曲について2019年09月05日あしどめ。今年も台風がよく発生している。ここ数年は奄美や沖縄よりも本土に上陸する台風も増えている。北海道まで台風のまま熱帯低気圧にはならずに到達することも増えた。各地で災害が起こらないことを切に願う。2000年に初めて奄美にライヴで呼んでもらうようになってから台風の発生時期をいつも頭の隅っこに置くようになった。早ければ3月から台風は発生して(今年2019年は1月1日に台風1号が発生している!)11月中旬くらいまでは発生の可能性がある。要するに1年のうちの8ヶ月、1年の3分の2は台風が発生して上陸してもおかしくない状況。2012年にリリースしたハシケンmeet伊藤大地の1stCD『ミチル』に収録した「あしどめ」は台風時のことを歌った歌。大ちゃんの口笛も訊いててのほほんとした歌になったが、台風になるとフェリーや飛行機を始め島の外との交通手段が完全にストップしてしまって物流も止まりスーパーから食品(特に牛乳とパン)が一気に無くなったりする。いったことを含め島での生活のシビアな部分は実際に生活してみないとわからない。そのシビアな面を知って初めてゆるやかな気持ちになれることがあることを知った。2007年にリリースしたアルバム『Hug』に収録した「列車に揺られながら」。「走る人」とはまた違うが(「走る人」についてはこちらも)この曲も私の音楽のルーツの1つであるラテンの要素が入った曲。間奏に出てくるケーナ(ペルーの笛)はSaigenji(サイゲンジ)。2010年11月24日の渋谷でのハシケンフルバンドスタイルでのライヴでもSaigenjiにケーナでゲスト出演してもらっている。ツアーに出てどうしてもいそぐ必要がある時は新幹線や特急も使うが、在来線やバスで「のんびり移動」も好きだ。車窓から見えてくる風景の中、私はそこを通り過ぎていくだけでそこに暮らす人たちと実際に交流できることはほとんどない。空から俯瞰的に見ることができるのなら電車に乗ってる私と私が車窓の風景として見ている中で生活している人たちはかなり近いところに一瞬いるはずだが、その後実際に出会うことができる人はいたとしてもほんの数人だろう。「出会うこと」のない人たちと隣り合わせの哀愁。ツアー中、車窓を彩り流れていくその「哀愁」の風景を見ている。ツアーが始まる度にその風景が様々なことを思い出させ胸をしめつけまた明日への道を切り拓く。今週末からまた旅が始まる。|2019年04月27日てっぺん。2012年4月にリリースしたハシケンmeets伊藤大地『ミチル』に収録した「てっぺん」。その以前にハシケンフルバンドスタイルですでにライヴでは演奏していて、2010年11月24日東京渋谷でのライヴの模様を映像作品にして2012年11月にリリースしたDVD『ハシケン・フルバンドスタイル!!!20101124』に収録されている。「てっぺん」は一気に書き上げた曲。その時感じていたことを1枚のキャンパスにそのままぶちまけたような歌詞だ。今でもその時の気持ちやモチベーションは変わらない。音楽は人が作ろうが自分で作ろうが起爆剤のように作用することがある。「てっぺん」はそういう面を持っている。ライヴの中盤から後半で歌うことが多いが、それがソロでもデュオでもハシケントリオでも、これから盛り上がっていくための「上がる」曲として組み込みたくなる。今度1曲目にやってみようかな(笑)それも全然あり!一緒にやる人で印象や打ち出したいものが変わる曲だなぁとも演奏してて思う。昨年13会場一緒にツアーしたピアノマン・リクオさんとの「てっぺん」は、リクオさんのピアノが入ることで今まで見たことのない、でもどこかでずっと求めていた「てっぺん」の本来の姿を見た気がした。回を重ねるごとにその「てっぺん」具合が増していき天井知らずの「てっぺん」が生まれた。そのことがハシケントリオでの「てっぺん」にもしっかりフィードバックしてトリオの「てっぺん」も底上げした気がする。さらなる「てっぺん」へ。2000年6月リリースのアルバム『限りなくあの空に近い』に収録した「走る人」。