Des nouvelles du front cinématographique (76) : Figures du populaire, entre défiance et confiance - Communistes libertaires de Seine-Saint-Denis\n<< Communiqué SPPS Le 100ème jour d'occupation... >>\n5 septembre 2012 3 05 /09 /septembre /2012 11:35\nLors d’une communication intitulée « Les usages du ‘‘peuple’’ » et faite à l’occasion d’un colloque à Lausanne au début du mois de février 1982 consacré à la sociologie et l’histoire de l’art, Pierre Bourdieu a développé son point de vue en affirmant préalablement que les catégories de « peuple » ou de « populaire » représentent « des enjeux de lutte entre les intellectuels » (in Choses dites, éd. Minuit-coll. « Le sens commun », 1987, p. 178). Précisément, le recours à ces notions est « le fait de producteurs occupant des positions dominées dans le champ de production » (opus cité, p. 179-180). Certains d’entre eux, par exemple issus du champ littéraire, proposaient dans les années 1930 une « école populiste » représentée par des écrivains comme Eugène Dabit et s’opposant au roman psychologique et mondain de l’époque, pendant que dans le même temps cette même école suscitait l’opprobre de la part de l’« école prolétarienne » figurée par Henri Poulaille pour qui l’école populiste restait imprégnée d’un indécrottable esprit petit-bourgeois. Le sociologue explique également que le champ politique est celui au sein duquel fut et reste le plus symboliquement rentable l’usage du catégorème « peuple ». Les deux plus extrêmes (et antagoniques) formes d’usage politique du populaire ont été historiquement représentées, d’un côté par l’ouvriérisme révolutionnaire, de l’autre par les droites nationales et popuiistes valorisant la figure de l’artisan travaillant à son compte (pensons encore ici à une autre variante idéologico-politique offerte par la figure du « travailleur » proposée par Ernst Jünger et chère à la « révolution conservatrice » allemande des années 1920 : cf. George L. Mosse, un historien méconnu du nazisme ; Des nouvelles du front cinématographique (63) : Metropolis de Fritz Lang (I)). Il faut également ajouter que le champ politique a autorisé la prise de fonction (toujours plus bureaucratisée) de porte-paroles dont, contradictoirement, l’action, autrement dit parler pour le peuple, vise à se substituer à l’autorité pour laquelle on parle en parlant sa place (ibidem, p. 181). C’est enfin que le discours populiste repose souvent sur une forme de « relativisme » qui « a pour effet de faire disparaître les effets de la domination » (idem). Serions-nous donc coincés entre deux visions du populisme ? Entre d’un côté une version (conservatrice) du populisme entendu comme principe de substitution symbolique et politique (de l’impuissance) des classes populaires par (le pouvoir de) la classe technocratique des porte-paroles dès lors poussés à parler (penser, désirer et agir) autoritairement à leur place. Et de l’autre, une version (émancipatrice) du populisme qui verrait plutôt dans les porte-paroles dûment (c’est-à-dire impérativement) mandatés pour jouer le rôle de « médiateur évanouissant » (comme le dirait Slavoj Zizek s’appuyant sur Fredric Jameson) assurant la relève dialectique grâce à laquelle les classes populaires sont autorisées à passer « de l’impuissance à l’impossible » (comme le dirait Alain Badiou inspiré par Jacques Lacan). L’impossible, autrement dit le réel, c’est-à-dire l’acte de rupture avec le réel de la domination, l’existant de l’oppression. Entre les domaines (parfois, souvent) mitoyens de la culture et de la politique, arrivent à se glisser et se faufiler quelques films contemporains dont la visée esthétique, radicalement séparée de tout utilitarisme propagandaire, est de renouveler la question de la représentation du peuple. Sauf que la représentation du peuple doit donc être ici doublement comprise. A la fois au sens d’une mise en images de cinéma exprimant ses conditions et ses contradictions. Comme au sens de l’intronisation politique du groupe des porte-paroles autorisés à parler en lieu et place d’un groupe, ou bien pour le faire symboliquement et politiquement exister comme « classe pour soi » (pour utiliser la reprise marxienne d’une distinction d’origine hégélienne : cf. Relectures de Marx (III) : Les Rapports sociaux de classes d'Alain Bihr), ou bien pour se substituer à lui en fondant l’exercice d’une domination autoritaire. La question plus générale du devenir du peuple se pose enfin à l’aune circonstancielle d’une double absence sociologique comme économique : des urnes (l’abstention croissante depuis trente ans des classes populaires en période électorale : cf. La politisation de l'abstention et l'institution de la démocratie radicale) et des écrans (le glissement progressif de la consommation des biens culturels cinématographiques constaté depuis les années 1950 des classes populaires au bénéfice des classes moyennes).\nTantôt, le peuple est formé des classes populaires parmi les plus marginalisées et dont l’exclusion sociale (sous la forme de la pauvreté), territoriale (sous la forme de la ségrégation) et politique (sous la forme de leur sous-représentation dans les lieux de pouvoir) représente en réalité la pire forme inclusive (comme dans les documentaires fictionnés de Lionel Rogosin : cf. Des nouvelles du front cinématographique (24) : Lionel Rogosin, cinéaste et militant). Tantôt, le peuple est une masse laborieuse, certes anomique car sans travail, mais ouverte aussi à l’événement dont la possibilité émancipatrice peut dialectiquement se renverser en obscure actualité destructrice, en passion nihiliste que viendrait alors seulement suspendre l’apparition éthique du visage de l’autre souffrant (comme chez Béla Tarr : cf. Des nouvelles du front cinématographique (32) : Les Harmonies Werckmeister de Bela Tarr). Tantôt, le peuple s’expose dans la geste d’une communauté minoritaire disséminant le texte poétique de l’écart poitique à partir duquel proposer une refondation sociale radicalement égalitaire (comme chez Rabah Ameur-Zaïmeche : cf. Des nouvelles du front cinématographique (67) : Les Chants de Mandrin). Tantôt, le peuple s’affirme dans une diversité sensible qui, bien qu’elle soit captée par les dispositifs sécuritaires stigmatisant la figure de l’étranger, excède les lignes de démarcation national(ist)es au profit cosmopolitique d’une solidarité sans frontières (comme dans les films de Aki Kaurismäki, Sylvain George, Nicolas Klotz et Elisabeth Perceval : cf. Des nouvelles du front cinématographique (70) : si loin l'étranger, si proche le migrant sans-papiers). C’est que le peuple n’existe pas en soi, comme réalité ontologique incréée. C’est qu’il est effectivement un construit social, le produit d’une lutte entre différents producteurs symboliques, qu’ils soient artistes comme politiciens. Tantôt ceux-ci veulent le faire exister sur le mode conservateur et nationaliste du peuple culturellement (voire racialement) homogène. Tantôt ils désirent le rendre consistant en entendant sous le nom générique de peuple le combat révolutionnaire des classes populaires pour leur émancipation des rapports sociaux de domination (capitaliste et étatique, nationaliste et raciste, hétéro-patriarcale et sexiste) cadenassant leur universelle émancipation. Tantôt encore ces producteurs symboliques souhaitent le dissoudre au nom de la promotion démocratique-libérale de divers groupements à la fois concurrentiels et consensuels (citoyens et publics, clients et consommateurs, lobbys et tribus, tous subsumés sous le terme hégélien de « société civile »). Un constat qui peut se traduire philosophiquement avec l’intellectuel italien Giorgio Agamben (cf. L'état d'exception selon le philosophe Giorgio Agamben) quand il envisage ce qu’il nomme le caractère amphibologique de la notion de peuple (cf. Des nouvelles du front cinématographique (64) : Metropolis de Fritz Lang (II)). L’amphibologie est une figure de style qui, avançant une ambiguïté grammaticale, induit la multiplicité pour une seule et même phrase d’interprétations possibles. Dans son ouvrage intitulé Moyens sans fins. Notes sur la politique, et particulièrement dans l’un des textes qui s’y trouvent et qui est justement intitulé « Qu'est-ce qu'un peuple ? », Giorgio Agamben affirme le fait que l’« amphibologie [est] inhérente à la nature et à la fonction du concept de peuple dans la politique occidentale » (éd. Payot & Rivages, 2002 [1995 pour la première édition], p. 40). Le peuple se trouverait en effet saisi par « une oscillation dialectique entre deux pôles opposés ». Avec « d'une part l'ensemble Peuple comme corps politique intégral, de l'autre le sous-ensemble peuple comme multiplicité fragmentaire de corps besogneux et exclus ». Autrement dit : « là une inclusion qui se prétend sans restes, ici une exclusion qui se sait sans espoir ; à un bout, l'état total des citoyens intégrés et souverains, à l'autre la réserve – cour des miracles ou camp – des misérables, des opprimés, des vaincus » (opus cité., p. 41). S’agit-il de dire que le peuple est identique à l’idée d’unité (a maxima nationale ou communautaire a minima) d'un groupe humain expurgé de toute forme de contradiction et pur de tout reste ? Ou bien s’agit-il d’inférer que le peuple recoupe la partie majoritaire (quantitativement) mais dominée (qualitativement, c’est-à-dire politiquement) d'une totalité dont les dominants en seraient les exclus si le mot peuple était alors considéré comme l'équivalent synonymique du terme marxiste de classe ouvrière ? Puisqu’« un même mot recouvre aussi bien le sujet politique constitutif que la classe qui, de fait sinon de droit, est exclue de la politique » (op. cit., p. 39), on comprend que le peuple consiste donc en une réalité profondément contradictoire et fondamentalement divisée, tant sur le plan des intérêts et des investissements hétérogènes de producteurs symboliques foncièrement antagonistes (Pierre Bourdieu) que sur celui, structural, du langage et de la politique (Giorgio Agamben). La preuve cinématographique contemporaine avec trois exemples antithétiques, Le Grand soir (2012) de Gustave Kervern et Benoît Delépine d’un côté, Le Havre (2011) d'Aki Kaurismäki et Les Neiges du Kilimandjaro (2011) de Robert Guédiguian de l’autre. Trois films qui, le premier raté à l'opposé du deuxième et du troisième, ne le sont que parce qu’ils instruisent différemment (l'un par la défiance et les deux autres par la confiance) la question du peuple. Pour l’un selon la perspective idéologiquement consensuelle d’une absence stigmatisante car congruente avec l’horrible désertification consumériste constatée. Pour les deux autres selon l’optique infiniment moins consensuelle et infiniment plus dialectique du recours matériel et symbolique à la solidarité de l’intérieur même des nouveaux clivages venant fracturer les classes populaires. Où l’on verra que le peuple peut être un objet négatif dont le manque fantasmé induit ou est sous-tendu par un mépris réel (comme dans Le Grand soir). Alors que l’expression dialectique de ses fractures actuelles (par exemple entre nationaux et étrangers ou salariés contractuellement stables et instables) appelle un renouveau solidaire (comme dans Le Havre et Les Neiges du Kilimandjaro) grâce auquel les classes populaires peuvent s’envisager moins comme fractions mises en concurrence que comme peuple dont l’unité n’est réalisable qu’à l’aune d’un double combat. Celui du dépassement social de ses contradictions internes (de l'intérieur des classes populaires) et celui du réinvestissement politique de ses contradictions externes (à la fois entre classes et entre travailleurs nationaux et étrangers - c'est pourquoi nous avons décidé de proposer à nouveau l'analyse du film Le Havre d'Aki Kaurismäki dont nous trouvons qu'il s'articule ici parfaitement avec la nouvelle problématique proposée).