Guerre et Paix | Amis de l'opéra Genève – AGAOB\nopéra en deux parties et treize scènes\nComte Ilia Rostov Ruzan Mantashyan\nDolokhov Alexey Alexey Shishlyaev\nEn coproduction avec l'Opéra d'État hongrois\nPaul-André Demierre – Crescendo-magazine – 21 septembre 2021\nPour cette première suisse, la direction du Grand-Théâtre de Genève a frappé un grand coup en faisant appel à Calixto Bieto dont la réputation sulfureuse est liée à ses politiciens siégeant sur les toilettes au début d’Un Ballo in Maschera ou à son Don Giovanni, bête sexuelle hantant les bars louches. Donc avec une certaine appréhension, l’on attend le lever de rideau…et nous voilà dans un boudoir damassé rouge lambrissé or que la scénographe Rebecca Ringst a calqué sur l’appartement de Maria Alexandrovna au Palais de l’Ermitage. Sous de vastes surfaces plastifiées se profile une faune d’aristocrates dégingandés années soixante (costumés par Ingo Krügler) qui semble engluée dans un cauchemar. Selon les propos du metteur en scène, ces êtres luttent contre l’inconnu parce qu’ils ressentent en eux l’insécurité. Le monde qui les entoure n’est que négativisme et décadence. Ce parti pris fait table rase de tout ce qui pourrait édulcorer cette inexorable marche vers l’anéantissement. Ainsi Natacha Rostova perd sa candeur de provinciale pour devenir une adolescente délurée telle une Salomé de salon qui attise la convoitise des hommes. Le Prince Andrey Bolkonsky, désabusé à la suite de son veuvage, ose s’en approcher et s’en éprend. Mais la valse qui devrait les unir exprime leur névrose commune et se désarticule en soubresauts du dernier grotesque qui se répandent dans l’assemblée. Le rejet d’une union par le vieux Bolkonsky accélère la chute de la jeune fille humiliée qui finira par céder aux avances d’Anatole Kouraguine, fieffé coquin déjà marié, que chassera le compatissant Pierre Bezoukhov. Au lieu de nous transporter sur le champ de bataille de Borodino, la deuxième partie montre l’effondrement de cette société dégénérée dans le palais qui s’écroule sous les coups de canon. En un continuel va-et-vient, s’y succèdent les troupes russes ramenant le Prince Andrey qui se tresse la couronne d’épines du martyr et l’armée française commandée par un Napoléon qui perd pied devant une gigantesque maquette de la ville de Moscou et de son théâtre qu’une force supérieure détruira. Mais c’est au peuple russe que le Maréchal Koutouzov donnera la victoire.\nUne telle lecture, aussi décapante que cohérente, ne prend sa dimension réelle que par la musique. A cet égard, Aviel Cahn a eu aussi la main heureuse en invitant le chef d’orchestre argentin Alejo Pérez qui, durant plus de trois heures, tient cette gigantesque partition à bout de bras en lui imprimant un rythme narratif qui ne s’essouffle jamais, nourri qu’il est par la grandeur épique des scènes d’ensemble et par la palette de coloris fascinants du tissu instrumental. Sous sa baguette, l’Orchestre de la Suisse Romande fait montre d’une précision extrême et d’une fusion des pupitres remarquable. L’on en dira autant du Chœur du Grand-Théâtre de Genève, préparé minutieusement par Alan Woodbridge, irréprochable dans chacune de ses interventions, aboutissant à un paroxysme expressif dans la grandiose péroraison.\nSur scène, la plupart des quatorze premiers plans abordent leur rôle pour la première fois. C’est notamment le cas de la soprano arménienne Ruzan Mantashyan campant une Natacha apparemment détachée des contingences sociales avec un aigu aigre qui se libère avec la prise de conscience de sa culpabilité la rendant instantanément émouvante. Tout aussi convaincant, le baryton Björn Bürger au métal solide donne du Prince Andrey l’image de l’aristocrate broyé par le destin, poursuivant la chimère d’un amour impossible. Magnifique, la mezzo Natascha Petrinsky incarnant Maria Akhrossimova, la tante de Natacha qu’elle sermonne dans une ligne de chant de haute tenue, tandis que le ténor Daniel Johansson lutte d’abord contre un aigu rebelle avant d’atteindre cette sérénité de jugement qui fait la grandeur de Pierre Bezoukhov. La mezzo Elena Maximova ne fait pas grand-chose du personnage de son épouse, Elena Bezouhova, alors qu’Ales Briscein crève la scène par les inflexions vipérines qu’il prête au séducteur Anatole Kouraguine. Par une sonorité tout aussi rêche, le baryton Alexey Lavrov dépeint un Napoléon totalement névrosé que bat en brèche l’imposant Koutouzov de Dmitry Ulyanov à l’autorité péremptoire. Alexander Kravets émeut avec cette figure d’Innocent qu’est le marginal Platon Karataiev, tandis que demeurent en second plan la Sonia Rostova de Lena Belkina, le Comte Rostov d’Eric Halfvarson, le vieux Prince Bolkonsky d’Alexey Tikhomirov, la Princesse Maria Bolkonskaya de Liene Kinca, le Denissov d’Alexander Roslavets.\nAu rideau final, l’ensemble de la production est bruyamment acclamé par un public subjugué tenu en haleine par un tel chef-d’œuvre.\nBertrand Tappolet – Le Courrier – 20 septembre 2021\nA Genève, la mise en scène hallucinée de Guerre et Paix rappelle que l’opéra fut soviétisé de force en hommage à Staline, qui martyrisa peuple et artistes.\nGuerre et Paix est la chronique intime et épique de familles de l’élite aristocratique russe entre 1805 et 1812 sur fond de guerres napoléoniennes. A sa manière somatique et surréaliste, le metteur en scène Calixto Bieito relaye jusque dans les mouvements de pantins de l’Ancien Régime, pièces de musées, l’esprit parfois grotesque de la danse théâtralisée façon Pina Bausch. Fidélité donc à l’art de Tolstoï de faire parler gestes, mimiques et attitudes. L’artiste espagnol insuffle au récit la profondeur de dialogue psychanalytique des protagonistes avec eux-mêmes, rejoignant le désir de Prokofiev: toucher, être moderne. Sans se montrer cérébral.\nAvec “Guerre et Paix” de Prokofiev, un opéra monumental au Grand Théâtre\nJean Reverdy – Le Dauphiné - 19 septembre 2021\nSi vous aimez les sensations fortes, les décors flamboyants et le grand spectacle, alors courez voir “Guerre et Paix”, l’opéra de Prokofiev (1891-1953), actuellement à l’affiche du Grand Théâtre de Genève pour son ouverture de saison.\nÀ partir de l’ouvrage monumental de Tolstoï, “Guerre et Paix”, Prokofiev se lance dans une composition qui durera une dizaine d’années et dont il ne verra jamais la représentation dans sa version diminutive. Pour une maison d’opéra, monter un tel ouvrage, réputé d’une complexité...\nNouvelle production gâchée par le spectacle d'un Calixto Bieito qui semble s'être trompé d'ouvrage.\nEmmanuel Dupuy – Diapason - 20 septembre 2021\nJamais à court d'idées, Aviel Cahn, le patron du Grand Théâtre de Genève, aurait dû demander à Calixto Bieito de mettre et scène The Exterminating Angel (L'Ange exterminateur), le génial opéra écrit à partir du film éponyme de Luis Bunuel par Thomas Adès (créé à Salzbourg en 2016). Car c'est exactement cette histoire que conte Bieito, en lieu et place de Guerre et paix. Celle d'une assemblée d'aristocrates et de grands bourgeois qui se retrouvent sans raison enfermés pendant plusieurs jours dans une demeure cossue, avant de basculer dans une forme de folie collective. Quel rapport avec le roman de Tolstoi, avec la campagne de Russie, avec l'opéra de Prokofiev et le contexte soviétique de sa composition ? Aucun, strictement aucun rapport - hormis ceux qu'invente le metteur en scène.\nS'obstinant à filer sa métaphore pendant près de quatre heures, celui-ci réussit le tour de force de présenter dans un décor unique un ouvrage qui comporte en théorie pas moins de treize tableaux différents : adieu changements de lieux et d'atmosphères. La seule concession au spectaculaire, qui entre alors en résonance avec le chaos de la guerre, arrive dans la seconde partie, lorsque le salon tout en stucs et dorures se désagrège à vue. Autre idée pertinente : cette maquette du Bolchoï que les protagonistes montent pièce par pièce avant de la pulvériser, pour figurer l'incendie de Moscou. Les vidéos finales, où paraissent notamment des insectes grouillants, feront en revanche passer le fond d'écran de votre ordinateur pour un chef-d'œuvre de fantaisie picturale.\nA ce point distordue, la narration devient parfaitement incompréhensible, les profils psychologiques se dissolvent dans une hystérie générale qui tient lieu de direction d'acteurs. Appliquant jusqu'au bout sa politique de la terre brûlée, Bieito évacue bien entendu les figures historiques : un convive un peu plus siphonné que les autres se prend pour Napoléon, alors que le maréchal Koutouzov, dans sa combinaison toute blanche, a plutôt l'air d'un infirmier en chef.\nCette production a au moins une vertu : elle est entièrement recyclable. Demain, si le cœur vous en dit, on pourra présenter dans les mêmes décors et costumes, avec les mêmes principes dramaturgiques, Don Giovanni, Un Bal masqué, Le Chevalier à la rose... sans oublier, évidemment, The Exterminating Angel. Mais entre développement durable et théâtre lyrique, il faut choisir.\nAu pupitre, Alejo Pérez semble surtout soucieux d'amener ses troupes à bon port, en préservant leur cohésion malgré les pollutions sonores que dispensent certains accessoires scéniques (le ballet des voiles en plastique transparent au début : un supplice !). De fait, l'Orchestre de la Suisse romande se singularise tout au long par une tenue sans défaut, quand le chœur semble par instant un peu plus éprouvé par les exigences terribles de la partition. Surtout, on perçoit dans cette approche une forme de prudence peu compatible avec le souffle épique qu'appelle l'ouvrage. La fièvre ne monte guère dans les effusions de la première partie, alors que les cataclysmes guerriers de la seconde manquent de démesure, hormis dans les climax qui recèlent enfin l'énergie nécessaire.\nParmi la grosse quarantaine de rôles que compte le plateau, distinguons d'abord le tendre baryton de Björn Bürger (Andreï Bolkonski), qui compense une puissance parfois un peu courte par des délicatesses expressives proprement bouleversantes dans son délire morbide. Les deux premiers ténors sont à bon escient différenciés, Ales Briscein montrant une couleur nasillarde qui va bien avec la veulerie d'Anatole Kouraguine, quand Daniel Johansson fait briller un plus grand soleil pour chanter l'idéalisme de Pierre Bezoukhov. Si le Napoléon d'Alexey Lavrov porte beau, avantage au Koutouzov d'un Dmitry Ulyanov puisant son autorité dans une ampleur abyssale.\nRuzan Mantashyan au sommet\nChez les dames, le souriant mezzo de Lena Belkina tombe sans un pli sur les épaules de la douce Sonia, s'opposant à celui beaucoup plus corsé qu'Elena Maximova prête à l'intrigante Helena Bezoukhova. Mais triomphe surtout la Natacha de Ruzan Mantashyan, soprano à la fois pulpeux et vibratile, avec dans le chant et les manières une grâce naturelle, un mélange de légèreté et de tourments, qui hissent l'incarnation sur la plus haute marche.