Quelques grands interprètes classiques et Jazz – SaxoWeb Québec\nListe de quelques grands interprètes classiques dans cette page :\nJean-Yves Fourmeau Eugène Rousseau Jean-Marie Londeix\nSigur Raschèr John Harle Marcel Mule Claude Delangle Daniel Deffayet\nListe de quelques grands interprètes Jazz dans cette page :\nCharlie Parker John Coltrane Michael Brecker\nPhil Woods Bob Mintzer Stan Getz\nJean-Yves Fourmeau est un saxophoniste français qui fit ses études au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris. Il obtient un 1e Prix à l’âge de 17 ans. Il devient soliste à Radio-France par la suite et fonde un quatuor de saxophones qui porte son nom.\nCet ensemble est considéré comme étant l’un des meilleurs sur le plan international. Il fait une carrière internationale exceptionnelle comme soliste, chambriste et professeur de saxophone au Conservatoire de Cergy-Pontoise. Il est saxophone solo au Berliner Philarmoniker, professeur invité à l’Université d’Indiana. Il est aussi directeur de collection aux Éditions « Billaudot ». Jean-Yves Fourmeau collabore également à l’amélioration des instruments Yamaha depuis 1985 comme conseiller technique. Il contribue à faire connaître son instrument en donnant d’innombrables concerts, des « Master-Class en Europe, Asie, Australie, Canada et aux Etats-Unis. Depuis le début de sa jeune carrière il a déjà enregistré 14 CD et il est distribué sous le label « Philips Classique »\nÉcoutez : Gavambodie / Jacques Charpentier\nInterprètes : Jean-Yves Fourmeau, saxo et Hiroshi Nagao, piano\nSource : Site Jean-Yves Fourmeau http://saxowebquebec.com/wp-content/uploads/2017/02/jeanyvesfourmeaugavambodie.mp3\nEugène Rousseau, saxophoniste américain, détient le titre de Distinguished Professor of Music à l’Université d’Indiana, où il travaille de 1964 à 2000. Le Dr. Rousseau rejoint la faculté de Musique de l’Université du Minnesota à l’automne 2000. En 1993, il est désigné comme membre honoraire du Conservatoire de Prague.\nEugene Rousseau se produit dans toute l’Amérique du Nord et sur les cinq continents depuis ses débuts au Carnegie Hall. Marcel Mule le considérait comme un « brillant saxophoniste et un artiste remarquable » et les critiques du monde entier ont repris ces louanges.\nVisitez son site Web (Anglais) : Eugene Rousseau\nÉcoutez : Fantasia pour Soprano Saxophone, 3 cors et orchestre à cordes\nAnime / Heitor Villa-Lobos\nInterprète : Eugène Rousseau / CD Saxophone Concertos avec l’orchestre de Chambre-Paul Kuentz/453-991-2 http://saxowebquebec.com/wp-content/uploads/2017/02/eugenerousseauFantasia1.mp3\nToutes ces prestations ont été données pratiquement à la grandeur de la planète. De plus, Monsieur Londeix a joué en concert plus de 200 créations d’oeuvres écrites par les plus grands compositeurs de musique contemporaine et plusieurs oeuvres lui ont été dédicacées. En plus d’être très actif musicalement, Jean-Marie Londeix a publié plusieurs ouvrages sur la technique du saxophone. Ces travaux de grande qualité sont publiés entre autre chez Lemoine et Leduc (France)/ Berben (Italie)/ Schultz (Allemagne)/ J-C Lattes (France)/ Roncorp (USA) et Combre (France). La plupart de ces ouvrages sont utilisés dans les écoles de musique. Jean-Marie Londeix a aussi écrit plusieurs arrangements et effectué des transcriptions d’oeuvres des grands compositeurs du passé tel : Bach / Teleman / Leclair / Fiocco / Milhaud / Poulenc pour ne nommer que les plus connus. Enfin, il a publié d’innombrables articles traitant aussi bien de la technique du saxophone que sur l’analyse des grandes oeuvres, et il a donné plusieurs conférences dans le monde. Jean-Marie Londeix est de toute évidence un grand Ambassadeur de son instrument, de son pays et de la musique en général.\nPrésentation de Jean-Marie Londeix\n« Maître du saxophone moderne »\n(Extraits du livre de James C. Umble)\nJean-Marie Londeix, fils de Jems et Georgette Londeix, est né le 20 septembre 1932 au Port-du-Noyer, dans la commune d’Arveyres, en Gironde, dans un hameau d’une cinquantaine de foyers modestes, installé dans la rive gauche de la Dordogne, face à Libourne, et à 33 Km au nord de Bordeaux. Il est le troisième de cinq enfants. Jean-marie et ses frères et soeurs ont grandi avec leur parents, et un cousin germain orphelin, filleul de la maman, dans une grande et haute maison de pierres blanches, entourée de jardins familliaux et de vignes qui semblent s’étendre à l’infini.\n(Maison d’enfance de Jean-Marie Londeix 1942)\nLa musique s’introduit chez les Londeix (1938)\nL’arrivée d’un piano, offert en cadeau aux enfants par la grand-mère Angélina, changea la vie de la famille de façon radicale et significative. Jems, le père de Jean-marie, gymnaste réputé dans sa jeunesse, mais également violoniste amateur, avait joué avec son professeur dans des orchestres de cinéma muet. Durant son service militaire (dans la musique du régiment le plus proche du Port-du Noyer où résidait sa fiancée), Jems avait cotoyé d’excellents musiciens. Un certain Issartier lui assura que la réussite dans l’apprentissage d’un instrument de musique reposait pour beaucoup sur sa pratique méthodique et régulière, dès le plus jeune âge. Comme dans le sport de haut niveau, le sens du devoir et de la discipline gagnait à être développé, le plus tôt possible. C’est ainsi que le lendemain de l’arrivée du piano à la maison, tous les enfants commencèrent en même temps à étudier sérieusement la musique, d’abord avec Madame Menudier, amie de la Grand-mère Angélia, qui vivait à Libourne à deux pas de chez celle-ci.\n(Jean-Marie Londeix en 1946)\nAprès deux ans de piano et de solfège, le père croyant remarquer chez son fils Jean-Marie des mains inadaptées au clavier, décida qu’il jouerait désormais du saxophone. Il en acheta deux d’un coup: L’alto et le ténor.\nDésormais, Suzy continua à étudier le piano, Gérard commença le violoncelle, Jean-Marie, le saxophone et Josette, le violon (Alain, le dernier frère n’était pas encore né). Puis le père forma presque aussitôt un petit orchestre qui répétait plusieurs fois par semaine de petits morceaux du répertoire à la mode. La musique n’était pas à prendre à la légère. Les enfants se rendaient chaque semaine au Conservatoire de Bordeaux, souvent dans des conditions difficiles en raison de la guerre. Les premières leçons de saxophone de Jean-Marie Londeix ont été données par Pierre Ferry.\nL’orchestre familial, 1941-1953\n(L’orchestre familial Londeix en 1940)\nL’orchestre familial participait régulièrement aux manifestations théâtrales d’amateurs ou musicales organisées par des associations locales telles que les Amis de la musique, ou Les Choeurs mixtes de Libournes. Parfois étaient donnés des concerts de musique de chambre avec des oeuvres de Schubert, Mozart, Weber, Brahms, Wagner, Ganne, Boieldieu, Franck et bien d’autres. Jean-Marie se produisit quelque fois en soliste, dans des pièces de Bruneau, Busser, Oubradous, Monti…\nJean-Marie (saxo), Josette (violon), Suzy (piano), Gérard (violoncelle), Jems Londeix (père)\nDès l’âge de 11 ans, Jean-Marie joue en soliste au cours des concerts de l’orchestre familial. En 1943 son répertoire comprend « Fantasie variée de Bruniau », Le petit nègre de Claude Débussy, Rhapsodie cypriote de Combelle, Récit et variations d’Oubradous, Fantaisie-Caprice de G. Parès et les variations sur le Carnaval de Venise.\nPremières leçons avec Marcel Mule en 1946\nEn 1946, Jean-Marie Londeix commença à monter de temps en temps à Paris pour prendre des cours avec Marcel Mule. Il l’avait entendu en concert, à Bordeaux, et avait été immédiatement captivé par son jeu. Parfois, Pierre Ferry qui encourageait son élève à poursuivre ses études avec le grand maître, l’accompagnait pour sa leçon à Paris.\nDans une lettre daté de juillet 1991, Jean-Marie Londeix a écrit à James C. Umble ce qui suit : « Dès 1942, Mule m’a réellement servi de modèle. Plus de vingt après, j’ai continué à soliciter son avis, recherchant sa totale et pleine satisfaction. M. Ferry l’estimait grandement lui aussi. Mon imagination a fait le reste. Mule a été pour moi en quelque sorte une personne sacrée. Une sorte de dieu du saxophone » .\nGagnant du concours Bellan 1948\nÀ 15 ans et demie, Jean-Marie Londeix se présenta au concours Bellan, une compétition musicale parisienne pour instrumentistes et chanteurs, venus du monde entier. Il sort vainqueur de l’éliminatoire. Les membres du jury lui ont annoncé qu’il venait de remporter brillamment le Prix d’Honneur, degré Excellence, du concours Bellan 1948. Marcel Mule qui était membre du jury écrit un mot à son père lui disant que son fils avait fait une excellente impression au concours. Il lui dit également qu’il est doué et qu’il devrait réuissir en musique.\nEntrée au Conservatoire de Musique Paris en 1951\nJean-Marie Londeix obtient la permission de son père d’aller étudier à Paris. Il lui reste deux obstacles majeurs à surmonter. Soit les deux redoutables concours d’entrée, successifs et éliminatoires. Cette année là, il y avait vingt et un candidats inscrits pour cinq places…….. Seize étudiants participent à cette épreuve. Jean-Marie Londeix remporte l’épreuve et se taille une place. Il est définitivement inscrit dans la classe de saxophone de Marcel Mule au Conservatoire National de musique de Paris.\n(Classe de Marcel Mule, au Conservatoire de Paris en 1950-1951)\n(Deuxième à droite, Jean-Marie Londeix)\nPremier Prix du Conservatoire de Paris 1953\nAprès deux ans d’études à Paris, Jean-Marie Londeix reçut la plus haute récompense possible: Premier prix à l’unanimité avec félicitations du jury. Il obtient en outre deux Premières médailles de Solfège et de Musique de chambre. Claude Delvincourt le directeur d’alors (qui une dizaine d’années plus tôt a ouvert le Conservatoire au saxophone) demanda au jury de lui accordé en plus, une récompense exceptionnelle (également décernée la même année à un jeune trompettiste nommé Maurice André): Le Prix d’Honneur du Conservatoire. Son premier prix en poche, Londeix est sélectionné par la direction du Conservatoire, avec la pianiste France Clidat, diplômée quelques années plus tôt, pour effectuer en février et mars 1954, une tournée de récitales en Espagne et au Portugal. Les deux virtuoses vont assurer 14 prestations réparties dans les plus grandes villes de ces pays.\nProfesseur à Dijon en 1953\nÀ sa sortie du Conservatoire de Paris, en 1953, Londeix fut nommé professeur de saxophone et de solfège au Conservatoire National de Dijon, situation qu’il occupera jusqu’en 1972. Il obtient ce double poste à la suite de deux examens spécifiques où il dut jouer de son instrument, déchiffrer plusieurs textes, relever des dictées musicales et participer à un long entretien avec les membres du jury où siégeaient, outre un des deux spécialistes de l’instrument, André Ameler, directeur du Conservatoire et Amable Massis, Inspecteur Général de la Musique.\n(La classe de Jean-Marie Londeix au Conservatoire de Dijon en 1963)\nPremières années d’une carrière de soliste\nAu tout début de sa carière à Dijon, Londeix considérait que son poste d’enseigenement servait prosaïquement à le faire vivre, grâce au salaire mensuel attribué. Son rêve était de devenir concertiste. Cherchant à se bâtir une carrière de soliste, il se mit en quête d’un imprésario. Il essaie en vain de se trouver un agent de concert, mais aucun d’eux ne veut s’intéresser au saxophone. C’est alors qu’il réalise sa propre brochure de publicité, qu’il envoie aux organisateurs de concerts, aux directeurs, aux stations de radio. En 1956, il obtient à la Radio Française, le Carte de soliste, qui lui permettait d’enregistrer en studio et de se produire à la tête des orchestres.\nPremier répertoire de concerts avec piano 1954-1969\nLes premières oeuvres interprétées avec piano par Londeix sont des compositeurs suivants : André Ameller/ Philippe Bauzin/ Conrad Beck/ René Bernier/ Jacques Chapentier/ Pierre-Max Dubois/ Jean Françaix/ Paul Hindemith/ André Jolivet/ Charles Koechlin/ Lajtha Laszlo/ Hermann Reutter/ Henri Sauguet.