\n1/ Le Grand soir (2012) de Gustave Kervern et Benoît Delépine\nBlues antipopulaire du gauchisme sénile actuel\nLe 12 mai 1920, Lénine achevait l’écriture de son fameux opuscule intitulé La Maladie infantile du communisme (« le gauchisme ») (éd. du Progrès, Moscou, 1979). Le texte affiche une virulente critique adressée à la position politique des sections hollandaise, allemande et italienne de la Troisième Internationale qui, défendant le refus de la participation aux élections parlementaires, représentaient pour le leader bolchevique le symptôme d’un recul puéril en regard des exigences de la stratégie communiste sur le plan mondial. Comme une réponse dialectique et polémique à une analyse qui continue encore aujourd’hui de peser sur la stratégie de la participation aux élections des partis communistes (et leur variante trotskyste) n’ayant pas (totalement) rompu avec l'orthodoxie marxiste-léniniste, les frères Daniel et Gabriel Cohn-Bendit écrivirent dans la foulée de Mai 68 Le Gauchisme, remède à la maladie sénile du communisme (éd. Seuil, 1969). Pour inscrire le présent propos dans cette série de pirouettes dialectiques entre orthodoxie communiste et hérésie gauchiste, on affirmera d’emblée que Le Grand soir, le cinquième long-métrage de Gustave Kervern et Benoît Delépine primé après sa présentation acclamée à la section « Un certain regard » du dernier Festival de Cannes (cf. Des nouvelles du front cinématographique (72) : Le cinéma à l'épreuve du Festival de Cannes), exposerait hélas, malgré son titre issu des espoirs révolutionnaires du monde ouvrier, la version non plus juvénile mais désormais sénile du gauchisme actuel (gauchisme que les maos auraient qualifié naguère - autre pirouette dialectique - de droitisme). Gauchiste, le film l’est assurément quand il plante son désir de fiction dans les décors gris et indifférenciés du consumérisme contemporain, dont la captation fragmentaire et documentaire (les vues ont été piochées ici et là entre Aquitaine et Poitou-Charentes) est censée produire le matériau inflammable accumulé en vue d’un incendie social promis durant toute la projection. La visite narquoise de zones commerciales, parkings, chaînes de restaurants franchisées, aires d’autoroute et autres enseignes de la grande distribution aurait pu confirmer les deux auteurs de Aaltra (2004), Avida (2006), Louise-Michel (2008) et Mammuth (2010) dans leur rôle d’« anthropologues de la surmodernité » comme pourrait les qualifier Marc Augé (in Non-lieux. Introduction à une anthropologie de la surmodernité, éd. Seuil, coll. « Librairie du XXe siècle », 1992). Sauf que l’enquête anthropologique de la surmodernité, moulée dans des plans fixes et larges et soutenue par un comique ralenti et distancié inspiré par Jacques Tati, ne débouche pas seulement sur un constat semblable au jeu de mot de Michel Leiris. Soit la modernité synonyme de « merdonité » selon Michel Leiris (in Le Ruban au cou d'Olympia, éd. Gallimard, 1981, p. 284).\nLe Grand soir peut bien rêver d’un retour fantasmatique de la lutte des classes sous la forme inoffensive et ludique d’un western digne des pastiches gauchistes des années 1970. Par exemple, Vent d’est de Jean-Luc Godard et Jean-Pierre Gorin avec notamment Daniel Cohn-Bendit en 1969, Une aventure de Billy le Kid de Luc Moullet en 1971 et Touche pas à la femme blanche ! de Marco Ferreri en 1974. Mais, de toute évidence, elle se fera sans la gueuserie rassemblant ces anonymes qui, ayant trahi la cause de leur propre être de classe, ne sont dès lors aucunement dignes de cet avant-plan susceptible de faire résonner le moindre de leurs mots exprimant une sensibilité ou une subjectivité en lutte, comme de faire briller le moindre de leurs réels actes de courage quotidiens. La lecture d'un ouvrage d'enquête sociologique comme celui de Sophie Béroud, Jean-Michel Denis, Guillaume Desage, Baptiste Giraud et Jérôme Pélisse intitulé La Lutte continue ? (éd. Croquant, coll. « Savoir/Agir », 2008) autorise de rompre avec les clichés relatifs à l'atténuation de la conflictualité dans le monde du travail (On trouvera une lecture de l'ouvrage sur le site des communistes libertaires du 93). Symptomatique est d'ailleurs le recours dans un plan de Hermann Fuster, l'homme qui avait alpagué Nicolas Sarkozy lors d'un déplacement public à Brax (Lot-et-Garonne) le 30 juin 2011 au nom de convictions certaines, et qui tient ici le rôle quelconque et muet d'un vigile de grande surface ! Les quelques airs spectraux d’harmonica venus par-delà le tombeau d’Alain Bashung disent autrement la sénilité du film de Gustave Kervern et Benoît Delépine qui, croyant enterrer l’idée (belle mais inapplicable) d’émancipation populaire (suite au reniement du peuple), ne comprend pas que le thème de « l’impossibilité de la révolution » est logiquement déductible du discours idéologique de la « fin de l’histoire » et de la « disparition de la classe ouvrière ». « Impossibilité de la révolution » telle qu’elle est censée déterminer la réussite du film et telle qu'elle est symptomatiquement défendue comme incontournable vérité par la plupart des critiques de l’émission de cinéma « Le Cercle » présentée sur canal + par l’ancien publiciste Frédéric Beigbeder (ici) Comment ne pas réussir à entendre pourtant que l’impossible est l’autre nom, de Jacques Lacan à Alain Badiou, du réel. « Éleverl’impuissance à l’impossible » peut même précisément écrire Alain Badiou (dans De quoi Sarkozy est-il le nom ? Circonstances 4, éd. Lignes, 2007, p. 54) ? Cette défiance masque une incompréhension signant la sénilité gauchiste d’une vision apolitique et antidialectique qui prête finalement aux classes populaires les défauts qui lui appartiennent en propre. Ce gauchisme de salon qui vire au ressentiment antipopulaire serait à rapprocher de l'analyse faite par Alain Badiou de l'histoire de ces quelques maoïstes revenus de leur fantasme révolutionnaire pour devenir ensuite dans le courant des années 1970 tout à la fois renégats de la cause communiste et suppôts de l'ordre bourgeois existant (cf. Eric Hazan, Changement de propriétaire. La guerre civile continue, Editions du Seuil, 2007, p. 86-99).\nLe plus remarquable enfin, parce que le plus symptomatique politiquement, des tares du Grand soir concerne l’usage voulu pop et désinvolte des logos publicitaires. Au cœur du désert consumériste où se seraient donc évanouies, comme dans un vortex, les classes populaires, ouvrières et paysannes, et dans une perspective esthétique qui se voudrait probablement l’héritière des détournements situationnistes, il s’agirait donc d’entretenir la flamme anarchiste telle qu’elle se dit dans l’un des derniers plans du film (c’est la phrase « We Are Not Dead » écrite avec des lettres volées à diverses enseignes publicitaires). Et telle qu’elle est symbolisée avec la roulade de la botte de foin en feu embrasant le plan noir final du film dont le flottement évoque bien sûr celui du drapeau anarchiste. Dans la même émission télévisée de critique de cinéma citée précédemment, certains se gobergeaient du fait que les grandes enseignes aient été capables de se prêter au jeu prétendument subversif proposé par Gustave Kervern et Benoît Delépine. Il suffit pourtant de prêter un peu d’attention au générique-fin de leur film pour reconnaître dans la catégorie des remerciements les noms des grandes entreprises commerciales qui ont pignon dans les espaces périurbains et sur les aires d’autoroutes notamment. La logique stratégique de ces dernières les aura donc autorisées à nouer un accord contractuel avec les auteurs du détournement parce qu’il s’est agi pour elles d’espérer gagner beaucoup plus sur le plan symbolique, à partir du moment où la récupération viendrait dialectiquement retourner à leur avantage publicitaire la tactique du détournement (retournement dialectique qui se trouve du coup confirmé par la déclaration du critique dans l’émission « Le Cercle »). Le gauchisme sénile se mue en sénilité post-gauchiste dans un constat digne des essais de Daniel Bell aux Etats-Unis et d’Alain Finkielkraut en France. Relative à la stigmatisation des classes populaires, ces abandonnées volontaires de la servitude consumériste que la culture légitime ne peut plus sauver, cette vision méprisante se confond avec une naïveté toute infantile s’agissant de la stratégie commerciale des entreprises. Il faut en ce sens rappeler ici les exercices didactiques de montage dialectique opérées dans les films réellement pop et ravageurs de Jean-Luc Godard (par exemple Made In USA en 1966 et Week-end en 1967) qui détournaient déjà les lettres et les logos des grands groupes capitalistes de son temps (par exemple « Esso = SS », le tigre comme symbole à la fois sympathique et agressif de l’entreprise d’exploitation pétrolière étant alors comparé aux « tigres de papier » chers à Mao Tsé-toung). Mais ces détournements s’effectuaient, à l’instar des collages photographiques choc de John Heartfield (cf. Jacques Rancière, Malaise dans l’esthétique, éd. Galilée, 2004, p. 67), au nom d’une critique radicale de l’impérialisme occidental et de ses intérêts économiques qui, en toute logique militante, se contrefichait comme d’une guigne de rendre contractuellement des comptes aux entreprises ciblées et attaquées. Rien de tel dans Le Grand soir qui, désirant à tout prix susciter l'adhésion sur le dos d'un peuple pour l'occasion deux fois tondu (c'est-dire moqué pour son abêtissement consumériste, autrement dit méprisé pour sa faiblesse), ne propose pas de discuter des détournements effectués. Le film atteste seulement du fait que ses auteurs ont gentiment demandé la permission de moquer des groupes capitalistes qui, pour des raisons strictes de publicité, ne pouvaient que se satisfaire du sympathique service rendu par des réalisateurs devenus pour l’occasion d’efficaces communicants. Tout irait donc pour le pire dans le pire des mondes capitalistes, celui au sein duquel l'ennemi politique est le prolétariat corrompu par le « système » (la critique du « système » s'identifiant alors à la moquerie de ses perdants comme, retournée et récupérée, elle se confond avec sa justification).\n2/ Le Havre (2011) d’Aki Kaurismäki\nLe bleu du peuple\nLe terme de populisme souffre d’une dépréciation idéologique accomplie par des intellectuels « antitotalitaires » comme Pierre-André Taguieff, à la fois persuadés que les extrêmes (gauche et droite) se touchent et se confondent, et que le peuple est censé désirer l’autoritarisme de l’un ou l’autre bord politique. Le discrédit jeté sur l’appel au peuple n’empêche pas de rappeler que le populisme a historiquement désigné le courant artistique (particulièrement littéraire) puis politique qui, dans le courant du 19ème siècle, en Russie comme aux Etats-Unis, et avant l’imposition du discours marxiste au sein du mouvement ouvrier international, défendait la cause du peuple des travailleurs opprimés. Il aura fallu attendre le précieux travail de la politiste Annie Collovald (Le « Populisme du FN » : un dangereux contresens, éd. Croquant, 2004) pour arracher de la nécessaire critique du nationalisme raciste du Front National le terme de populisme afin de neutraliser le trope dominant de la politologie médiatique selon lequel les masses populaires seraient forcément autoritaires et dès lors censément désireuses de la solution politique la plus brutale. Il est certain que le terme de peuple est retors, bien plus ambivalent politiquement que le concept marxiste de classe. Son caractère amphibologique, comme l’a fait justement remarquer Giorgio Agamben, induit « une oscillation dialectique entre deux pôles opposés : d'une part l'ensemble Peuple comme corps politique intégral, de l'autre le sous-ensemble peuple comme multiplicité fragmentaire de corps besogneux et exclus » (in Moyens sans fins. Notes sur la politique éd. Payot & Rivages, 2002 [1995 pour la première édition]), p. 41). A partir de cette fracture (« biopolitique » ajouterait Giorgio Agamben dans la continuité philosophique de Michel Foucault) entre deux acceptions antagoniques, et sur la base disjonctive de l’élection politique de la seconde acception contre la première (non pas le Peuple mais le peuple, autrement dit les classes populaires si l’on veut fondre populisme et communisme), nous n’hésitons pas à affirmer que les œuvres cinématographiques, entre autres de John Ford et Pier Paolo Pasolini hier, de Pedro Costa, d’Aki Kaurismäki et Robert Guédiguian aujourd’hui, sont puissamment populistes. Parce que leur vision respective du peuple distingue celui-ci de son appropriation et de son incorporation étatique. Que l’on ne s’y trompe pas : le succès critique du nouveau long métrage du cinéaste finlandais présenté en compétition officielle lors du dernier Festival de Cannes n’empêche pas aujourd’hui certaines piques de fuser afin de tenter de troubler le concert forcément ambigu de l’éloge consensuel. Si ces piques ratent leur cible (on pense ici particulièrement à l’injuste dureté des critiques de Jean-Philippe Tessé répétées à plusieurs reprises dans les Cahiers du cinéma de décembre 2011, n° 613), c’est qu’elles confondent le consensus critique (souvent