\nGuy Cherqui — Wanderersite.com - 19 septembre 2021\nAprès deux saisons tronquées par la pandémie, les théâtres ouvrent sur une période qu’on espère simplement plus ordinaire, retrouvant les habitudes et le public. Le Grand Théâtre de Genève a choisi l’exceptionnel en ouvrant sa saison par Guerre et Paix l’œuvre monumentale de Prokofiev, dans une production tout à fait exceptionnelle de Calixto Bieito, qui étonnamment n’a jamais travaillé au Grand Théâtre, alors qu’il vit à Bâle et qu’il a déjà produit non seulement pour Bâle mais aussi pour Zurich. Aviel Cahn qui l’a invité quand il était à l’Opéra des Flandres a réparé ce manque et lui confie, ainsi qu’à Alejo Perez, non seulement cette production, mais deux spectacles futurs du répertoire russe. Si l’on s’en réfère à la réussite de ce Guerre et Paix, c’est un bon investissement.\nDeux options sont possibles pour Guerre et Paix, ou bien une superproduction qui correspond aux soixante-dix rôles, aux nombreux chœurs, aux changements d’ambiance incessants entre les salons pétersbourgeois, les batailles et l’incendie de Moscou, mais alors même la scène du Grand-Théâtre, pourtant conséquente, n’y suffirait peut-être pas (une Arène comme Bercy (pardon Accor Arena) ou Vérone sans doute, ou bien une option plus strictement théâtrale, qui puisse répondre à l’esprit de l’œuvre, sans forcément devoir se soumettre à une exigence hollywoodienne.\nCalixto Bieito a choisi non l’intimisme, c’est un peu exagéré pour le spectacle genevois, mais la concentration, et ce choix par rapport à l’opéra correspond à celui de Prokofiev par rapport au roman, qui en réduit le foisonnement à des lignes de force. Bieito choisit donc de traiter de l’essentiel, en éliminant l’accessoire et le pittoresque et surtout en essayant de ne pas disperser l’attention : seuls sont effectivement reconnaissables les personnages essentiels, Natacha Rostova et Andrej Bolkonski d’une part, et Pierre Bezoukhov, Hélène son épouse et son frère Anatole Kouraguine le séducteur et Koutouzov le général vainqueur. Les autres – et même Napoléon, clin d’œil évident- sont réduit à une sorte d’anonymat interchangeable.\nLe "vrai" boudoir de l'impératrice Maria-Alexandrovna\nConcentration, c’est garder une unité de lieu, un salon bien identifié et non n’importe quel salon bourgeois, la reproduction (Décor de Rebecca Ringst) du boudoir de l’impératrice Maria-Alexandrovna, l’épouse d’Alexandre II, contemporains de Tolstoï puisque Guerre et Paix parut sous leur règne. C’est le décor d’un règne « réformateur » qui se termina par l’assassinat du Tsar en mars 1881, début de la lente décadence de l’Empire russe et d’une succession de crises que d’ailleurs Tolstoï observera et vivra jusqu’à sa mort en 1910.\nLa décadence de l'Empire russe\nIl faut donc lire le spectacle comme une parabole : « la décadence de l’Empire russe » (au sens du fameux titre de film « La décadence de l’Empire américain » (de Denys Arcand en 1986). De la guerre et de ses destructions naît un nouvel ordre, où Koutouzov n’est plus le personnage historique, mais l’archange blanc, ou Dieu (qui joue aux échecs) qui vient sauver le monde et imposer un « ordre nouveau » (j’emploie à dessein ce terme qui fait référence à un mouvement français d’extrême-droite des années 1970). Un ordre nouveau marqué par un tableau final qui semblerait presque signé Castellucci où tout le monde est en blanc portant un néon, annonçant des temps futurs où grouillent dans un cocon les sauterelles qui s’apprêtent à envahir le monde… dans un cocon, comme les personnages initiaux enfermés dans un plastique qui figure un placenta d’où naissent d’abord les deux personnages principaux, puis ce monde délétère qui nous est proposé en première partie.\nD’une naissance à une renaissance, voilà l’histoire qui nous est racontée. Et ce qui nous est dit, c’est que pour renaître il faut naître et puis mourir.\nUne histoire simple en somme, qui s’appuie sur l’immense fresque de Tolstoï qui est faite de ces réceptions, de ces conversations mondaines entrecoupées de guerres lointaines, jusqu’à ce que la guerre touche et détruise Moscou pour reconstruire ensuite une société qui a été traversée par les drames, des morts, les amours, les erreurs, les idéaux déçus. La vie du monde.\nEn lisant ce travail comme une parabole, qui transcende en quelque sorte l’identité d’un pays, parce qu’elle se vérifie dans toutes les histoires nationales, on ne va pas encore tout à fait au cœur du sens de la mise en scène.\nIl y a au départ ces deux naissances du couple, Natacha et Andrej, qui semblent nés dans une ambiance lyrique isolée du monde, dans une scène qui ressemble au début d’Eugène Onéguine, lyrisme, nature, paix. Ils naissent ensemble en se croisant par le regard, mais pas par la parole.\nNaissance du monde social, on joue d'abord\nPuis naît le monde social tout aussi enfermé dans son placenta, deuxième élément qui va être la première bataille perdue : la fête pétersbourgeoise, avec cette société qui vit entre ses quatre murs, isolée de la réalité, une fête où un tsar est ironiquement représenté par un ours sibérien arrive en rôle muet, là aussi Prokofiev comme Bieito n’épargnent pas l’ironie, chez Prokofiev, le tsar est icône muette, la clef de voûte d’un système qui ne va pas tarder à se fissurer, et chez Bieito, il est ours, symbole habituel de la Russie, à la fois tendre et terrible.\nC’est l’ordre de départ, un ordre qui semble immuable et en même temps superficiel, où se rencontrent les deux amants, dans une société de plaisirs et de tourbillons.\nLa bascule se fait lorsque Natacha et son père vont se présenter chez le Prince Bolkonski, père d’Andrej parti à la guerre, qui refuse de les rencontrer et les fait recevoir par la Princesse Maria, second couteau humiliant (habillée de manière bien humble par Ingo Krüger). Le Prince finit par croiser Natacha, qui comprend que jamais il ne donnera son aval au mariage.\nTout bascule alors, Natacha jusque-là discrète débutante dans la société se laisse happer par cette superficialité qui va la détruire et détruire tout le milieu social.\nC’est bien la crainte de la « mésalliance » qui est la marque de la bascule sociale, d’une société fossilisée, bloquée, qui court à sa perte et à partir de ce moment, la mécanique implacable du déclin, avec une société qui s’autodétruit de fête en fête, au mépris de tous les sentiments et des valeurs. Symbole de cette société et de ces contradictions, la princesse Hélène, épouse de Pierre Bezoukhov, le principal personnage du roman, très relativisé chez Prokofiev, à la fois franc-maçon et amoureux des lumières, mais désireux de rester au contact (ou de se noyer) de la société délétère représentée par sa femme, une reine du tout-Pétersbourg, qui va jeter son frère, un beau séducteur, dans les bras de la jeune Natacha en lui promettant un mariage qu’il ne peut tenir, puisqu’il est déjà marié. Ainsi, Natacha est victime à la fois de sa naïveté, de son désir, mais aussi de la décadence morale d’une société pour qui tout est jeu. Bieito n’hésite pas à aller jusqu’à la caricature, pour montrer l’idée même d’une société qui s’autodétruit en détruisant toutes les valeurs sur lesquelles elle s’est construite.\nNatacha et Andrej traversent cette société comme deux fantômes, deux êtres à part, l’un qui s’y est immergé à s’y perdre (Natacha) l’autre qui s’en est abstrait à s’y perdre également (Andrej), sorte de héros romantique aux valeurs intactes, tel qu’il est d’ailleurs dans le roman, refusant les promotions faciles, voulant combattre au cœur de la bataille au milieu des soldats : Bieito traduit cette droiture en en faisant un fantôme observateur presque suicidaire de la ruine de l’être aimé et de tout ce qui l’entoure. Il réussit ce tour de force d’être fidèle à l’œuvre de Prokofiev et au sens du roman.\nCar si Tolstoï écrit Guerre et Paix dans le courant des années 1860, en référence à la période 1805–1812, avec la relation orageuse à Napoléon haï et redouté, puis adoré, puis voué aux gémonies, avec les réactions sociales que cette relation détermine dans une société où l’on parle essentiellement français et peu russe, où Paris reste une sorte de pôle référentiel envié et où en 1812 il faut brûler ce qu’on adore, en se livrant aux mains de Koutouzov, le stratège qui joue un énorme coup de poker qui lui réussit en coupant Napoléon de ses arrières et en l’attirant à Moscou, mais une Moscou vidée de sa vie et de son sang.\nL’idée de Guerre et Paix chez Prokofiev est de montrer, en adaptant l’un des romans emblèmes de la littérature russe, la permanence des situations, la nécessité à un certain moment de ruine sociale et nationale pour se donner à un sauveur, Koutouzov en 1812, et Staline aux temps de Prokofiev. Les autorités staliniennes ont bien compris tout l’intérêt à tirer de l’œuvre de Prokofiev pour la propagande officielle, l’éternelle résistance d’un grand peuple russe, entraîné par un personnage qui est le sauveur.\nA ces deux paraboles, nettes aussi bien chez Tolstoï (encore que le roman soit plus ambigu) que chez Prokofiev, Bieito en rajoute une troisième, historique, en accomplissant ce tour de force de dire sans dire, de ne rien souligner d‘historique, mais de se placer dans une sorte de cycle de grandeur décadence et renaissance : cette vision de la société pétersbourgeoise de la première partie, c’est un peu Mahagonny où les purs ne survivent pas. Mais en même temps la référence en est explicitement l’Ange Exterminateur de Luis Buñuel (1952) où une société se retrouve enfermée dans un salon dont elle ne peut sortir, révélant peu à peu ses tares, ses tensions, les violences psychiques, jusqu’à l’arrivée du jugement dernier. Le salon devient d’abord espace de protection de l’extérieur, puis d’autodestruction, puis champ de bataille, avec les fauteuils érigés en barricades.\nAlors quand une société est délitée, il faut un joker, un sauveur et c’est Koutouzov dans l’histoire du roman, et Staline chez Prokofiev. Ne faisons pas l’erreur de croire que Prokofiev veut écrire à la gloire de Staline, mais il a une réaction patriotique dans la Russie de la guerre, où l’envahisseur allemand menace Moscou comme Napoléon en 1812. Évidemment une telle œuvre ne pouvait être que détournée au profit du régime pour être représentée. Rappelons pour mémoire les déboires d’un Chostakovitch pris entre le marteau et la faucille.