\n(Première tournée de récital, Au Portugal, avec France Clidat (pianiste), le 19 février 1954)\nConcertos donnés en premières 1953-1966\nLes premières oeuvres choisies par Londeix pour les Concertos sont des compositeurs suivants : André Ameller/ Pierre-Philippe Bauzin/ René Bernier/ Roger Boutry/ Pierre-Max Dubois/ Pierre Hasquenoph/ Suzanne Haik-Ventura/ Paule Maurice/ Darius Milhaud/ Jacques Murgier/ Jeanine Rueff.\n(Jean-Marie Londeix en concert à Tokyo en 1983)\nPremier enregistrement commercial en 1960\nLe premier enregistrement fait par Jean-Marie Londeix pour la vente est publié par Vendôme (STV 214) en 1960. Il comprenait Scaramouche de Milhaud, et le Lièvre et la Tortue de Dubois, l’un et l’autre enregistrés avec orchestre, ainsi que Jeux de table d’André Ameller et la transcription des Visions fugitives de Prokofiev faite par Londeix, avec accompagnement de piano.\n(Jean-Marie Londeix en 1960)\nLe Sextuor à Vent de Dijon en 1960\nen 1960, Londeix et cinq de ses collègues fondèrent à l’instigation de André Ameller, directeur du Conservatoire, le Sextuor à Vent de Dijon: Lucien Martin (flûte), Jean Olion (hautbois), Roger Desoomer (clarinette), Jean-Marie Londeix (saxophone), Pierre Brille (cor) et Pierre Ganzoinat (basson). Afin de constituer un répertoire original, Jean-Marie Londeix commenda des oeuvres à ses amis compositeurs et réalisa lui-même nombre de transcriptions. (A noter que créer des partitions nouvelles l’occupera toute sa vie). Il remarque : « Mes camarades me regardeaient de travers, parce que je critiquais leur dépendance à Beethoven, Tchaikovsky et autres…alors que je désirais promouvoir Varèse, Jolivet, ou encore des compositeurs plus jeunes. Ainsi, nous n’étions pas toujours d’accord sur le répertoire.\nCette formation offrit à Londeix l’occasion d’orienter le saxophone dans une nouvelle direction en musique de chambre. Tout au long de sa carrière, Londeix cherchera à intégrer l’instrument dans des formations musicales diverses, D’autre part, à susciter un répertoire original nouveau, le plus possible significatif de la musique de l’époque. Plusieurs bons morceaux de musique de chambre sont le résultat de ces efforts: Printemps de Tomasi, Sextuor de Marc Eychenne, Sinfonia da Camera de Dubois, pour la seule année 1964, le Sextuor de Markovitch et d’autres pièces, un peu plus tard.\nDéveloppement d’une pédagogie\nMalgré un calendrier de concerts bien chargé, Londeix s’est toujours dépensé sans compter pour formuler une pédagogie propre à l’instrument. Précisons que l’idée de professeur de saxophone était nouvelle à l’époque, pour certains elle était même incongrue. La classe de saxophone de Mule , à Paris, n’avait été ouverte qu’en 1942, onze ans seulement avant que Jean-Marie ait été nommé au Conservatoire de Dijon. Donc, tout en développant sa carrière de concertiste, Londeix chercha à définir les rôles multiples des futurs professeurs de saxophone, et servit lui-même de modèle, en montrant le chemin à suivre. Il est à noter que Marcel Mule a été un des tout premiers « spécialistes » à enseigner le saxophone, jusque-là, la classe de saxophone était généralement confiée au professeur de clarinette, de flûte, de hautbois, ou de basson (comme à Bordeaux de 1932 à 1970).\nPublication de plusieurs méthodes de saxophone\nLe matériel didactique spécifique au saxophone n’existait pas, Jean-Marie Londeix l’a créé. Il a donc publié plusieurs cahiers d’études pour l’enseignement du saxophone tel: les trois fascicules des Exercices mécaniques (édit. Lemoine, 1960-65)/ Les Gammes (Lemoine, 1962)/ une méthode pédagogique en 4 volumes dont : Le saxophone en jouant (Lemoine, 1962-1971)/ Le détaché (Lemoine 1967)/ Les trois cahiers de la méthode de rythme (Lemoine,1972)\nInstallation à Bordeaux en 1971\nEn octobre 1971, Jean-Marie Londeix quitte le Conservatoire de Dijon, et accepte le poste de professeur de saxophone au Conservatoire National de Bordeaux, pour remplacer Pierre Ferry, qui un an plus tôt avait pris sa retraite. Cette situation lui ouvre les portes d’un plus grand Conservatoire et permet à Londeix de se rapprocher de ses origines et de renouer avec ses parents et cousins. De plus, cette situation lui offre de réorganiser sa carrière. La direction l’encourage à accueillir des étudiants étrangers.\nNouvelle orientation: l’Ensemble International de saxophones de Bordeaux\n(L’Ensemble International de Saxophones de Bordeaux, au Tidewaiter Music Festival (Maryland, USA, 30 juin 1985)\nEn 1977, Jean-Marie Londeix fonde le désormais célèbre « Ensemble International de Bordeaux. » Cet ensemble fait immédiatement partie intégrante de l’école de saxophone de Bordeaux, et permet de former les élèves à la pratique orchestrale de tous les saxophones, du basse au sopranino (le saxophone contrebasse, très rare n’est pas utilisé). l’idée de Londeix était d’offrir à ses étudiants la possibilité de jouer dans une grande formation, et de les préparer au travail si particulier de l’orchestre, en augmentant ainsi leurs compétences de futurs musiciens professionnels. Ne disposant pas d’un répertoire adéquat, Londeix transcrit des partitions propices à l’arrangement et suscite immédiatement la composition d’oeuvres originales. En quelques années, il réussit à engager des compositeurs à son projet, et finit par disposer d’une soixante d’oeuvres, dont certaines seront délibérément orientées vers la musique contemporaine.\nReconnaissance et honneurs officiels en 1971\nLe gouvernement français, reconnaissant la contribution substancielle accordée par Londeix au monde musical, grâce à ses publications, ses tournées, ses étudiants internationnaux, son talent artistique, le nomme Chevalier des Arts et des Lettres, une distinction des plus honorables. Six ans plus tard, en 1977, il est élevé au grade d’Officier des Arts et des Lettres, distinction généralement réservée aux écrivains, aux philosophe et peintres.\nDésillusion à Paris\nUn des revers que subit Jean-Marie Londeix dans sa carrière se place à l’occasion du départ à la retraite de Marcel Mule, en 1968. Londeix n’avait apparemment pas les appuis politiques nécessaires pour soutenir sa candidature. Le poste fut attribué à un de ses talentueux collègues, Daniel Deffayet, excellent musicien dont le domaine d’activité était centrée sur le milieu musical parisien. Ce dernier occupera ce poste jusqu’en 1988 et il sera remplacé par le jeune et brillant Claude Delangle.\nJean-Marie Londeix prend sa retraite du Conservatoire de Bordeaux le 30 avril 1994. Il sera remplacé par la saxophoniste Marie-Bernadette Charrier. Londeix continuera à enseigner à temps partiel au Conservatoire, et à offrir des conférences mensuelles sur divers sujets tirés de ses recherches.\nConcert d’adieu, le 14 avril 1996\nPour marquer la fin de sa carrière d’interprète, Jean-Marie Londeix donne un concert d’adieu en 1996, avec la participation de l’Orchestre National de Bordeaux Aquitaine, sous la direction de Patrice Guillon. Il joue quatre concertos de mémoire : Légende, Op. 66, de Florent Schmitt, Rapsodie de Debussy, Concerto de Glazounov, et Concertino da Camera d’Ibert.\n(Jean-Marie Londeix à Lacanau (France), en 1991)\nSelon l’auteur du livre (James C. Umble) » Jean-Marie Londeix, Maître du saxophone moderne » édité aux éditions RONCORP Post Office Box 724, Cherry Hill, NJ 08003 USA, et qui fut l’un de ses élèves, Londeix est quelqu’un de noble et d’extraordinaire, dont la vie a inspiré et continue d’inspirer un grand nombre de personnes. Il s’investit infatigablement dans l’amélioration du sort des autres tout en restant fidèle à sa vision artistique. Ouvert aux idées nouvelles, il partage toujours aussi généreusement son savoir et son expérience. En tant que professeur et interprète, il s’est continuellement engagé à chercher et à exprimer l’excellence artistique. Toujours selon l’auteur, Londeix cherche sans cesse à se perfectionner, à aller au-delà des limites personnelles ou musicales auxquelles il fait face quotidiennement. La vie, l’art et l’esprit étant pour lui inséparables, il mène patiemment de front leur évolution.\nLes quelques extraits qui sont transcrits ne sauront jamais remplacer l’acquisition de ce volume écrit par James C. Umble sur la vie de ce grand maître qu’est Jean-Marie Londeix. Il s’agit là d’un ouvrage majeur de grande qualité et de grande importance sur l’histoire et le développement du saxophone classique à travers un personnage extraordinaire qu’est Jean-Marie Londeix.\nLe livre est publié aux éditions RONCORP Post Office Box 724, Cherry Hill, NJ 08003 USA.\nÉcoutez : Sextuor / pour saxophone alto et quintette à vent\nInterprète au saxophone : Jean-Marie Londeix\nAlbum : Franzosische Bläserkammermusik / amb 97 874\nSite Internet officiel : Jean-Marie Londeix http://saxowebquebec.com/wp-content/uploads/2017/02/londeixeychennesextuor.mp3\nEn plus de la formation rigoureuse reçue au Conservatoire, dont il a obtenu un diplôme, il inclut des expériences comme musicien d’orchestre et comme enseignant dans des écoles primaires. En 1934 il a été nommé enseignant de saxophone au Conservatoire Royal Danois, Copenhague et plus tard au conservatoire dans Malm ö, en Suède. Il est devenu si identifié à la vie musicale du Danemark et la Suède qu’il est appelé un musicien scandinave. Aux ETATS-UNIS il a enseigné à l’École de Musique de Manhattan, l’Université du Michigan et l’École de Musique d’Eastman; et il a donné des cours à beaucoup d’autres universités et collèges.\nLes tournées de concerts ont occupé beaucoup de son temps et d’attention depuis 1932 – on l’a entendu dans tout le centre musical de l’Europe et même en Australie éloignée et Tasmanie (1939 et 1959). Ses débuts américains ont eu lieu en 1939 avec l’Orchestre Symphonique de Boston; il est apparu plusieurs fois avec l’Orchestre Philharmonique de New York, aussi bien qu’avec l’Orchestre de Philadelphie, l’Orchestre de Cleveland, l’Orchestre Symphonique Nationale et beaucoup d’autres orchestres dans ce pays, en Europe, etc.\nLe succès de Raschèr est lié au développement de l’étendue du registre du saxophone, à son contrôle phénoménal des gradations tonales, sa technique étonnante et un sens musical développé, a attiré l’attention de compositeurs sérieux. La liste de ceux qui ont écrit la musique pour lui inclut Bentzon, Borck, Brant, des Manteaux, Cowell, Dahl, Gläser, Glazounov, Hába, Hartley, Hindemith, Hlobil, Husa, Ibert, von Koch, l’Agneau, Larsson, Martin, Milhaud, Osterc, Wirth, Worley et beaucoup d’autres.\nConcernant les possibilités artistiques du saxophone, Raschèr signale qu’Adolphe Sax, son inventeur, disait de son instrument qu’il est aussi flexible qu’un instrument à corde et aussi puissant qu’un cuivre. Qu’il possède la grande agilité technique et une puissance expressive égal à celle du violoncelle. Dans le développement de sa propre technique, Raschèr a essayé d’approcher aussi près que possible les hauts idéaux de l’inventeur du saxophone. Son succès a été considérable.\nRaschèr, dont la puissance expressive sur une gamme de couleurs inclut celui de la flûte, le hautbois, la clarinette, le cor et le basson, a montré que la limite supérieure du registre du saxophone n’est due qu’au manque de capacité d’un interprète et n’est la faute ni de l’instrument, ni de son inventeur\nRaschèr a réalisé avec un succès phénoménal l’approche des idéaux d’Adolphe Sax, en respectant et en développant les capacités tonales et techniques du saxophone. En 1938 il a reçu une photographie de la fille de l’inventeur Adolphe Sax, alors âgée de plus de quatre-vingts ans, lors d’un concert à Strasbourg où elle l’avait entendu jouer du saxophone. Elle lui fit le commentaire suivant :\n« Vous jouez du saxophone comme mon père avait imaginé qu’il doit sonner ».