rare et toujours minoritaire) avec le consensus idéologique réellement existant. Deux rapprochements fallacieux avancés par Jean-Philippe Tessé afin de décrier la faiblesse de la réelle portée politique du film Le Havre seront aisément réfutables. La référence au film de Jean-Pierre Jeunet, Le Fabuleux destin d’Amélie Poulain (2001), afin de discréditer le film d’Aki Kaurismäki sous prétexte qu’ils conteraient pareillement la fable d’un peuple irréel à l’humanisme pittoresque et vieillot, repose sur l’idée implicite que la ville du Havre aurait été formellement dégraissée de toute sa pâte réelle, à l’instar du Montmartre numériquement nettoyé du film de Jean-Pierre Jeunet. Pourtant, l’esthétique privilégiée par l’auteur de Au loin s’en vont les nuages (1996) ne consiste pas à retrancher du réel filmé, à l’aide de la palette graphique et des effets spéciaux numériques, les signes impurs d’une altérité qui serait dérogatoire en regard de la fiction racontée. Au contraire, il s’agit ici d’ajouter à ce réel les touches colorées (affiches du cirque Fratellini) et picturales (les nuances bleu-clair tant affectionnés par le cinéaste) qui poussent la réalité documentaire du lieu en direction de sa sublimation fictionnelle. La fiction ne consiste donc pas ici à effacer l’impureté ontologique de la réalité comme l’aurait dit André Bazin, mais bien à en radicaliser l’existence pour y planter la possibilité fictionnelle d’autres possibilités existentielles. De la même façon, affirmer l’égalité formelle entre le traitement représentatif des enfants Rom de Polisse (2011) de Maïwenn Le Besco et le jeune migrant originaire du Cameroun du film Le Havre est tout simplement faux. Quels rapports, sinon d’exclusion réciproque, existe-t-il entre la séquence des enfants tirés d’une réalité opprimée afin d’effectuer une danse émouvant les acteurs professionnels dans le film de Maïwenn Le Besco, et celles montrant un enfant dont la seule aspiration pour la réussite de son projet migratoire ne nécessite absolument aucune explicitation ou émotion actorale pour s’accomplir ? Blondin Miguel interprétant Irissa ne propose pas aux acteurs professionnels (André Wilms, Evelyne Didi, Kati Outinen, Jean-Pierre Darroussin, Jean-Pierre Léaud, Pierre Etaix) d’entrer dans la danse mimée de la gaieté consensuelle afin de refouler hors-champ la violence sociale du dehors documentaire. Au contraire, acteur égal aux autres acteurs, il incarne l’un des termes forts d’une collectivité populaire et fragmentaire (une « communauté désœuvrée » dirait Jean-Luc Nancy), ouverte sur son impérieuse capacité à une solidarité dès lors préservée de toute passion ou pression identitaire.\nLe Havre ne propose donc pas une fiction consensuelle qui serait nostalgique (ou compensatoire comme c’est encore le cas avec le symptôme Intouchables, fable de l’ascension sociale qui substitue à la transformation de la structure d’ensemble de la domination l’élection par le fric et l’amitié). Le film offre au contraire à notre regard le contrechamp politiquement salvateur aux représentations médiatiques et policières dominantes selon lesquelles les migrants seraient identifiés à l’indignité d’une vie dégradée provoquant tantôt la crainte xénophobe, tantôt l’apitoiement humaniste, tantôt encore la charité (post)chrétienne. C’est la dernière pique, redondante car adressée à deux reprises dans les Cahiers du cinéma, et elle ne désigne que l’incompétence, sinon la bêtise crasse de son auteur. La séquence de l’ouverture du conteneur dans lequel se cachent depuis plusieurs jours des migrants illégaux serait-elle à ce point « immonde » ou « ignoble » parce qu’elle exposerait les corps propres, bien habillés ou colorés, d’une indignité dès lors formellement inconsistante ? D’une part, les reflets jaunâtres aux pieds des migrants manifestent la réalité d’incompressibles pressions matérielles, en même temps que leur caractère pictural en neutralise la naturalité obscène. La fiction n’est pas ici un substitut compensatoire, mais bien l’instrument dialectique d’une sublimation comme on l’a déjà dit. D’autre part, et corrélativement, la puissance des visages, fermes, durs, volontaires, expose le vêtement symbolique d’une dignité éthique qui disparaît continuellement dans les représentations policières et médiatiques dominantes promouvant l’exhibition obscène d’une humanité déchue dans une souffrance abêtissante. Les migrants frappés par l’état d’exception les cantonnant dans l’invisibilité que sanctionne l’illégalité administrative de leur situation déchoient de trois façons dans cette « vie nue » dont parle Giorgio Agamben : à la suite de la précarité de leurs conditions matérielles d’existence, de la violence policière administrée par l’Etat, et enfin de l’enregistrement médiatique de leur avilissement dès lors qu‘il est soustrait de l’analyse de ses raisons objectives. Il n’y a donc aucune nécessité pour un cinéaste d’ajouter une quatrième couche dans la monstration d’une indignité qui ne saurait pour autant faire oublier l’immense dignité dont les migrants font preuve, y compris dans l’épreuve, et qui n’est quant à elle quasiment jamais montrée. La fiction, avec ses personnages improbables et ses couleurs pastel, sa temporalité indécise et son ancrage ouvert aux quatre vents des origines géographiques, sa dramatisation distanciée et son humour pince-sans-rire (La Fée de Dominique Abel et Fiona Gordon y a été récemment tourné), est le voile permettant de voir ce qui, sinon, brûlerait les yeux à force d’obscénité. Comme le bouclier d’Athéna qui permet, comme l’avait noté Siegfried Kracauer dans sa Théorie du film. La Rédemption matérielle de la réalité (éd. Flammarion, 2010), de voir et combattre la Gorgone Méduse sans être hypnotisé et statufié par son regard. La fiction est cet alètheia (ce « dé-voilement » pour user d’un terme heideggerien) qui permet de vêtir une nudité insupportable pour ceux qui la vivent comme pour ceux qui en sont les spectateurs, tout en rendant manifeste le voile oublié de pudeur et de dignité offert par le visage des migrants à ceux qui les offensent, police et chiens de garde médiatiques. C’est le regard informé par la peinture hollandaise de Pedro Costa filmant le peuple abîmé de Fontainhas dans En avant, jeunesse ! (2006). Ce sont les effets de montage ainsi que le noir et blanc contrasté du documentaire épique Qu’ils reposent en révolte (des figures de guerres I) de Sylvain George tourné dans la « jungle » de Calais (dont il est d’ailleurs question dans le film d’Aki Kaurismäki : cf. Des nouvelles du front cinématographique (70) : si loin l'étranger, si proche le migrant sans-papiers). C’est désormais le bleu du film Le Havre.\nL’appropriation partielle d’éléments appartenant à l’esthétique bressonienne, comme la raideur des corps et le statisme des postures, l’anti-psychologie du jeu et la litote dans la fragmentation des plans, ne vise pas à reconduire les signes d’un fétichisme cinéphilique, mais à promouvoir formellement l’accord de fond entre le représenté et la représentation. Ainsi, la droiture de personnages dont la pauvreté matérielle n’empêche pas l’élévation au rang d’inusables archétypes peut s’articuler avec une mise en scène dans le même mouvement économique et idéogrammatique. Le filmage stoïque en à-plats frontaux et découpes incisives n’indique alors pas autre chose que la volonté esthétique d’une mise à plat tant éthique (l’affirmation d’une subjectivité qui est le contraire d’un assujettissement) que politique (la rupture avec l’ordre existant). Rien d’autre à voir que ce qui s’expose, de manière frontale autant que stylisée, et en dehors de toute opposition entre surface et profondeur : soit l’humble dignité des dominés telle qu’elle en vêt et neutralise l’humiliante nudité. De la même façon, l’utilisation picturale des trois couleurs primaires (avec la domination de bleus dont Aki Kaurismäki ne cesse de décliner la palette à chaque film) ne cherche pas seulement à indexer l’évocation de la grande peinture (ici Claude Monet – c’est le nom du flic – dont la fameuse toile peinte en 1872 au Havre, Impression soleil levant, représente l’acte fondateur de l’école impressionniste) sur les processus de légitimation de l’art cinématographique. Le caractère défraîchi des couleurs primaires, loin des dissonances pop de cinéastes des années 1960 comme Jean-Luc Godard, manifeste là encore un effort de stylisation qui vaut comme sublimation : les couleurs ne symbolisent ici rien, sinon qu’elles sont l’expression esthétique de la persistance de quelques idées pouvant ré-enchanter la réalité. L’accord des couleurs (primaires) indiquerait (primordialement) une égalité dans la solidarité qui, malgré leur teinte défraîchie, affirme sa persistance idéelle. Dire du film qu’il est désuet ou vieillot n’informerait du coup que du désir apolitique de parachever la désuétude d’idées, actuellement ternies mais aussi éternellement intempestives, que le film soutient frontalement en les inscrivant, sous la forme stylisée de quelques façades repeintes, dans la réalité documentaire du Havre. C’est d’ailleurs la conjonction de l’actualité (documentaire : du tournage au Havre à la question du sort et du tort politique des migrants illégaux) et de l’inactualité (fictionnelle : la fable de la solidarité populaire par-delà toute séparation nationale) du film d’Aki Kaursmäki qui assure qu’il est notre contemporain, en tant que le contemporain désigne justement, pour Giorgio Agamben (Qu’est-ce que le contemporain ?, éd. Payot & Rivages, 2008), la césure structurale entre l’actuel et l’inactuel, entre le présent et le passé. On se souvient d’ailleurs que L’Homme sans passé, grand succès cannois de l’année 2002, racontait déjà l’histoire d’un personnage qui perdait à la suite d’une agression la mémoire, qui littéralement perdait son passé. Mais c’était pour mieux conquérir un nouveau présent lui ouvrant un avenir insoupçonné : non plus celui de la répétition de la crise conjugale dont il était issu, mais l’avenir politique d’une communauté bricolée au-delà de tout repli individualiste dans la sphère privée. Entre les types de voiture ou de téléphone datant des années 1950 ou des années 1970 et les références au cinéma de Marcel Carné et Jacques Prévert (la conjointe de Marcel Marx s’appelle Arletty et le docteur interprété par Pierre Etaix se nomme aussi Becker), entre une citation littéraire de Franz Kafka et deux chansons de Damia, entre un rock finlandais en musique de fosse et un autre de Little Bob en musique d’orchestre, Aki Kaurismäki balise en poète inspiré un territoire utopique qui, arraché d’attaches nationales (on y croise Finlandais et Camerounais, Vietnamiens, peut-être quelques Belges, et un cerisier final digne de Yasujiro Ozu), se joue des temporalités hétérogènes pour mieux exprimer à la fois l’inactualité de l’idée de solidarité et son caractère éternel. Et cela, malgré toutes les entreprises idéologiques de ternissure. C’est pourquoi, s’agissant de son incarnation populaire, l’idée d’égalité dans la solidarité ne se discute pas. C’est l’aspect le plus radical du film Le Havre : son refus de faire de cette idée un sujet de discussion et de division. La solidarité relève ici d’un impératif catégorique, d’une idée régulatrice et éthique sur laquelle il ne s’agit pas de discutailler. Parce que discuter de la solidarité, c’est céder sur son caractère impératif, c’est ralentir son effectuation. L’horizon de cet impératif populaire, c’est dans le film une couleur : c’est ce bleu kaurismäkien. Et ce bleu émeut, bouleverse, fracasse même tant notre réalité s’en colore si peu. Etre à la hauteur éthique de ce qu’un film expose de manière fulgurante, en dehors de toute identification héroïque puisqu’il s’agit de montrer un enchaînement collectif et anonyme d’actes hétérogène aux enchaînements policiers, c’est soutenir et réaffirmer ce bleu. Et c’est vouloir en intensifier la puissance. Afin que le peuple manque moins et, en existant davantage, n’autorise plus les idéologues médiatiques à parler en son nom pour mieux le rendre silencieux. Que le peuple revienne à la vie après une longue convalescence, telle Arletty. Qu’il refleurisse, tel le cerisier japonais avec lequel se clôt Le Havre. Ce film dont la grandeur, pour parler comme André Malraux, rappelle la grandeur que les pauvres gens ont en eux.