された。地下で蠢くマグマのようなエネルギーに満ちた音楽だ。トリオは87年に解散。Gumpert(1945年東ドイツ生まれ。Sommer(ds)と言う、当時の東ドイツの精鋭部隊が集まったバンドの79年の西ベルリンでのライヴ録音。U・グンペルトは、クラウス・レンツのグループで演奏していたが、その後独立して自己のグループを結成した。このワ-クショップ・バンドは、72年からスタートした。当時は、東ドイツのミュージシャン達ということもあって、他のFMPで聴ける西側のミュージシャン以上に興味をそそられたものだった。見たことのない壁の向こう側見たさといったところだろうか。そんな私の思い入れなんか嘲笑うように、彼等の演奏は腕達者が深刻ぶった顔をせずに、カーラ・ブレイ・バンドも真っ青なカラフルで自由闊達な快演を聴かせてくれた。西ドイツのFMPの共同製作で、このジャケットのAMIGA盤は東ドイツ。Dukek/ゲルト・デュデクは、1938年ドイツ、グロス・デーベルン生まれのサキソフォン奏者。Niebergall/ブシ・ニーベルガルは、1938年ドイツ生まれのベース奏者。色々な楽器を習得する中で最終的にベースを選択。医学も学んでいたそうだ。Vesala/エドワード・ヴェサラは、1945年フィンランド、マンティハソウ生まれのドラマー。シベリウス・アカデミーで学んでいる。Musik」に出演した。これは、その録音から編集されたアルバム。デュデクは、テナー、ソプラノ・サックスの他フルートとインドの笛シャナイも吹いている。彼は現在までリーダー作を含め数多くのアルバムを残して来ている。その多くはここで演奏されているほどフリーではない(グローブ・ユニティ等への参加作は、勿論ゴリゴリの演奏だが)。彼の激しい演奏を聴きたければこれが最も適している。ベースのニーベルガルは、亡くなるのが早かったせいもあって、ヨーロッパ・フリーの第一世代のわりには録音が少ないし、リーダー作も無い。トリオ編成で、彼のベースをしっかりと聴くことが出来ることも、このアルバムのいいところだ。グローブ・ユニティのボトムを支えて来たベースは力強いに決まっている。この二人、日本では相当地味な存在には違いない。ドラマーのヴェサラの方が知名度は勝っているだろうなあ。Baselでのライヴ録音。Hut」の最初期のアルバム。Hut/A)」からスタートしたが、76年録音のこの「Rotation」までの連続4枚はジョー・マクフィーのアルバムが続いている。アルバムの番号はアルファベットのAから始まっていた。26文字以降までリリース出来るとは当初思ってもみなかったのではなかろうか。Pull(78年)」。ジョー・マクフィーと言えば、自身のレーベル「CJR」から1969年から74年にかけてアルバムをリリースしては来たが、あくまでアンダーグラウンドの存在。そんなマクフィーのアルバムを立て続けに作るのだから、プロデューサーはよほどの入れ込みようだ。80年前後私は、電子音が鳴ってる現代音楽やフリー・ミュージックのLPを手当たり次第(せいぜい少ない小遣いの範囲でだが)に、買い漁っていた。これは、そんな中で見つけたLPだった。Snyderの方だったというのが正直なところ。一曲目のマクフィーのテナー・ソロの、フレーズなどというものが解体された、サウンドそのものの様な演奏で、一気にお気に入りに入ってしまった。二曲目はソプラノ・サックス・ソロ。これは逆に、ゆったりとカーヴを描くような演奏。続く曲からは、お目当てのシンセサイザーが加わる。この頃のシンセはまだモノフォニックで、分厚い音はまだまだライヴで出すのはなかなか困難な時代だ。シュナイダーはシンセの生音?を使い、シンセから出た音を他のエフェクター等を通すことはしていないようだ。現代の耳からは、正直チープな音響に聴こえてしまうのはいたしかたがない。Levin/マーク・レヴィンのトランペットも一部加わっているが、何しろマクフィーもサックスの他トランペットもサックスと同等に吹奏してしまうものだから、正直レヴィンの存在は、よく耳を澄まさないと、いたのかどうかも分からなくなってしまう。このアルバムがきっかけで、その後マクフィーの後を追っかけるようになった。製作・演奏・・と、書けば何やらいかにも「アーティスト」と、かっこよく呼べそうだが、1943年NYCに移住してからは、その滞在期間30年の内20年は路上で生活していた。所謂ホームレスとも呼べないというから、とにかく訳のわからない生活様式を送って来ていたようだ。いつもヴァイキングみたいな格好をしていたらしい。