この曲ときってもきれないお店がある。うちの姉が店長をしていた赤坂にあったメキシコ民芸品を売るお店「カフェ・イ・アルテ」(コーヒーと芸術<美術>という意味。20代の頃このお店でイベントがあると臨時バイトとして車の運転や棚卸しを手伝っていたりした(カフェ・イ・アルテはこちらにも登場)。常に「カフェ・イ・アルテ」店内ではメキシコ音楽が流れていた。その中で特に私が惹かれたのは「マリアッチ」。マリアッチは音楽のジャンル名ではなく数名から数十名で、トランペット、ギター、バイオリン、低音部パートのギター・ギタロンなどで構成される「楽団」のことを意味するらしい。カフェ・イ・アルテでも販売していた憶えがある「チャロ」と呼ばれてるカッコイイ服装をマリアッチの皆さんは身につけている。マリアッチの奏でる音楽は、かなり哀愁。ラテンの哀愁は本当に大好きだ。私にとって中南米の音楽、特にメキシコ音楽は「男のしょうもなさ・情けなさ」と哀愁のないまぜ、世界一(歌詞の内容はよくわからないけど音楽そのものから「男のしょうもなさ・情けなさ」を感じてしまう)。1987年にアメリカで制作された映画「ラ☆バンバ」を私は確かカフェ・イ・アルテに出入りするようになった後にビデオで観ている。1959年、17歳でこの世を去ったメキシコ系アメリカ人ロック歌手リッチー・ヴァレンスの伝記的映画。この映画の主題歌となった「ラ・バンバ」を始めサウンドトラックのほとんどを演奏したのがメキシコ系アメリカ人バンド「ロス・ロボス」。」(ピストルと心)というアルバムがありそのアナログをほんと擦り切れるくらいまで聴き倒した。この曲はメキシコの公用語であるスペイン語で歌われているが私は好きすぎてスペイン語のまま憶えていて何も見ずに歌うことができる。Amarillas」。カフェ・イ・アルテで聴いたマリアッチとロス・ロボスのアルバムが基本となり、私なりの<猪突猛進>のラブソングの歌詞を載せたのが「走る人」。「走る」イメージは映画「フォレスト・ガンプ」も影響してる気も今書いててしてきた。「走る人」はデビューした時のバンド「Hasiken」ですでにライヴで演奏している。アンサンブル」の目まぐるしく変化していく器楽アレンジもミックスされていると思う。「フィリップ・クーテフ・・・」のアナログも擦り切れるまで聴いたなぁ。実際のレコーディングで特に印象的だったのはハシケンフルバンドスタイルでもドラムを叩いてもらった宮田繁男さん。『限りなくあの空に近い』の中で宮田さんには4曲ドラムを叩いてもらっている。レコーディング前に行われた吉祥寺のリハスタで私は初めて宮田さんと会い、早速レコーディングに参加してもらう予定の4曲のリハが始まった。「走る人」は構成がかなり複雑でテーマのコーラス「ラーララーララララララーララーラ」のところは3・3・2・3・3という感じで拍子が変化していく。基本3拍子だが途中4拍子もまぎれる。宮田さんは複雑な構成の楽譜を一度さらっと見ただけで演奏を始め、2回目には実際に収録された形で完璧に演奏した。自分で作っておいて勝手だが正直この曲のドラムを叩くには、かなり時間が必要だと思っていた。宮田さんは私の予想をはるかに超える形でスムーズにそしてリズムが全く滞ることなく叩いた(今までの経験で、変拍子がからんでくるリズムは下手をするとリズムが「回らなく」なり「途切れ途切れ」のようになってしまう場合があった)。それは宮田さんが高い技術を持っていた上で「歌」をとっても大切にするドラマーだったからだと思う。歌詞の後半「38度線」という言葉が出てくる。この言葉のことでレコーディングが始まってからCDの発売元リスペクレコード高橋社長が「もしかしたらこの38度線ってところ、問題にならないかなぁ?」と心配を始めた。この言葉が意味するのは朝鮮半島にある軍事境界線のことだが「境界線を突破するほど相手のことが大好きな人の勢いを象徴的に描いてる場面であって政治的な意味はないです」と私は社長に伝えた。その話はそれ以来出ず元の歌詞のまま収録されリリースされた。