\n3/ Les Neiges du Kilimandjaro (2011) de Robert Guédiguian\nLes bleus du peuple\nDepuis Le Dernier été (1981) jusqu'au succès de Marius et Jeannette (1997), Robert Guédi\nguian a su circonscrire un territoire cinématographique singulier dont les dimensions symboliques excèdent son lieu originel d'inscription documentaire, soit le quartier de l'Estaque, pour atteindre à l’universel. Entre la faconde marseillaise héritée du cinéma de Marcel Pagnol et le didactisme militant issue du théâtre de Bertolt Brecht, le cinéaste a su dresser la scène d'un petit théâtre social à l’intérieur duquel la parole populaire se confronte aux nouvelles contradictions d'une époque marquée par l’hégémonie néolibérale et, corrélativement, le reflux du militantisme politique (PCF) et syndical (CGT) jusque-là traditionnel. Le microsystème cinématographique mis au point par Robert Guédiguian se mit à bégayer vers la fin des années 90, tantôt parce qu’il perdait son subtile équilibre esthétique entre pagnolisme et brechtisme au profit d'un didactisme par trop consensuel (A La place du cœur en 1998), tantôt parce qu'il s'amusait volontairement de ses propres errements ou impasses en les déconstruisant sans pour autant réussir à sortir vainqueur de cette mauvaise passe critique (A l'attaque en 2000). La Ville est tranquille (2001) ouvrit alors une nouvelle époque marquée par une plus grande ambition narrative (en l'occurrence ici le film choral aux dimensions marseillaises excédant donc la petite scène de l'Estaque). Après ce film ambitieux et à moitié convainquant, mais s’il témoignait par défaut d’une nette volonté de dépassement, ont succédé trois films parmi les meilleurs jamais réalisés par le cinéaste, Marie-Jo et ses deux amours (2002), Mon père est ingénieur (2004) et Le Promeneur du Champ de Mars (2005). La fable sociale est alors parvenue à se transmuer en allégorie (du) sublime, pour le premier film de l'amour tragiquement réfractaire à tout arrangement conventionnel, pour le deuxième film du militantisme en attente de sa rédemption messianique, pour le troisième film du spectre du socialisme distinct du corps en trop de l’agonisant François Mitterrand. Est venue ensuite une passe de trois films traduisant le désir presque ludique d'expérimentation de formes a priori éloignées des habitudes de la petite maison Guédiguian. D’abord Le Voyage en Arménie (2006) comme un road movie sur les terres natales de la famille du réalisateur. Ensuite Lady Jane (2008) proposant une réflexion à moitié réussie sur le pardon inscrite à l'intérieur d'un film noir comme hérité des années 1970. Enfin L'Armée du crime (2009) portant sur la grande question de la subjectivation militante vectorisée par l’histoire du groupe de résistance communiste formés autour de l'arménien Missak Manouchian pendant la seconde guerre mondiale. Si ce dernier film peinait à s'émanciper d'un pesant académisme « téléfilmesque » concernant la reconstitution historique, il proposait malgré tout de réfléchir sur la nécessité éthique du militantisme politique afin de se libérer de la pulsion vengeresse animant au départ les jeunes hommes regroupés autour de leur leader. Avec son dix-septième long métrage en trente années d'exercice, Robert Guédiguian en revient donc à l'Estaque. Mais il s’agit moins d’en repasser par une sorte de perpétuelle case-départ rassurante que d’en profiter pour problématiser à nouveaux frais, et à partir des expériences cinématographiques accumulées au cours de la dernière décennie, le motif fondamental de la pertinence sur le plan éthique de la nécessité politique de la subjectivité militante. Et ce d'autant plus quand les archaïsmes mythiques propres à la pulsion vengeresse risquent de miner la solidarité ouvrière et d’anéantir l’unité populaire.\nComme on l'aime ce petit peuple de l'Estaque, quand il s'expose sous la forme de la discussion syndicale animée et de la résistance festive face au licenciement collectif. De la célébration amicale de l'un des leurs et de la réunion familiale propice à révéler les contradictions intergénérationnelles entre charges parentales et obligations militantes. Ou encore de la fête ouvrière comme rituel chargé de symboliser (et même performer au sens d’un énoncé performatif : dire c’est faire – cf. Des nouvelles du front cinématographique (49) : Howard Hawks et Joel & Ethan Coen) l’unité toujours menacée d’un groupe social risquant avec le chômage la désagrégation. Comme on est donc heureux de retrouver ces corps qui, malgré le vieillissement, ou plutôt grâce au temps qui passe et marque les visages, incarne de manière si bouleversante la persévérance par-delà la tristesse des temps d'une certaine idée de l'amitié et du collectif, Ariane Ascaride (ici dans le rôle de Marie-Claire), Jean-Pierre Darroussin (dans celui de son époux Michel), Gérard Meylan (dans le rôle de l'ami et beau-frère Raoul). La déclaration d'amour publique du second à la première émeut d'autant plus qu'elle exprime une réelle affection déterminée par l'existence d'un réel collectif (une communauté semblable à celle du cinéma de Rabah Ameur-Zaïmeche – cf. Des nouvelles du front cinématographique (67) : Les Chants de Mandrin) qui permet au cinéma de Guédiguian d'exister depuis trente ans. On en serait presque à vouloir qu'il ne leur arrive rien à ces gens tant ils soutiennent une idée vaillante du collectif, cette idée qui vient parfois à manquer ou peut faire défaut dans nos existences quotidiennes. Même le licenciement de vingt ouvriers de la SNM, Michel inclus, se trouve ressaisi dans une dynamique solidaire qui permet largement de compenser le choc pour ce dernier de la privation d'emploi à cinquante ans. Pourtant, on ne l'avait pas vue, on ne voulait pas la voir, mais elle était pourtant là, la contradiction déniée et refoulée qui guette son retour en obligeant le groupe à redéfinir ainsi ses principes moraux et politiques. Une partie de cartes sympathique dont on aimerait qu'elle dure plus longtemps est brutalement interrompue, comme si la séquence de la mort violente de l'enfant dans Lady Jane venait percuter la célèbre partie de cartes de Marcel Pagnol présente dans Marius (1932). L'argent amassé par les proches de Marie-Claire et Michel afin de leur offrir le voyage en Tanzanie dont ils avaient toujours rêvé (d'où l'amour de l'héroïne pour la chanson de Pascal Danel inspirée par la nouvelle éponyme de Ernest Hemingway écrite en 1936 qui donne son titre au film) aura fait des envieux, y compris parmi le groupes d'ouvriers licenciés dont fait partie Michel. Relevons ici l'intelligence du casting : Grégoire Leprince-Ringuet (dans le rôle de Christophe, l'un des braqueurs de la famille) et Robinson Stévenin (dans celui du commissaire) interprétaient dans L'Armée du crime deux résistants communistes dont le militantisme les arrachait subjectivement à la pente autodestructrice, archaïque et régressive de la vengeance. Aujourd'hui, les mêmes acteurs représentent pour l'un un flic, pour l'autre un voyou, dans tous les cas un peuple dévoyé car inconsistant, sans idéal ni désir subjectif fort.\nA partir de cette situation dramatique, le film Les Neiges du Kilimandjaro articule de manière incisive trois choses décisives. La première, qui d'ailleurs manifeste la subtilité didactique d'un film échappant à toute forme de schématisme, rappelle que la contradiction principale entre salariés (autrement dit travailleurs subordonnés) et employeurs (à qui les précédents ont subordonné leur force de travail pour vivre) telle qu'elle peut déterminer le licenciement collectif au début du film s'est vu substituée par une contradiction secondaire faisant oublier ou refoulant la première. Cette contradiction est celle qui sépare au sein du peuple ouvrier les salariés stables ayant pu accéder à la propriété et jouir le plus des conquis sociaux des soixante dernières années, des salariés instables, forcément plus jeunes (ou issus de l’émigration-immigration), forcément précaires et donc incapables d'une quelconque épargne. C'est sur cette contradiction objectivée par les travaux sociologiques d'Olivier Schwartz (Le Monde privé des ouvriers. Hommes et femmes du Nord, éd. PUF, 1990), d'Olivier Masclet (La Gauche et les cités. Enquête sur un rendez-vous manqué, éd. La Dispute, 2003), de Michel Pialoux et de Stéphane Beaud (Retour sur la condition ouvrière. Enquête aux usines Peugeot de Sochaux-Montbéliard, éd. La Découverte, 1999 ; Violences urbaines, violences sociales. Genèse des nouvelles classes dangereuses, éd. La Découverte, 2005), que surfent les discours de la droite dure et de l'extrême-droite quand ils cherchent à faire oublier la contradiction principale en surinvestissant la contradiction secondaire pour mieux diviser les classes populaires et faire refluer la conscience de leurs intérêts pratiques. Il faut pour le petit peuple d'ouvriers intégrés et stables de l'Estaque sortir des murs de son petit théâtre résidentiel et aller voir du côté des quartiers prolétarisés de Marseille (les quartiers Nord, tant stigmatisés dans les médias, comprennent certes l'Estaque mais ce dernier quartier y apparaît comme la seule poche résidentielle) pour éprouver cette division l'obligeant à repenser ses fondamentaux. C'est le deuxième point qui fait l'intelligence du film de Robert Guédiguian, lorsque Christophe arrêté explique au tribunal à Michel que le principe de sélection par le hasard des vingt ouvriers promis au licenciement collectif pour raisons économiques était profondément injuste. Et cette injustice à été relayée par l'homme qui représente pour son groupe l'intégrité éthique sur le plan militant et syndical. Parce que le hasard ne fonctionne qu'à partir du moment où il s'exerce sur des individus occupant des situations égales. Or, dans le contexte du film, la situation était vouée à l'inégalité des positions, entre Michel bénéficiant de ressources diverses (économiques mais aussi sociales et symboliques) lui permettant de mieux résister à la violence du licenciement que Christophe particulièrement dépourvu de tous ces types de capitaux (pour parler comme Pierre Bourdieu). Michel, dont on connaît l'amour pour le super-héros Spiderman, peut secrètement (ou avec la complicité tacite de Raoul) s'enorgueillir d'avoir manipulé le hasard en ayant pioché un bulletin à son nom lors du vote afin d'être inclus dans les licenciements, mais il doit déchanter quand il comprend implicitement que sa conception de la justice était mois égalitaire que libérale (et même quasiment digne d'un théoricien comme John Rawls). Le hasard en se cas sert moins la démocratie comme le relevait déjà, même si négativement, Platon (comme le rappelle Jacques Rancière dans son livre La Haine de la démocratie, éd. La Fabrique, 2005) qu'il promeut une « inégalité des chances » (pour reprendre l'expression du sociologue libéral Raymond Boudon) dont souffrent davantage les instables que les stables éprouvant la condition ouvrière (cf. Egalité, équité, égalité des chances : de l'ordre des mots).\n« Le secrétaire de l'Union des Ecrivains\nEt d'en élire un autre ? ». On reconnaît là le fameux poème de Bertolt Brecht intitulé La Solution (in Poèmes. 7, 1948-1956, éd. L’Arche, 2000, p. 11). La dissolution est expressément du côté du film Le Grand soir, ces derniers se méprenant sur leurs propres visées puisqu’ils croient politiquement contester une désertification sociale là où ils instruisent idéologiquement la dissolution symbolique du peuple. A l’opposé, du côté des films Le Havre ainsi que Les Neiges du Kilimandjaro, il s’agit de réinscrire dans le domaine des fictions populaires nationales le récit du peuple en ses contradictions (nationales, salariales), leur expression autorisant justement la nécessité de la reprise ou de la relève dialectique de l’apparition du peuple compris comme classes populaires en tant que sujet divisé d’une histoire qu’il subit autant qu’ils peut aussi en réécrire la narrativisation. Entre la vision défiante d’un peuple inconsistant (et stigmatisé comme tel) proposé par le film de Gustave Kerven et Benoît Delépine et celle d’un peuple consistant dans les films d'Aki Kaurismäki et de Robert Guédiguian en tant que classes populaires travaillées par le double jeu (interne et externe) de leurs contradictions, réside l’intervalle propice à l’affirmation, en regard des formes consensuelles de stigmatisation et de résignation à l'adresse du populaire, d’une décision politique qui, quoi qu’il arrive, ne cédera jamais sur la « confiance du peuple » (Slavoj Zizek, Pour défendre les causes perdues, éd. Flammarion-coll. « La bibliothèque des savoirs », 2012 [2008 pour l'édition originale], p. 312).