そのくせ、バーンスタイン、トスカニーニー、C・パーカー、B・グッドマンらとの交流もあったというから、ますます訳が分からない。1956年にprestige(マイルスの4部作で有名なJAZZの”有名な”マイナー・レーベル)に録音された本作は、アルバムとしては、53年Epicに吹き込まれたファースト・アルバムの次に当たる。Rhythm」という彼の音楽の特徴をよく現したタイトルのシングルが発売されていた。彼の音楽はJAZZとクラシックとアメリカ先住民の音楽とNYCの路上で聞こえる街の騒音を、混ぜたらこうなったといった按配だ。2曲目の「Lullaby」は、妻Suzuko(日系人?)が生まれて6週間になる娘の為にムーンドッグの作った子守唄を日本語で歌う。Whiteingが朗読する。その他、自作の打楽器を叩いていたり(先住民の音楽の影響が大きい)、NYCの路上の騒音(カエルの声も)が演奏に被せてあったりと、とにかく一筋縄でいかないこんな音楽を50年代に作っていたという驚きと、これを49年から録音してリリースするレーベル(後にはメジャーまでが録音した)が結構存在したというのも興味深い。74年からはドイツに移住し、数百もの曲が当地で管理、出版された。99年ドイツで亡くなっている。後年のミニマリスト達(ライヒ、グラス・・)に尊敬され、彼らに影響を強く与えていた。Philomeneで行われたバリー・ガイとバール・フィリップスと言うベースの両巨頭による1989年のライヴの録音。この教会は、実はバールさんの住まいでもあるのだ。教会の管理人といったところだろうか。自宅での気心知れた友人とのライヴといった趣もあるのだ。自宅でもあるが、やはり教会と言う世俗と離れた異空間ではある。共演のバリー・ガイや、この日のお客さんにとっては。この状況が演奏に影響を及ぼさないはずは無いだろう。広いスペースであるとか、響きが多めであるとか、そう言った物理的な影響もあろうが、やはり教会の中という「場」の作り出す作用は有るものだ。演奏者にも、お客さんにも。ここでは、二人のデュオだけではなくて、お互いのソロも2曲づつ演奏されている。デュオも1曲目を除けば2分台からせいぜい8分台と、短めの演奏が結構ある。今では、ベース同士のデュオ・アルバムは結構な枚数存在する。コヴァルトを含め、この三人こそが、その歴史を作って来た人達だ。ベースのデュオの場合、ギシギシとノイズ発生器と化すことが多いが、ここでの演奏は、それらとは少々趣が異なる。音がのびのびと開放されているよう感じる。心が開放された状態で、音楽を奏でる事への喜びが、聴き手であるこちらにも強く感じる事の出来る素晴らしい演奏だ。「ベース・ミュージック」が有るのなら、これぞその頂点!長く聴き続けられる一枚。Philomeneバールさんの車が映ったまんま絵葉書にされてしまったそうです。Watts/トレヴァー・ワッツが1967年に結成したグループ。Guy/バリー・ガイとのデュオだった。Clyne/ジェフ・クライン(b)等々が参加した。フリー・ジャズを基調に、ロックやフォークをも取り込んだユニークなグループに変化して行った。1969年録音の本作は、ワッツ、クライン、スティーヴンスのトリオによるストレートなフリー・ジャズ演奏が聴ける。Smile"を三度も繰り返して演奏し、トラック2,3,4と並べて収録している。同じ曲でどこまでインプロヴィゼイションを変化、展開出来るかに挑戦したものだ。これは聴いてのお楽しみ。最後の曲だけ、ベースはバリー・ガイに変わっている。;ディスタント・ヴォイセス」(1975年録音)と、「高橋悠治+佐藤允彦」(1974年録音)という正に信じられないアルバム二枚をカップリングした超お買い得CD。おまけに一枚に収まっている。値段がお買い得なのではない。超弩級即興アルバムが一枚に収録されたのである。使ってのこれぞフリー・ミュージックを繰り広げる。イディオムに縛られない自由な即興演奏の見本のような演奏だ。レイシーのこのような演奏は、おそらくここでしか聴くことが出来ないのではなかろうか。「高橋悠治+佐藤允彦」は、アコースティック・ピアノのデュオと、シンセサイザーやプリペアード・ピアノを使ったデュオに別れる。現代音楽の高橋とジャズの佐藤のデュオなんだが、ここではそんな区別はどこかに行ってしまった。三曲の曲名がみなシルクロードの地名が付けられている。演奏との関わりはなさそうだ。エレクトロニックな演奏の方は、リミックス時に二人によって、これも即興的に処理されていったようだ。私にとっては、火事の時持って出るCDの一つ。