\nAinsi la deuxième partie est-elle le résultat d’une destruction extérieure et d’une autodestruction. À ce jeu de massacre, même Napoléon n’y survit pas devenu une sorte de personnage isolé et perdu, qui traîne cette guerre comme un boulet (en l’occurrence figuré par le corps d’Andrej blessé) et qui est méconnaissable, alors que les mises en scène narratives en font un élément clef du début de la deuxième partie.\nA l’autodestruction par les plaisirs et la décadence (un topos, voir la chute de l’Empire Romain) succède l’autodestruction par patriotisme, celle que Koutouzov propose, entraînant les armées napoléoniennes si loin de leurs bases qu’elles vont se perdre, notamment dans les marais de Borodino.\nL’autodestruction par la guerre\nCette autodestruction volontaire, cette destruction patriotique de soi, elle est figurée par deux symboles forts, d’une part le salon du Palais d’hiver qui éclate, un salon en morceaux symbole d’une société disloquée, qui n’est plus protégée par ses murs qui étaient autant de remparts sociaux, et une maquette du Bolchoï : un théâtre d’opéra est souvent un symbole national, voir la Scala, ou même la Wiener Staatsoper et notamment le Bolchoï, situé à deux pas du Kremlin.\nEt sur la maquette, un quadrige, que le Napoléon de Bieito emporte, allusion au quadrige de Saint Marc (venu de Constantinople) qui ornait la façade de la basilique et qui se retrouva sur l’arc de Triomphe du Carrousel à Paris. Mais le Bolchoï est détruit par les russes eux-mêmes, symbole de la destruction volontaire des symboles identitaires, symbole du fameux incendie de Moscou. Voilà comment Bieito traite ironiquement les symboles historiques, et sur ces pierres détruites va être étendu Andrej, mourant dans les bras de Natacha, le couple né pour s’aimer, connaît sa fin sur les ruines de la ville, de la nation, des idéaux et dans un cadre éclaté.\nAlors face à ces ruines universelles, ruines des guerres mais aussi de nos guerres intérieures, une société qui ne se conduit plus a besoin d’un conducteur. On appelle cela un Duce en Italie, un Führer en Allemagne, un conducator en Roumanie. Et, assis sur une table à l’extérieur du cadre scénique, devant un jeu d’échecs, Koutouzov, tout de blanc vêtu (la plupart des autres personnages sont en noir) joue : la politique comme la guerre sont des coups de Poker mais qui doivent s’appuyer sur les forces militaires mais aussi populaires : c’est le coup de génie de Koutouzov. On pense évidemment à Clausewitz, qui justement quitte les prussiens et passe chez les russes en 1812 et que Lénine étudiera en annotant attentivement « De la Guerre » pendant la Première Guerre mondiale Ce jeu d’échec, c’est la traduction d’un art de la guerre, mais en même temps l’idée d’un Dieu, ou d’un Ange, « politique » où Bieito marque visuellement la différence entre Napoléon, perdu parmi les siens et perdu dans la bataille, une sorte de malade isolé, et Koutouzov, toujours regardant les choses de l’extérieur, de côté, hors cadre. Cet Ange (Dieu ?) ‑Koutouzov conduit alors dans les dernières images cette société déjà anonymée depuis le début à s’uniformiser, vêtue de blanc, sans costumes qui soient distinctions sociales ou politiques, pendant que des images de sauterelles ou criquets dans leur cocon s’apprêtent à sortir, comme une future naissance, ce qui n’est pas forcément positif, vu la nature destructrice des criquets. Tout est prêt pour un futur qui serait un nouvel Éden à détruire. Dans ce cycle infernal de Guerre et de Paix, coup de Poker vers l’inconnu. Bieito foncièrement pessimiste n’annonce rien de trop sympathique. Les ordres nouveaux ne le sont jamais .\nL’œuvre de Tolstoï racontait l’éternelle histoire des sociétés, celle de Prokofiev celle d’un sauvetage du peuple russe au prix d’une soumission à Staline-sauveur, Bieito n’est pas plus souriant qui essaie de raconter à travers l’exemple russe, comment les peuples se soumettent à des hommes supposés providentiels, et comment l’histoire vient de loin : des années 1860 aux années 1940, voilà 80 ans de crises, de chutes, de révolutions et de guerre vues d’un salon étouffant qui mène d’un tsarisme à l’autre. L’histoire du monde n’est que grandeurs, décadences, destructions, renaissances. Voilà pourquoi Bieito part d’une vision de naissances éclatant un placenta de plastique, pour terminer vers une renaissance de crickets dans leur cocon. Qui aime suive…\nOn l’a dit, le pari était grand de refuser la narration pour ne porter en scène que les significations, ne porter en scène qu’un sens parabolique qui est une vision assez terrible de nos destins.\nCalixto Bieito et le chef Alejo Pérez ont réduit le nombre de personnages à 47, un certain nombre de chanteurs (28 quand même), quand la version originale en porte plus de 70. Mais certains rôles sont réduits à une réplique ou une apparition fugace. Cela reste une production énorme, pour laquelle il faut saluer l’immense effort du Grand Théâtre de Genève, et aussi le pari de proposer au public une œuvre inconnue ou presque dont la référence est un roman monumental de plus de 1500 pages.\nAlors des 28 rôles, forcément émergent les personnages principaux de l’opéra, qui ne sont pas forcément d’ailleurs traités comme dans le roman : on n’est pas forcément obligé de lire le roman avant, mais voir ce spectacle peut, et on le souhaite, donner envie de lire Tolstoï après, on n’en comprendra que mieux d’ailleurs et les choix de Prokofiev, et les choix de mise en scène.\nLa mise en valeur de personnages singuliers\nLa mise en scène a choisi d’isoler dans ce monde qui semble embarqué sur le Titanic les deux personnages que sont le couple initial d’Andrej et de Natacha, ils s’aiment, ils se projettent dans l’avenir, mais la société les bloque. Alors ils parcourent cette société, Natacha toujours vêtue en petite fille s’y noie, et Andrej vêtu en Werther suicidaire, en héros romantique presque christique, en meurt, chacun à leur manière des fantômes perdus. Les deux sont vraiment magnifiques, Ruzan Mantashyan a cette fraîcheur vocale, et cette puissance qui en fait une Tatiana un peu écervelée à qui on pardonne tout. Elle noie son amour pour Andrej dans la tourbe sociale qui l’entraîne aux excès presque suicidaires, et elle traverse cette société avec une sorte de naïveté presque criminelle, elle se laisse engloutir. La personnalité scénique de la chanteuse est éblouissante, à la fois consciente de se perdre, et victime des lois de la société, la voix est forte, bien posée, le soin donné aux couleurs vraiment exceptionnel ce qui la rend éminemment émouvante. On ne peut séparer la manière dont elle irradie la scène par sa présence, et le chant d’un naturel confondant, jamais apprêté ou affecté, qui traduit une extraordinaire force naïve.\nBjörn Bürger est vu comme une sorte d’archétype de héros romantique suicidaire, présent et absent, présent toujours sur scène comme un fantôme, comme le fantôme des rêves de Natacha, et en réalité le plus souvent éloigné, par la famille d’abord qui ne veut pas de mésalliance, mais ensuite de son propre chef, se jetant dans la guerre comme un choix lui aussi suicidaire, comme Natacha se jette dans la société. L’un se jette dans la guerre et l’autre dans la paix, qui est aussi une guerre comme on l’a vu. Voilà ce que nous susurre Bieito en une vision d’une justesse et d’une émotion indicibles. La voix est jeune, saine, le chant est très attentif avec un beau phrasé, le timbre chaud, l’émotion affleure, c’est le chanteur idéal pour le personnage voulu par Bieito, loin du prince raidi par l’uniforme qu’on voit quelquefois.\nLe tour de force de cette mise en scène, c’est de nous rendre ce couple en permanence émouvant, disant par sa présence et sa manière de traverser les scènes, ce que sont les illusions perdues.\nEt la mort d’Andrej allongé sur les ruines et dans les bras de Natacha est un moment bouleversant.\nAutour d’eux des personnages tous bien campés et caractérisés, la jolie Sonia, sœur de Natacha de Lena Belkina, la très expressive Natacha Petrinsky en Maria Dmiytrievna, l’Hélène Bezoukhova de Elena Maximova, reine des salons, et inspiratrice de l’aventure malheureuse de Natacha avec Anatole Kouraguine, son frère, qui fait de Natacha qui tombe dans le panneau et le piège du désir un misérable objet de conquête, Anatole Kouraguine, magnifiquement chanté par le ténor clair au phrasé si précis de Aleš Briscein, l’un des ténors les plus recherchés pour Janáček et le répertoire slave, dont Bieito ne fait pas un séducteur invétéré, mais d’abord un médiocre, comme si c’était la société qui vous habillait d’un rôle, et comme si alors les autres (Natacha) vous regardaient comme vous n’êtes pas.\nFace à lui Pierre Bezoukhov, chanté par Daniel Johansson, un autre type de ténor que le très lyrique Briscein. Le rôle de Bezoukhov est plutôt difficile, parce que le personnage est insaisissable, à la fois un des plus riches de cette société, qui épouse la reine des salons, qui tient à s’y faire reconnaître, car c’est un fils illégitime qui a hérité d’une fortune immense ; Tout cela l’opéra ne le dit pas, mais Bieito nous l’indique, à la fois noble cherchant à sauver Natacha des griffes de Kouraguine, mais en même temps noyé dans l’alcool et la vie dissolu, mais aussi un peu perdu avec son bouquet de fleurs au milieu de la ruine . Toute l’ambiguïté du personnage est là, et le spectateur ne peut choisir entre le noble cœur et le membre anonyme d’une société en perdition. Bezoukhov, sans doute le personnage principal du roman (mais pas de l’opéra) se tient lui aussi à un moment, écroulé, avec une bouteille à la main, mais à l’écart, à jardin, alors que Koutouzov se tient aussi extérieur, mais à cour, à l’opposé. Deux mondes, celui du froid calcul (Koutouzov) et celui des idéaux (la révolution, les lumières, et même dans le roman Napoléon qu’il cherchera à tuer plus tard). Daniel Johansson n’est pas toujours convaincant en Bezoukhov parce qu’il n’arrive pas à rendre toute la complexité du personnage, le chant manque un peu de couleur et d’expression, la technique et la voix ne sont pas tout.\nLe Napoléon de Alexey Lavrov affiche presque une gêne : habituellement les fous se prennent pour Napoléon, du moins c’est un lieu commun des représentations de la démence et ici, ce serait Napoléon qui se prend pour un fou « anonyme », comme un membre de cette société détruite où tout serait possible, qui n’aurait même pas besoin de Napoléon pour être à terre, et tout le décorum autour de Napoléon, les maréchaux etc… tout cela n’a plus d’importance, dans un monde perdu, même les mythes sont détruits. Et Lavrov, pourtant correct, n’arrive pas à avoir ce chant puissant et désespéré qui est la marque du rôle. L’habit du rôle voulu par Bieito n’a pas fait le moine, mais peut-être aussi est-ce voulu, il faut un Napoléon-le-Petit dans cette vision de noyade universelle.