Joyce Carol Oates Achat Livre : Les chutes - Joyce Carol Oates Au matin de sa nuit de noces, Ariah Littrell découvre que son époux s'est jeté dans les chutes du Niagara. Durant sept jours et sept nuits, elle erre au bord du gouffre, à la recherche de son destin brisé. Celle que l'on surnomme désormais « la Veuve blanche des Chutes » attire pourtant l'attention d'un brillant avocat. Une passion aussi improbable qu'absolue les entraîne, mais la malédiction rôde...\nPrix Femina étranger 2005 En savoir plus\nJoyce Carol Oates Veuillez patienter...\nLivre, 704 pages, Couverture souple. 11 x 18 cm Référence :\nAchat Livre : Les chutes -\nJoyce Carol Oates À propos de l’auteur\nJoyce Carol Oates Née en 1938 à l'ouest du Lac Erié (dans le voisinage immédiat des Chutes du Niagara), Joyce Carol Oates est membre de l'Académie américaine des Arts et des Lettres, professeur de littérature à Princeton et l'auteur d'une œuvre considérable (romans, essais, pièces de théâtre, nouvelles, poésie) qui l'a placée au premier rang des écrivains contemporains.\nVoir les autres titres de : Joyce Carol Oates Vos avis\nJe me suis arrêtée à la page 117............marre de lire 3 ou 4 fois la même scène écrite avec des mots différents. Un déroulement trop long, des personnages fades et des anecdotes qui ne servent à rien sur les personnages . Je finirai ce livre quand je n'en aurai plus d'autre à lire. Première et dernière commande sur cet auteur. CLAUDINE LIABOEUF


Guide pratique du comportement du chien : Votre chien vous parle !: Almouggar.com: Edith Beaumont-Graff, Nicolas Massal: Livres\nde Edith Beaumont-Graff , Nicolas Massal\nPermalien : http://almouggar.com/product.php?id_product=156326\nArticle : Guide pratique du comportement du chien de Edith Beaumont-Graff , Nicolas Massal\nEdith Beaumont-Graff (Auteur), Nicolas Massal (Auteur)\nDescription de "Guide pratique du comportement du chien "\nPrésentation de Guide pratique du comportement du chien\nVotre chien urine sur le tapis du salon. "Le ferait-il exprès pour vous embêter?" En promenade, il tire tellement sur sa laisse que vous n'arrivez pas à le retenir. "Cherche-t-il à vous dominer?" Laissé seul toute la journée, il aboie sans discontinuer ou saccage l'appartement. "Pourquoi est-il incapable d'être sage?". Un grand nombre de difficultés entre maître et chien relèvent de problèmes de communication. Êtes-vous sûr de bien comprendre ce qu'exprime votre chien? À travers 12 séquences de la vie quotidienne, ce livre vous invite à découvrir comment "fonctionne" un chien : Quelles émotions ressent-il? Que peut-il mémoriser? Comment apprend-il ? Quels sont ses codes sociaux et son organisation hiérarchique? Lui apprendre la propreté, doser récompenses et punitions, le faire obéir aux ordres, mieux gérer les séparations, le faire marcher en laisse sans qu'il tire, lui faire rapporter un objet... Vous trouverez aussi dans ce guide des outils, trucs et techniques pour bien vous faire comprendre et prévenir d'éventuels troubles du comportement.\nEditeur : Eyrolles Paru le : 28 avril 2006\nISBN : 2708136372\nEAN13 : 9782708136373\nD'autres livres de Edith Beaumont-Graff\nA travers les aventures de Simoun, le héros félin de ce livre, les auteurs, vétérinaires comportementalistes, vous donnent les clés biologiques et psychologiques pour comprendre votre chat : ses comportements, ses besoins, sa façon de penser, sa vie émotionnelle... Ils vous fournissent de tr�...\nGuide pratque du comportement du chat : Comprendre votre chat\n"Le chat est solitaire par nature et n'a pas besoin de compagnie." "Le chat ne se dresse pas, il n'en fait qu'à sa tête." Souvent présenté comme indépendant et détaché, le chat peut en réalité nouer des relations très étroites avec ses maîtres. Ces liens d'attachement le rendent notammen...\nVoir tous les livres de Edith Beaumont-Graff\nChiens - Moeurs et comportement\nChiens - Dressage


Les Schtroumpfs 2: le retour des petits bonshommes bleus | La Presse\nLa Schtroumpfette fait la rencontre de deux nouveaux personnages, Vexie et Hackus, dans un magasin de bonbons à Paris.\nDans Les Schtroumpfs 2, qui a été tourné à Montréal l'an dernier, de nouveaux personnages font leur apparition, la Schtroumpfette se la joue vilaine et Gargamel est toujours schtroumpfement méchant.\nLe producteur des Schtroumpfs, Jordan Kerner, s'attendait à ce que le premier film, sorti il y a deux ans, soit un grand succès. Mais jamais de cette ampleur. «Le studio espérait 350 millions au box-office mondial. Moi, je me disais qu'en bas de 400 millions, je me sentirais mal. Finalement, on a fait plus de 550 millions, presque 600...»\nJordan Kerner était fier de son coup, surtout qu'il adore les Schtroumpfs depuis longtemps - il a entre autres contribué à la création de la série d'animation qui a meublé les samedis matin de milliers de petits Américains à NBC pendant les années 80, et qui fait encore le délice des enfants partout dans le monde.\nIl lui a fallu des années de négociations avec la fille de Peyo, Véronique, pour obtenir enfin les droits pour le cinéma. «Chaque fois que j'ai fait un film à partir d'oeuvres existantes, comme George of the Jungle ou Fried Green Tomatoes, mon premier souci a été de m'assurer que la descendance des auteurs soit d'accord.»\nC'est lorsqu'elle a vu le scénario de Charlotte's Web en 2003 que Véronique Peyo a accepté de faire confiance à Jordan Kerner. «Je lui ai dit: ne vous inquiétez pas, on va prendre soin des Schtroumpfs.» Depuis, il n'a cessé de la consulter lors de chaque étape de travail, de l'écriture du scénario au casting. «Pour moi, c'est une partenaire. Et nous sommes devenus amis, sa famille est ma famille.»\nLa grande nouveauté de ce nouvel opus, qui est toujours un mélange de prises de vue traditionnelles et d'animation, est l'apparition de deux nouveaux personnages délinquants au teint gris, Vexie et Hackus. Gargamel, devenu un magicien célèbre en Europe, les a mis au monde dans le but de capter «l'essence» des Schtroumpfs.\nMais seuls les vrais Schtroumpfs détiennent la «magie bleue». Gargamel va donc faire enlever la Schtroumpfette pour y arriver. Le Grand Schtroumpf demande alors l'aide de Patrick Winslow (Neil Patrick Harris) pour aller la récupérer à Paris...\n«Ils sont si gentils, si attrayants, si mignons! Dans notre monde où tout est noir, des personnages porteurs d'amour, d'espoir, de magie et de plaisir ne peuvent qu'entrer dans le coeur des gens. Et le bleu est une si belle couleur...»\nLe tournage des Schtroumpfs a eu lieu il y a un an à Montréal. «Ils ont tourné pendant trois mois, dans une demi-douzaine de lieux, surtout dans le Vieux-Montréal», explique Hans Fraikin, commissaire national du Bureau de la télévision et du cinéma du Québec.\nPar exemple, un bureau d'avocats situé à l'angle des rues Saint-Pierre et Saint-Sacrement a été transformé en magasin de bonbons, l'hôtel parisien du film est le Saint-Sulpice, et la scène de l'opéra est en fait celle... du théâtre Denise-Pelletier.\nLe producteur ne tarissait pas d'éloges envers les techniciens québécois. «Nous sommes venus ici parce que l'histoire se déroule en grande partie à Paris et que le Vieux-Montréal nous permettait de le recréer. Mais nous avons été impressionnés par l'ambiance de travail, la souplesse, les véritables artistes qui ont travaillé avec nous. En fait, je les amènerais partout avec moi, tout le temps! Je ne peux pas faire de plus grand compliment», affirme Jordan Kerner.\n«C'est une validation du savoir-faire québécois», estime Hans Fraikin. Et la prédiction de Jordan Kerner - «les studios de Mel's seront très occupés par Sony dans les prochaines années» - s'est avérée.\n«Le tournage de White House Down à Montréal, c'est à 100 % le résultat de celui des Schtroumpfs.» Et le troisième volet pourrait aussi en grande partie être filmé à Montréal, même s'il se passe dans un village médiéval. «C'est sur la bonne voie», dit Hans Fraikin.\n> Les Schtroumpfs 2 prendra l'affiche le 31 juillet.


USA: nouvelle hausse des stocks hebdomadaires de pétrole. - Boursorama\nUSA: nouvelle hausse des stocks hebdomadaires de pétrole.\nCercle Finance20/09/2017 à 17:02\n(CercleFinance.com) - Les stocks hebdomadaires de pétrole brut aux Etats-Unis ont à nouveau augmenté, a fait savoir l'Agence américaine d'information sur l'énergie (EIA).\nCette dernière a en effet enregistré une progression de 4,6 millions de barils au titre de la semaine close le 16 septembre, laquelle fait suite à un repli de 5,9 millions la semaine précédente.\nA la suite de cette publication, le cours du baril de pétrole brut WTI livraison novembre avance de 0,7% à 50,3 dollars.