\nUne biographie personnelle « d’un saxophoniste extraordinaire »\nPar Frederic Swift\nDu Woodwind World février, 1971\nArticle ainsi que d’autres, disponible sur Classic Saxophone On-Line\nSigurd Rascher est un saxophoniste qui a connu une carrière exceptionnelle. Il a été soliste invité de plus de 50 orchestres incluant l’orchestre Symphonique de Boston, la Philharmonie de New York, Detroit et des orchestres de Washington dans ce pays. En plus des compositeurs qui ont écrit des travaux pour lui, son répertoire présent inclut Jorgen Bentzon, Henry Brant, Erwin Dressel, Feront Eisenmann, W.W. Glaser, Maurice Baron, Ingolf Dahl, François Pyle, Ernest Kanitz, Clair Léonard et Maurice Whitney. Au moment où nous avons préparé ce texte, M. Rascher partait pour une tournée de 50 concerts en l’Europe.\n« C’était probablement en 1931, à l’école Rudolf Steiner à Berlin, que j’ai connu Mme. Fournesses, enseignante à cette école. Elle jouait et enseignait le violon. Son mari était un des altistes de la Philharmonique de Berlin. À ce temps-là je jouais déjà Bach sur le saxophone, mais la littérature originale pour mon instrument était plutôt mince. Jouer Bach sur le saxophone était alors, même encore aujourd’hui, une tentative audacieuse , mais mon éducation musicale avait commencé dans mon enfance par Mozart, Schubert, Beethoven, Bach, Handel, etc – tous ces maîtres ont composé de petits travaux.\n« À cause de mon amitié avec les Fournesses, on m’a de temps en temps demandé de jouer le saxophone dans l’orchestre Philharmonique, quand il y avait des parties écrites pour cela. Tel en fut le cas un jour dans une pièce d’Edmond von Borck, qui dirigeait. Après la répétition je lui ai demandé s’il avait déjà pensé au saxophone comme instrument solo, une pensée qu’il avait vigoureusement nié. Mais après que j’eu joué pour lui pendant quelques minutes, il m’a demandé mon adresse.\n« J’avais depuis longtemps tout oublié de M. von Borck quand on m’a demandé un jour de venir au téléphone. C’était lui qui me disait : » le concerto est prêt. « … venez me voir pour le jouer « .\n« Le concerto a été alors choisi pour l’Allgemeines Deutsches Musikfest à Hannover en 1932, où je l’ai joué sous la direction du Generalmusidirektor Krasselt. C’était la première fois que je jouais avec un orchestre et j’ai fait une sensation incroyable, non seulement au Festival, mais dans des cercles de musique partout dans l’Europe. C’est aussi pour cette raison que l’Orchestre Philharmonique de Berlin avait arrangé un concert supplémentaire en octobre, seulement quelques mois après la première, pour être le premier orchestre à le présenter à son auditoire. De nouveau on m’a demandé d’être le soliste, cette fois sous la direction d’Eugen Jochum. Les Berlinois ont salué l’événement avec autant de joie et d’enthousiasme que l’auditoire principalement professionnel, au festival de Hannover.\n« De nouveau la presse n’était pas ce que l’on pourrait appeler » tiède » et une carrière rapide a semblé être assurée – sauf qu’en 1933 la situation politique en Allemagne a changée résolument et dorénavant tel » un étranger » comme le saxophone (après tout, n’est il pas venu de la Belgique et de la France ?) n’était plus le bienvenu. En quelques semaines j’ai laissé l’Allemagne et n’y ‘ai pas remis les pieds depuis un quart de siècle. Après tout il y avait beaucoup de musique dans le reste de l’Europe et, comme je devais bientôt apprendre par l’expérience active, en Australie et aux États Unis aussi. En quelques années suivantes j’ai joué au Danemark, la Suède, la Norvège, la Finlande, l’Angleterre, la Hollande, la France, l’Espagne, l’Italie, la Hongrie, la Tchécoslovaquie, la Pologne, etc… Glazunow, Coates, Larsson, Ibert ont écrit des oeuvres pour moi comme beaucoup d’autres aussi.\n« Après d’innombrables concerts… 34 ans, j’ai de nouveau joué avec l’Orchestre Philharmonique de Berlin, cette fois dans son nouveau hall. Le chef d’orchestre était le célèbre Andre Cluytens, avec qui j’ai joué ma 92ème et 93ème performance du Concerto Ibert.\nDe nouveau les Berlinois ont semblé aimé la musique et la performance. Dans la salle, il y avait beaucoup d’amateurs de musique. « Jamais auparavant nous avons entendu un soliste au saxophone avec notre Philharmonie. « » Je suis un abonné depuis pendant 20 ans et c’est le premier que j’entend…. » » Mais je me rappelle un autre saxophoniste il y a longtemps…. « Une dame s’est tournée vers moi : » puis-je poser une question ? Vous savez, avant la Guerre (oui j’étais très jeune alors et suis allé au concert avec mes parents) la Philharmonique avait un saxophoniste. Et d’un air perplexe elle dit, « il avait le même nom : Rascher. Ne seriez-vous pas son fils par hasard ? » je n’ai pas eu le courage de dire à la dame que dans ce cas je dois être mon propre fils!\n« Piqué au vif par cette question, j’ai demandé à M. Stresemann le manager d’orchestre, s’il connaissait d’autres solistes au saxophone. » Aucun » , me répond-il laconiquement.\n« Dans l’auditoire il y avait aussi ma fille Karen, avec qui je devais partager la scène pour un concert avec l’orchestre Philharmonique tchèque à Prague une semaine plus tard. Sur le stationnement en arrière de l’hôtel elle a dit sèchement : » je dois vraiment jouer avec la Philharmonique ici et je le ferai. « Peu d’entre vous savent comment cela devait être pour nous. »\n« Pendant des années Karen a joué des concerts avec moi. Des récitals aussi bien que des apparitions avec orchestre. Elle était habituée à jouer de nouvelles oeuvres et savait que la plupart d’entre elles, excepté les oeuvres Baroques, avaient été composées pour moi. Peu importe l’orchestre, elle a eu l’intention de faire ce que j’avais fait tout au long, c’est-à-dire de jouer pour des compositeurs afin de les enthousiasmer pour SON instrument, le saxophone soprano. Bientôt elle pourrait jouer ‘ sa musique ‘ dans un récital, avec l’orchestre.\nJe partage l’amour du compositeur pour le soprano, malheureusement il est encore plus rare d’entendre jouer de cet instrument qu’un autre saxophone. « De nouveau, comme en 1932, un concerto pour Saxophone Soprano et Orchestre. Aussi cette oeuvre a été choisi pour une exécution avec la Philharmonique de Berlin et cette fois, comme un plaisantin l’a fait remarqué , »une vrai tradition pour la famille « . C’était un autre Rascher qui jouait – Karen, en 1970.\nVidéo : Avec orchestre symp. Sigurd Rascher en Promotion pour Buescher (1/3)\nSuivez les liens pour voir les vidéos de Sigur Raschèr :\nSigurd Rascher (promotion du saxophone Buescher 1/3)\nSigurd Rascher (promotion du saxophone Buescher 2/3)\nSigurd Rascher (promotion du saxophone Buescher 3/3)\nSigurd Rascher joue « l’Arietta » de Waldemar Welander\nJohn Harle est un des musiciens contemporains les plus passionnants en Grande-Bretagne. Il est considéré comme un leader du saxophone de sa génération. Sa performance du concerto pour saxophone « Panic at the Last Night of the Proms » d’Harrison Birtwistle en 1995 l’a propulsé sur la scène internationale – suivi en 1996 par « Terror and Magnificence », qui est monté au sommet des dix meilleurs albums de l’étiquette Decca/Argo, avec la collaboration du chanteur auteur-compositeur Elvis Costello.\nLes plans pour son opéra, « Angel Magick », sont déjà en cours pour une première en été 1998 avec une sortie simultanée d’un enregistrement. John jouera et dirigera huit chanteurs, son propre orchestre et le viol consort Fretwork.\nComme soliste de concert son répertoire consiste en seize concertos écrits spécifiquement pour lui, et vingt quatre oeuvres pour orchestre. Son programme de récital (d’habitude avec le pianiste / compositeur Richard Rodney Bennet) est composé de certains des trente et une oeuvres de musique de chambre consacrées à John et une gamme immensément diverse de musique de John Dowland, de Chick Corea ainsi que ses propres compositions.\nJohn Harle est le compositeur de plus de 25 oeuvres de concert et 40 musique de film et télévision. Stanley Myers et John Harle ont écrit ensemble « Prick Up Your Ears » qui a reçu le « Best Artistic Achievement » pour un Long métrage au Festival du cinéma à Cannes 1988 et John a depuis été en nomination à plusieurs reprises incluant le « Mercury Music Prize » et le prix de la Royal Television Society Awards’ Best Original Music (pour « Defence of the Realm »).\nComme interprète, compositeur et producteur sa discographie comprend environ trente cinq enregistrements sur des étiquettes incluant Decca, Argo, EMI Classiques, Sony, l’Hyperion, BMG, Virgin and A&M. Son dernier CD de sa propre musique « Silencium » est sorti sur l’étiquette d’Argo en octobre 1997.\nDes collaborations importantes en concert, enregistrement ou film ont été faites avec Ute Lemper, Paul McCartney, Michel Nyman, Andy Sheppard et Elvis Costello; et avec le chef d’orchestre Riccardo Chailly, Michel Tilson-Thomas, Davis d’Andrew, Neville Marriner, Elgar Howarth et Welser-m Frans ö rue. En mars 1997, John Harle a fait une tournée et a créé la première du double concerto pour Violoncelle et Saxophone de Michael Nyman avec le violoncelliste Lloyd Webber Julien.\nEn 1989 John a été nommé Professeur de Saxophone et de Musique de chambre à l’École Guildhall School of Music and Drama à Londres et est le mentor d’une nouvelle génération de saxophonistes.\nVisitez son site Web (anglais) : John Harle\nÉcoutez : Can she excuse / de John Dowland\nCD Saxophone Song Book / Interprète John Harle http://saxowebquebec.com/wp-content/uploads/2017/02/John-Dowland_Can-She-Excuse.mp3\nMarcel Mule fut l’un des premiers à faire connaître le saxophone et ses possibilités d’expression pour la musique classique. C’est en donnant des concerts et en faisant des transcriptions ainsi que des adaptations pour saxophone à partir des oeuvres de grands compositeurs classiques et romantiques qu’il a su intéresser d’autres grands compositeurs de l’époque contemporaine à la cause du saxophone. Il s’est intéressé également à l’évolution de cet instrument en adaptant des méthodes et cahiers d’enseignement pour le saxophone.\nTous ceux et celles qui veulent entendre les premiers enregistrements de Marcel Mule , pour saxophone classique, ainsi que les oeuvres qui ont été écrites pour lui et que l’on joue encore dans toutes les écoles de musique, procurez-vous les rares enregistrements de ce grand interprète.\nMarcel Mule par Malcolm McMillan\nTitre: Marcel Mule « le patron of the saxophone »….Encore!\nÉtiquette: clarinet classic\nNuméro de l’album: CC0021\n« C’est dans les années 1925 environ que le nom de Marcel Mule (né le 24 juin 1901) commença à se faire connaître. Ce soldat de la Garde Républicaine avait le premier fait connaître le saxophone comme instrument de musique classique, équipé qu’il était d’un répertoire impressionnant de morceaux classiques arrangés et de compositions commandées. Voyageant à travers l’Europe avec ou sans la musique de la Garde Républicaine, il s’établit comme le doyen de l’univers du saxophone.\nAu sein de la Garde Républicaine, il s’était acquis un respect considérable pour le nouveau timbre qu’il avait introduit, donnant à son instrument une qualité solo indépendante qu’on n’avait pas réalisée auparavant, ainsi que pour l’énergie inlassable qu’il déployait en encourageant ses collègues à suivre son exemple.\nParmi ces derniers, il en invita trois à former avec lui le premier quatuor classique français de saxophone. Outre Marcel Mule (soprano), cette formation comprenait René Chaligné (alto), Hippolyte Pointboeuf (ténor) et Georges Chauvet (baryton). En 1932, après les cinq premières années de mise au point, Paul Romby s’y joignit comme alto. C’était un musicien formidable qui avait déjà enregistré des solos de styles divers et composé plusieurs morceaux. Il resta avec le quatuor pendant la période de son départ de la Garde Républicaine en 1936 et les années suivantes, représentant un total de treize ans. Ce n’est qu’après l’arrivée de Romby que le quatuor établit le vibrato très spécial et contrôlé qui le caractérisait et qui fit sa renommée internationale.