「走る人」は最近だとソロやバイオリンのベチコちゃんとのデュオで演奏する機会が多いけど、『限りなく・・』に収録したバージョンを基本にオーケストラのような大所帯でいつか演奏してみたい。アーティスト名や音楽の専門的なことをたくさん文中に散りばめましたが、気になったことはぜひ調べてくださいね〜。限りなくあの空に近い。2000年6月リリースのアルバム『限りなくあの空に近い』のタイトル曲「限りなくあの空に近い」。この曲はあるテレビ番組への出演がきっかけで生まれた。1996年5月に合計5回毎週放送されたNHK『熱中ホビー百科』にバンド「Hasiken」として出演した。サブタイトルに「地上最強バンド講座」とあり2つの現役高校生バンドと音楽を作ったりライヴをやってみたり。番組の司会は吉本のお笑いコンビ「ペナルティ」。ペナルティのワッキーはギターを弾き語りできたので一緒にギターを弾いて遊んだりもした。ワッキーなかなか上手で楽しかったなぁ。その番組への出演を希望する高校生バンドからの応募が確か10組ほどあって番組の収録が始まる前にその中から2組にしぼる必要があったためオーディションのようなものがあり私もそこに立ち会った。各バンドが出演希望のために書いた用紙に色々好きなバンドやテレビ番組、夢なども書いてあった。私はその当時28歳になったばかりで彼らと10歳から12歳離れていることもありそこに書かれてたことや集まった高校生がとてもまぶしくて新鮮だった憶えがある。選ばれたのは女の子だけで構成された「Sweets」とボーカルやすきくんを中心とした「YASKI」。1週目はリズムについての講座だった。「あんたがたどこさ」をボールをつきながら歌い、ボールが地面についてる時とボールが手に触れてる時でリズムの表裏を感じるという趣旨。3週目に作曲に挑戦する回があって、2組に同じ歌詞を使ってそれぞれ別の曲を作ることにトライしてもらうことになり、私がそのための元の歌詞を書くことになった。その時書いた歌詞が「限りなくあの空に近い」。歌詞を2組に渡し、私は私でこの歌詞に曲をつけていった。番組内で2組にできたてのそれぞれの「限りなくあの空に近い」を演奏もしてもらった。その後私が曲をつけて後にリリースすることになる形の「限りなくあの空に近い」も演奏した。「限りなくあの空に近い」という曲は同じ歌詞で3つの曲が存在している。番組が終わってから「Sweets」のメンバーとは会うことはだんだんなくなったが、やすきくん達はつきあいが続いて私のライヴのオープニングアクトをやってもらったりライヴの手伝いをしてもらったりたくさんお世話になった。一時期全く連絡を取れていない時期もあったけど東日本大震災の後、やすきくんと奥さんの万里子ちゃん、そして「YASKI」のメンバーで番組にも出演してるちえちゃんが熊本の山都(やまと)に移住し有機農業を1から始め音楽も続けているのを知り連絡を取り合った。BAND」と久々に共演をさせてもらった。最近会えてないから次回熊本に行くときはまた会いたいなぁ。伝えたいと思うあらゆる地上の夢がどんどん小さくなってゆくあらゆる地上の夢がどんどん小さくなってゆく限りなくあの空に近い一番高いとこから突然風になっても手を握りしめてるからこわくないここから見渡せるパノラマよりもっと遠くにあるものに一緒に触れてみたいあらゆる地上の夢がどんどん小さくなってゆくあらゆる地上の夢がどんどん小さくなってゆく限りなくあの空に近い一番高いとこから突然風になっても手を握りしめてるからこわくないiTunes『限りなくあの空に近い』(2000年6月リリース)『うた』(2016年10月リリース)沖縄で新録音された「限りなくあの空に近い」収録。|2019年04月11日グランドライフ-7L3EPT-。記念すべきデビュー曲となった「グランドライフ」。この曲の元々のタイトルは「7L3EPT」(セブン・エル・スリー・イー・ピー・ティー)。父親のアマチュア無線の「コールナンバー」が由来だ。「グランドライフ」のサビのメロディが出来上がった場所は実家。