\nBeau personnage aussi que celui de Maria, la princesse Bolkonskaia de Liene Kinča, vêtue en vieille gouvernante envoyée accueillir les Rostov venus se présenter, belle voix chaude et surtout figure marquante, qui par son costume marque l’humiliation subie par les visiteurs : elle est une vraie apparition scénique.\nLes vieillards, aussi bien Rostov de Eric Halfvarson, une basse profonde presque légendaire qui fut et reste un Grand Inquisiteur de choix, que le Prince Nikolai Bolkonski d’Alexey Tikhomirov, basse d’une autre génération, mais très puissante et expressive, sont des rôles brefs mais particulièrement marquants. Moins marquant peut-être le Denisov du baryton Alexander Roslavets.\nEnfin, last but not least, le démiurge de l’œuvre, le moteur de la deuxième partie qui apparaît face à son jeu d’échec, Koutouzov l’Ange Blanc, le Dieu vivant, le joueur d’échec, chanté par le toujours extraordinaire Dmitry Ulyanov, sa basse claire, expressive, qui a fait merveille encore récemment dans le Tsar Dodon du Coq d’Or à Lyon puis Aix retrouve les rôles de puissant, mais point déchu comme Dodon. Comme toujours le chant est impeccable, le phrasé, la couleur, la respiration sont exemplaires et surtout il émerge de ce chant une autorité incontestable, une singularité voulue qui le coupe de tous les autres, qui l’identifie et fait de ses interventions un très grand moment de musique et de théâtre. Exceptionnel.\nEn somme une distribution très équilibrée, d’autant plus difficile pour les chanteurs qu’au spectateur ils paraîtraient tous interchangeables, issus d’une masse anonyme et qui émergent de la masse les uns après les autres n’ayant pour se caractériser que la voix et l’expression. Mais l’idée de la mise en scène l’exige et n’empêche pas, on le voit, aux caractères singuliers d’apparaître.\nDes forces musicales qui se sont surpassées\nD’un autre côté le chœur renforcé du Grand Théâtre de Genève, dirigé et magnifiquement préparé par Alan Woodbridge est vraiment exceptionnel. Rejeté dans l’ombre et de chaque côté du salon dans la première partie, il s’affirme de manière exceptionnelle dans la deuxième partie, plus épique, dont le héros est le peuple russe et dont certains moments rappellent la Cantate Alexandre Nevski quelques années antérieures pour le film d’Eisenstein. Même si le style un peu grandiloquent peut agacer certains, c’est de la grande et belle musique et le chœur du Grand Théâtre s’affirme un très grand chœur de théâtre.\nEnfin le tout est conduit par Alejo Pérez, chef argentin parmi les plus intéressants de la génération des chefs d’opéra quadragénaire, directeur de l’Opera Vlaanderen et que les lyonnais ont vu souvent en fosse (Pelléas, De la Maison des morts). Les genevois le reverront aussi bien dans Chiostakovitch (Lady Macbeth de Mzensk) que Tchaikovsky (Eugène Onéguine) car il est passionné de musique russe. On l’entend beaucoup dans les œuvres de la fin XIXe et du premier XXe, et sa direction précise, énergique, qui sait faire travailler la couleur (les cuivres ici sont impressionnants) donne à l’œuvre une vraie grandeur, sans être jamais grandiloquente, le lyrisme de la première partie est magnifiquement rendu, avec ses moments tendres et ceux plus sarcastiques des fêtes de salon, la deuxième partie est aussi impressionnante de tenue, et il sait donner à cette musique sa puissance sans rigidité ni froideur. Et sous sa direction l’orchestre de la Suisse romande a sonné comme rarement.\nOn l’a dit, c’est un pari et un défi que monter cette œuvre pour chaque théâtre qui l’entreprend, et ils sont très rares à oser. Aviel Cahn à Genève a réussi son pari, offrant une production d’un niveau tel qu’elle ne déparerait pas dans des institutions plus importantes du niveau de Vienne ou d’autres théâtres comparables. Les spectateurs genevois, mais pas seulement, auraient donc tout intérêt à se précipiter avant le 24 septembre, s’il reste encore des places, car il n’est pas dit qu’on puisse voir de sitôt une production de Guerre et Paix d’une telle qualité et d’une telle force, aussi bien scéniquement que musicalement.\nJacques Schmitt – ResMusica – 16 septembre 2021\nSergueï Prokofiev dans une mise en scène énigmatique de Calixto Bieito, fort heureusement sauvée par un plateau vocal d’excellence.\nVingt-huit chanteurs pour quarante-huit rôles différents, c’est dire si l’affaire est complexe. Pour un metteur en scène, il y a là de quoi se perdre. Tant dans la préparation que dans l’exécution de l’œuvre. Pour cet exercice, il ne fallait pas moins qu’un Calixto Bieito dont la réputation de directeur d’acteurs n’est plus à faire. Seulement voilà, outre la mise en place, encore faut-il raconter l’intrigue. Le metteur en scène prend une autre route que la simple concrétisation du livret. Il cherche à montrer, selon ses propres dires, non pas une guerre entre deux peuples mais celle que mène chaque individu contre lui-même. Vaste programme psychanalytique duquel ressort un magma scénique incompréhensible et chaotique. À force d’explorer l’intellect de ses personnages, Calixto Bieito oublie de nous guider dans les enjeux qui se jouent entre les protagonistes. Dès lors, on s’ingénie sans succès à décoder ses tableaux surréalistes de personnages se mouvant tels des astronautes recouverts de grandes feuilles de film alimentaire de polypropylène, ses combattants aux épées de carton enveloppées de papier d’aluminium ou ses boîtes à pizza qu’on utilise comme réflecteurs. Jusqu’à ses chutes de ballons jaunes qu’on crèvera un à un, ou ses combattants tout de blanc vêtus brandissant des néons verts pour chanter la grandeur de la Russie. Agrémenté par ces accessoires déroutants, l’attention du spectateur est fréquemment détournée du chant et de la musique par des actions parasites. À l’image de ces artistes qui, d’un grand sac, sortent des plots qu’ils se passent de mains en mains et assemblent patiemment pour construire ce qui sera une réplique miniature du théâtre du Bolchoï qui, une fois terminée, sera détruite d’un coup de pied.\nLa scénographie représente un boudoir du Musée de l’Ermitage de Saint-Pétersbourg, image d’une société russe d’art et d’esprit, reflet d’un ancien monde dénoncé par les projections vidéo volontairement agressives de Sarah Derendinger.\nMusicalement, le plateau vocal s’avère de très haute qualité. En entendant le lumineux ténor Ales Briscein (Anatole Kouragine), c’est l’école russe du chant qu’on perçoit, avec ces voix portées très haut dans le masque sans que jamais elles ne soient nasales. Tout comme le ténor ukrainien Alexander Kravets (Platon Karataïev), le ténor tchèque agrémente immédiatement la scène avec une couleur typiquement russe jaillissant comme un soleil. On retrouve l’âme vocale russe dans la voix de la basse Dmitry Ulyanov (Général Koutouzov) qui, seul assis à une table d’échec, lance sa longue réflexion sur la tactique à adopter devant le siège napoléonien de Moscou. Avec une voix ample, profonde et subtile, Dmitry Ulyanov offre l’un des plus beaux moments de cette soirée. Quand il chante, plus rien d’autre que lui n’existe.\nQuant aux autres protagonistes, ils ne déméritent pas. À commencer par le baryton Björn Bürger (Prince Andreï Bolkonski) qui signe une prestation sans faille devant l’impétueuse soprano arménienne Ruzan Mantashyan (Natasha Rostova). Remarqué et remarquable, le ténor suédois Daniel Johansson (Comte Pierre Besoukhov) se donne sans compter tout au long de cette soirée.\nLe Chœur du Grand Théâtre de Genève se montre à la hauteur du plateau vocal qui l’entoure. Ses interventions sont en tous points admirables de précision. Et le triomphe que leur a réservé le public n’est aucunement démérité. Peut-être (mais la décision devait être celle du chef d’orchestre) aurait-on aimé moins de puissance projetée et plus de grandeur exprimée dans le chœur d’ouverture de l’épigraphe, cet hymne à la gloire du peuple russe. La force physique impressionne mais la grandeur de l’intériorité reste dévastatrice aux cœurs sensibles.\nDans la fosse, l’Orchestre de la Suisse Romande fait merveille dans une partition aux couleurs changeantes. Passant d’un lyrisme à l’italienne à la canonnade sonore et parfois grinçante des scènes guerrières, la phalange romande signe une très belle prestation sous la baguette impressionnante de précision du chef Alejo Pérez.\nGuerre et Paix au péril de la dérision\nCharles Sigel – ForumOpera.com - 16 Septembre 2021\nUn exemple : le coup de foudre entre Natacha Rostov et le prince André Bolkonski se déroule (en principe) au second tableau pendant un bal, sur fond de valse. Valse élégante, diaphane, onirique. Qui reviendra comme un leitmotiv au fil de l’opéra, mais surtout, trois bonnes heures plus tard, quand mourra le prince, sur un champ de bataille, comme le souvenir d’un moment de bonheur perdu. Dans la mise en scène de Calixto Bieito, la scène de bal est devenue un raout de parvenus, vaguement décadents, et la valse est devenue une danse violente, saccadée, désarticulée. La musique déroule sa tendresse sur cette gestuelle convulsive, et les invités accueillent le coup de foudre par un éclat de rire général (mimé), Natacha elle-même semblant s’esclaffer. La nostalgie du retour de ce thème en sera bien sûr parasitée.\nLes énormes moyens qu’il réclame font que l’opéra-fleuve de Prokofiev est rarement donné. Au Grand Théâtre de Genève, c’est la première fois. Calixto Bieito en propose une version évidemment distanciée, ironique ou critique. Imaginons un spectateur qui n’aurait pas lu le roman de Tolstoi et découvrirait ce Guerre et Paix. Que percevrait-il de cette histoire, romanesque et héroïque, on se le demande. On tire bien sûr son chapeau au GTG d’avoir eu l’audace folle de se lancer dans une telle production, avec grand orchestre dans la fosse et vaste chœur sur le plateau en temps de pandémie et de tests sanitaires.\nUn opéra du temps de guerre\nC’est l’opéra de la démesure. Prokofiev y travaille pendant la seconde guerre mondiale, la « grande guerre patriotique », selon la terminologie soviétique (et poutinienne). Il y célèbre le peuple russe, victorieux de l’envahisseur. Et la gloire du « petit père des peuples ». Avec sa librettiste-épouse Myra Mendelssohn, il adapte le colossal roman de Tolstoï, où il taille hardiment, supprimant des épisodes entiers (les cinq cents premières pages, dont la bataille d’Austerlitz). Il recentre l’intrigue sur trois personnages : le prince André Bolkonski, doté de toutes les grâces, la romanesque, juvénile et inconstante Natacha Rostov, irrésistible aussi, et le maladroit, idéaliste, touchant Pierre Bézoukhov. Autour d’eux toute une société aristocratique, passablement insouciante, que l’arrivée de l’armée napoléonienne précipitera dans le tragique. C’est le peuple russe qui sauvera l’honneur, tandis que Moscou disparaîtra dans les flammes.