2009)1980年、ペリンヌ・ヴァリはエクサンプロヴァンスにて生まれる。エクサンプロヴァンスの芸術学校でクラシックダンス、そしてコンテンポラリーダンスを学ぶ。その後、リヨン国立芸術学校、トゥルーズの振り付け開発センター、そして2002年には、ロンドンのコンテンポラリーダンススクールへと通う。その後、エステル・エリチエやシンディー・ヴァン・アケールなどの振付家とも共演し、彼女自身、何度もその作品を演じている。2005年、Sam-Hesterアソシエーションという自分のカンパニーを設立。初のソロ作品「カナダの小さなお家」そして、2007年には、「シリーズ」、そして、2009年には「まるで女の子がドレスを脱ぐように私は考える」を上演。»アソシエーションのレジデンス活動中であるが、3ヶ月間の東京へのレジデンスへと準備中。最初からそうしようと決めていたわけではありません。ダンスを学校で学んだので、最初はダンサーとして仕事をしたいと思いました。キャリアを積んでいくうちに、自分があまり「フレキシブルな」ダンサーではないということに気づいたのです。ダンサーとしての仕事は、今では芸術を真に追及していくことを求められています。芸術活動そのものに参加する気がなかった私にとって、ダンスというプロジェクトに関わることは当時とても難しいことでした。いうわけで、自分が、どんなスタイルでも踊れるダンサーにはなれないこと、どんな振付家ともやっていけるとは思えませんでした。2004年に仕事があまり入っていない時期がありこの頃自分の進むべき道は何かを考え始めました。振付を通じてダンスと自分が一体化することができるのではと思い、数ヵ月後に初めてのソロ公演を行ないました。踊りのための踊りに私はあまり興味がありません。私にとってのダンスとは私という個人を表現するものではなく、むしろ特定の考え方、感覚、ありのままの感情を表現する手段なのです。体こそが私にとって重要で、体が、ダンスというこの芸術の中心なのです。いう意味で、私が今考えていることを表現するためにダンスが必要なのです。いって、今自分が考えていることが永遠に変わらないという風には考えていませんが。私は、ダンスが他のアートとは離れた位置にあることを残念に思います。今、総合芸術のコンテクストにダンスを位置づけたいと思います。私がダンサー、振付家として抱える問題は、他の分野、例えば音楽家や造形美術、ビデオアートのアーチストの抱える問題と同じなのです。私たちアーチストを結び付けるものは、自分自身のアートの実践というより、観念そのもの、コンセプト、探求そのものでしょう。実際の舞台はまだ見ていないのですが、舞台の写真だけでも2つの特徴があることに気づきました。グラフィック的要素、つまり体の動きや舞台のしかけにライン状のものがはっきりと、しかもたくさん見られることです。それに白と黒だけの世界を描いていますね。その点もまた意識していなかったことです。最初にスタジオで振付を始めた時、何もない空間で一人私は自分がどこにいるのかわからない感覚に襲われました。それで線を引いて空間を限定し、形を作りました。空間に自分の縄張りを示す「マーキング」ですね。その行為によって、少しずつ、私の作品にグラフィックな空間が生まれていったのです。スタジオや劇場の床はダンス用のマットのせいで一般的に黒なんです。この黒い空間に線引きするのに、白い床張り用テープと白いトイレットペーパーという、安くて、どの劇場でも簡単に手に入るものを使いました。して、黒と白の空間が私の作品に生まれたわけです。その後、グラフィック的で黒と白の舞台空間は、当然のことながらその美しさから好んで取り入れるようになり、活用していくことになりました。私は水墨画も墨絵もほとんど知りませんし、それがどんなものか漠然としたイメージしかもっていませんので、偶然といった方がふさわしいでしょう。一方でアジアにはずっと以前からとても関心があり、実際に何度も行ったこともあります。いった体験が無意識のうちに私の作品にも一種、影響を与えているといえなくもないでしょう。「シリーズ」以外の「カナダの小さなお家」や「まるで女の子がドレスを脱ぐように私は考える」は心の奥底との関わりという、ひとつの同じテーマを扱っています。私の作品で、心の奥底というのは、ダンスにおける最大の関心ごと、《体を知る》ということから由来しています。ダンサーとその仕事道具は、(音楽家と楽器、彫刻家と材料、作家とテキストなど)他の芸術がそうであるように切っても切り離せない関係にあるのですが、ダンサーの場合その二つがいわば1つの同じ体の中にあるのです。心の奥底という概念が生まれるのはまさにそのためで、舞台上で観客の前にさらされる体とプライベートな体との境界はあいまいになります。何時間も体を使い、何時間も体のことを考えていると、一種の内省の状態に陥り、夕方家に戻っても自分を解放できなくなるほどです。私が思うに、体は精神の空間そのものなのです。抽象的で、かつ計り知れないこの概念こそがダンスで一番興味深い点です。このテーマを一層深めたいと思っていますし、新しい二つの作品は性的アイデンティティというとても根本的なテーマを考えています。大きく見ると、あなたの作品にはコンセプチュアルアートの面や社会学に対する強い関心がはっきりと読み取れます。あなたにとってこれらの課題にアプローチする方法としてダンスは何をもたらすのでしょう。私は、いわゆるコンセプチュアルダンスに関連した諸問題を体験したわけではありません。その影響を強く受けた世代だと思います。コンセプチュアルダンスを動きの停止、ノンダンスというような1つの結果に結び付けて考えます。それはむしろ始まりだと私は思っています。いうダンスはもはや何と名づければよいかわからなくなり、再考せざるを得なくなっています。この「動き」によってどんな考えも全て舞台で表現できるようになり、これによって実験できる領域が大きく広がりました。