1994年のある日、その日実家に帰っていて夜作業が終わって誰もいない業務用蒸し器やあんこを炊く大釜がある部屋でギターを弾き続けていたらサビのメロディが出てきた。この時すぐに思ったことは「ポップすぎるなぁ」だった。今から考えるとポップすぎるとは思わないけど当時はそう強く思い自分には合わないのでは、と考えた。そのあと何回もそのメロディを繰り返して歌っているうちに自分にフィットしていく感覚があって少しずつ歌詞の断片も生まれていった。「三途の川を渡るときに走馬灯のように浮かび上がる思い出やイメージを大好きな人と一緒に見て、最後見送られていく」という曲を書き上げた時にタイトルをどうしようかと悩んだ。1つの言葉に集約するのが難しく、自分で作った曲をどう呼んだらいいかわからないまま時間が過ぎた。ある時父親が知り合いの人たちとやっていたアマチュア無線で使ってるコールナンバーの響きがとても気になった。父親のアマチュア無線のIDナンバーのようなものがたまたま「7L3EPT」だった。これを声に出してみるとなんとも言えない良い響きだった。どこにも属さない感じもして気にいって曲のタイトルにした。95年4月から出演したTVバンドオーディション番組「えびす温泉」は1週目挑戦者として「乳飲みほせ」を演奏した(この番組についてはまた別の機会に)。「乳飲みほせ」と相手のチャンピオンバンドの曲で審査員が「3対3」に割れ同点となった。そこで急きょ番組の司会者だった鈴木慶一さんが1票持つことになり「来週もハシケンを観たい」と言っていただきチャンピオンになれた。2週目「7L3EPT」を演奏した。その時の審査員の皆さんの反応がすごく良かった。音楽のキャリアを積んできた人や音楽の仕事に深く携わっている人に初めて自作の曲を評価されたことで今までにはない身震いをしたことを今でもはっきり思い出せる。歌詞の最初に出てくる「空の穴」は、偶然日本通運の美術品を梱包して輸送するバイトで出かけた上野の東京都美術館の外に展示してあった現代彫刻「マイ・スカイ・ホール」(井上武吉さん・作)を見た時に強い衝撃を受け、そのまま感じたことを歌詞にしている。「マイ・スカイ・ホール」は各地にあり広島でよくライヴをやらせてもらっているオーティス!から歩いていける場所にもある。(広島のマイ・スカイ・ホールについて書かれたもの)2ブロック目のAメロに出てくる「モラ」は、中米に位置するグアテマラの織物。人や動物、鳥などがモチーフになっていて鮮やかないくつもの色の布を重ねて柄に合わせて布をくりぬいてその周囲を細かくまつってあるもの。姉が店長を務めていたメキシコ民芸品屋さん「カフェ・イ・アルテ」で時々バイトをやらせてもらう機会があり「モラ」を初めて見た。「カフェ・イ・アルテ」については「走る人」という曲に関しても深く関わっているのでまた別の機会に。「グランドライフ」は、CDに収録されたものが3バージョンある。95年12月リリースのシングル、96年1月リリースのデビューアルバム『Hasiken』は同じバージョン、98年10月リリース『感謝』のバージョン。沖縄で一発録音された私の弾き語りに尾崎孝さんにラップスティールが重ねていただいた。2016年リリースのベスト盤『うた』のバージョン。このバージョンは全くのソロ。バンドの「Hasiken」として収録したバージョンはその中でも一番時間が短い。短いと言っても6分以上ある。『感謝』や『うた』のバージョンは9分以上。作った時からすでに9分以上の長さがあったが、最初のバージョンが短くなった理由はレコード会社ビクターの意向だ。デビューシングルが9分以上はさすがに長すぎるからできるだけ短くしてほしいとのことだった。あと「7L3EPT」では意味がわからないので普通の人でもわかりやすいタイトルを考えてほしいと言われた。今なら「7L3EPT」の方が変で面白いからこれで行こうという話になると思う(笑)。曲の骨格をできるだけ失わないように短くして(結果さっきの「モラ」が出てくる場所はカットになり間奏や繰り返される部分が少しずつカットされてる)。