\nL’année 1942 fut importante dans l’histoire du Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris. Car ce fut l’année où son directeur, Claude Delvincourt, décida de nommer un professeur de saxophone pour la première fois depuis le départ d’Adolphe Sax, inventeur du saxophone, du Conservatoire en 1870. Le choix qui s’imposait était celui de Marcel Mule, alors âgé de 41 ans et très respecté en France et à l’étranger.\nLes temps étaient durs, Paris était occupée, et une offre comme celle-ci devait paraître comme une aubaine venue du ciel pour un musicien à son compte qui avait une femme et deux enfants à nourrir! Mule avait été appelé sous les drapeaux deux ans auparavant. Il avait été fait prisionnier et hospitalisé pendant six semaines. Cette occasion était donc à saisir car elle offrait la perspective d’une vie musicale nouvelle même si elle risquait d’être plutôt agitée.\nDes possibilités d’interprétation pour des musiciens indépendants s’offraient toujours à Paris auprès d’orchestre symphoniques ou de chambre, assorties de moments de service pour les orchestres de danse, et même de concert et d’émissions radiophoniques, malgré le fait que les Allemands étaient maître des lieux. C’est ainsi que Mule et son quatuor se virent solliciter presque toutes les semaines pour des émissions en direct à la radio, le saxophone étant devenu très populaire pour les Parisiens et leurs occupants. Mule fut même invité à inaugurer des classes de saxophone au Conservatoire de Berlin- une offre qu’il ne pouvait guère accepter! Pendant vingt-six ans, ses classes au Conservatoire de Paris prospérèrent pour devenir une institution révérée par des musiciens de toute l’Europe et des États-Unis. Mule insistait toujours pour jouer devant ses élèves, montrant que chanter avec éloquence et ne jamais manquer de narrer une histoire en interprétant un morceau constituaient les éléments centraux d’une bonne exécution musicale, quelque soit le type de musique. Parmi ses premiers élèves se trouvait Daniel Deffayet qui, après avoir remporté le premier prix cette année là, poursuivit sa carrière et succéda à Mule au Conservatoire. Il fit de nombreux enregistrements comme solo, et eu son propre quatuor de saxophone.\nUn autre musicien avec lequel Mule se lia d’amitié, alors qu’il travaillait à la journée au début des années 1930, était Charles Munch, un violoniste devenu chef d’orchestre. En 1958, alors que Munch était directeur musical du Boston Symphony, Mule reçu une invitation à le rejoindre pour participer à une tournée de cet orchestre à travers les États-Unis et d’y interpréter deux concerts de son choix. Ne se faisant pas prier, Munch partit pour les États-Unis où il choisit d’interpréter le Concertino Da Caméra d’Ibert et la Ballade de Tomasi à non moins de douze occasions et également de donner un récital à Elkhart, une impressionnante tournée pour tout musicien, surtout quand il s’agit d’un homme de 57 ans, éprit de son foyer, et pour qui les longs voyages étaient éprouvants. Malgré le succès de cette tournée, qui non seulement affermit la réputation de Mule mais appuya également sa campagne pour accréditer le saxophone comme voix à prendre au sérieux en musique classique, cet effort laissa des marques. Ayant développé des douleurs au thorax et des essoufflements, il décida de ne plus se produire en solo, sans préalablement avoir été fait Chevalier de la Légion d’Honneur pour services rendus à son pays. Il avait survécu deux guerres mondiales, vu de nombreux confrères disparaître, et connu l’Occupation. On comprend qu’il avait été un pacifiste ardent.\nL’un des premiers compositeurs à tomber sous le charme du style musical et de la présentation unique de Marcel Mule fut Pierre Vellones (1889-1939), un éclectique dont le désire d’injecter de nouvelles sonorités dans la musique classique fut exaucé par la venue du cinéma, du jazz, de l’électronique et du saxophone! Sa voix fut certainement l’une des voix uniques du monde musical de Paris à cette époque, malgré le fait qu’il était un musicien amateur et invalide.\nHenri Constant Gabriel Pierné (1863-1937) [que vous pouvez voir sur la photo ci-haut], compositeur légèrement plus âgé qui se rapprochait davantage du courrant dominant de la tradition française, fut séduit par les délicieuses sonorités du quatuor et de Marcel Mule et produisit, en 1937, ce qui fut peut-être la composition le plus influente de ce genre: Introduction et Variations sur une Ronde Populaire. Cette oeuvre lance un défi à la technique des quatre interprètes, étant pleine de juxtapositions fantasques de styles différents. A certains moments, l’atmosphère est sombre et à d’autres, pleine d’esprit et de syncopations. Mais cette musique dégage en tout temps une élégance équilibrée, représentative de la meilleure musique française de cette époque.\nUn autre grand compositeur pour saxophone ,Jean Rivier (1896-1987) [sur la photo ci-haut], de style quasi-minimaliste, se prête tout naturellement au son très homogène de quatre saxophones. La densité des passages d’ensemble contrastant avec une écriture polyphonique distincte fait de son Grave et Presto un morceau particulièrement expressif et intéressant, qui certainement lance un défi à l’ensemble et à l’auditeur. Composé un an après le tour de force de Pierné, ce morceau contribua à ouvir la voix à d’autres compositions nouvelles, lesquelles, dans le cas de Rivier, prirent la forme en 1955 d’un Concerto pour saxophone et orchestre (enregistré par Deffayet et Delmotte).\nle patron of the saxophone\nÉtiquette « Clarinet classic »\nMarcel Mule – Autoportrait\n(propos recueillis par Roland Pierry)\nLors du Congrès mondial du saxophone qui a eu lieu à Montréal à l’été 2000 dernier, j’ai pu me procurer un nouveau CD du grand maître. On y retrouve des propos recueillis par Roland Pierry. Il s’agit d’une entrevue que Marcel Mule avait accordée quelques jours avant son quatre-vingt-dixième anniversaire.\nQ – Comment êtes-vous venu au saxophone?\n» Tout naturellement. Mon père était un excellent saxophoniste pour son époque et , après son service effectué dans une musique militaire, s’était vu proposer des situations par diverses sociétés, sous conditions d’exercer ses talents dans l’Harmonie locale. J’ai donc habité d’abord l’Orne, puis Hévreux, où mon père formait les jeunes musiciens. : trompettistes, clarinettistes…et naturellement des saxophonistes. Nous étions une douzaine de jeunes saxophonistes au pupitre de l’Harmonie qu’il dirigeait alors et, naturellement, faisions l’objet d’une attention particulière de sa part.\nMes parents, toutefois, ne souhaitaient pas me voir embrasser la carrière de musicien, dont les débouchés leur paraissaient déjà fort aléatoire, et leur ambition pour moi était de me voir devenir instituteur et d’épouser une institutrice. Je me suis donc retrouvé à l’École Normale et , à la sortie, instituteur dans l’école primaire où j’avais passé mon enfance avec, comme Directeur, mon ancien instituteur. Mais je n’ai pas épousé une institutrice.\nLorsqu’il a fallu faire mon service militaire, je suis entré à la Musique du 5ème R.I. cantonnée rue de la Pépinière à Paris.\nEn quelque sorte, je me rapprochais de la rue de Madrid ! Et là, pendant deux ans, j’ai assisté à des concerts et travaillé le violon avec Gabriel Willaume. C’était un grand artiste qui m’a beaucoup apporté au plan de l’interprétation et, naturellement, les affaires que je faisais avec d’autres instrumentistes ayant fait le Conservatoire élargissaient mes expériences.\nUne place à la musique de la Garde Républicaine s’étant présentée à la fin de mon service militaire, j’y suis entré, vers 1929, ai commencé à ajouter le vibrato à mes exécutions de musique classique « .\nQ – Quand avez-vous commencé à enseigner au Conservatoire\n» En 1942. À cette époque, il y avait une classe de saxophone au Conservatoire de Versailles où j’étais régulièrement appelé comme membre du jury, mais il n’en existait pas à Paris. Quand Monsieur Claude Delvincourt a été nommé Directeur du Conservatoire de Paris, sa première réaction a été d’en créer une, qu’il m’a confiée. Cette création a d’ailleurs été faite au prix du regroupement des classes de trompette et de cornet à piston. Pendant un moment, le Professeur de ce dernier instrument, voyant sa classe disparaître, a pensé qu’il s’agissait d’une intrigue de ma part, et a été affecté ; mais la vérité a vite été rétablie et nos relations n’en ont pas été altérées.\nL’enseignement m’a beaucoup apporté. J’ai eu de nombreux élèves, et des élèves de qualité, dont la fréquentation m’a également enrichi « .\nSur le CD qui est titré » Marcel Mule la légende » et qui porte le numéro suivant (A.SAX 98) , on y retrouve des enregistrements qui ont été sélectionnés , en collaboration avec la maison Selmer, par Roland Pierry, Roland Audefroy et Guy Lacour.\nOn y retrouve , comme titres entre autres, les pièces suivantes :\nSonate op. 19 de P. Creston / Caprice en forme de valse de Paul Bonneau / Les Tableaux de Provence, Paule Maurice / Le Quatuor de Alexandre Glazounov / Divertissement de P-M. Dubois / Quatuor de F. Schmitt / 6ème Sonate de J-S Bach / Euskaldunak de P. Lantier / Quatuor de A. Borsari / Goyescas de E. Granados / Concertini de J. Ibert et Pièces pour violon de Kreisler. Un excellent CD souvenir donc de ce grand maître que je vous suggère et que vous pouvez vous procurer auprès de l’association des saxophonistes français. En voici une photo de la pochette.\nÉcoutez : Caprice en forme de valse (Paul Bonneau) CD La Légende\nInterprète : Marcel Mule http://saxowebquebec.com/wp-content/uploads/2017/02/mulecapricenformedevalse.mp3\nSource : Les Éditions Henry Lemoine\nAprès de brillants Premiers Prix de saxophone (1977) et de musique de chambre (1979) au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris, Claude Delangle a entrepris une carrière remarquée de soliste international il allie les concerts et les enregistrements à un enseignement recherché au plus haut niveau.\nIl s’est rapidement imposé comme maître du saxophone français dans le domaine de la musique classique et contemporaine dont il développe le répertoire. En construisant la notoriété du saxophone, il en devient l’interprète privilégié pour les grandes pièces classiques et ouvre une voie à l’instrument dans la création contemporaine. Dès 1986, Pierre Boulez le choisit comme soliste à l Ensemble InterContemporain.\nIl collabore également avec Peter Eotvos, Kent Nagano, Armin Jordan, M. W. Chung, G. Bernstein, L. Foster. Soliste, entre autres, de l’Orchestre National de France, des Orchestres Philharmoniques de Radio France, Monte Carlo, Floride, Zagreb, Colorado, des Percussions de Strasbourg et joue maintenant régulièrement avec la Philharmonie de Berlin.\nProfesseur au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris depuis 1988, il suscite un travail original dans sa classe où interviennent régulièrement Luciano Berio, Karlheinz Stockhausen et Edison Denisov. Il donne des cours d’interprétation aux USA, au Japon, en Corée, en Russie et en Europe.\nPrésident de l’Association Internationale pour l’Essor du Saxophone, il est également l’organisateur des Rencontres de Boulogne entre compositeurs et saxophonistes.\nClaude Delangle a réalisé une vingtaine d’enregistrements pour Harmonia Mundi, Erato et Verani des oeuvres de L. Berio, E. Denisov, K. Stockhausen, lannis Xenakis, Betsy Jolas et Gérard Grisey ainsi que des pièces de Debussy, Milhaud et Jolivet.\nIl effectue des tournées aux USA et au Canada, se produisant notamment au Berklee Performance Center de Boston, il a donné au Japon des programmes de musique française et japonaise. En Octobre 1994, il retourne en Amérique du Nord pour une tournée d’un mois en soliste avec l’Orchestre de J.F. Paillard.