\nUn casting vocal sans faille\nTout le spectacle se déroule dans un unique décor, un salon de style rococo, rouge, blanc et or, clinquant à souhait, dont on pressent dès le début qu’il se démantibulera à un moment ou un autre, une boîte fermée, avec moulures et cariatides, où s’agitera une petite société pas très chic.\nMais d’abord le prince André émerge de la feuille de plastique qui le recouvre, tel un fantôme. Björn Bürger lui prête sa silhouette frêle, tout à fait romantique, et une charmeuse voix de baryton. Son lamento romantique (« Il faut croire au bonheur ») et le duo de Natacha Rostova et de sa cousine Sonia qui s’y entremêle évoquent irrésistiblement Tchaïkovski et l’atmosphère d’Eugène Onéguine. Ruzan Mantashyan sera une merveilleuse Natacha, la voix est très belle, lumineuse, claire et ample, et surtout elle incarnera (physiquement et vocalement) l’évolution de ce personnage, d’abord juvénile et écervelé (elle a quinze ans…), et de plus en plus grave.\nC’est à partir du second tableau que Calixto Bieito va déchainer son esprit de dérision, plutôt lourd. En smoking et robes du soir, vont se dégager des feuilles de plastique qui les recouvraient, quelques fêtards vaguement éméchés, un petit monde de parvenus, dont les danses échevelées, d’une vulgarité pesante, vont se superposer à la scène de bal, et donc au coup de foudre.\nAu fil des différents tableaux, ce salon kitsch, encombré de lourds meubles dorés, va tourner au champ de bataille, envahi de plastique, de ballons de baudruche, de verre cassé, de boîtes de pizzas. Métaphore d’une société condamnée. Défilé de grotesques. De personnages dérisoires. C’est ainsi par exemple qu’on se demande quel attrait Natacha peut bien trouver au veule Anatole Kouraguine, personnage en principe séducteur malgré sa moralité vacillante, devenu ici une manière de fantoche (et d’ailleurs magnifiquement chanté par Ales Briscein) pour lequel elle oubliera le prince André.\nUne impeccable direction d’acteurs\nCe qu’il faut dire, c’est que cette lecture critique plutôt convenue, ce lieu commun de mise en scène, s’accompagne d’une direction d’acteurs impeccable. Si les chanteurs vont aussi loin dans l’expression, c’est que Calixto Bieito est allé chercher en profondeur la vérité des personnages avec eux, qui pour la plupart abordent leur rôle pour la première fois. Ainsi Daniel Johansson sera un Pierre Bezoukhov au lyrisme incarné, déchirant de sincérité et de fragilité à la fois. Certaines images frappent l’esprit, tel ce moment où il enlève et déchire sa chemise pour essuyer les pieds de Natacha, tandis que le prince André se dresse en figure christique. Tel aussi ce moment où Natacha-Ruzan Mantashyan croque du verre pour se punir (« Je suis la plus vile, Sonia secourez-moi ! ») et sa robe jaune se souille de sang.\nAinsi le spectateur (du moins le signataire de ces lignes) erre-t-il entre agacement et émotion. Emotion qui tient beaucoup à la partie musicale, à la bande-son (à la même époque Prokofiev travaillait à la musique d’Ivan le terrible pour Eisenstein, et certains thèmes en sont issus).\nAlejo Pérez qui dirige l’Orchestre de la Suisse romande se met à l’écoute des chanteurs et les accompagne avec souplesse et élégance, mais on admire aussi l’éclat des sonorités, parfois leur acidité très Prokofiev, sur fond de cuivres grondants, la puissance et la pulsation. Quant au chœur, il a mission d’incarner la ferveur patriotique. On pourra trouver que Prokofiev s’inscrit un peu complaisamment dans l’imagerie stalinienne, et qu’on ne reconnaît guère le jeune homme insolent qu’il fut. Toujours est-il que l’intensité du Chœur du Grand Théâtre, la plénitude sonore qu’il donne à entendre, subliment ce qui pourrait n’être que pages un peu pompières, et que l’émotion est là.\nOser la ferveur\nC’est par un chœur patriotique fervent que commence la seconde partie, la guerre. On s’attend à du grand spectacle, on l’aura : le plafond du salon se soulève, se partage en quatre morceaux qui vont aller flotter dans les hauteurs, les murs s’écartent, les panneaux se séparent, s’inclinent… Plaisir des machineries, vieux comme le genre-opéra…\nLa scène du GTG n’ayant pas les dimensions de celle de la Bastille où se déroulait la lecture épique, très littérale (et d’ailleurs très belle) de Francesca Zambello en 2000 (disponible en DVD), c’est dans ce salon moscovite désintégré que se dérouleront la campagne de Russie, la bataille de Borodino, la scène de l’incendie. Les costumes restent vaguement contemporains, Napoléon est en smoking, et c’est dans une intemporelle tenue blanche que le maréchal Koutouzov chantera son grand air, le plus beau de la partition, par lequel Prokofiev prend la suite de Glinka, Borodine ou Moussorgski. On admire le timbre somptueux et cuivré de Dmitri Ulyanov, dans la grande tradition des basses russes (mais pourquoi les gesticulations de quelques comparses viennent-elles altérer ce moment ?)\nLe lait de l’humaine tendresse\nCe sont vingt-huit chanteurs qu’aligne cette production, et on sait que certains personnages ne font qu’une courte apparition, réduits à une fugitive silhouette. On aura donc eu à peine le temps d’apprécier le beau mezzo qu’est Elena Maximova (Hélène Bezoukhov), le parlando de Natasha Petrinsky (Maria Akhrossimova), l’allure altière d’Alexey Tikhomirov (le vieux prince Bolkonski), et on en oublie beaucoup.\nUne mention particulière pour Alexander Kravets, qui incarne l’humble Platon Karataïev, personnage capital pour Tolstoi, une manière de saint, l’effigie de la bonté, du don de soi, presque nu, fragile, bouleversant, qui vient consoler Pierre Bezoukhov condamné à mort. Image puissante, l’étreinte fraternelle entre les deux hommes, et davantage encore, Pierre étranglant Karataïev, pour mettre fin à ses souffrances peut-être. Invention du metteur en scène, très forte.\nAinsi va-t-on tout au long de ce spectacle. Certains moments sont inspirés et émouvants, d’autres superflus ou tape-à-l’œil (les écrans plasmas de la fin), on est séduit par certaines trouvailles (ce Bolshoi, lentement construit en plots de bois comme un jeu d'enfants, puis pulvérisé), d’autres semblent risibles (la scène du soulèvement du peuple, moitié Terminator, moitié magicien d’Oz, avec armures en papier d’aluminium et épées de bois, ou Koutouzov caressant la tête de Natacha, tel Staline caressant une chère tête blonde…) On admire le métier de Calixto Bieito, les performances des machinistes, l’engagement de tout le monde, la démesure de l’entreprise… Et le génie de Prokofiev faisant fi de la modernité pour ne parler qu’au cœur.\nL’une des dernières images, c’est la mort du prince André, et l’ultime duo avec Natacha. C’est par cette scène que Prokofiev avait commencé la composition de son grand opéra, qu’il ne devait jamais voir représenté intégralement. Et c’est avec cette musique magnifique en mémoire qu’on quitte le théâtre, heureux de ce qu’on a entendu, et mi-chèvre, mi-chou de ce qu’on a vu…\nGuerre et Paix - Genève, Grand Théâtre\nJules Cavalié - L’Avant-Scène Opéra – 13 septembre 2021\nLancement d’une saison qui signe le retour à une vie allégée des contraintes sanitaires, inauguration d’un cycle d’opéras russes mis en scène par Calixto Bieito, la production de Guerre et Paix proposée par le Grand Théâtre de Genève est aussi la création suisse de l’ouvrage. Dès lors, le choix de monter cet ouvrage monumental et complexe (requérant une soixantaine de solistes, un orchestre et des chœurs pléthoriques) relève autant du manifeste politique que de la planification artistique. Le directeur du théâtre, Aviel Cahn, affirme ainsi la vitalité artistique de la maison, et son engagement dans les problématiques politiques contemporaines telles que la guerre évidemment, mais aussi les violences sociales, sexuelles et psychologiques, confirmant ainsi la ligne esquissée lors de ses deux premières saisons tronquées.\nEn effet, Calixto Bieito s’intéresse à la guerre intérieure d’une classe d’ultra-riches, et non à la guerre patriotique de 1812 (ni à celle de 1941-1945). Ainsi, la première partie de l’opéra est une grande fête qui se déroule de nos jours dans un luxueux salon d’un palais moscovite au décor rococo. Fête unique, qui montre au spectateur la carrière amoureuse de Natasha Rostova, de l’éveil à l’amour au consentement ambigu au stupre et à la dépravation que lui propose Anatole Kouraguine. Dans ce cadre, Natasha est une proie, un objet d’amusement et de dérision, poussée insidieusement vers son autodestruction, saisissant final du jeu pervers auquel se livrent les hommes avec la complicité des femmes où l’on voit Natasha se mutiler en marchant sur des éclats de verre. Dans ce dispositif, l’évolution des sentiments de Natasha n’est pas le résultat des intermittences du cœur, mais la conséquence de la vulgarité des hommes et de l’envie des femmes. On perd ainsi la diversité des états psychologiques, la dimension romanesque et la poésie du livret, au profit d’une dissection du vice au scalpel. Pourtant, l’agacement de voir une nouvelle mise en scène de la décadence bourgeoise est contenu par l’immense savoir-faire scénographique du metteur en scène et de son équipe : on découvre ainsi le superbe potentiel visuel des bâches en plastique transparent, entre illusion spectrale et amplification du mouvement, et l’usage des cartons à pizza comme réflecteur de lumière. La direction d’acteurs au cordeau permet en outre de conserver une justesse de ton malgré le caractère appuyé de l’étude de mœurs.\nLa seconde partie, qui met en scène les épisodes de guerre, voit la désintégration de cette bourgeoisie sous l’œil impavide du chœur habillé en touristes (de masse) et tenant lieu de mur du fond alors que le décor du salon a explosé. Cette fois-ci on s’approche d’images de guerre et de destruction, soulignant le grotesque des combattants en lutte contre eux-mêmes. En contrepoint, le général Koutouzov vient s’asseoir sur le côté de la scène, tout de blanc vêtu, disputant une partie d’échec contre lui-même. Fantôme incarnant une rectitude morale inatteignable, il rallie le peuple à sa cause dans un projet de pureté certes triomphant mais peu rassurant. Moins enfermée dans un cadre déterminé, cette seconde partie convainc plus facilement, à la mesure de l’émotion qu’elle laisse éclore. La folie et la bestialité auxquelles l’ivresse festive mène, ressemblent à s’y méprendre aux ravages de la guerre.