タイトルは考えてほしいと言われてから数日後ふと浮かんだ「グランドライフ」がそのまま正式なタイトルになり「7L3EPT」は副題として残った。逆に最初のバージョンにはあるのに『感謝』や『うた』のバージョンにはない部分がある。「気づいた時には山の上に・・」から始まるブロックの中で歌われるコーラス部分だ。Hasiken」のメンバーだった姉と上村美保子さん(現・ももなし)が担当している。映画のような手法(同じ情景を映しているのにカメラの視点を変えることで違う意味を観てる人に提示するような方法)を音楽でやってみたくて私が歌うメインとは違う歌詞を2人に歌ってもらっている。下に改めて書いた歌詞の中ではカッコの中に書かれてる。手を振る」は、初めて沖縄に一人旅に出かけた時東京の有明埠頭からフェリーに乗った時出航して岸を離れ夕暮れに染まっていく有明埠頭から手を振る人たちが小さくなっていった情景がモチーフだ。その旅をする以前と後では人生を大きく変えたターニングポイントになりこの歌を作り歌うことで新しい人生を歩き始めた。WATER(映画『2つ目の窓』のテーマ)。2013年10月、奄美大島でほぼ全編撮影された映画『2つ目の窓』(河瀬直美監督作品)。この映画の音楽を担当することになり度々撮影の現場を見させてもらった。この映画がデビュー作となった村上虹郎くんと吉永淳ちゃんの主演2人は本当の恋人のように撮影中も仲良しでとても初々しかった。撮影中にすでにテーマ曲になりえる曲は出来上がっていた。奄美北部にある緑が丘小学校のピアノがある部屋を貸していただき河瀬監督を始めキャストやスタッフの皆さんの前で演奏したこともあった。その時点ではまだはっきりと「これだ!」と言いきれるものではなかった。河瀬監督のテーマ音楽に対するイメージは当初明確ではなかった。河瀬監督の言葉の端々に「映画を見終わった後にもはっきりと印象に残るもの、あとでそのメロディを聴いた時に映画の様々なシーンが思い出されるようなもの」そういう音楽を望んでいることはしっかりと受け取れた。撮影が全て終わり年が明け2014年に入ってもまだテーマ音楽となるメロディは完成しなかった。2014年3月20日頃までに音楽が完成しないと映画の完成に間に合わないいうことだけがはっきりしていた。何回音楽を監督に提出してもOKは出ず・・。2月になり奄美から奈良へ。編集のためにフランスからやってきたティナさんの作業室の隣で私はエレピを弾きながら曲を作り続けた。大阪の吹田に以前から使っていたレコーディングスタジオがありグランドピアノがあることもありそこに奈良から通って録音をしたり河瀬監督の家にあるアップライトピアノを使って曲作りしたり、その時宿泊していたウィークリーマンションでエレピで作曲したり。今思い出してもかなり精神的にもかなりハードな毎日だった。自分の頭で描きたい音楽が鳴っていてもそれをしっかりと表現するまでには自分は至っていないんだということも思い知らされた。3月中旬になり期日が迫っていった。映像の編集のためにパリ入りしていた監督とプロデューサーの澤田さんとスカイプで会話している中で「このままだと間に合わないのでパリに来てください!」ということになった。私がパリに到着する翌日にパリのレコーディングスタジオとフランス人のピアニスト、バイオリニスト、チェリストの3人のスケジュールを押さえてあるという・・。私はフランスに飛ぶための準備をすぐにして3月17日に関西空港からパリ・シャルル・ド・ゴール空港に飛んだ。テーマ曲になりえるメロディは頭の中で鳴っていたので機上でピアノ、バイオリン、チェロ用の楽譜を仕上げていった。今簡単に「楽譜を仕上げていった」と書いたが私は小さいころピアノを習った経験があるものの楽譜を読んですぐに楽器を弾ける人間でもなければ浮かんでるメロディをすぐに楽譜化できるスキルも持ち合わせていない。この時のような場合、本当に「火事場の馬鹿力」が出るんだなぁと改めて思った。無事パリ・シャルル・ド・ゴール空港に到着。