Produits terminés n°24 : Je rachète ou pas ? - La Petite Frenchie blog beauté\nPage d'accueil\tBEAUTÉ\tProduits terminés n°24 : Des petits prix & du BIO.\nAujourd’hui, on fait le point ensemble sur mes derniers produits terminés. Cette fois, il s’agit uniquement de soins et plus précisément pour le visage et le corps. Pour la plupart, on est même sur des marques à petits prix ! Comme d’habitude, il y a des coups de coeur, des déceptions et d’autres qui m’ont laissé indifférente. Découvrez donc tout ça avec moi à travers ce nouvel article. D’ailleurs, j’aimerais vous proposer un nouveau format de produits terminés mais je réfléchis encore ! Si vous avez des envies particulières ou si le format actuel vous plaît toujours, n’hésitez pas à me dire tout ça en commentaires ci-dessous ou à m’envoyer un message sur Instagram. Ainsi, j’aviserai pour les futurs articles 🙂 Le changement de temps en temps, c’est bien aussi, non ?!\nProduits terminés n°24 : Je rachète ou pas ?\nLe packaging : Un format de 500ml qui dure dans le temps et un flacon souple pour prélever facilement le produit.\nL’odeur : Elle est neutre et c’est appréciable pour ce type de produit.\nLe prix : 3,99€ les 500ml\nL’application : Sa formule respecte la peau et ne la sensibilise pas après le démaquillage.\nL’efficacité : Je la trouve moins efficace que celle pour les peaux mixtes à grasses (avec le packaging vert).\nPour voir ou revoir mon article : Revue soins Evoluderm.\nDeep Cleasing Oil DHC*\nLe packaging : Un flacon pompe hyper pratique.\nLa texture : Au contact de l’eau et de la peau, l’huile se transforme en voile lactée.\nL’application : Grâce à cette double texture, elle est hyper agréable à utiliser sur toutes les zones du visage, y compris les yeux.\nL’efficacité : Elle démaquille parfaitement sans piquer les yeux ni agresser ma peau. Tout se fait en douceur et sans laisser de film gras. Bref, je l’adore ! Vous devez absolument la tester pour comprendre de quoi je parle.\nLe prix : 27€ les 200ml. C’est le seul point négatif mais je l’aime tellement qu’elle les vaut largement !\nPour voir ou revoir mon article : Revue routine démaquillante DHC.\nEau micellaire démaquillante BIAFINE*\nLa texture : Fraîche avec une odeur neutre.\nL’efficacité : Ce n’est pas un coup de coeur mais elle remplit son job pour démaquiller le visage, ni plus ni moins.\nL’application : Ce qui m’a davantage plu, c’est son côté apaisant. Idéal pour les peaux sensibles.\nLe prix : Environ 9,80€ les 200ml.\nLe packaging : Joli design mais un peu rigide. J’ai vu plus pratique comme format.\nGommage corps revitalisant FLEURANCE NATURE*\nLa texture : Légère et fondante pour une exfoliation parfaite en douceur.\nL’application : Gommage non abrasif.\nL’odeur : Senteur légèrement épicée.\nFormulation : Produit certifié BIO.\nLe prix : 15,20€ les 150ml.\nPour voir ou revoir mon article : Revue produits soins BIO Fleurance Nature.\nGommage corps The Ritual of Ayurveda RITUALS*\nL’odeur : Fraîche et fleurie\nLa texture : Composé de cristaux de sel, il dépose un léger voile huileux qui permet d’apaiser la peau.\nL’efficacité : Il désincruste en profondeur pour une exfoliation intense. Ma peau est purifiée.\nL’application : Il est très abrasif. Même s’il reste agréable à utiliser en y allant avec délicatesse, on va dire qu’au quotidien, ce n’est pas l’idéal pour moi. Je l’ai donc utilisé 1 fois toutes les 2 semaines à peu près.\nEau de toilette Peau de Pierre STARCK*\nLe packaging : Il éveille les sens et est assez différent de ce qu’on a l’habitude de voir.\nL’odeur : Très masculine avec du caractère, j’adore. On est sur quelque chose de floral et boisé à la fois.\nLa tenue : Pour une eau de toilette, il tient comme une eau de parfum ! Il est vraiment puissant sur la peau.\nLe prix : 59,70€ les 40ml.\nLa disponibilité : Il n’est pas vendu dans les enseignes telles que Sephora, Nocibé ou Marionnaud. Je le trouve uniquement dans la grande parfumerie Julia à Andorre-la-Vieille.\nCrème jour hydratante ADOPT’\nL’odeur : Fraîche et agréable.\nLa texture : Légère et fondante.\nL’application : Apporte une sensation de fraîcheur et pénètre facilement grâce à une matière très fluide.\nL’efficacité : Forte hydratation de la peau.\nLe prix : 11,95€ les 50ml.\nLe packaging : Format pot peu pratique pour ce type de produit.\nCrème hydratante Pure Calmille YVES ROCHER*\nLa texture : Onctueuse et assez épaisse.\nLa formule : Adaptée à tous les types de peau.\nL’application : Agréable à utiliser. Elle ne pénètre pas immédiatement, à privilégier donc le soir.\nLe packaging : Idem que précédemment, je n’aime pas les formats pots surtout pour une crème hydratante.\nL’odeur : Je la trouve un peu forte et j’ai du mal avec cette senteur.\nLa texture : Elle laisse un petit fini collant.\nL’application : Le soir, OK. Pour la journée, je ne valide pas si on se maquille en suivant.\nL’efficacité : Pour ma peau mixte à tendance grasse, je reste dubitative.\nGommage lèvres Sunny Kiss HELLO BODY*\nLe packaging : J’aime beaucoup le design des produits de la marque de manière générale.\nL’odeur : Une senteur d’ananas que j’adore.\nL’application : En même temps qu’elle exfolie, elle laisse un voile huileux qui vient nourrir les lèvres.\nL’efficacité : Ce gommage élimine toutes les peaux mortes, laisse une odeur agréable pour des lèvres hydratées et douces.\nLe prix : Un petit peu cher par rapport à d’autres marques mais il y a souvent des codes promos qui circulent !\nDouche parfumée Eau des Thés ADOPT’*\nLe packaging : Un format pompe pratique pour prélever la matière.\nL’odeur : Légère et fraîche, j’adore ! Cela change des odeurs classiques de gel douche, c’est relaxant.\nL’efficacité : Nettoie très bien la peau sans la dessécher. Ce gel douche apporte douceur et déjà une légère hydratation.\nLe prix : 5,95€ les 290ml.\nGel douche Enchantement Floral LAVERA*\nLe packaging : J’aime beaucoup le design et le format tube à l’envers pour que le produit coule bien.\nL’odeur : Une senteur florale, ce que je préfère. Un mélange de mauve et de thé blanc.\nLa composition : Produit certifié BIO.\nL’efficacité : Encore une fois, on est sur une texture gel mais qui mousse extrêmement bien et surtout qui apporte une douceur pendant et après utilisation.\nLe prix : 5,10€ les 200ml.\nLa disponibilité : Même si on ne retrouve pas la marque en grandes surfaces. Je l’ai trouvé à plusieurs reprises dans des magasins BIO.\nGel douche Candy Blush VILLA BOTANIA*\nLe packaging : Format voyage pratique avec un flacon souple et qui permet de ne pas prélever trop de produit. Design floral très joli.\nL’odeur : Un mélange floral et fruité, une tuerie !\nLa texture : C’est un gel classique mais qui, au contact de l’eau, procure une extrême douceur.\nL’application : Le produit mousse parfaitement, j’ai vraiment adoré l’utiliser entre l’odeur et la texture hyper agréable.\nL’efficacité : Nettoie la peau et laisse surtout un délicat parfum.\nLa disponibilité : Pour le moment, je n’ai trouvé la marque que chez Monoprix et encore je ne suis pas sûre qu’elle y soit encore. Dommage car je rachèterai la gamme Candy Blush sans hésitation !\nPour voir ou revoir mon article : Revue soins gamme Candy Blush Villa Botania.\nHuile Merveilleuse LILAS BLANC*\nLa texture : Très liquide, elle est parfaite à utiliser avec la ventouse Cellublue car elle glisse parfaitement avec. Inutile d’en remettre plusieurs fois.\nL’odeur : À base d’huiles végétales, on est sur un bon mélange fleuri et fruité. Une parfaite harmonie je trouve.\nL’efficacité : Elle apporte souplesse et protection à ma peau et ne laisse surtout pas de fini gras ou collant.\nLa composition : Marque certifié BIO et cruelty free.\nLe prix : 25,90€ les 100ml. Un peu excessif à vu d’oeil mais le format de 30ml m’a duré sur plusieurs mois donc le produit est rentabilisé.\nLe packaging : En verre alors assez fragile. De plus, ce n’est pas le plus pratique pour prélever ce type de produit à la texture huile. On en met vite un peu partout.\nEt toi, quels sont tes derniers produits terminés ? As-tu testé un de ceux présentés dans l’article ?


Tabou Editions - Université X2 : Un style réaliste et humoristique…\nUniversité X2 : Un style réaliste et humoristique…\nVoilà deux ouvrages que j’avais hâte de lire !\nRésultat : le premier m’a apporté beaucoup de plaisir (n’allez rien vous imaginer bande de cochons…) à sa lecture, et le deuxième m’a véritablement couper l’herbe sous le pied… Mon enthousiasme engendré par la première lecture a été sévèrement refroidi en arrivant à la fin du deuxième livre.\nMais n’allez pas croire à une déception ! Loin de là ! Non c’est évidemment autre chose dont seule sa lecture vous procurera.\nLe dessin de Manolo Carot alias aussi « Man » est une merveille. Il éveille admirablement en nous un désir fort, une pulsion presque sauvage, rien que par son trait tout en rondeur et sensualité à la faveur des poitrines dénudées fort généreuses ou bien des mâles extraordinairement équipés…\nSon style réaliste humoristique est efficace, et la fluidité de sa ligne met bien en avant le plaisir de la chair.\nLes mises en scène sont affriolantes, appétissantes, ensorcelantes, et ouvrent l’esprit probablement à certaines idées… il sera donc difficile de ne pas fantasmer lors de la lecture de ces deux tomes.\nPas de couleur, ce qui est dommage car le travail réalisé pour la couverture est alléchant. Cependant le jeu des nuances de gris apportant les ombres et lumières est admirablement bien fait.\nLes héroïnes ont de sacrés caractères et sont particulièrement attachantes. Chacun y trouvera son style et évidement sa préférence.\nBref on ne se lasse pas de ce dessin.\nPour être honnête, j’ai évidemment beaucoup aimé le premier tome. Cette succession d’historiettes dans un monde universitaire est probablement classique, mais laisse la place aux fantasmes. Et les idées de Manolo Carot ne manquent pas d’originalité. A travers les histoires de ce premier opus on se sent libre et joyeux, et cela réveil en nous certaines réminiscences de nos années estudiantines, si comme moi vous n’êtes plus dans ce milieu, ou bien ouvre l’esprit à de possibles expériences pour les plus jeunes…\nPour le tome deux, nos amies franchissent le cap de la vie active. Finis les sauteries et la belle vie, il faut maintenant cravacher pour vivre. Et elles vont s’apercevoir que finalement tout n’est pas tout rose comme l’illustre brillamment l’auteur à la fin de l’ouvrage. Bref le lecteur sera, comme une évidence touché, par ce second volume d’autant plus si comme moi vous avez conservé votre enthousiasme de la lecture du premier.\nLe découpage est particulièrement dynamique, presque vivant, s’offrant tour à tour du classique ou de la superposition fantaisiste. Rien à dire de ce côté-là.\nVous l’aurez compris, j’ai beaucoup apprécié ces deux ouvrages, d’autant que dans le deuxième livre, Manolo Carot nous explique son regard affectueux sur son passage par la revue érotique Kiss Comix, l’ayant ainsi propulsé à une belle carrière internationale.\nVous le connaissez certainement mieux sous le pseudo de « Man » !!\nEt oui, c’est à lui que nous devons trois tomes de la série « Millénium » mais aussi « le client » avec Zidrou.


