Tredici​カリフォルニア州出身のアメリカの作曲家、ピアニスト。Day)」で、ピューリッツァー賞(作曲部門)を受ける。特異な楽曲のスタイルから、ロスアンゼルスタイムスに「アウトサイダーにして華々しい作曲家」と評された。小さな頃からピアノの才能を見せ、12歳の時に音楽生活をはじめる。本人いわく、もしピアニストにならなかったら花屋になっていたとのこと。websiteインタビューもくじ率直で明快、愉快で裏のない話ぶり、その生き生きとした口調は彼の音楽そのままのように見えます。自分の好きなもの、求めることに対してストレートに向かっていき、まっすぐな愛情をそそいで自分を熱くする、そこから発せられるエネルギーが作曲の原動力になっているような、そしてそのことを誰より自分が楽しんでいる人、愛すべき存在、それがデイヴィッド・デル・トレディチです。composersこのインタビューはブルース・ダフィーのサイトからの翻訳です。<1990年1月8日、シカゴのオーケストラホール階下にある楽屋にて>インタビューは非常に啓発的なものでした。ゲストのトレディチは自らの作曲のプロセスを、率直にざっくばらんに語り、また音楽一般について、そして自分自身のことや仕事のやり方についても、多くのことを話してくれました。これまでのゲストの多くも、洞察力を存分に見せてくれましたが、25年間のインタビューを見返してみれば、彼はより多くの分野に光を当て、誰よりも詳細にそれを示してくれたように思えます。この作曲家の紹介として、主要オーケストラや室内楽グループとの共演やたくさんの作品のレコーディングのことは、とりあえず脇に置いたとしても、トレディチがピューリッツァー賞の受賞者であることは、ぜひ覚えておいてください。1990年の初めに、デル・トレディチは、室内楽のコンサートに参加するためシカゴにやって来ました。その晩のためのリハーサルが行なわれていた午後、わたしたちは、シカゴのオーケストラホールの階下にある楽屋で話をしました。その夜のコンサートで、わたしは4人の作曲家のディスカッションの司会をしました。長いものになりましたが、参加者全員にとって、楽しく素晴らしいものになったと思います。(ブルース・ダフィー)​*ブルース・ダフィーはこのインタビューで、それぞれの名前をフルネーム(欧文)で書いています。Tredici)のイニシャルが、一昔前の使用禁止になった農業用殺虫剤と重なるという理由からです。2019年現在、DDTを知らない人も多いと思いますし、作曲家自身のウェブサイトでもDDTが一部で使われていたことから、本サイトではこれまで通りのイニシャル表記にしました。​ブルース・ダフィー(以下BD):人間の声のために曲を書く「喜びと悲しみ」について、まずお尋ねします。デイヴィッド・デル・トレディチ(以下DDT):あー、この質問、素敵な言いまわしだね。わたしの声との関係性っていうのは、わたしの楽曲と同じで独特なんだな。Army』(ソプラノと弦楽四重奏のための作品/1964年)で、ひじょうに難しいものだった。わたしは歌手ではないし、歌い手のこともよく知らなくて、とんでもなく難しいものを書いてしまった。それはたまたまタングルウッド音楽祭のためのもので、主催者が雇った歌手は、フィリス・ブリン=ジュルソンという名の若い女の子だった。彼女はまだどこかで歌ったことがなくて、それで主催者はわたしの曲に彼女を当てたわけ。彼女が楽々とやってのけたんで、わたしは「よっし、彼女のために別の歌を書こう。歌を書くのは簡単だな」と言ったね。Conjure-Verse』(ソプラノとメゾソプラノあるいはカウンターテナーと室内楽団のための作品/1965年)という曲で、それはさらに難しいものだった。次の年に、『Syzygy』(ソプラノ、ホルン、オーケストラのための曲/1966年)という曲を書いたけど、それはもう信じがたいくらい難しいものになった。フィリスときたら易々とそれをやってのけたんで、歌い手というのはそういうものなんだ、と思ってしまった。いうものを書いて、少し経験も積んだのちに、わたしは3頭の白い象(無用の長物)を創ってしまったんだとわかった。彼女以外にこの世界で、この3つを歌える人はいるんだろうかってね。いうわけで、フィリスがわたしの歌曲のスタイルを型作ったと言えると思う。高い音、低い音、楽器のようにあちこち音が飛びまわる、そんな風に書けたからね。いった多様な声、究極の拡張性といったものをいつも声については考えてしまうよ。BD:では今も、他の歌い手たちは、こういう難しいものにチャレンジしてるんでしょうか?DDT:ああ、そうだね。