私のことを空港で待っていてくれた手配していただいたタクシーに乗ってパリ市内へ。編集が行われてるスタジオへ直行し監督以下パリ側スタッフと会った。その日はご飯だけみんなと一緒に行き休ませてもらって翌日早めにレコーディングスタジオに入りミュージシャンが来る前に機上で書いた楽譜が本当に正しいのかどうか確認する作業をしていった。夕方からミュージシャン3人と初対面。3人とも私が作曲者だと紹介されると、とても敬意をはらってくれて曲の意図をきいてくれて再現してくれそうと最大限努力してくれた。ピアノのダヴィド、バイオリンもダヴィド、チェロのマエヴァ、この3人が初めて目の前で奏でてくれたテーマ曲は、オーケストラもフルでゆうに入れる大きさのレコーディングスタジオに響き渡りとても心地よかった。ヨーロッパの人間が奏でた私のメロディによって私はアジアの人間なんだなぁていうことを再認識させてくれた。オリエンタルなメロディではないのにオリエンタルな香りを強くその時感じた。その日、テーマ音楽とテーマ音楽のメロディを散りばめた各シーンの音楽もその3人のフランスミュージシャンによって奏でられ完成。私の仕事が1つ終わった。テーマ曲録音後の記念撮影。左から私、ダヴィド(バイオリン)、マエヴァ(チェロ)、ダヴィド(ピアノ)、河瀬直美監督2014年フランスでのプレミア上映のリハーサル時のテーマ曲演奏。|2019年04月05日ねころんで空、見てる。1995年リリースの1stアルバム『Hasiken』の2曲目に収録した「ねころんで空、見てる」。この曲はデビュー前、元々オギ(荻原崇弘)とやっていたユニット「うの花」ですでに演奏していた。作曲はオギ(オギのことはこちらもどうぞ)。「うの花」を始めてからオギがまだ歌詞のついてない曲を聴かせてくれた。それまで一度も聴いたこともない響きがする曲。中学、高校、そして東京に出てからもビートルズを中心に聴いてきた私は、世界のいろんな音楽を「ビートルズ」というフィルターを通して聴く癖がついていたように思う。アメリカのブルース、ジャマイカのスカ、インド音楽などは、すでにビートルズが60年代にそれらの音楽スタイルを取り入れた上で咀嚼してビートルズとしてのオリジナリティを加えていた。本当の「ブルース」「スカ」「インド音楽」を聴く前になんとなくの雰囲気を知っているつもりになっていた。ブルース、スカ、インド音楽以外の音楽の中でもビートルズ自体が影響を受けてきたアメリカの音楽「ロックンロール」やボブ・ディランなどビートルズと同世代の音楽もビートルズというフィルターを通して、ちゃんと聴いたことがないのに知ったつもりになっていた。「ねころんで空、見てる」の歌詞なしの原曲をオギが聴かせてくれた時、当時私が聴きだしていたジョニ・ミッチェルに通じるものがあるなぁと思いつつ聴いたことのない響きと構成を持った曲だと感じた。いう経緯で私が歌詞を書くことになったかははっきり憶えていないけど、その曲のメロディや構成が私にとってすごく斬新でトライしてみたくなったのだと思う。Bメロに出てくる「ランラリラリラリランラリ・・」というところはそのスキャットが面白いのでそのまま残した上で歌詞を載せていった。私は自分作曲の曲ほとんどがメロディ先行。同じ作り方をほとんどの曲でやるけど、何しろひたすらそのメロディを車に乗っていようが散歩してようがシャワーを浴びていようが口ずさむ。「ねころんで空、見てる。口ずさむことでメロディが自分のものになりある時ふと歌詞の断片がメロディと言葉のイントネーションが見事に合致して自分が納得するメロディとして奏でられる瞬間が訪れる。そこから全体の歌詞に波及していく。この曲のラストに出てくるタイトルにもなった「ねころんで空、見てる」という言葉がはまった時はとってもうれしかった。「うの花」でライヴで演奏する時は私とオギは2人ともアコギだった。ツインボーカル・ツインギター。ギターに関して言えば、オギは元々弾いていたコード感やフレーズで私はそこにハモったり別の流れを作るフレーズで合わせていた。