[Saga] Depuis cent ans, Nikon capte les...\nHigh-tech & électroménager , Multimédia, Nikon\nPlébiscitée par les reporters de guerre comme par les amateurs, l’entreprise nippone s’est forgée la réputation d’une marque mythique de la photographie.\nDavid Douglas Duncan découvre les objectifs Nikon au début des années 50. Le photoreporter de guerre pour Life au Japon est impressionné par la qualité des images produites par Mikki, son assistant japonais, équipé d’un boîtier Leica et d’objectifs Nikkor, une marque de Nikon. Il n’en faudra pas plus pour forger la légende du groupe, portée par les débuts du photojournalisme et des magazines comme Life ou Paris Match. Avant de séduire les photographes, Nikon se nommait Nippon Kogaku Kogyo (Optique japonaise SA), une société qui se lance dans l’optique industrielle le 25 juillet 1917. Il faudra attendre la fin de la Seconde Guerre mondiale et la ruine du Japon pour voir l’entreprise prendre le nom de Nikon et se tourner vers les produits de grande consommation.\nSon premier appareil photo voit le jour en 1948, sous le nom de Nikon 1. En 1959, Nikon sort le Nikon F, premier reflex à objectifs interchangeables. Cet appareil mythique va lancer Nikon dans la production à grande échelle, mais reste cantonné à un usage professionnel. C’est ce reflex qui sauvera le photographe Don McCullin (photo) en arrêtant une balle d’AK-47, au Cambodge, en 1968. Depuis le début des années 80, Nikon s’est attaqué à la numérisation. En 1986, l’entreprise sort un scanner pour numériser les diapositives et, en 1999, un premier reflex numérique, qui fait basculer des professionnels encore attachés à l’argentique.\nL’optique médicale dans le viseur\nEn 2008, Nikon présente le D90, un reflex numérique avec la fonction Live View, qui permet de cadrer avec l’écran arrière. Pour innover toujours, Nikon investit encore 8 % de son chiffre d’affaires en recherche et développement. Depuis novembre dernier, Nikon a sorti une nouvelle gamme de caméras d’action, qui filment à 360°. Si son activité principale reste la photographie, l’entreprise possède des départements dédiés à l’optique, et produit notamment des microscopes et des télescopes. Nikon a ainsi racheté Optos, spécialiste de l’optique médicale, en février 2015.\nCette marque de passionnés était encore leader du marché de la photographie en 2015, en volume et en valeur. En avril 2016, un tremblement de terre a endommagé l’une de ses usines dans la préfecture de Kumamoto, au sud du Japon. Pendant plusieurs mois, Nikon n’a pas pu répondre à la demande. À des milliers de kilomètres de là, dans la Nikon School, son centre de formation parisien ouvert en 2004, ce sont près de 3 000 stagiaires, professionnels comme particuliers, qui ont été formés en 2016 sur des thématiques précises. Nikon a aussi créé en 2010 son festival du film, dont le jury est présidé cette année par Cédric Klapisch, pour récompenser de jeunes vidéastes et des étudiants. À l’occasion des 100 ans de la marque, en juillet, un minisite dédié, un logo et un court film retraçant l’histoire de cet incontournable de la photo sont en ligne. ???\n25 juillet 1917 Création de l’ancêtre de Nikon\n1948 Nikon commercialise son premier appareil photo\n1987 Création de la société Nikon France SAS\n2008 Sortie du D90, un reflex avec un écran à l’arrière\n22 % La PDM en volume à fin novembre 2016 (23 % en valeur)\n25 000 employés dans le monde\n3 000 stagiaires à la Nikon School parisienne en 2016\nSource : Nikon\nLes hybrides à l'assaut de la photo


f1pzy Mar 25 Juin 2013 - 20:09\nBonjour, une fois de + je vous soumet une question que j'ai du mal à trancher, je vais m'attaquer à la renovation de ma porte d'entrée (si l'on peut avoir 2 jours sans pluie...)et je me pose la question peinture ou lasure ? Elle a un peu plus de trente ans, et a toutjours été lasurée, c'est du chêne et est exposée plein sud. la lasure tient 2-3 ans maxi et encore la 3eme année cela donne ce qui est sur la photo, donc pas terrible:\nles fenêtres et P.Fenêtres sont en PVC blanc et les volets roulant en alu, le tout ne forme pas vraiment un ensemble homogène alors faut il se touner vers une peinture (blanche pour être en harmonie avec les fenêtres) ou rester dans les tons bois ou re- lasurer comme elle a toujours été , ton chêne?\ndans un cas comme dans l'autre quelle marque utiliser pour avoir un produit serieux, de bonne qualité ?\nRémi(de la Montagne Noire Mar 25 Juin 2013 - 20:37\nBonsoir. J' ai plusieurs portes du même genre, en châtaigner. J' y mets du Bondex incolore; certes, tous les 3 ans, mais tellement facile! Un très léger ponçage au papier fin, c' est l' affaire d' à peine une heure pour ta porte.\nf1pzy Mar 25 Juin 2013 - 20:59\nperso pour l'avoir fait déjà 4 ou 5 fois je ne met pas 1 H mais une journée, mais jusqu'ici je n'avais pas vraiment le materiel adapté, (ponceuse vibrante du genre chinois) et tout ce qui est moulure et revers d'eau a la main.Et je ne suis jamais parvenu à faire disparaitre ces traces noires que l'on voi un peu partout. je sais d'ou elle proviennent mais impossible de les faire disparaître.\nmerci de ton avis Rémi\njcl Mar 25 Juin 2013 - 21:30\nle drame des boiseries plein sud:D\nQuelque soit l'option peinture ou lasure, je pense que tu n'as guère le choix: ponçage à fond jusqu'au bois "neuf".\nSi les traces noires disparaissent les 2 options sont possibles, sinon seule l'option peinture.\npour la lasure : une couche imprégnation teinte au choix: par ex Cetol hls (sikkens) puis deux couches de finition\ntransparente Cetol filter 7.\nPour la peinture une couche de primer bois puis deux couches de laque acrylique.\nTu dis savoir d'où viennent les traces noires ?\nf1pzy Mar 25 Juin 2013 - 21:46\noui en fait toutes les menuiseries exterieures étaient comme la porte cela provient d'une ancienne usine qui était à proximité (100m) qui fabriquait du charbon de bois avec des cheminées d'une 30 aine de mètres qui recrachaient la fumée de la combustion à l'étoufée du bois. à l'époque, ( 1980 à 1995) les questions d'environnement et de santé public n'interessaient personne. et de plus les normes de l'époque n'étaient pas respectées. Et donc, pendant 15 ans, il ya eu jour et nuit des fumées saturée de goudron qui ce sont déposées partout. d'ou les traces noires. le bois en a été imprégné plus les UV et intempéries, c'est ce qui m'a décidé à changer les fenetres et j'aurais du changer la porte mais a l'époque le financement manquait (et il manque tjrs ...)\nj'ai déjà poncé à blanc, on ne voit plus rien et on croit en être débarassé, mais dès qu'on lasure elles réapparaissent aussitot, j'ai essayé de les faire disparaitre à leau de javel (en théorie ça blanchis) mais ça n'a pas marché.\nc'est pourquoi je me pose la question de la peinture qui opacifierais le bois, par contre j'aurais plus de boulot au décapage dans qq années.\nou prendre une teinte plus foncée car j'ai toujours mis chêne clair, en mettant chêne foncé ou noyer on verrais surement moins ces traces., merci des infos jcl\nf1pzy Mar 25 Juin 2013 - 21:58\nj'ai mëme pas remarqué que je montait en grade...ça s'arrose...\nsangten Mar 25 Juin 2013 - 23:03\nUne belle porte comme ça, en chêne, avec un entourage en pierre, la peindre !!! Anathème !\nperso, j'utilise de la lasure bio. Il faut une teinte au moins chêne clair, pour la protéger des UV qui la font griser. Je suis très exposé, dans le sud-ouest, et ça s'écaille pas mal.\nRécemment, un ami m'a parlé du saturateur. Il m'a dit que c'est mieux que la lasure, parce que ça ne s'écaille pas. Regarde si tu trouves des infos pour ça.\nMais, franchement, peindre une porte comme ça, en voilà de drôles d'idées.\nmaintenant, ce n'est pas ma porte, donc...\nRémi(de la Montagne Noire Mar 25 Juin 2013 - 23:08\nJ' abonde dans le sens de Sangten, d' autant que les taches noires ne me semblent pas si choquantes!\nbricoleux Mer 26 Juin 2013 - 1:19\nj'abonde aussi, en plus elles font partie de l'histoire de la région, et donnent l'occasion d'en parler !\nsuperbe porte ...\nf1pzy Mer 26 Juin 2013 - 7:49\noui... enfin l'histoire de la région on s'en serait bien passé...mais c'est hors sujet, c'est décidé, ce sera lasuré, mais un peu plus foncé que d'habitude, merci de vos avis. c'était la maison d'un menuisier, donc bcp bcp bcp de bois à l'interieur au départ, j'ai remplacé les fenetres bois par du pvc, les volets roulant (tjrs en bois) par de l'alu car je n'avais pas le temps nécessaire pour son entretient malheureusement. et le parquet du salon séjour. et il ya avait de belles portes en chêne au rez de chaussée mais lors d'un cambriolage est sont partie...alors qd je serai un peu plus doué en menuiserie et avec un peu + de materiel je m'attelerai à la tâche.\nf1pzy Sam 29 Juin 2013 - 15:01\nj'ai essayé en vain de trouver des infos sur les saturateurs, qu'est -ce que ce produit ? quelle difference avec une lasure ? , c'est , d'après ce que j'ai compris un produit qui est bcp utilisé pour les terrasses bois ou le mobilier bois, de jardin, est-ce utilisable sur des menuiseries telles que ma porte ? et surtout y a t il un moyen de revenir en arrière ? soit de remettre une lasure par la suite ?\ngaltitou Sam 29 Juin 2013 - 15:52\nj'utilise du saturateur pour traiter les maisons bois et les chalets après décapage total.Dans le milieu des MOB le saturateur est considéré comme le produit haut de gamme . Les lasures et les peintures finissent toujours par s'écailler plus ou moins rapidement et il faut tout recommencer à chaque fois.\nLe saturateur agit par imprégnation du bois lui conférant une protection hydrofuge ? l'avantage c'est qu'au bout de quelques années on peut en repasser après un simple brossage du bois , exit les décapages à n'en plus finir.\nf1pzy Sam 29 Juin 2013 - 16:12\nok, donc je peut en utiliser sans craint sur ma porte d'entrée et porte de garage, si j'arrive à la décaper correctement? y a t il une réference professionnelle à préconiser plus qu'une autre ? (en lasure j'utilisais la marque sikkens , pas sur de l'orthographe) et combien de couches ? jusqu'a refus ? comme je l'ai vu ds differentes vidéos\njcl Sam 29 Juin 2013 - 20:02\nSikkens cetol WF 771 2 couches : 5 ans de protection sur surfaces verticales ?!\nSikkens fait d'excellents produits en général. Vu l'histoire de tes boiseries et afin d'éviter des déboires, je poserais la question à un pro. Un essai préalable serait probablement assez couteux.\nShitopicker Sam 29 Juin 2013 - 20:29\nf1pzy a écrit: j'ai essayé en vain de trouver des infos sur les saturateurs, qu'est -ce que ce produit ? quelle difference avec une lasure ? , c'est , d'après ce que j'ai compris un produit qui est bcp utilisé pour les terrasses bois ou le mobilier bois, de jardin, est-ce utilisable sur des menuiseries telles que ma porte ? et surtout y a t il un moyen de revenir en arrière ? soit de remettre une lasure par la suite ?\nSaturateur : émulsion (mélange de produits non miscible comme la vinaigrette) à base de solvant et d'huiles végétales (huile de lin, tung, ricin...) + agent antifongique + traitement UV +... donne un aspect bois huilé.