\nDistribuer un tel opéra est un défi tant les rôles sont nombreux et chaque intervention, même les plus concises, participe à colorer l’opéra. La plateau réuni se hisse très haut, tant par les moyens vocaux que par l’incarnation des personnages. Tous méritent des éloges, et l’on distinguera – en commettant nécessairement des injustices – le Koutouzov impérial de Dmitry Ulyanov, le Platon Karataïev doucement illuminé d’Alexander Kravets, le beau mezzo de Lena Belkina (Sonia), la très touchante Princesse Maria de Liene Kinca, magistrale dans son sermon et son pardon à Natasha, ou encore le Napoléon belliqueux et dépité d’Alexey Lavrov. Du côté des solistes principaux, Ruzan Mantashyan domine le personnage de Natasha grâce à la variété de couleurs qu’elle insuffle à son chant de très haute volée et à un investissement scénique qui ne faiblit jamais. Phrasé ductile et timbre charnu, la chanteuse multiplie les séductions vocales sans ostentation. À ses côtés, Björn Bürger est un Andreï Bolkonski juvénile, dont la conduite du chant séduit immédiatement, et qui devient bouleversant dans la scène de délire et d’agonie du personnage. Tous deux ont assimilé le lyrisme particulier de Prokofiev, où les éclats sont rares et la mélodie pourtant permanente. Le ténor Daniel Johansson campe le personnage de Pierre Besoukhov avec une sincérité déchirante, touchant aussi bien dans ses aveux à Natasha que dans ses velléités idéalistes d’assassiner Napoléon pour mettre fin au cauchemar de l’Europe. Enfin, son épouse volage et manipulatrice est interprétée avec le soupçon de vulgarité nécessaire par Elena Maximova.\nLes chœurs, préparés avec brio par Alan Woodbridge, parachèvent le tour de force vocal et insufflent une dimension épique que les choix de mise en scène ont placée en retrait. En fosse, Alejo Pérez est aux commandes d’un orchestre de la Suisse Romande en forme superlative. Le chef réalise un sans-faute par sa maîtrise de l’architecture de l’œuvre, tant dans la structure générale que dans les moindres détails. Il ménage ainsi les tensions sur le long terme, préparant très en amont les moments de déchaînements, tout en ciselant chaque scène. Le raffinement de sa lecture se situe dans sa capacité à caractériser avec précision un moment fugitif sans que l’énergie théâtrale en pâtisse.\nIncontestable réussite musicale, le spectacle emporte l’adhésion car, malgré la complexité et le foisonnement de la mise en scène, l’émotion perce et touche.\nGuerre et Paix selon Calixto Bieito – Rentrez en paix\nVincent Borel – ConcertClassic.com – 16 septembre 2021\n« Guerre et Paix » : bataille des esprits\nChristian Merlin – Le Figaro – 16 septembre 2021\nAu Grand théâtre de Genève, Calixto Bieito a choisi de mettre en scène l’opéra de Prokoviev de manière intimiste plutôt que de présenter une grande fresque.\nAvant de devoir renoncer à certains de ses projets les plus ambitieux, Aviel Cahn avait commencé un mandat plus que prometteur à la tête du Grand Théâtre de Genève, ouvrant la voie à un nouveau souffle pour la principale scène lyrique de Suisse romande. Cette fois, on peut reprendre le fil ! Public, orchestre et chœurs reviennent au complet, avec l’un des ouvrages les plus écrasants du répertoire : Guerre et Paix, l’opéra que Prokofiev a tiré du roman-fleuve de Tolstoï. Avec 28 chanteurs se partageant 47 rôles (du moins dans la version jouée à Genève), sans parler du chœur, tout était réuni pour réaliser une fresque à la Cecil B. DeMille, comme l’avait fait jadis Francesca Zambello dans une des productions les plus réussies de l’Opéra-Bastille. Le tour de force de Calixto Bieito aura été d’en faire un spectacle intimiste.\nRéputé pour sa relecture des classiques, parfois provocante, souvent pertinente, le metteur en scène espagnol part de deux postulats : la guerre fait déjà rage dans la partie censée illustrer la paix, et elle le fait dans les esprits bien plus que dans la réalité. Voici donc une société aristocratique frelatée, confinée dans le luxueux salon d’un palais d’hiver (décor : Rebecca Ringst), livrée à ses névroses et à ses obsessions.\nDistribution très homogène\nDans la première partie, Natacha semble être la seule à exister, comme si elle revivait ou imaginait des situations qui la conduisent à sa perte. On n’oubliera pas la fabuleuse présence de la soprano Ruzan Mantashyan, voix ardente et jeu habité, omniprésente en scène une heure trois quarts durant. Forte et fragile, elle semble inventer l’action à mesure qu’elle s’écrit.\nLe chœur est relégué à chaque côté de cette boîte qui se disloquera dans la seconde partie.\nPoint de bataille de Borodino ici, si ce n’est dans les esprits perturbés d’une société figée (et même bâchée, en l’occurrence), où l’on se prend pour Napoléon en courant vers l’autodestruction. Comme toujours, chez Bieito, la direction d’acteurs est impressionnante de vérité, le prix à payer étant l’absence d’identité de personnages devenus interchangeables, comme une galerie de fantômes.\nD’une distribution très homogène émergent le noble cantabile du baryton Björn Bürger en Prince Andreï, le ténor mordant d’Ales Briscein en Kouraguine, la basse enveloppante de Dmitry Ulyanov en Maréchal Koutouzov, davantage que le chant monochrome et trop peu expressif du ténor Daniel Johansson en Pierre Bezoukhov. Familier du répertoire russe, le chef argentin Alejo Pérez a le mérite d’apporter continuité lyrique et cohérence musicale à ces tableaux séparés, cherchant l’unité plus que les contrastes. L’Orchestre de la Suisse romande l’y aide par la clarté de ses cordes et la précision de ses cuivres (quel tuba !).\nLà encore, un prix à payer : on aimerait parfois plus d’arêtes et de tranchant. Le Chœur du Grand Théâtre a plaisir à donner toute sa puissance (au risque de saturer !), comme pour mieux souligner combien cette glorification de la grandeur russe sonne faux dans ce contexte d’écroulement.\nDavid Verdier – Altamusica.com – 13 septembre 2021\nThibault Vicq – Opera-Online.com - 13 septembre 2021\nAu Grand Théâtre, une guerre sans paix\nRocco Zacheo - Tribune de Genève – 14 septembre 2021\nServi par la mise en scène tendue et tellurique de Calixto Bieito, mais aussi par une fosse et une distribution de toute beauté, l’ouvrage imposant de Prokofiev éblouit à Genève.\nOn pourrait se demander quel autre ouvrage littéraire par-delà «Guerre et paix» croise avec autant de naturel les menus destins de personnages fictionnels avec les vagues dévastatrices de l’histoire. Sur ce socle puissant qui touche à la fois petits cercles de la société et devenir des nations, Léon Tolstoï a bâti le monument que l’on sait. Genève en retrouve ces jours-ci les traits et les intrigues, du moins en partie, par l’entremise de Sergueï Prokofiev, dont l’adaptation lyrique du roman s’avère aussi imposante que la matrice originale. De sorte qu’il est aujourd’hui rare de croiser son ouvrage dans les salles tant les contraintes qu’il impose rebutent directeurs de maisons et mélomanes. C’est donc avec une bonne dose de témérité que le Grand Théâtre s’est tourné vers l’objet encombrant – plus de 70 personnages, quatre heures de musique… – pour inaugurer sa saison.\nUne société en asphyxie\nEncore fallait-il une figure puissante pour mener à bien l’aventure, et l’Espagnol Calixto Bieito, qui signe la mise en scène de cette nouvelle production, en est certainement une. Avec sa griffe radicale, son approche sans concession qui met volontiers à nu misères et naufrages humains, l’artiste a créé parfois la polémique, mais il s’est forgé surtout la réputation d’iconoclaste visionnaire et d’excellent directeur de jeu. À l’heure du lever de rideau, lundi soir, on a vite retrouvé ces quelques traits distinctifs. Dans un vaste salon paré de dorures, de fauteuils et de murs en satin, un cercle déconnecté de la réalité, celui de la haute société tsariste, surgit lentement d’un état d’apathie. Ou mieux, d’une posture qui le mène lentement vers l’asphyxie, provoquée par ces larges bandes de plastique opaque qui enveloppent chacun. Des mains fébriles s’emploient à libérer les corps, et des bouches s’ouvrent grand en quête d’oxygène, dans des déformations qui nous renvoient à Edvard Munch et à Francis Bacon. Les mots surgissent alors, et c’est tout un monde qui se déploie enfin.\nDe quoi est-il fait? De guerres intérieures, d’un mal de vivre qui ne fait que grandir au cours de cette première partie faussement placée sous le signe de la paix. Au centre du malheur, l’amour instable entre Natacha et le prince Andreï, perturbé par l’apparition d’Anatole. Les trahisons et le désespoir qui en découle alimentent le spectacle d’une déchéance lente et inexorable, consommée sous les yeux des convives. Et sous ceux des spectateurs, qui ne peuvent qu’admirer les beaux mouvements d’ensembles de la petite foule – des chorégraphies traduisant tantôt l’angoisse collective, tantôt une exaltation frôlant l’hystérie – et surtout l’incarnation ciselée de chaque personnage. Le fil dramaturgique garde une tension constante, tenu par des coupes judicieuses dans le livret et par la disparition pure et simple de petites figures chargeant la narration.\nSur le front vocal, on peine à trouver des déconvenues dans une distribution qui affiche par là un niveau d’excellence et d’homogénéité rares. On est conquis tout particulièrement par la puissance expressive de Ruzan Mantashyan, une Natacha irrésistible, qui traduit, d’une voix au timbre clair et à l’aigu aisé, les états d’âme d’un personnage qui va glisser d’une innocente joie juvénile vers une tristesse sourde et insondable. Björn Bürger est un prince Andreï tout aussi convaincant – ah, ces traits hallucinés qui semblent sortir d’un tableau de Goya –, et on ajoute à la liste Daniel Johansson en Pierre Bézoukhov, Ales Briscein en Anatole Kouraguine. La paix introuvable de ces âmes tourmentées nous accompagne ainsi dans un décor qui surprend par son immobilité. Mais le final de cette première partie, durant lequel le mobilier s’amoncelle vers la fosse pour former une barricade, annonce d’autres catastrophes.\nDislocation des décors\nL’apparition de Napoléon (un convaincant Alexey Lavrov) et de son armée en donnera les dimensions. Car dans ce second volet, la destruction progressive d’un monde et d’un ordre social perçus comme immuables imprègne en profondeur les destins des protagonistes et les lieux du drame. Tout file alors vers la ruine, dans un mouvement symbolisé par la dislocation ingénieuse des décors: parois et plafond du salon se démembrent et s’inclinent tandis que de nombreux protagonistes se meurent ou glissent vers des états de psychose. Et le chœur à la gloire de la Russie qui clôt l’ouvrage ne fait que renforcer la puissance de la catastrophe qui vient de se matérialiser.\nCe voyage parmi les belligérants doit donc sa puissance à un renversement de perspectives, qui place les tourments intimes au-dessus de la bataille. Il doit beaucoup aussi à un Chœur du Grand Théâtre impressionnant de puissance et de précision et à un Orchestre de la Suisse romande qui, sous la baguette alerte d’Alejo Pérez, s’est affiché sous sa meilleure forme.