1stアルバム『Hasiken』に収録する際「うの花」で演奏していた時と構成を変えた。変わってるというか、加わっている。歌が始まる前のイントロの部分を長めにしてフェイドインする形をとった。実はこのイントロ部分のスネアドラムをブラシで叩いているのは私。その時のドラマーの平嶋さんに「スネアをブラシで叩く感じでやってもらえないか」と頼んでみたらイメージがはっきりあるなら自分でやってみたら良いよー!と言ってもらえたので自分で叩かせてもらった。途中のストリングスアレンジはベースの今福さんが担当していてバイオリン2つ、ビオラ、チェロ分の4人分の楽譜も書いてくれた。この曲のためだけに弦楽四重奏の皆さんがスタジオにきてくれた時はかなりテンションが上がった。曲を聴くとレコーディングした時のことが鮮やかによみがえる。最近歌っていないから5月からのライヴで歌っていきたいなぁ。1stアルバム『Hasiken』ラベル:ねころんで空、見てる。|2019年03月13日セッション。1stアルバム『Hasiken』の1曲目に収録した「セッション」は元々は歌詞がなくインスト曲としてユニット「うの花」(うの花を一緒にやっていた荻原崇弘<オギ>に関してはこちらもぜひ)でやっていた。うの花として音楽を担当させてもらった映画「裸足のピクニック」(矢口史靖監督作品)のサントラに収録した「セッション」が原型。うの花のオギが作曲した6拍子のブルース進行の曲で1960年代リー・モーガンやその時代のアメリカのジャズシーンで流行った「ジャズ・ロック」や「ファンキージャズ」とも言われた音楽に近い匂いがした。うの花が活動休止になり93年沖縄民謡を習った後、原曲になかったBメロを私が作って全体の歌詞も考えた。「小舟の舳先は陸(おか)に向かってる」という出だしの歌詞が出た時はめっちゃ興奮した。伝えたかった気持ちがそこに写し取られていたからだ。Bメロに出てくる歌詞は私の故郷・埼玉県秩父の方言が使われている。「なから」は「かなり」の意味。「よいじゃーねー」は「容易ではない(簡単なことでない)」。「わきゃーねー」は「わけがない(簡単、すぐ、時間が短い)」。作った当初、標準語を使うより自分にとって、とても身近な言葉で歌うことで独特のドライヴ感が増したような気がした。大ちゃん(伊藤大地)は高校の自由の森学園在学中に友達の松元大地くんのバンドでこの「セッション」をカバーしている。その縁もあってハシケンmeets伊藤大地の1stCD『ミチル』でライヴと同じ感じで2人で一発録音した。ハシケンハマケンの『TAKARA』に収録した私と浜野くんの唯一の共作「氷河期」。この曲は「氷河期」という言葉がなぜかその当時制作意欲を駆り立てるものとして私の前に登場して、氷河期という言葉に導かれるように歌詞を書いていった。当時、映画「エターナル・サンシャイン」をDVDで観たことも影響があるのかもしれない(エターナル・サンシャインの宣材写真は氷上に寝る男女)。氷の世界に囲まれていて生死を彷徨ってるのにどこか呑気な男女の会話。演劇の脚本を書いたことはないがお芝居の脚本を書いていくような気持ちで歌詞を書き上げていった。男女の会話がいくつか続くがここはできたら二階堂和美さんとデュエットしたいなぁと思いながら書いていった。歌詞が形になり浜野くんに渡したら一週間くらいで曲ができてきた。私には考えつかないコード進行と私がまず使わない高度なテンションが入ったコードが散りばめられ、正直「わざわざ難解な曲作ってきたなぁ」(笑)と思ったけど歌ってみると正にそこには私が描きたかった「氷河期」があった。後半に出てくる「豚骨ラーメン食べたい」という部分は、ある意味普遍性をなくす可能性があるのかなぁと思い歌詞を変えようかと思ったけど結局描きたい世界感には「豚骨ラーメン食べたい」がぴったりだったのでそのままにした。『TAKARA』をリリースしてハシケンハマケンのライヴを観た盟友・河村さんには「あの<豚骨ラーメン食べたい>って歌詞がなければ良い曲なんやけどなぁ」と言われた(笑)。その気持ち、わかる!