\nDédicataire de nombreuses oeuvres, son répertoire est très vaste. Il a donné la première du Concerto pour Saxophone d’Esa-Pekka Salonen avec l’O.N.F. et la création française de Concertante II de Ralph Shapey avec l’EIC. Il a joué en première audition mondiale le Concerto pour Saxophone Alto de Edison Denisov, oeuvre qu’il a enregistrée avec The Welsh BBC Orchestra pour BIS. Il a également créé en france le Quatuor de Hugues Dufourt et donné la création mondiale de Temps du Souffle (trio) de Gilbert Amy avec les solistes de l’EIC.\nÉcoutez : Caprice et Variations / CD Claude & Odile Delangle / Historic for Saxophone /\nVisitez le site Les Éditions Henry Lemoine\nVisitez son site Web : Claude Delangle\nVisitez le site de Selmer-Claude Delangle :\nMichael Brecker, est né le 29 mars 1949 à Philadelphie et il est décédé le 13 janvier 2007 à New York, Il était parmi les plus grands saxophonistes ténor des États-Unis de son époque. On peut le qualifier facilement d’être le plus grand virtuose de son instrument. Il était également un excellent compositeur et aussi un visionnaire au niveau du langage musical jazz. On peut dire aussi qu’il a mis sa grande technique instrumentale au service de son Art.\nCe grand interprète a été initié très jeune par son père qui était un pianiste de jazz amateur. Au départ il étudie la clarinette et se met rapidement au saxophone Alto à son école avant de choisir définitivement le saxophone ténor. Il s’installe à New-York où il devient membre d’un groupe de Jazz-Rock avec son frère Randy et le batteur Billy Cobham puis il forme, toujours avec son frère, le groupe fusion de Jazz-Funk « Brecker Brothers » dans les années 1970 qui est devenu vite très célèbre. C’est le groupe le plus innovant et populaire de cette décennie. De par leurs compositions très modernes, ils ont su amener un style et un langage de jazz nouveau qui a influencé à cette époque et encore aujourd’hui plusieurs musiciens.\nParallèlement à son groupe, Michael Brecker réalise de nombreux enregistrements de musique Pop et Rock. Parmi les artistes les plus connus on retrouve : Michel Berger, Frank Zappa, Éric Clapton, Bruce Springsteen, Patti Austin, Aerosmith, James Brown, Joni Mitchell, Paul Simon, Arthur Garfunkel, Lou Reed , Uzeb et Dire Straits.\nIl a enregistré et donné des concerts avec les artistes de Jazz les plus connus de son époque dont « Herbie Hancock, Chick Corea, Chet Baker, George Benson, Gary Burton, Pat Metheny, Davis Sanborn, Arturo Sandoval, Horace Silver, Charles Mingus, Quincy Jones, Jaco Pastorius, John Pattituci, Mike Stern et McCoy Tyner.\nMichael Brecker se produira à l’occasion au Club de Jazz de Manhattan Seventh Avenue. Il rencontre le vibraphoniste Mike Mainieri avec qui il fondra plus tard le groupe très célèbre Steps Ahead. Se joindront à ce groupe Don Grolnick, Steeve Gadd, Eliane Elias et Eddie Gomez avec lesquels ils auront un succès mondial retentissant en 1980.\nIl enregistre enfin un premier album Solo en 1987. Un travail qui le ramène à un Jazz plus conventionnel où ses talents de compositeur sont révélés. Pendant sa carrière il a remporté 15 Grammy Awards en tant qu’interprète et compositeur.\nEn septembre 2005, Michael Brecker est diagnostiqué d’une leucémie avec un syndrome myélodysplasique. C’est deux ans plus tard à l’âge de 57 ans qu’il meurt le 13 janvier 2007 à New-York des suites de cette maladie, faute de donneurs.\nÉcoutez : Midnight Voyage de Joey Calderazzo / CD Tales from the Hudson\nVoir la partition (Midnight Voyage) (Transcription Denis Gagnon)\nVoir sur iTunes : Album Tales from the Hudson\nBob Mintzer, un artiste accompli qui est né le 27 janvier 1953 et qui est installé à New York. Il est compositeur, arrangeur, pédagogue , clarinettiste, saxophoniste, flûtiste et joue aussi du EWI (Electronic wind instrument). Il a commencé sa carrière musicale avec le magnifique batteur Buddy Rich. Il s’est fait connaître dans les années 1980 pour son travail avec le “Word Of Mouth Big Band” et surtout comme saxophoniste avec le groupe “Yellow Jackets” , un ensemble de la côte ouest américaine, résolument tourné vers la musique moderne et qui explore les styles aux couleurs de Funk. Il a obtenu un “Grammy Award” en 2002 pour son hommage à “Count Basie” qu’il a composé pour son “Bob Mintzer Big Band”.\nIl a contribué à développer le son et la couleur instrumentale de cet ensemble en y ajoutant une importante section de bois. Il élargit aussi le concept du Big Band avec des compositions de style Funk et Latin.\nDu côté pédagogie, Bob Mintzer publie quatre cahiers d’études de jazz pour saxophone basés sur les styles musicaux. C’est ainsi qu’on y retrouve des pièces de Blues, de Swing, du Funk, du Latin (Bossa et Samba) avec une approche moderne au niveau de l’écriture. Dans son dernier cahier, il nous propose des études de jazz contemporain. Généreux de ses commentaires sur chacune des études, tant au niveau des explications sur la forme, le style et les harmonies, ces volumes sont des plus intéressants pour tous, que vous soyez débutant ou musiciens accomplis. Chacun des cahiers est fourni avec un CD d’accompagnement où l’on retrouve notamment les musiciens du groupe “Yellow Jackets”.\nÉcoutez : Bob Mintzer / Album Quality Time\nEmit A1 (À la clarinette basse)\nBob Boy (Au saxophone ténor)\nVoir sur iTunes l’Album Quality Time\nSources : Site de Yellow Jackets\nVisitez : Site officiel de Bob Mintzer\nVisitez : Biographie de Bob Mintzer sur le site des Yellowjackets\nPhil Woods est né à Springfield au Massachusetts le 2 novembre 1931 et il est décédé le 29 septembre 2015 à Stroudburg en Pennsylvanie à l’âge de 83 ans.\nIl a étudié la musique à la Manhattan School of Music et à la Julliard School avec Lennie Tristano pour qui il est une grande influence. Il étudie aussi la clarinette avec son ami Joe Lopes. On le surnomme le « New Bird « car il a un langage Jazz très influencé de Charlie Parker. Il a d’ailleurs épousé Chan Parker, la veuve de Charlie Parker.\nEn 1954 il collabore avec l’orchestre de Charlie Barnet et dans le quintette de Jimmy Raney. En 1956 il joue au côté de Conte Candoli, de Kenny Dorham et de Al Cohn dans la tournée des Birdland All-Stars.\nQuelques années plus tard il enregistre pour de nombreux artistes entre autre avec Gene Quill du quintette de Buddy Rich en 1959. Entre 1959 et 1961 il participe à une tournée dans les orchestres de Dizzy Gillespie et de Quincy Jones. On peut l’entendre aussi dans les groupes de Telenious Monk, Benny Goodman et le Jazz Band de Gerry Mulligan.\nPhil Woods s’installe en France en 1968 et il dirige le groupe European Rythm Machine, un ensemble qu’on dit d’avant-garde Jazz avec les musiciens Henri Texier, Gordon Beck et Daniel Humair.\nEn 1972 il retourne aux État-Unis et forme un quintette avec lequel il s’est produit jusqu’en 2004. Il enregistre plusieurs albums dont le superbe « Song for Sysiphus ». Phil Woods enregistre aussi pour des artistes Pop et Rock entre autre pour Billy Joel où il joue un superbe Solo dans la chanson « Just the Way You Are » et aussi sur un album de Paul Simon.\nPhil Woods souffrait malheureusement d’emphysème pulmonaire et il a dû être placé sous oxygène pendant plusieurs années. Il annoncera qu’il arrête sa carrière à la fin d’un concert en 2015 et il meurt moins d’un mois plus tard, le 29 septembre.\nÉcoutez : I didn’t know about you Solo de Phil Woods / album Flower for Hodges / Phil Woods /\nRegardez la partition (Soprano)\nCharlie Parker est le fils unique de Charlie Parker Senior, qui est pianiste et danseur itinérant. Sa mère Addie Parker elle, est amérindienne d’ascendance Choctaw. Il se passionne pour le Jazz de Kansas City qui est aussi à l’époque la capitale de la prostitution, de la drogue et du trafic d’alcool malheureusement. Ceci aura une influence néfaste sur sa carrière sans qu’il le réalise à son jeune âge.\nCharlie Parker commence à jouer du saxophone à l’âge de 11 ans et il intègre l’orchestre de son école à l’âge de 14 ans. Il travaille et améliore sa technique avec Buster Smith. En 1937, il intègre l’orchestre du pianiste Jay McShann avec qui il fait une tournée dans toute la région jusqu’à New-York. Il enregistre ses premiers morceaux dont The Jumpin’ Blues en 1942.\nEn 1939, Charlie Parker quitte Kansas City et se rend à New York. Il cherche a approcher les meilleurs musiciens comme Art Tatum dont il est impressionné par son jeu et ses prouesses musicales à l’improvisation.\nEn 1942, il initie un nouveau mouvement musical qu’on a appellé le BeBop. Ce style a été inventé ou du moins formalisé par un groupe de jeunes jazzman dont Parker faisait partie et pour qui probablement la maîtrise instrumentale touchait déjà à sa maturité. on retrouve aussi les musiciens suivants : Le trompettiste Dizzy Gillespie, le pianiste Telonious Monk, le guitariste Charlie Christian et les batteurs Max Roach et Kenny Clarke.\nLe BeBop est une musique un peu plus complexe que le jazz standard et apporte une harmonisation plus riche en utilisant des accords qui comportent de nombreuses notes altérées, (9° et 13°), dans un cadre rythmique plus complexe. Il faut dire aussi que le BeBop se distingue avec ses Tempos très rapides allant jusqu’à 300 à la noire pour certaines pièces.\nLes premiers enregistrements entièrement « Bop » sont effectués en 1945, avec la pièce Groovin’ high et Dizzy atmosphere qui sont enregistrées et les pièces très connues Hot house, Shawnuff et Salt Peanuts viennent par la suite. Des titres devenus légendes comme Cherokee, Now’s the Time, Ko-Ko et Billie’s Bounce s’ajoutent à cette liste. À partir de là, le BeBop s’impose comme un genre de jazz à part entière, et il l’est toujours encore de nos jours.\nPeu de temps après les séances d’enregistrements des dernières pièces BeBop, Charlie Parker qui a développé dans son jeune âge une certaine dépendance aux opiacés passe rapidement de la morphine à l’héroïne. Ce qui lui causera des problèmes pour le reste de sa carrière. Mais aussi lui causera d’énormes problèmes de santé qui provoqueront son décès de façon prématuré.\nCharlie Parker aura frappé l’imaginaire de plusieurs musiciens qui ont vu et voient encore aujourd’hui en lui un artiste avec un immense talent et qui reste aussi une inspiration musicale de grande importance dans le monde du Jazz moderne.\nÉcoutez : Donna lee Solo de Charlie Parker / album Ornithology\nVoir sur iTunes : Album Ornithology\nJohn Coltrane, ce géant du jazz américain est né à Hamlet en Caroline du Nord le 23 septembre 1926. Il est le fils d’Alice Blair et John Robert Coltrane. Son père exerçait le métier de tailleur et était un musicien amateur. Il jouait du violon et du Ukulélé. Sa mère, qui avait étudié la musique chantait et jouait du piano dans la chorale de son père, qui était aussi un révérend d’une l’Église méthodiste.\nEn 1951 Coltrane se joint au groupe du trompettiste Dizzy Gillespie pour une année. Puis il retourne à Philadelphie et fait différents concerts qui l’amènent en Californie et où il rencontre Eric Dolphy qui fût d’une importance capitale pour lui dans sa carrière. Par la suite il joue avec les plus grands comme Miles Davis, Sonny Rollins. À cette époque il commence à consommer de l’alcool et des drogues comme l’héroïne. Sous l’influence du saxophoniste Yusef Lateef qu’il a rencontré à Philadelphie, il s’intéresse à la philosophie et à la spiritualité orientale.\nEn 1953 il collabore et se joint à l’ensemble de son premier idole Johnny Hodges. Dans l’année qui a suivie, il rencontre sa femme Naïma. En 1958 il collabore avec le Miles Davis Quintet.\nMême si on trouve des enregistrements de Coltrane qui datent de 1946, on peut dire que sa carrière discographique s’est déroulée sur une période de douze ans, c’est-à-dire de 1955 à 1967. C’est vraiment dans cette période que Coltrane a remodelé le jazz moderne et influencé d’innombrables générations de musiciens.