\nIrma Foletti – Anaclase.com - 13 septembre 2021\nOpéra monumental de Prokofiev, Guerre et paix fait son entrée au répertoire du Grand Théâtre de Genève. Calixto Bieito réalise une nouvelle production qui s’ouvre sur une vaste salle d’un intérieur bourgeois, avec lustre, tentures rouges et dorures, reconstituée d’après certaines pièces du palais de l’Ermitage, à Saint-Pétersbourg. Cette scénographie fut confiée aux soins de Rebecca Ringst. Le ton est donné dès le démarrage : dans le fond, une fausse glace diffuse à vitesse ralentie les images vidéo d’un accouchement. Les personnages, assis ou allongés sous des feuilles plastique transparentes, sortant de leur chrysalide comme des fantômes qui se réveillent ou des papillons ; chacun déchire son emballage, en commençant par la bouche pour pouvoir chanter. Le prince Andreï s’enduit les bras et le torse de terre et Natacha se donne des coups de poings dans le ventre. On pense d’abord à une grossesse non désirée, ce qui pourrait faire le lien avec le petit film initial, mais bientôt tous les protagonistes, décapotés, s’infligent les mêmes coups, un peu partout sur le corps. Ces gestes font office de chorégraphie au cours du bal, une ambiance Bal des vampires (Roman Polanski, The fearless vampire killers, 1967) sous les lumières rouges réglées par Michael Bauer. La tendance sado-maso est rapidement confirmée par de nombreux actes de violence gratuite, mâtinée de voyeurisme. C’est d’abord le père d’Andreï qui traîne sa fille à terre, habillée comme une gouvernante, les costumes étant à la charge d’Ingo Krügler. Pendant ce tableau où Natacha et son père viennent se présenter au prince Nikolaï Bolkonski, son fils Andreï est vraiment peu concerné, s’essayant à l’escalade sur plusieurs parois de la salle ou marchant en équilibre sur les accoudoirs des divans. Natacha subit aussi des humiliations répétées : Anatole Kouraguine l’étrangle en musique, des hommes la caressent avec cynisme, puis la jeune fille, pieds en sang, marche sur du verre cassé, sous les rires et sourires de l’assistance.\nDans ce décor unique opprimant, on comprend bien que cette société est en totale déliquescence. Mais tout est question de dosage, il faut avouer que l’agitation permanente peut perturber l’attention si l’on veut ne pas perdre le fil de l’intrigue, déjà passablement compliquée avec ses multiples personnages. Lorsqu’on amène des ballons gonflables, tout cet aréopage s’amuse à les faire décoller – certains éclatent d’ailleurs –, puis ce sont les boîtes à pizza qui sont livrées sur le plateau… Dans ces conditions, la scène de l’enlèvement raté de Natacha passe complètement inaperçue et peu détectable pour qui ne connaît pas le livret. La fin de la première partie La paix prépare la seconde, lorsque les convives renversent canapés et fauteuils pour former une barricade de velours rouge.\nAprès l’entrée en scène, pour partie pendant l’entracte, de chaque choriste par un trou fumant au travers de la paroi qui a été repoussée en fond de plateau, La guerre s’ouvre par un formidable souffle musical et vocal où les forces chorales genevoises donnent toute leur puissance, sur ces premières mesures. La boîte-décor continue de se déconstruire au fil de cette partie, murs et plafonds ondulant un peu avant de se figer. Femmes et hommes se confectionnent des armures et des armes avec l’intérieur argenté des boîtes à pizza. Le peuple russe victorieux apparaît plus tard comme un groupe de touristes aux tenues colorées et à lunettes de soleil. Cet éclatement de l’espace et de l’action colle finalement au chaos et à la folie de la guerre. On pense même à un cataclysme nucléaire ou bactériologique à la vue des personnages tout de blanc vêtus au final, tenant chacun en mains un néon vert.\nOn sait que l’œuvre contient un très grand nombre de rôles. Vingt-huit chanteurs sont distribués à Genève, certains cumulant plusieurs emplois. Intervenant du début à la fin, le baryton allemand Björn Bürger (Andreï) réalise une formidable performance. Le grave séduit et possède de la substance, tandis que les nombreuses extensions vers l’aigu restent maîtrisées. Principalement sollicitée en première partie, Ruzan Mantashyan compose une Natacha de chair et de sang, tout en déployant un timbre sonore et toujours musical. Du côté des ténors, Daniel Johansson incarne un Pierre Bezoukhov porté sur la bouteille, d’abord longtemps assis à terre, la voix portant dans l’aigu suivant un style justement empreint de tristesse, tandis qu’Aleš Briscein est un Anatole Kouraguine redoutablement pervers, à l’aigu éclatant et plutôt métallique. Alexander Kravets, l’autre ténor, s’invite en fin de seconde partie pour jouer un très touchant Platon Karataïev, immobile, dans un total dénuement, en slip fort sale, mains jointes et le regard absent.\nLes basses sont parmi les meilleures rassemblées sur cette scène, toutes trois étant dotées d’un impressionnant creux dans le grave : le vétéran Eric Halfvarson (comte Rostov), Alexeï Tikhomirov qui cumule les deux rôles de Nikolaï Bolkonski et du général Béliard, enfin Dmitri Ulyanov, magnifique Koutouzov, maréchal seul face à son échiquier pour établir la stratégie guerrière. Il faut citer aussi, en catégorie baryton, le Napoléon qui se barbouille le visage de rose à lèvres d’Alexeï Lavrov et la voix plus robuste d’Alexander Roslavets en Denissov. Pour ce qui concerne la tessiture de mezzo-soprano, c’est Natascha Petrinsky (Maria Dmitrievna Akhrossimova, Mavra Kouzminichna) qui émet les graves les plus profonds, parfois à la limite de l’alto. Lena Belkina (Sonia Rostova) et Elena Maximova (Hélène Bezoukhova) font elles aussi entendre de beaux instruments.\nAu pupitre de l’Orchestre de la Suisse romande, Alejo Pérez assure une coordination sans failles, tâche parfois peu aisée dans cette mise en scène. On sait le musicien argentin spécialiste du XXe siècle et cette œuvre lui correspond plutôt idéalement – à Rome, il a dirigé L’ange de feu de Prokofiev il n’y a guère longtemps . De la fosse se dégage une puissance naturelle, mais sans exagération dans les décibels. Le chef veille constamment à ne pas couvrir les voix, et produit de beaux effets, en seconde partie notamment, lorsque les cordes répondent aux bombardements. Un petit bémol est à apporter à cette belle soirée de première, car le public est loin d’être venu en masse… espérons que la salle sera plus garnie lors des représentations suivantes !\nDamien Dutilleul – Olyrix.com - 14 septembre 2021\nLe Grand Théâtre de Genève relève le défi de présenter malgré les contraintes sanitaires en vigueur "La Guerre et la Paix" de Prokofiev, opus démesuré requérant 180 artistes dont près d’une trentaine de solistes\nGuerre et Paix à Genève. Calixto Bieito transforme l’opéra épique de Prokofiev en un cauchemar surréaliste et angoissant\nRenato Verga – PremièreLoge - 15 septembre 2021\nMonté pour la première fois en Suisse, l’opéra Guerre et Paix, dans la vision proposée par Calixto Bieito, remporte un très grand succès.\nD'un roman complexe à un opéra épique\nOuverture de saison grandiose à l’Opéra de Genève : l’une des œuvres les plus monumentales du XXe siècle y est montée avec des moyens on ne peut plus importants. « Une inauguration plus grande que nature », déclare Christopher Park, Rédacteur/Médiateur culturel au GTG. Qu’il s’agisse de la direction d’orchestre, de la mise en scène ou de la distribution, le théâtre du lac Léman réunit une équipe offrant une représentation mémorable – et c’est la première fois que l’opéra de Prokofiev est joué en Suisse.\n« Paix et guerre » : c’est plutôt ainsi que cette version du chef-d’œuvre de Tolstoï aurait dû être intitulée ! Dans le livret, écrit par le compositeur lui-même et son épouse Mira Mendelson-Prokofieva, la première partie est consacrée aux événements de la paix, avec l’histoire d’amour contrastée du prince Andrei Bolkonsky pour la jeune Nataša Rostova, âgée de 15 ans, tandis que la seconde nous plonge dans la bataille de Borodino, au cours de laquelle s’affrontent l’armée française dirigée par Napoléon Bonaparte et l’armée impériale russe commandée par le général Kutusov.\nLe compositeur résout la tâche difficile consistant à transformer ce roman complexe, dans lequel les affaires privées de la noblesse russe et les événements de la guerre sont étroitement mêlés, en esquissant treize scènes séparées par des césures claires. Dans les sept premières (formant la première partie), les moments mélodiques et les références aux danses abondent dans la musique. La deuxième partie voit le chœur intervenir massivement pour donner un ton épique à l’événement essentiel que constitue la campagne de Napoléon en 1812 – que Prokofiev revit comme la fuite découlant de l’invasion nazie en 1941. C’est également la partie la plus retravaillée par le compositeur en raison des interférences politiques ayant imposé une plus grande importance accordée au volet russe, notamment au personnage de Kutusov qui devait apparaître comme un hommage explicite à Staline.\nLa vision originale de Bieito\nL’aspect ouvertement idéologique de l’opéra est remis en question par la lecture de Calixto Bieito qui, avec la dramaturgie de Beate Breidenbach et la scénographie de Rebecca Ringst, convoque en première partie l’atmosphère surréaliste de El ángel exterminador, le film de Luis Buñuel de 1962 dans lequel les invités d’une soirée d’après-théâtre ne peuvent quitter la maison de leurs hôtes. Ici, les nobles de Saint-Pétersbourg, invités à un bal à la veille du Nouvel An 1810, dans les élégants vêtements contemporains d’Ingo Krügler, ont un ennemi invisible, inconnu, incertain. Après Napoléon et Hitler, quelle est la menace aujourd’hui ? Peut-être sont-ils eux-mêmes l’abîme qu’ils doivent redouter ? Peut-être doivent-ils craindre l’énigme que constitue leur propre humanité ?…\nDans la mise en scène de Bieito – le metteur en scène se produit pour la première fois au théâtre de Genève –, la scène reproduit fidèlement le boudoir de Maria Aleksandrovna, née Maria de Hesse-Darmstadt, épouse de l’empereur Alexandre II, avec ses stucs dorés, les fauteuils et canapés en velours rouge, les cariatides aux seins opulents, le grand miroir ovale sur le mur du fond, qui est ici un écran sur lequel sont projetées les images vidéo de Sarah Derendinger et permet ensuite d’apercevoir des ruines fumantes à l’extérieur. Comme dans le film de Buñuel, les aristocrates passent leur temps en conversations oiseuses, inconscients du monde extérieur où plane une sombre menace, et le fait que les meubles empilés suite aux disputes opposant les personnages les uns aux autres se transforment en barricades (comme l’annonce le colonel Denisov à la fin du septième tableau : « Un courrier de Vilno : Napoléon a déployé des troupes à la frontière. Ça ressemble à une guerre ») apparaît presque le fruit du hasard.