それができる歌手はいつだっているよ。実際、増えてるんじゃないかな。BD:その人たちはうまくやってます?DDT:そうだな、まあ、何につけてもそうだけどね(笑)。できる人もいるけど、そう多くはないね。わたしがいつも面白いなと思うのは、最初の夏にタングルウッドでフィリスに会う前に、もっと普通の歌い手とも出会っていて、「こんなもの歌えない!」て言われたんだ。彼女は歌おうとして、ひどい声を出していた。わたしがもっと保守的な方法で歌を書いていたら、そしてやってきたような展開をしてなかったら、と考えるね。その「もし」というのはすごく興味深くて、それで気づくのは、演奏家というのは作曲家の進む方向を大きく左右するってことだね。歌い手でもいいですけど。​DDT:いいや、フィリスほどの人はいなかったね。誰かがそれをやるのを聞いて、可能だと知れば、われわれ作曲家はそれをやるだけのことなんだな。コンピューターのボタンみたいなものだよ。高い方のA音をポンと押すだけ。作曲をするとき、音楽をつくることに没頭してると、小さな問題(高い方のA音がたくさんあるとか、高い音がつづくとか)は頭から消えてしまう。わたしの場合はそうなんだ。そんなことどうでもいい、ってね。Alice(最後のアリス)』(ソプラノ[増幅された]とフォークグループ[バンジョー、アコーディオン、テルミンなど]と大きなオーケストラのための作品/1974〜1975年)をシカゴ交響楽団のために書く段になって、こう思ってた。「高い方のAは普通の音だ」とね。わたしが気づいてなかったのは、200個もの高いA音がつづけば深刻な問題になるってこと。一人の人間でやるにはってことだけど、でも運のいいことがまた起きて、バーバラ・ヘンドリックスがいたんだ。彼女は高いA音*が簡単に出せた。*高いA音:通常ソプラノは(ピアノの)中央のC音-ドからオクターブ上のA音-ラまでが守備範囲とされる。キーボードの鍵盤を押すみたいに、ポンとボタンを押しさえすればいいっていう。​DDT:まあ、多少はね、でもわたしの好きな音楽はどれも、高いソプラノのものだけど。リヒャルト・シュトラウス*が好きだし、ああいった歌の楽曲はどれも好きなんだ。程度の問題になるだろうね。わたしはボタンを押すだけ、人間的なことは無視だね。こんな風に歌いたいんだ、とかなんとか。*リヒャルト・シュトラウス:交響詩やオペラ作品で知られるドイツの作曲家。1864〜1949年。​BD:作曲家として、声の、あるいは楽器のあらゆる可能性を引き出すことに、責任を感じてるんでしょうか。​DDT:いや、そうじゃない。作曲家の責任とは、声が、あるいは楽器がもっているある側面を見つけることだと思う。作曲家として、わたしがわたし自身になることができる。いった高くて動きまわる声のつづく作品は、わたしの個人的な資質から来ていると思う。男性の声のために作品を書いたことはない。男性の声との関係性がないんだ。合唱曲は書いているけど、それはまたちょっと違うものだね。これを悪いと認めようとは思わないけど、言葉がどのように収まるか、実際、あまり真面目に考えはしない、歌ものを書いてるときにね。​BD:ああ、では何に気を配るのでしょう。​DDT:メロディだね。メロディは正しくあるべきなんだ。多くの作曲家は、たとえそれを認めなくても、そうしてると思うよ。曲を書いているとき、そこで何が歌われるか、何が歌われないか、わたしにはわからない。補助的メロディやハーモニーとともに聞こえてくる旋律がすべてなんだ。詩の進行具合によって、それをどう音楽と分かち合うかがあるね。​たとえば『最後のアリス』の「アクロスティック・ソング」の場合、これは歌ものだけど、わたしは音楽としてまず曲をつくった。それが何かわかってなかった。途中まで進んで、こう思った。それで『不思議の国のアリス』を見にいって、運よく「アクロスティック・ソング」がピッタリだった。終わりの部分はそれに沿って作ったけど、それはわたしが扱っているようなテキストだからできること。ストローフィ*の歌っていわれるもので、一つの詩の連がうまく収まって音楽が定型的であれば、他の場所も同じようにはまってくる。E・E・カミングス*やジョイスみたいな現代ものを置いた場合は、各連が独自すぎて、うまくはまらない。今言っているのは、わたしの書くような音楽の文脈の中では、ということだね。*ストローフィ:詩の構造の基礎に置かれる、2つで1組の交互に現れるスタンザ(詩節、連)を指す(Wikipedia日本語版)。