けどあえて「豚骨ラーメン食べたい」。2番あたりからこの男女は意識が朦朧としてきていて寒さで凍えた体からふりしぼってなんとか出てきた言葉は「豚骨ラーメン」であって欲しかった脚本家としては・・。登場人物の出身は博多だったのかもしれない・・。実際のレコーディングで男女の会話の部分は二階堂さんとデュエットしたいんだけどって浜野くんに伝えると「デモでハシケンさんが一人二役やってるバージョンがなんか気持ち悪くって好きです」という一言に私も「そうか」とうなずき一人二役で歌うことに決めた。『TAKARA』って改めて聴くとオモチャ箱みたいな面白いアルバムだなぁと思う。解像度低めのPVやその中に出てくるアニメは私が制作した。PV内の大ちゃん(伊藤大地)のレコメンドコメントも今となっては貴重だなぁ。浜野くんは俳優業いそがしすぎて実現はなかなか難しいと思うけど、またハシケンハマケンでライヴをやれるなら「氷河期」は極上のバラードとして歌い上げたい。|2019年02月20日ワンナイトサンバ。2005年リリースの『青い月』に収録した「ワンナイトサンバ」のレコーディングはとても思い出深い。『青い月』は盟友・河村博司さんとの共同作品。『青い月』制作時、ほぼ毎日しかも長時間河村さんとお互いの家に寝に帰る以外一緒にいた。『青い月』そして『Hug』のレコーディングは河村さんが在籍していたソウルフラワーユニオンの事務所ブレスト音楽出版の1室を貸していただき行なっている。その部屋は普通のレコーディングスタジオのように防音されてはいないが、独特の良い響きがある広めの部屋で長い時間居ても窮屈になることもなく居心地がよかった。ある日「ワンナイトサンバ」を録音してみたが良い感じのものが中々録れず。録音方法を色々試してるうちに夜中を超え朝を迎えようとしていた。試しにマイクをたった1本設置してその前に座り込む形でガットギターを弾きながら歌った感じが今まで録音されたものより良い雰囲気を醸し出していた。何テイクか続けたかも。作業を続けていて頭もハイになったままだった。録音しながら気になっていたのは、防音されていない部屋なので外の音が入る可能性だった。その部屋があったビルに朝ゴミ収集車がやってくるので、せっかく良いテイクが録れ始めたとしても収集車のエンジン音やバックする時に鳴る「ピー・ピー」のような音が入ってしまうかもしれない。運良く収集車がくる前にベストテイクが録音できた。1本のマイクで歌もギターもいっぺんに録ったこともあり部屋の空間もそのまま記録されたような音。「ワンナイトサンバ」を聴くとあの早朝とその後のまぶしかった朝の光を思い出す。この曲にはトロンボーンが重ねられている。吹いているのは村田陽一さん。「JAGATARA(じゃがたら)」というバンドのメンバーだった村田さんの音を初めて生で聴いたのは約30年前。ご自身のバンドや数々のライヴやレコーディング、至る所でキャリアを積んできた村田さん。最近だと椎名林檎さんのバンドで吹いてる姿を映像で拝見した。『青い月』収録曲で「ワンナイトサンバ」「美しい島(くに)」「扉」の3曲に村田さんがトロンボーンで参加しているが、とりわけ「ワンナイトサンバ」のダビングレコーディング時のことは忘れることができない。あの早朝一発録音してから数日後「ワンナイトサンバ」を一度さらっと聴いただけで村田さんは1曲丸々凄い演奏をし録音した。河村さんと私はその音を聴いて同じように「凄い」と思ったけど、2人共「何かはわからないが<何か>が少し足りない・・」ということと今の演奏を上回るものがまだこの後出るんじゃないかと期待して「もう一度お願いできますか?」と村田さんに伝えた。その言葉を聞いた村田さんはあからさまに不機嫌な感じで「どうして?」と訊いてきた。「えーーーと・・今のも本当に素晴らしいと思うんですがもう一度トライしていただけませんか?」と再度伝えると「この曲のように弱い音でずっと吹き続けると唇が一度でダメになってしまい復帰するのに時間がかかるんだよ。時間を置いてもう一度吹いてもらえることになった。