\ngaltitou Dim 30 Juin 2013 - 8:25\nJ'en ai utilisé un de chez Cecil , sx602 en phase aqueuse , mais orienté Mélèze et Douglas.C'est de plus en plus la tendance des fabricants de limiter l'utilisation des solvants pour des raisons de directives sur l'environnement, et pas que pour le traitement du bois.\nJe n'ai rien de certain en expérience concernant le chêne , traitant plutôt les façades que les menuiseries, mais les marques couramment utilisées en milieu pro sont également Blanchon, Durieu,Textrol,...\n2 liens entre autres :\nJ-Max.fr Dim 30 Juin 2013 - 14:32\nJ'ai longtemps lasuré les boiseries extérieures.\nFranchement, c'est la corvée à décaper et à re-lasurer.\nAujourd'hui, je pose juste une huile de teak une fois par an après une légère abrasion avec un scotch-brite.\nPour le coup, c'est 15mn par ventail et ça tient bien un an.\nbricoleux Dim 30 Juin 2013 - 15:18\nvraiment d'accord avec JM, et j'habite une maison en bois !\nen plus, quand on decape et relasure, les teintes ne sont plus jamais uniformes.\nShitopicker Mar 2 Juil 2013 - 0:53\ngaltitou a écrit: J'en ai utilisé un de chez Cecil , sx602 en phase aqueuse , mais orienté Mélèze et Douglas.C'est de plus en plus la tendance des fabricants de limiter l'utilisation des solvants pour des raisons de directives sur l'environnement, et pas que pour le traitement du bois.\nL'eau est un solvant, le plus utilisé ----> émulsion avec l'huile\nf1pzy Mar 2 Juil 2013 - 7:43\nAh, et bien si juste une huile peut protèger le bois ce serais super, d'autant plus que si 'est aussi rapide et simple à nettoyer et remettre une couche l'année suivante, ds ma jeunesse, j'en ai passé des heures de ponçage et lasurage...c'étais le boulot de l'été à la maison... une année les volets, la seconde les fenêtres et la 3eme les portes... et on recommençait le cycle...En effet une vraie corvée , pour cela que j'ai remplacé une partie des menuiseries par du pvc et de l'alu, j'en ai été un peu dégouté... même si c'est un peu moins beau. merci des toutes ces infos je posterai quelques photos d'ici peu avant / après, je vais chercher quelques feuilles de papier de verre cet après midi.\nf1pzy Dim 7 Juil 2013 - 8:21\nBon c'est vraiment l'ete cette fois , mercredi et jeudi je suis en repos et j' attaque le ponçage de ma porte d'entrée, je posterai quelques photos à l'issue du style avant et après, à ce sujet quelle granulometrie faut il il utiliser pour le ponçage ? je pensais commencer avec du 120 puis un 2eme passage avec du 180. suis-je dans le vrai ?\nRémi(de la Montagne Noire Dim 7 Juil 2013 - 10:40\nCa dépend de la qualité de l' abrasif mais, sur le principe, c' est ça.\njcl Dim 7 Juil 2013 - 11:11\nf1pzy a écrit: Bon c'est vraiment l'ete cette fois , mercredi et jeudi je suis en repos et j' attaque le ponçage de ma porte d'entrée, je posterai quelques photos à l'issue du style avant et après, à ce sujet quelle granulometrie faut il il utiliser pour le ponçage ? je pensais commencer avec du 120 puis un 2eme passage avec du 180. suis-je dans le vrai ?\nFais un essai évidemment mais pour mettre le bois à nu je crois que tu as intérêt à avoir aussi du 60 et même du 40 pour certaines zones\nRémi(de la Montagne Noire Dim 7 Juil 2013 - 13:02\nRemettre le bois à nu me paraît bien difficile; ou alors, ce sera un travail de romain! Utilise une cale de ponçage et fais pour le mieux, mais n' espère pas la perfection; tu t' épuiserais et tu serais déçu. Malgré tout, bon courage!


Vous cherchez le meilleur scooter de mobilité de valeur pour vous-même ou un proche qui est facile à transporter, sans sacrifier la qualité ou la maniabilité? Que vous ou votre proche a besoin d'aide pour se déplacer de la maison et du shopping ou des désirs de la liberté de Voyage et suivre la famille, Voyage librement dans le confort et le style! Ce scooter Voyage dispose d'un attrayant siège simili cuir entièrement rembourré qui offre une hauteur réglable pour les utilisateurs de costume de presque toutes les hauteurs, ainsi que les accoudoirs rembourrés que jusqu'à feuilles mobiles pour l'embarquement pratique et sortie du scooter et un panier avant pratique pour ranger loin objets personnels. Conçu pour être facile à transporter, il peut être rapidement démonter en 5 pièces légères, qui correspondent facilement dans le coffre d'une moyenne ..\n3 mobilité roue scooter électrique fauteuil roulant mobile pour adultes personnes âgées. Conçu pour être facile à transporter, il peut être rapidement démonter en 5 morceaux légers, qui correspondent facilement dans le coffre d'une berline de taille moyenne. Modèle double peut changer rapidement. Configuration 2.3 roue offre une stabilité supplémentaire. Rapide et facile de démontage en 4 morceaux faciles à transporter.\nGamme de Kilométrage: environ 13 miles. Capacité de poids: 265 lbs. Max angle de montée: 9 °. Vitesse avant: 3.73 mph. Vitesse inverse: 2,17 mph rayon de braquage: 53.75\_Batterie: Chargeur 12v / 12ah x 2: hors-bord, 2a moteur specfication: 24v, 180w. 24 freins hp: freins en mode roue libre électromagnétique oui avant / roues arrière: 8\_Électrique, pneus non tachant, batterie amovible, le siège pivotant. Ou bien, vous pouvez choisir d'avoir un remplacement. Nous vous répondrons dès que possible.\nNotre objectif est de fournir un service à la clientèle de niveau, normalement donc nous ferons de notre mieux pour résoudre tout problème que vous avez. L'élément " 3 mobilité roue scooter électrique fauteuil roulant mobile pour adultes personnes âgées " est en vente depuis lundi, 6 juillet 2020. Cet article est dans la catégorie " Santé et beauté \_ médicale et mobilité \_ mobilité / équipement de marche \_ scooters de mobilité ".\nLe vendeur est " auto_daddy2020 " et se trouve dans walton, kentucky. Cet article peut être expédié aux États-Unis.


Les Chasseurs de sève - Commentaires et critiques\nCommentaire\tajouté par Nausicaah 2019-04-22T23:20:15+02:00\nLes Chasseurs de sève de Laurent Genefort\nLaurent Genefort est un auteur de SF français que j'apprécie énormément, pour ces nombreux oneshots, dans des univers foisonnants d'imagination, tant au niveau de la flore que de la faune. Ces scénarios tiennent la route, ses personnages sont complexes, mais...\nMais pas les chasseurs de sève. Une exception à la règle?\nEn tout cas, niveau flore, Les chasseurs de Sève est aussi complet qu'une encyclopédie, mais c'est trop. Parce que le récit n'offre qu'une suite de description, parfois complexes à suivre, entrecoupées par les actions des personnages. L'écriture n'est pas mauvaise mais elle n'est pas concentrée sur le scénario. De plus, j'ai eu du mal à me situer dans le livre, par rapport aux descriptions. Par moment je n'avais aucune idée d'où se trouvaient les personnages, sur quels endroits de l'arbre, ... J'avais l'impression qu'ils passaient d'un plan horizontal à un plan vertical et inversement. Bref, les descriptions m'ont perdue de nombreuses fois.\nLe scénario lui-même est poussif au début, ce n'est que dans les toutes dernières pages que celui-ci prend le lecteur à revers, mais malheureusement, c'est beaucoup trop tard pour récupérer l'histoire dans l'ensemble. Les personnages ne sont pas vraiment complexes et le personnage principal m'a clairement fait "sortir" du livre.Spoiler(cliquez pour révéler) En effet, je n'arrive pas à comprendre pourquoi, après avoir vu son famil être détruit par les flammes, la tête coupée de son meilleur ami, s'être fait "torturé", avoir vu une femme et son bébé brûlé il accepte son destin, à la limite du haussement d'épaule, l'air de rien. Certes il se rebelle plus loin, mais je n'ai pas réussi à accrocher, malheureusement.\nJe pense qu'il ne s'agit pas du meilleur livre de cet auteur, qui reste un auteur majeur de la SF française, avec une grande variété d'histoires, dont certains univers se recoupent! Cependant, l'imaginaire de la flore est intéressant en lui-même, ainsi que le principe-même des arbres dans son livre.\nCommentaire\tajouté par LesFantasydAmanda 2019-04-16T10:55:09+02:00\n--- Un roman, vous êtes sûr ? Plutôt une encyclopédie ! ---\nCe fut le plus gros point noir de cette lecture : les détails sur l'univers. Celui-ci est incroyablement riche, extraordinairement dense grâce aux efforts répétés de l'auteur. Pour moi, la priorité de ce dernier était d'en décrire chaque particularité (les espèces végétales et animales, les différentes essences de sève et leurs propriétés, les us et coutumes des clans…).\nEn consultant la liste des ouvrages écrits par Laurent Genefort, je me suis aperçue qu'il se considérait avant tout comme un auteur de science-fiction. Or, pour moi, Les chasseurs de sève s'apparente davantage à de la fantasy. Cependant, les inclinaisons de l'écrivain sont clairement visibles ; il a développé son univers avec une méticulosité qui confine à l'obsession. Il a notamment inventé quantité de mots pour décrire les diverses sortes de sève et autres éléments naturels. Malheureusement, ce flot d'informations, pour le moins indigeste, m'a perdue. Pire, il m'a ennuyée !\nPourtant, ç'aurait pu être passionnant de suivre Piérig dans sa mission de sauvetage. Non, plus exactement, ça l'était à certains moments, mais ces moments étaient bien trop rares.\nJe me rends compte que ce constat est assez ironique ; d'habitude, je déplore le manque d'approfondissement de l'univers dans mes lectures. Or, ici, c'est l'exact contraire…\n--- La différence au coeur du récit ---\nMême si je n'ai pas apprécié cette lecture, je lui reconnais un message profond sur l'acceptation de la différence. En effet, vivent dans l'Arbre-Monde de nombreux clans qui, tous, ont leurs propres croyances, leur propre interprétation du monde.\nLorsque Piérig échange avec ses ravisseurs, il constate qu'il est en désaccord sur des préceptes qui constituent le fondement même de son existence. Toutefois, il est suffisamment intelligent pour se poser les bonnes questions et comprendre ce qui les réunit : leur humanité. Son évolution fut ainsi spectaculaire, et j'ai trouvé cet aspect de l'histoire totalement fascinant.\nEn outre, Laurent Genefort a un talent certain pour creuser ses personnages en très peu de pages. Il faut dire que ceux-ci n'étaient pas nombreux. Malheureusement, mon intérêt ayant progressivement diminué, je ne me suis attachée à aucun d'eux, pas même à Piérig qui tente, malgré tout, de sauver sa vie et celle de l'Arbre-Monde.\n--- Une fin intéressante ? ---\nÀ ma plus grande surprise, j'ai lu les derniers chapitres avec avidité. Alors que le rythme était lent suite aux précisions interminables de l'auteur, voilà que l'intrigue se met en branle, que Piérig affronte l'inconnu en dépit de ses peurs.\nPour autant, ce dénouement captivant n'a pas suffi à me faire changer d'avis. Même si je reconnais les qualités de ce one-shot, je n'ai pas su l'apprécier à sa juste valeur pour toutes les raisons évoquées ci-dessus. J'espère néanmoins que d'autres lecteurs y parviendront !\nCommentaire\tajouté par Poljack 2018-05-11T11:33:54+02:00