社会学的、政治的なテーマを舞台で目にすることができるのです。私はさほどダンスと実生活とを分けて考えてはいません。社会のある事柄に接し、なんらかの感情や感覚が生まれれば、それを表現するのはどうしても体を使って行ないます。なるとダンスの領域と社会の出来事との違いはあまりありません。ダンスはそういう風に、社会や政治の問題を体を通して考える1つの方法を提示してくれます。身体が本質から大きく離れてしまった現代社会において、これは重要なことだと思います。コンセプチュアルダンスの到来で、コンテンポラリーダンスとは何かを再び問い直すことになりました。した答えは出ていませんし、新しい世代の人はもうそんなことを考える必要は実は感じていないようです。私の活動に関していえば、今では、できること、してはいけないことを意識的に考えないようにしています。私の作品を他の人はパフォーマンスが多いとか、コンセプチュアルだとかダンスまたは演劇であると捉えるかもしれませんが、私には重要ではありません。そのうちいつか自分のアーチストとしての活動を何と名づけたらよいかわからなくなるといいとさえ思っています。アートは必然的に、グローバリゼーションという世界的な流れの影響を受けています。アートの各分野の線引きはあいまいで、それぞれの分野が他の世界に対し開かれています。私がダンスにとても関心があるのは事実ですが、そのほかにも映画、哲学、音楽さらには個人的な記憶、旅、語らい、出会いからも同様にインスパイアされています。私は演劇のエキスパートではありません。一方で、私の今の振付家としての仕事はナレーションと抽象的観念との関係が問題になるので、そのナレーションという部分で演劇に近づいているかもしれませんね。同時にまた、セリフはないに等しいので、パントマイムや無声映画、クラシックバレエの要素もあるかもしれません。この拠りどころのないところがおもしろく、また常に現代的で重要なテーマに思えるのです。東京に出発し現地でレジデンスを3ヶ月間行なうということですが、その理由や経緯を聞かせてください。さきほどの質問にもあったように、私の振付は日本文化の影響をうけているのではないかとよく聞かれます。黒と白だけの世界や、グラフィック的要素、動きが緩やかなこと、ミニマリズムや純粋芸術のような側面がそう思わせるようです。その点について全く考えたことがなかったので、どうしても気になり始め、プライベートな旅行という形で日本に一度行ってきました。この1回目の滞在がとても充実していたので、日本文化についていろいろ調べてみたいと思ったのです。例を挙げれば、ひとつの社会に古い時代と現在の文化が対照的に共存していることに圧倒されました。わかりやすく言うと、超近代的な都市東京で、最先端の流行の服を着た人々の中で、着物や伝統的な服装の人を見かける、そういうところです。それが特にきっかけになり、古くからある文化と現代的な文化との関係を調べてみたいと思いました。その結果私の次の作品は、「現代のおとぎ話」、西洋社会で最古のカップル、アダムとイブをテーマにしたものを計画しています。研究活動の申請書を出しました。日本文化はとても豊かで複雑なので、その様々な要素をとりあげ深く掘り下げるには、3ヶ月では足りないのではないかと思います。それで、ひとつのテーマを決めて、そこから出発し自分の研究を深めるという方法がいいと考えました。最初の期間は自分の振付に関連したものと、そして日本文化において特に興味深いテーマである、性的アイデンティティの問題を考えています。)と現代的な要素(ラブホテル、日本におけるエロチシズムとは何か、(マンガの性描写、メイドカフェ、歌舞伎町など)に同時に取り組むつもりです。このレジデンスでは、助成金受賞者が滞在の準備しなければならないので、まずはこれが1つの個人的なチャレンジといえます。滞在場所や活動の場所を見つけ、現地の芸術関連の施設を探し、関連のイベントの情報を集め、どんな人にコンタクトとるべきかなど、全て自分でしなければなりません。最初は少し難しそうに思えますが、どうしても現地のアーチストや専門家とコンタクトを取らざるをえなくなるので、その点はとても楽しみにしています。大きな課題はコミュニケーションだと思います。どんな風に相互に理解しあうか、文化の異なる人間同士どうやって共通点を見つけるか、日本人と知り合うにはどうしたらいいかなどです。今のところフランス語を教えるという広告をインターネット上に出していて、これを通じ日本人と最初のコンタクトができるのではないかと考えています。それにレジデンス期間はその国に溶け込んで生活するため最低3ヶ月間となっています。この3ヶ月という期間はとても魅力的ですが同時に心配にもなる期間です。1人でどこかへ行くと1日がとても長く感じられることがあるので、何かすることを見つけなければいけません。このことが一番今回のレジデンスで面白いことだと感じています。その時間の空白を埋めるためにアーチストとしての活動の道具を見つけることです。未知の体験をして、何よりもまずは自分自身驚いたり、不意打ちにあうことを期待しています。いう意味であまり期待せずに日本へ行きます。仕事のしかたを変えることを考えています。何日間もダンススタジオで仕事をしたり資料を読んだりして過ごすのであれば、ここにいてもできることで、世界の反対側までいく必要はありません。大事なことは、日本の文化を実感すること、開かれた精神でいること、日本文化からあらゆる刺激を受けることです。このレジデンスは何かを創作する義務はなく、とても自由なものなので、いつもの自分とは違って、あまり計画を立て過ぎないようにしようと思います。空白は日本の文化で重要な概念でもありますよね。経験や「見えるもの」をまずは自分の中に蓄えて、それが熟すのを待ちたいですね。ある意味、受動的な創作方法というものをとりいれてみたいと思います。