\nJohn Coltrane est considéré aujourd’hui comme étant le saxophoniste le plus révolutionnaire et aussi le plus influent de l’histoire du jazz.\nIl est instigateur d’un courant musical avant-gardiste dans les années 1960. Il est aussi considéré comme l’un des artistes les plus importants du 20ème siècle.\nIl a toujours été innovateur dans ses recherches tant au niveau du timbre, de la tessiture et de la dynamique de l’instrument. Il a aussi été novateur dans sa recherche de style et de l’expression du langage Jazz. Par ses compositions thématiques qui utilisent des Modes nouveaux pour son époque, il a su amener des harmonies nouvelles dans son langage improvisé qui en font un artiste ayant sa propre expression.\nVers la fin de sa carrière il affiche un intérêt croissant pour le Free Jazz de la fin des années 1950 dont Ornette Coleman et Don Cherry font partie. Il figurera comme le père spirituel de ce mouvement qui s’inscrit dans la révolution sociale au début des années 1960 aux États-Unis\nJohn Coltrane a joué avec les plus influents artistes de la période du jazz moderne de son époque comme Miles Davis, Eric Dolphy, McCoy Tiner, Reggie Workman, Jimmy Garrisson et Elvin Jones.\nLe 7 mai, au Famous Ballroom de Baltimore, Coltrane donne ce qui s’avèrera être son dernier concert. Il est pris d’une intense douleur à l’estomac en rendant visite à sa mère. Puis de retour à New York, il subit une biopsie, mais il ne se fait pas traiter. Le 16 juillet 1967 il est conduit d’urgence à l’hôpital et meurt le 17 juillet dans l’État de New-York d’une infection aiguë du foie.\nÉcoutez : John Coltrane / Giant steps sur l’Album Giant Steps\nStanley Gayetzsky (Stan Getz) est Né le 2 février 1927 à Philadelphie aux Etats-Unis. Il vient d’une famille juive d’origine ukrainienne. Il a grandit à New York, et son intérêt se porte déjà sur la musique étant jeune. Encore adolescent il opte pour le saxophone, et il commence la pratique intensive de cet instrument . A l’âge de quatorze ans, il intègre l’orchestre municipal des jeunes de New York, ceci lui permet de recevoir des cours individuels de musique.\nEn 1943, Stan Getz intègre l’orchestre de Jack Teagarden. Il commence alors assez rapidement à jouer du saxophone aux côtés des grands artistes comme Nat King Cole et Lionel Hampton. Il se produit dans les orchestres de Stan Kenton, Jimmy Dorsey, Benny Goodman et Woody Herman.\nA la fin des années 1940, Stan Getz s’oriente plutôt vers le cool jazz qui est souvent interprété par des musiciens blancs. Si Stan Getz s’affirme très vite comme un musicien aussi génial que précoce, sa vie privée est déjà assez perturbée car il devient consommateur de stupéfiants dès son adolescence.\nDans les années 1950, Stan Getz voit sa réputation en tant qu’interprète de jazz s’agrandir. Il forme un sextet où collabore à l’occasion nul autre que Dizzy Gillespie, Oscar Peterson et Max Roach à la batterie.\nEn 1956, il s’installe au Danemark, il se produit aux côtés d’artistes européens comme le Français Martial Solal et d’autres comme l’américain Kenny Clarke qui s’est aussi expatrié en Europe à cette époque.\nL’exil européen de Stan Getz a duré jusqu’en 1960. Il revient aux Etats-Unis et enregistre avec la collaboration d’Eddie Sauter l’album « Focus », qui compte parmi ses disques préférés. En 1962, il collabore cette fois avec Charlie Byrd sur l’album « Jazz Samba ». Cet album a largement contribué à le faire connaître par le public américain au niveau de la Bossa Nova.\nSon plus grand succès a été sans nul doute l’album Getz/Gilberto, où ont collaboré João Gilberto (guitare, chant), Astrud Gilberto (chant) et Tom Jobim (chant, piano), Cet album a gagné quatre Grammy Awards en 1965 . La pièce « The Girl from Ipanema » à elle seul est le plus grand succès des Grammy pour le disque de l’année.\nAu tournant des années 1970 Stan Getz se tourne du côté du jazz fusion et fait une courte incursion en collaborant avec Chick Corea sur quelques albums. Dans les années 1980, il revient à des sonorités plus acoustiques.\nLa cinquantaine passée, il jouit pleinement de son statut de légende du jazz et il est généralement accompagné de son pianiste Kenny Barron, et on le voit également se produire avec la chanteuse Diane Schuur et le trompettiste Chet Baker. Il se produit souvent à des festivals en Amérique et en Europe.\nLa santé de Stan Getz décline et il met fin de façon prématurée à sa carrière. Il meurt d’un cancer le 6 juin 1991 à l’âge de 64 ans.\nStan Getz a été un artiste qui a innové en fusionnant des musiques du monde et le jazz. Son nom est associé à la musique latine comme la Bossa Nova où il a su donné un langage à la fois libre et nouveau pour son époque.\nÉcoutez : The Girl From Ipanema / Album culte de la Bossa Nova « Getz-Gilberto » avec Antonio Carlos Jobim. / 1964


10 façons simples d'obtenir des résultats de fitness incroyables ... À la maison!, Gros exercices de combustion à la maison pas d équipement\n09.11.2018 Auteur: Mignonette\nGenre je fais séance pêc le lundi vers 14h et un wod le soir vers 18h? Reste 30 secondes à une minute entre les cycles, et ajouter cycles et de répétitions que nécessaire. La science a montré que plus vous avez de coffres-forts défectueux, mieux vous serez préparés.\nJe voudrais vous parler svp. Comment perdre la graisse du ventre à la maison sans équipement Tout en perdant du ventre et en éliminant la graisse. Alors si on veut bien faire les choses et perdre de la graisse, il faut mettre toutes les chances de notre côté pour que ce douloureux et ennuyeux.\nSinon cool la page merci. Comment travailler les abdominaux sans matériel - wikiHow Évaluez votre niveau de graisse abdominale. 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Bonjour Fabrice, Tu travailles la force en faisant des exercices tels que des pompes, des pompes en arbre droit, des tractions ou des pistols par exemple.\nLa prochaine fois que vous aurez besoin d'un "cardio", ne vous précipitez pas au gymnase pour attendre 35 minutes avant de monter sur une machine puis marchez pendant 25 minutes.\nBonjour Maxime, Merci pour ton commentaire, ça fait plaisir!\nSans rire, tous les entraînements sont vraiment gratuits et le resteront toujours.\nVendeur Le vendeur chi-enterprise, Inh.\nRestez simple, Perte de graisse ultime de la marque, qui travaille la maison semble amusant et tout sauf qui peut se permettre tout ce matriel. Je vais aller en Algrie et je recherche une salle aussi …. Mais, Plateforme Vibrante 3D double moteur - Oscillation et vibration - Machine d'entretien de forme physique. 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[résolut]A propos des "silent bloc"???\nSujet: [résolut]A propos des "silent bloc"??? Mer 7 Aoû 2013 - 19:43\nQui a tester ou vue une difference entre des silent bloc dit renforcé ou normal???\nJe doit changer les miens et aimerai avoir vos avis.\nSujet: Re: [résolut]A propos des "silent bloc"??? Mer 7 Aoû 2013 - 20:25\nle silent bloc renforcé est plus dur\nSujet: Re: [résolut]A propos des "silent bloc"??? Mer 7 Aoû 2013 - 20:32\nJe me doute bien qu'il est plus dur,merci de ta reponse.\nQui a tester les deux modes svp?\nSujet: Re: [résolut]A propos des "silent bloc"??? Mer 7 Aoû 2013 - 20:42\nJ'ai pas testé mais si ils sont plus dur forcement y'a moin de vibration\nSujet: Re: [résolut]A propos des "silent bloc"??? Jeu 8 Aoû 2013 - 11:58\nAixam vend 2 types de plots antivibratiles pour Z402.\nCelui pour la boite est de nature plus dure ( constante élastique) que ceux de devant du support moteur.\nVu de l'extérieur, aucun moyen de les différencier.\nMais si on les intervertit, celà crée un déséquilibre dans l'état vibratoire.\nNormalement, les plots d'origine sont impecs, toute vibration hors de l'ordinaire dénotant un probleme d'éléments tournants.\nMettre des caoutchoucs plus dur, pourquoi pas, mais le systéme lui même est limité du fait qu'une VSP est trop légére ( pour être approximé à un ancrage) et il va certainement falloir trouver un caoutchouc encore plus dur pour la boite que les plus dur de l'avant!\nSujet: Re: [résolut]A propos des "silent bloc"??? Mar 3 Sep 2013 - 22:59\nJ'ai acheter mes silent bloc cette apres midi et j'ai remarquer qu'il y a difference sur la dose de gomme d'un modele a l'autre dans les arrivages de commande.\nCeux que j'ai eu mon l'air plus solide,et pourtant il sont du meme fabricant.\nSujet: Re: [résolut]A propos des "silent bloc"??? Mer 4 Sep 2013 - 7:52\nTu les a monté?\nSujet: Re: [résolut]A propos des "silent bloc"??? Mer 4 Sep 2013 - 17:51\nSujet: Re: [résolut]A propos des "silent bloc"??? Mer 4 Sep 2013 - 18:53\nPour connaitre la difference entre les deux\nSujet: Re: [résolut]A propos des "silent bloc"??? Mer 4 Sep 2013 - 19:03\nC'est sur qu'il y a une difference,mais comme j'ai pris les plus solide a mes yeux,je ne peu vous montrer la difference,parcontre la prochaine fois que j'irai chez le revendeur,je prendrais une photo des deux différences d'un meme modele.\nSujet: Re: [résolut]A propos des "silent bloc"??? Mer 4 Sep 2013 - 19:10\nSujet: Re: [résolut]A propos des "silent bloc"??? Mar 31 Mai 2016 - 22:28\ntu as monté tes silent bloc au final?


Justice – Les rencontres détenus-victimes, pour s’écouter : Une mesure de justice restaurative en expansion | Résistance Inventerre\n← La France à l’heure de l’urbanisme écologique\nGriserie – Adrien Quatennens veut «prendre le pouvoir» à Macron →\nDepuis 2010, la maison centrale de Poissy, dans les Yvelines expérimente la justice restaurative. Inscrit dans la loi Taubira de 2014, ce programme s’apprête à voir le jour dans plusieurs établissements pénitentiaires.\nLe Monde |06.09.2017 | Par Feriel Alouti\nLire aussi : Les rencontres détenus-victimes, une mesure de justice restaurative en expansion\n« On savait que ces hommes avaient tué, mais on ignorait tout du pourquoi et du comment. C’est tout aussi bien, car cela évite les préjugés. On voulait essayer de comprendre sans excuser. »\nPrendre « une forme humaine »\nEn 2010, lors de la toute première rencontre organisée par la maison centrale de Poissy, Claude (le prénom a été modifié), 53 ans, ne s’attendait pas à voir « apparaître une telle douleur sur un visage ». Quand les proches des victimes ont pénétré dans la pièce, tous les détenus se sont levés en tendant leur main, sauf lui qui a préféré rester en retrait. « J’étais trop tétanisé. Un peu comme si le ciel me tombait sur la tête. » Puis il a fini par prendre la parole, et ainsi, pense-t-il, « une forme humaine ».\nAprès seize ans de détention, il n’imaginait pas « avoir l’opportunité de “se racheter” », reconnaît-il dans une pièce sans charme de la maison centrale où sont actuellement détenues 223 personnes, dont 85 % pour crime de sang.\n« Pouvoir identifier le mal qu’on a pu commettre et se mettre à la place de ceux qui souffrent. Avoir un jugement sur ce qu’on a fait mais se dire aussi qu’on n’est pas qu’une personne criminelle. Les aider [aussi] en leur donnant une réponse », énumère Claude, comme s’il avait décortiqué et pesé chaque mot de son discours.\nLes victimes, elles, « posent pas mal de questions, dit-il d’une voix douce. Elles cherchent à comprendre pourquoi on a fait ce que d’autres ne font pas ». Le passage à l’acte, si difficile à comprendre et concevoir pour le commun des mortels, fut « la question centrale » de ce face-à-face qui s’est peu à peu transformé en échange. « Il faut expurger, c’est pas évident. C’est de l’ordre du performatif. Dire, c’est être. C’est difficile, mais positif », jette-t-il en vrac.\nRaconter ce qu’il avait été incapable de dire au procès\nCet article, publié dans Justice, est tagué écoute, détenus-victimes, expérimentation, maison centrale Poissy. Ajoutez ce permalien à vos favoris.