1894〜1962年。​BD:あなたはルイス・キャロルの生まれ変わりで、今もアリスを書きつづけているって感じていません?​DDT:あー、生まれ変わりではあるけど、それについては話さないだろうね。Band「アクロスティック・ソング」トレディチの楽曲の中でも非常に愛されている1曲BD:音楽を書いているとき、それが歌であれ器楽曲であれ、いつもペンの動きはコントロールできているのか、それともペンが実際はあなたの手を動かしているのか。​DDT:また言うけど、その聞き方、好きだな。なるように奮闘してるよ。ペンがわたしを導いてくれるよう、そういう空気をつくろうとしてる。高揚感といったね、意図せずして自分から出てくるもの、それをじっとすわって見ているわけだ。ストラヴィンスキーが『春の祭典』をどうやって書いたか言うときの、その描写がとても好きでね。究極の表現じゃないかな。それがやって来たら、そこにすわって、じっと見るんだ。同時に受け身でいるだけじゃなくて、すごく活動的になっていて、心の中で起きていることのすべてに対して、とても敏感になっている。問題はいかにそれを素早く書き取るかなんだ。自分の脳を、あるいはからだを、ピアノの前にいるならそれが指を通っていって、そしてこう考える。「覚えていられるかな?」とね。熱くなって曲を書いているときは、いつもそれとわかる。いう状態にあるとき書いたものは、だいたいいいものだ。それがやって来たら、そこに現れたものをつかみ取ることだ。いつそれが起きるか、予測できないんだからね。​BD:そういう状態はたくさんあるんでしょうか。ひとたび楽譜になったら、演奏にどれくらいかかるか、わかるんでしょうか。DDT:実際のところ、曲の長さを予測する能力は低いよ。それは自分の曲を、アイディアの連なりとして捉えているからね。一つの章が一つのアイディアでできていれば、それは短いものになる。わたしはピアニストでもあるから、ピアノで弾くけど、オーケストラが演奏するよりずっと速くなるね。『最後のアリス』は40分で弾いたと思う。実際には55分か60分の演奏になったんだけどね。わたしの予測は当たらない。作曲家っていうのは、思うに、みんな時間が計れないって言われてるんじゃないかな。BD:ひとたび作業に入った作品を書き終えるのにどれくらいかかるか、わかります?DDT:いや、わからない。それは神のみぞ知るだね。オーケストレーションや最後の仕上げをやるのより、曲を書くほうが早いのはわかってる。オーケストレーションやすべてのことを楽譜に書き込むのは、空白のページに基本のメロディーやハーモニーを埋めていく以上に、時間がかかるのものだよ。その曲の真髄だからね。BD:ある曲を書こうとして、何かアイディアが浮かんだときというのは、曲全体として現れるのか、それともフレーズごとに出てくるものなのか。DDT:(ちょっと考えて)わたしは奇妙な曲を書いてるから、、、『最後のアリス』のような作品は、いろんなテキストの混合物で。『夏の日のおもいで』(ソプラノとオーケストラのための曲/1980年:『少女アリス:第一部』より)も、1時間くらいの作品だね。いいや、ないね、すでに出来上がってるものを書きつけていくことはないね。『最後のアリス』は5分のアンコール曲として書きはじめた。短い詩だからね、そう思って書いていたんだけど、どうしてか終わりが見つからなかったんだ。これは変奏だな、と思ってやってた。したら変奏曲がつぎつぎ出てきて、そうしたらまた別のものにつながっていって、という風になった。それをやってる間、ずっと何とかしなくちゃって戦っていた。曲を何とかまとめて、ものにしなくちゃ。この長い曲を書いてる間じゅう、ずっとこれをやってたね。ある時点で、わたしは降伏したね。ここにある伸び放題のものは、わたしが作ったんだってわかった。(両者、笑)BD:雑草みたいに伸び放題と。してこんなことになったのか、わからないよ。作曲してるときに、ノートを取ることはよくある。出てきたアイディアをなんでも書きとめるんだ。日誌を書くときみたいに、関連あるなしにこだわりなく、何でも書いておく。2、3ヶ月して、このメモ書きにパターンを見はじめるようになる。別々のアイディアが一つになっていって、ある形式が提案として出てくる。こんな風にして、わたしの曲は展開していく。知りたいとは思わないんだ。意図されたものがあったとしたら、こんな風にはいかないとわかってる。​BD:ではあなたにとって作曲は、探索ですね。​BD:それは聴衆にとっても探索なんでしょうか?​DDT:あー、そうだね、そうなるね。