aux solutions logicielles et aux services associés.\nMultiplay audio tactile conçu pour jouer un ensemble de son à la volée.\nDisponible en application Windows 32 bits, l'affichage peut aussi se faire sur une interface HTML compatible Mac/PC/Linux, iOS, Android. La bibliothèque de contenu sonore s'affiche selon vos besoins, dans une multitude de profils et de pages dédiées à vos thématiques (Morning, live show, jeux, trafic infos...). La composition est entièrement personnalisable et dispose d'un large panel d'icônes et de couleurs.\nL'ip-ikey propose d’être connecté à un studio ou à un ensemble de studio. La fonctionnalité multi-écran apporte un partage fonctionnel pour toute l'équipe d'une émission type (réalisateur, animateur, standardiste...)\nNouvelle suite logicielle d’IP-Studio, fruit de nombreuses années de recherche et de développement, destiné à la gestion des appels auditeurs et des contributions métiers.\nDoté de nouvelles fonctionnalités centralisées permettant d'organiser une gestion complète des auditeurs et des inserts téléphoniques. Cette solution, convient aussi bien aux grands groupes (TV/Radio) qu’aux petites et moyennes structures. L’ip-screener propose une multitude de fonctionnalités, entièrement personnalisables et adaptées à vos studios ou workflows.\nInterface de contrôle et de virtualisation tactile qui se configure entièrement via une page web.\nLe principe de l’IP-Tablet repose sur sa configuration, qui est entièrement personnalisable, avec une multitude de composants disponibles pour piloter de nombreuses ressources, hardware, console de diffusion, inserts téléphoniques, traitement audio, elle peut également contrôler des ressources annexes, grâce à des requêtes http. Possibilité d'afficher des pages web grâce et des composants dédiés, ainsi que des vidéos.\nOutil de gestion commerciale.\nGestion des ventes publicitaires multimédia, il prend à sa charge la gestion du Work-Flow, la facturation, les statistiques et la diffusion. Partage de données API (Web service), rapports et impressions personnalisés, gestion des Spots publicitaires (création, écoute) et suivi conso client.\nAutomation (suite de diffusion)\nSystème de diffusion ayant pour rôle de jouer les éléments d'un conducteur type (pub, musique, chronique, habillage, comblage...).\nIl interprète les éléments qu'ils lui sont confiés pour les diffuser, son utilisation peut-être couplée à un système d'automation en studio. Il peut être embarqué sur un site de diffusion, intégré dans un boitier blindé et entièrement contrôlé par un système de vigilance pour diffuser des écrans pubs\nPressplay est régulièrement imaginé comme l'outil qui accompagne les créateurs d'expérience musicale, dont le besoin unique est d'obtenir le résultat parfait d'un design sonore. Étant également disponible en accès à distance, Pressplay est une solution facile à adopter et qui favorise la créativité et la productivité, via des algorithmes contrôlés pour un rendu professionel.\nun expert conseil sera à votre disposition pour étudier et oeuvrer\ndans la mise en forme de votre projet. Nous proposons des solutions\nselon les petites, les moyennes ou les grandes structures


Montebourg veut sauver une entreprise textile symbole du « Made in France »\n10/10/2013 à 10h35 Mis à jour le 10/10/2013 à 10h42\nArnaud Montebourg explique que la liquidation de Virtuose n'a aucuhn sens et coute cher à la collectivité. -\nMelanie Daniels 10/10/2013 à 13h09\nJ'avais l'intention d'acheter ces chemises et faire vivre cette société, mais je usi au chômage, non indemnisé, et la politique gouvernementale est telle que je ne suis pas prête de retrouver un job.\nClaude Ferradini 10/10/2013 à 12h33\n...En 1989, lors de notre vote européen (j'avais voté non) la FRANCE DEVENAIT UNE FRANCE DE SERVICES... Depuis lors, toutes les petites entreprises et les petits détaillants (commerce) ont été détruits. Avec l'accord des gouvernements en place, au profit des groupes tentaculaires, financiers, grace à une stratégie bien rodée.(des nébuleuses) il faut beaucoup de temps, pour identifier le gros qui se cache dérrière) Il est trop tard pour réindustrialiser quoi que ce soit... La finance est installée. Pour 50 ans\na prévu Karl Marx (CAPITAL)\nHeyBaal 10/10/2013 à 12h02\nSurtout le symbole de la destruction de notre économie par une fiscalité insupportable et l'infantilisation des consommateurs. Au vu du "palmarès" du monsieur je donne pas cher de l'entreprise en question.\nlouloucasta 10/10/2013 à 11h58\nles politiques socialistes confondent par méconaissance il faut un boeuf pour tirer la charue et ce n est pas le cinéma politicomédiatique qui fera changer les choses un patron ou et un investisseur va au charbon au quotidien ceux qui nous gouvernent sont au pays des bisounours\nspencer87 10/10/2013 à 11h54\nNormalement cette entreprise devrait disparaitre encore plus vite si Mr Montebourg s'en occupe tout comme ARCELORMITTAL, UNYROYAL, Etc...\nmamily 10/10/2013 à 11h49\ntous ces gauchistes aux pouvoirs feraient mieux de sauvegarder la France Made in France !!au lieu de brader les valeurs made in France ! les coutumes made in France ! la famille made in France !! pour satisfaire ces minorités qui s'y installent et qui veulent y importer leurs coutumes au mépris des valeurs Françaises !!!! qu'ils deviennent français ou non cela n'y changent rien les racines sont les plus fortes !!!


En 2018, les investissements publicitaires sur internet dépasseront ceux de la télévision, et la publicité mobile dépassera vraisemblablement celle sur desktop. Les PME (petites et moyennes entreprises) et ETI (Entreprises de Taille Intermédiaire) font face à de nouveaux challenges passionnants pour s'adapter à ces changements. Pour en tirer le meilleur profit, découvrez les tendances 2018 à tester pour vos campagnes de pub mobile.\nLa confirmation de la pub mobile\nL'heure de gloire de la publicité à la télévision est révolue ! Même si elle n’est pas enterrée, la pub TV est en perte de vitesse face à la publicité digitale.\nD'après ZenithOptimedia, les investissements mondiaux en publicité digitale vont dépasser ceux de la télévision en 2018. Et parmi les investissements digitaux ce sont les investissements dans la publicité mobile qui vont dominer le desktop.\nCela s’explique de la manière suivante : c'est sur mobile que les consommateurs passent désormais le plus de temps. Les annonces en ce sens se multiplient ces dernières années, on repense notamment à l’annonce fin 2015 du fameux cap du nombre de recherches Google faites sur mobile dépassant celles sur desktop. Cette tendance ne s’est pas affaiblie et se manifeste désormais dans les choix budgétaires des annonceurs.\nÞ Il n'est donc plus temps de se demander s'il faut ou non investir dans une stratégie mobile.\nPlusieurs tendances se dégagent pour la publicité mobile en 2018. Ces tendances sont particulièrement intéressantes, puisqu'elles vous permettent d'atteindre vos consommateurs tout en respectant leur expérience utilisateur.\nLe Mobile World Congress 2017 (retrouvez notre article debriefing de cet événement)\nLe MWC est une conférence incontournable et qui fait chaque année le point sur l'état du secteur mobile. En 2017, plusieurs tendances ont été annoncées pour ces prochaines années, parmi lesquelles : la 5G Roadmap (succession de la 4G), le Mobile Retail, l'Intelligence artificielle, les expériences connectées, la réalité virtuelle et augmentée, le respect de la vie privée et de la sécurité et le contenu mobile first.\nLa data devient incontournable\nLe programmatique représente une tendance à suivre de très près pour les annonceurs, éditeurs et régies publicitaires mobiles. Il permet d'automatiser le processus d’achat et de vente d'espaces publicitaires concernant un individu désigné.\nGrâce au programmatique les annonceurs peuvent désormais avoir une approche personne par personne plutôt qu’une approche par audience de site internet. Cela s'inscrit parfaitement dans l’évolution d’une stratégie de communication digitale pertinente.\nAvec le programmatique, vous maximisez vos chances de vous adresser à votre cible, surtout si vous y rajoutez une couche de data pour préciser votre ciblage.\nVous pouvez cibler vos internautes selon une myriade de critères\nCatégorie socio profesionnelle\nAime un certain sport ou une activité culturelle (musique, art...)\nAjouter de la data permet un ciblage plus pertinent et donc une augmentation de la performance de vos campagnes publicitaires auxquelles vous aurez ajouté cette couche de ciblage supplémentaire.\nVous avez aussi la garantie de vous adresser à une audience qui est pertinent pour votre activité. Dans le pire des cas même si vous n'enrigistrez pas de clics, votre brand-awareness augmentera sur votre cible.\nDe la data disponible aussi direct\nL'essort du programmatique a permis d'augmenter le niveau d'exigences général du secteur publicitaire digital. Pour faire face à cela tous les acteurs sont montés en compétences et ont développé les outils pour pouvoir aller dans le sens de la nouveauté.\nAinsi les éditeurs ont eux aussi augmenté leurs capacité de ciblage (auparavant limité aux catégories et URLs de leur sites).\nLes applications mobiles surtout ont des capacités de ciblage que n'ont pas les sites internets où les internautes ne sont pas enregistrés. Les données enregistrées en tant qu'utilisateur(trice) ont énormément de valeur en tant que donnée de ciblage publicitaire. Elles permettent un ciblage d'un qualité comparable aux data disponibles sur les différents DSP du marché.\nVous l’aurez compris, la data est un des outils incontournables lorsque lors de l'élaboration d'une stratégie de personnalisation de la publicité et que l'on souhaite toucher de potentiels clients.\nLe Native Advertising encore et toujours au sommet\nImpossible de passer à côté du Native Advertising. Le succès de ce nouveau format publicitaire n'est plus à démontrer.\nSi vous ne connaissez pas encore ce format, retenez simplement qu'il s'agit d'une publicité qui se fond à la perfection avec son support. Le meilleur exemple reste le contenu sponsorisé qui apparaît dans le fil d'actualité Facebook.\nPourquoi le Native Advertising est si populaire ? Tout simplement parce qu'il offre une belle liberté créative et qu'il respecte l'expérience utilisateur.\nUne étude de l'Ifop a ainsi révélé que 73 % des Français pensent que les publicités devraient être mieux intégrées aux sites. C'est exactement ce que propose le Native Advertising.\nLe mobile et la vidéo, un autre couple gagnant\nAvec déjà un track record époustouflant (un investissement doublé entre 2015 et 2016), la vidéo sera encore une fois mise à l’honneur en 2018. Avec l’arrivée de la 5G, le principal problème de la vidéo (le poids des fichiers) devrait être bien amoindri.\nEn effet, sur mobile ce qui gêne principalement les consommateurs lorsqu’une publicité vidéo apparaît à leur écran, demeure son temps de chargement...\nEn 2018 les obstacles à la consommation de vidéos seront quasiment réduits à néants puisque le maillage du territoire en 4G est presque terminé (Orange, SFR et Bouygues couvrent désormais 90% du territoire en Octobre 2017) et que les opérateurs téléphoniques commence d’ores et déjà à installer la 5G.\nIl en va de même pour le desktop avec l’installation de la fibre dans les foyers Français. Le nombre de contrat fibre optique a explosé avec une croissance de 50% en 2017.\nDe plus des acteurs du milieu se sont décarcassés pour créer des formats rich media vidéo avec des interactions possibles entre le mobinaute et le consommateur...créant une ambiance ludique avec le consommateur.\nSi le spot réussi à avoir l’attention du mobinaute alors l’immersion sur mobile complète. Malgré sa taille réduite comparée à un téléviseur, si le spot est diffusé en horizontal et couvre la totalité de l’écran vous pouvez être assuré de l’impact qu’aura votre campagne vidéo.\nLa baisse des audiences télévisées sur la cible jeune corrobore ce fait : les jeunes regardent leurs vidéos sur mobile. A vous de vous adapter à leurs pratiques si vous souhaitez vous adressez aux jeunes.\nL’avantage de diffuser votre spot publicitaire sur mobile est que si la vidéo créé une émotion chez votre audience, vous la diffusez sur l’outil qu’ils utilisent pour communiquer entre eux. Vos chances d’être diffusées sont donc naturellement augmentées. Ce n’est pas ce que vous souhaitez, d’augmenter le bouche à oreille ?\nLe drive-to-store pour générer du trafic en magasin\nLe drive-to-store est une stratégie de marketing mobile permettant d'inciter le consommateur à se rendre dans votre point de vente.\nIl peut s'agir par exemple d'une offre promotionnelle qui s'affiche via SMS ou notification push dès que le client s'approche de votre boutique. Les applications sont nombreuses et permettent en plus de personnaliser l'expérience en s'appuyant sur les données collectées.\nL'arrivée de la voiture connectée, véritable bijou de technologie, étendra encore les possibilités offertes par le drive-to-store !\nLa réalité virtuelle au service de la publicité mobile\nC'est avant tout dans l'univers du jeu vidéo que l'on parle le plus de la réalité virtuelle (VR) et augmentée (VA). Mais cela pourrait bien changer, car l'expérience offerte par la VR et la VA trouvent de fantastiques applications dans la publicité mobile !\nAvec la VR et la VA, plus besoin d'expliquer aux consommateurs ce que le produit pourrait leur apporter : ils peuvent désormais vivre l'expérience par eux-mêmes.\nCertes quand on parle de VR, un casque spécifique est nécessaire mais sa popularisation semble être pour bientôt : les prix commencent enfin à baisser. Sa popularisation massive s’annonce imminente. Plusieurs constructeurs comme Occulus (appartenant à Facebook) et HTC ont baissé leurs prix durant l’été.\nD’un point de vue publicitaire c’est une aubaine : l'immersion produite par cette technologie crée un environnement optimal pour visualiser le produit dont on fait la promotion. Par exemple, une promenade en voiture, ou pourquoi pas une visite d'un appartement ou d'une location touristique au bout du monde… Vous l’aurez compris, le champ des possibles se retrouve une nouvelle fois repoussé.\nLa VA est d’ores et déjà facilement accessible puisqu’elle ne nécessite quant à elle qu'un simple smartphone. Voici deux exemples de marques utilisant déjà cette technologie :\nIkea s'est lancée dans l'expérience et a créé une application à utiliser dans son salon. Il suffit de pointer son mobile dans une direction, pour visualiser le meuble qui nous intéresse, comme s'il était déjà sur place. On se voit déjà l’acheter. Ou économiser une dépense inappropriée.\nDulux Valentine propose une application mobile ressemblante, sauf qu'il s'agit ici de tester le rendu de différentes couleurs de peintures en pointant son mobile vers un mur de votre intérieur. Un bénéfice assez clair : fini les surprises colorées coûteuses en argent mais aussi en dimanche après-midi…\nLe Mégastore d'Orange, l'avenir du retail\nOrange se tourne vers l'avenir et expérimente le retail 2.0. Dans son Mégastore, l'entreprise propose aux consommateurs de nombreuses expériences qui permettent à la fois de tester des produits et de s'amuser. L'émotion est au cœur de l'expérience : escape game, ateliers de formation, tests en réalité virtuelle... Tout est fait pour donner envie aux consommateurs de se rendre en point de vente !\nLes tendances 2018 de la publicité mobile sont intéressantes de par leurs avancées technologiques. Elles offrent un vrai renouveau dans la manière de communiquer avec le consommateur et permettent en plus, beaucoup de créativité. Pour les entreprises, c'est bien plus qu'un cap à passer : c'est une opportunité à saisir !\n- La publicité en programmatique devrait continuer sur sa croissance en 2018.\n- La vidéo mobile est un support de diffusion de plus en plus qualitatif.\n- Les nouvelles technologies comme la réalité virtuelle ou augmentée permettent d'offrir une expérience poussée, ludique et interactive avec leurs clients.


Les préparatifs de Noël – En direct de Vanves…\n14 décembre 2014 14 décembre 2014 V@leez\nAh la magie de Noël. Cette année, en particulier, ces préparatifs ont un caractère spécial. Fiston a 3 ans révolus, c’est donc son premier VRAI Noël. Bon, il chante par cœur « Petit Papa Noël » depuis l’année dernière, mais là, çà y est, il peut se lâcher !!! Ce week end, nous nous sommes attelés donc à décorer le sapin, installer pour la première fois un « village » LEMAX, la crèche et avons attaqué le calendrier de l’avent « Lego Star Wars » ;-).\nTagué Magie de Noël, Noël\nArticle précédentPhotography 101 – Day 20 – Triumph / Triomphe\nArticle suivantDe l’idée des enfants gâtés\n6 réflexions au sujet de “Les préparatifs de Noël”\nOù est la crèche avec les playmos ?\nje suis trop petite pour la prendre en photo, et la flemme de sortir l’escabeau :p. Mais Pimpf s’en est occupé 🙂\nElle est donc cachée dans les hauteurs ?\nLe Père Noël y passera donc en premier !\nsuperbe série de photos, on ne s’est pas loupé cette année on s’est bien mis dans l’ambiance dès ce week-end 😉\nPing: TAG… de noel | En direct de Vanves…\nC’est beauuuuu et P Junior mais qu’il est beau !!! Il a des joues à recevoir plein de bisous (bah oui ça me manque les miens sont trop grands 😆 )\nEt les petites maisons… hmmmm…. Cadette en voulait cette année mais je lui ai dit qu’il fallait choisir entre jardin et ça alors bon jardin pour les champignons magiques !!\nJ’adoreeeeeee ces ambiances 😉\nEt j’espère que vous passerez un SUPERBE NOEEEELLLL ❤ ❤


Maillots Dallas Mavericks Promo Prix Paris | Quelle est la raison du shopping pour un maillot de basket-ball?\nAutour de l'aspect flip, quand quelqu'un sort pour acheter un maillot de la NBA, ils soutiennent vraiment le participant plut?t que beaucoup le groupe. Je me trompe à ce sujet dans certaines circonstances, mais beaucoup de fois c'est la vérité. D'accord, vous ne l'achetez pas pour vous-même, mais comme cadeau. Maillots Dallas Mavericks Quand maman et papa sortent et achètent un maillot de basket, il est probable qu'ils achètent un jeune homme qui aime le sport ou peut-être un joueur déterminé. Et de temps en temps, un copain peut acheter un maillot de basket pour un autre copain. Dallas Mavericks #25 Chandler Parsons Kelly Vert feuillus Classics Swingman Performance Maillot Pour l'amant de basket-ball suprême, vous pouvez simplement acheter un maillot de basket-ball pour les collecter sans intention de les transporter. Tout ce qui rassemble un type de vêtement sait que plus vous le portez, plus il diminue en valeur et quel est le but d'accumuler une chose sans bénéfice. Après une fois de plus, c'est mon sentiment, mais ce n'est vraiment pas très éloigné du fait. J'espère que je suis en mesure de vous aider à apprendre votre objectif d'acheter un maillot de basket-ball, sinon, je m'excuse et je ferai de mon mieux pour passer la prochaine fois. Je vous souhaite le meilleur du voyage pour trouver votre prochain maillot de basket-ball!


Top départ pour la Grande Traversée VTT de la Creuse | Terra Sport 23\nCa y est, le premier tronçon de la Grande Traversée VTT de la Creuse a été inauguré lundi 31 mai 2021. En présence notamment du président de la Fédération française de cyclisme, Michel Callot. Ce premier tronçon démarre de la gare SNCF de La Souterraine, se diriger vers les Monts de Guéret avant de remonter vers La Souterraine. 268 kilomètres d'itinérance ouverts toute l'année pour tous les vététistes qui le désirent.\n268 kilomètres de VTT pour découvrir l'ouest de la Creuse et les Monts de Guéret, des hébergements et de quoi se restaurer sur le trajet, toute la richesse de la nature et du patrimoine de la Creuse : c'est le programme du premier tronçon de la Grande Traversée VTT qui s'élance de la gare SNCF de La Souterraine avant d'y revenir en passant par Guéret. Une boucle parfaite pour passer des vacances sportives et itinérantes. Comptez environ 4-5 jours pour réaliser ce superbe parcours.\nParcours qui a été inauguré à la gare de La Souterraine lundi 31 mai 2021 en présence de tous les partenaires et du président de la Fédération française de cyclisme, Michel Callot. Une visite de marque pour ce premier tronçon de GT de la Creuse qui en appelle d'autres. Un nouveau tronçon devrait être ouvert chaque année jusqu'en 2024 pour atteindre les 700 kilomètres de parcours dans 3 ans et ainsi mailler au mieux la quasi-intégralité de la Creuse.\nVous souhaitez en savoir plus sur le parcours de la GT VTT de la Creuse ? Toutes les informations sont sur ce lien.\nEn début de matinée, le président de la FFC, Michel Callot, était également au sein du Conseil départemental de la Creuse pour que les partenaires du projet "Guéret - centre de préparation aux Jeux" lui présentent le projet de rénovation de l'IRFJS (plusieurs appart'hôtels, des chambres, une salle de muscu, de récupération) pour accueillir les délégations étrangères qui veulent s'entraîner en vue de l'olympiade 2024. Des circuits route ont également été imaginés par Creuse Oxygène et une piste de VTT cross-country olympique a été installée en Forêt de Chabrières.


RBC reconnut comme l«un des Employeurs de choix au Canada\nÀ propos de RBC > Profil de l'entreprise > Reconnaissance > RBC reconnut comme l'un des Employeurs de choix au Canada\nRBC reconnut comme l'un des " Employeurs de choix au Canada "\nLe 18 avril 2012 - RBC a été nommée parmi l'un des Meilleurs lieux de travail au Canada pendant quatre années consécutives. Cette reconnaissance est attribuée dans le cadre d'une étude annuelle menée conjointement par l'institut Great Place to Work® et le Globe and Mail.\n« Les valeurs communes de RBC - le service, le travail d'équipe, la responsabilité, la diversité et l'intégrité - constituent les bases de nos activités au sein des différentes cultures de nos unités opérationnelles et secteurs géographiques, déclare Zabeen Hirji, chef des ressources humaines. Nos similarités et nos réalisations communes font de RBC un endroit où le personnel ressent un sentiment de fierté et d'appartenance à l'égard de son employeur. »\nPour Mme Hirji, on mesure le succès d'une excellente entreprise par sa capacité à faire ressortir l'énergie et le talent de ses employés. « Par notre diversité, RBC est un milieu où les gens peuvent atteindre leur plein potentiel, où les perspectives de carrière sont légion et où l'apprentissage continu est un style de vie. Une entreprise où il fait bon travailler est également celle qui se démarque par l'altruisme et la camaraderie de ses employés. C'est le cas de RBC et c'est ce qui nous permet de continuer à concrétiser notre vision de Toujours mériter le privilège d'être le premier choix de nos clients. »\nL'étude « Employeurs de choix au Canada »a été menée par le Great Place to Work® Institute Canada et est principalement fondée sur le niveau de confiance, de respect, d'équité, de fierté et de camaraderie dans le milieu de travail.\nSix principes définissent ce que représente RBC en tant qu'employeur et guident nos efforts soutenus en vue d'assurer la réussite commune du personnel, des clients et des actionnaires. Ces principes ont trait au perfectionnement professionnel et à l'excellence dans la gestion des personnes de même qu'à la volonté de faire passer le client avant tout.\nLes lauréats de cette année ont été annoncés dans un reportage national spécial du journal The Globe and Mail le 18 avril dernier.\nPour plus de détails sur le prix lui-même, veuillez visiter www.greatplacetowork.ca.