\nJusqu’alors, les escarmouches s’étaient limitées à des menaces de duels, des projets d’enlèvement, des tentatives de suicide et des querelles familiales. Dans l’environnement épuré sur lequel le rideau avait été tiré, les personnages étaient coupés du monde par un tissu translucide, protégés de la poussière de l’histoire – mais pas d’eux-mêmes. Nataša est la seule à errer dans ce paysage spectral et son innocence enfantine contraste avec le réveil douloureux des différents invités du bal. Comme dans le film de Buñuel, des choses étranges se produisent ici, que Bieito transforme en scènes théâtrales étonnantes, comme les boîtes à pizza dont les intérieurs métalliques deviennent d’abord des miroirs, puis des pièces d’armure scintillantes.\nDans la deuxième partie, il n’y a plus de place pour le sarcasme : le plafond de l’élégant salon se déchire, les murs se dressent de manière menaçante au-dessus des personnes présentes, les vêtements élégants sont couverts de bandages sanglants, une maquette du Bolchoï, avec son quadrige en bronze verdâtre, est d’abord construite puis détruite, ses pièces étant utilisées en tant qu’armes. Les écrans vidéo sur lesquels un ours avait été aperçu – symbole de la Russie, mais aussi animal présent à la fois dans le roman et dans le film de Buñuel – sont maintenant teintés de rouge, et sur le refrain final laudatif « Gloire à la patrie, à la sainte patrie, gloire à l’armée de la patrie ! Gloire au maréchal Koutouzov ! Hourra ! », les foules en liesse permettent un parallèle cynique avec les insectes qui, sur les écrans verts, s’agitent sans cesse dans une activité vaine et impitoyable. Le cauchemar surréaliste mis en scène par Bieito touche ici le fond d’une vision pessimiste que les adaptations imposées à la musique de Prokofiev n’ont pas réussi à altérer. Guerre et Paix, l’avant-dernière œuvre de Sergueï Prokofiev pour le théâtre, prend ici des couleurs et un aspect différents de celui, épique, élogieux et patriotique, qui avait été demandé au compositeur – et devient une œuvre beaucoup plus proche de notre désenchantement.\nAlejo Pérez, un chef aux évidentes affinités russes\nLa lecture de Bieito bénéficie du précieux soutien musical d’Alejo Pérez, un jeune chef argentin déjà familier de la musique russe : outre un Ange de feu à Rome (2019) et L’Amour des trois oranges (2018) de Prokofiev, on lui doit également Eugène Onéguine (2017), Le Nez (2013) et Lady Macbeth (2010). Le défi consistant à diriger un immense opéra – Pérez opte pour la dernière version, dans laquelle il procède néanmoins à des coupes réduisant la représentation à moins de quatre heures, entracte compris – avec 28 solistes, 75 choristes et un orchestre massif, est honorablement relevé. La couleur orchestrale différente des deux parties est mise en valeur à juste titre et le poids du son ne submerge jamais les chanteurs. Les oasis mélodiques et les valses nostalgiques de la première partie contrastent avec les interventions instrumentales et chorales massives aux résonances livides et métalliques de la seconde partie. Ici, comme dans le Boris de Moussorgski, le chœur est l’un des protagonistes de l’œuvre, incarnant le peuple russe (le début de la deuxième partie fait froid dans le dos…), les volontaires, les soldats russes, les soldats français, les cosaques, les moscovites, les anciens prisonniers. Dirigée par Alan Woodbridge, les chœurs du théâtre ont donné une performance remarquable en termes de densité, d’intonation, de musicalité et, pour autant que je puisse en juger, de diction.\nUne distribution à la hauteur de l’enjeu\nLa distribution compte de nombreux chanteurs russophones, notamment les basses Alekseij Tikhomirov (Prince Nikolaj Bolkonski) et Dmitrij Ul’ianov (Général Koutouzov), les barytons Alekseij Šišliaev (Dolokhov) et Alekseij Lavrov (Napoléon Bonaparte). Le baryton allemand Björn Bürger, qui a été très admiré dans le rôle de Papageno à Paris et à Glyndebourne, endosse ici le rôle du prince romantique Andrei Bolkonski, qu’il sert par un instrument vocal flexible et une présence scénique magnétique. La métamorphose qu’il propose du jeune homme amoureux qui, plein de joie, escalade littéralement les murs en un combattant mourant qui revoit enfin sa bien-aimée, hélas désabusée, est convaincante et émouvante. Tout comme la prestation de Ruzan Mantashyan en Nataša, soprano arménienne d’une grande personnalité et d’une grande puissance expressive, qui a remporté les applaudissements les plus nourris du public.\nChez les femmes, les voix de mezzo-soprano de Lena Belkina (Sonia) et d’Elena Maximova (Comtesse Helena Besoukhova) se sont distinguées. La basse Eric Halfvarson dans le rôle du comte Ilia Rostov a également été particulièrement appréciée du public, tandis que la voix claire du ténor Alexander Kravets a donné du corps à Platon Karataev, la figure de l’innocent si chère à la littérature russe. Se distinguent également, de personnalités opposées, le triste Pierre Bezuchov et le bel Anatole Kuragin : le premier (Daniel Johansso) « libère les paysans et crée des hôpitaux », tandis que le second (Ales Briscein) est « une canaille, un criminel ». À Daniel Johansson (dans le rôle du comte Besoukhov) échoient des pages au lyrisme expansif qui n’auraient pas déplu à Puccini et que le ténor suédois chante avec beaucoup d’élégance et de facilité. Aleš Briscein, quant à lui, donne au personnage de Kuragin juste ce qu’il faut de culot avec son timbre de ténor distinctif et pénétrant. Tous les personnages, pour l’essentiel, se voient attribuer les voix idoines dans cette production qui a suscité l’enthousiasme inconditionnel du public.\nClaudio Poloni – ConcertoNet.com - 13 septembre 2021\nEin innerer Feind zerstört die Einheit der Gesellschaft: «Krieg und Frieden» in Genf\nMarco Frei - Neue Zürcher Zeitung – 16 septembre 2021\nSeine grosse Stärke ist, dass er dem Volk als Kollektiv misstraut. Auch echte Helden gibt es bei ihm nicht, das Perfide oder gar Böse grinst stets mit über deren Schultern. Mit diesem Regie-Profil ist Calixto Bieito bekannt geworden. In jüngster Zeit wirkte es allerdings bei einigen Produktionen wie übergestülpt und zur Masche abgenutzt. Seine Inszenierung der Oper «Krieg und Frieden» von Sergei Prokofjew, mit der Bieito jetzt am Grand Théâtre in Genf debütiert, hinterlässt hingegen einen starken Eindruck.\n"Krieg und Frieden":All die gebrochenen Männer\nReinhard J. Brembeck – Südddeutsche Zeitung – 15 september 2021\nSylvie Bonier – Le Temps - 16 septembre 2021


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La date limite pour présenter une demande de remboursement est reportée au 30 juin.\nSi vous avez souscrit une assurance auto auprès de La Personnelle, mais que vous utilisez désormais votre véhicule uniquement pour les déplacements essentiels, comme pour aller à l’épicerie ou à la pharmacie, vous pourriez être admissible à une remise sur votre prime d’assurance auto. Le montant de la remise est basé sur plusieurs facteurs et est calculé en fonction du kilométrage annuel estimé dans votre contrat d’assurance. Des milliers de membres de l’équipe ont déjà reçu un remboursement dans le cadre des mesures d’allègement mises en place par La Personnelle.\nPour vous prévaloir de cette remise, veuillez visiter la section « COVID-19 » du site LaPersonnelle.com/Bell et remplissez le formulaire en ligne qui se trouve dans la section « Mesures d’allègement pour nos assurés » d’ici le mardi 30 juin. Prenez note que vous n’êtes pas admissible à une remise si vous utilisez votre véhicule à des fins de livraison.\nPour en savoir plus, veuillez consulter la FAQ sur les mesures d’allègement. Si vous préférez parler à un agent de La Personnelle, appelez au 1 888 476-8737.


L'avion de Neymar a atterri d'urgence au Brésil - troll-face.fr\nL’avion de Neymar a atterri d’urgence au Brésil\nMardi – 22 Dhu al-Qi’dah 1443 AH – 21 juin 2022 AD\nLa star de l’équipe nationale brésilienne et de l’équipe de France de football, le Paris Saint-Germain, Neymar (Reuters)\nBrasilia : « Le Moyen-Orient en ligne »\nLa star de l’équipe nationale brésilienne et du club de football français Paris Saint-Germain, Neymar, a paniqué après que son avion privé a été contraint de faire un atterrissage d’urgence dans la ville de Boavista, dans le nord du Brésil, mardi soir en raison d’un problème avec le pare-brise, selon médias brésiliens.\nEt le quotidien O Globo a précisé sur son site internet que l’avion, qui faisait route de Miami vers Sao Paulo (sud-est), a été contraint d’atterrir à Boavista vers 02H00 (05H00 GMT), pour éviter « un problème avec une chute de température. « Pression », selon l’Agence France-Presse.\nNeymar a profité de ses congés annuels après une saison difficile et décevante au Paris Saint-Germain, accompagné de sa compagne Bruna Biancardi, de sa sœur Rafaela et de bien d’autres proches.\nDes internautes ont posté sur les réseaux sociaux des photos de Neymar souriant entouré de fans se réjouissant de la présence inattendue de la star dans cette ville au coeur de l’Amazonie près de la frontière vénézuélienne.\nLundi, Neymar a posté sur son compte Instagram une photo de lui avec sa soeur sur le tarmac de l’aéroport de Miami avant de monter dans l’avion. Il n’a pas encore commenté l’incident.


APS - Ziguinchor : incinération de 12,6 tonnes de produits impropres à la consommation\nSENEGAL-COMMERCE-CONSOMMATION Ziguinchor : incinération de 12,6 tonnes de produits impropres à la consommation 15 février 2017 à 17h44min\nZiguinchor, 15 fév (APS) –Près de 13 tonnes de produits impropres à la consommation saisies par une brigade mixte des forces de défense et de sécurité ont été incinérées mercredi à Ziguinchor, a constaté l’APS.\nLa valeur de ces produits, d’une quantité exacte de 12, 6 tonnes, est estimée à 21 millions de francs CFA. La marchandise a été incinérée lors d’une cérémonie organisée en présence du gouverneur de cette région, Al Hassan Sall.\n‘’Il s’agit d’un tonnage important de produits impropres à la consommation qui a été saisi par la brigade mixte qui implique plusieurs éléments des forces de défense et de sécurité. Le Premier ministre nous avait demandé de mener une croisade contre la vente de marchandises prohibées’’, a expliqué M. Sall.\nPour le gouverneur de Ziguinchor, l’incinération de ces produits est "une alerte" aux commerçants et aux consommateurs pour dénoncer ces pratiques malsaines.


Assa, restaurant 1 étoile Michelin, Blois | Koko Soko\nAssa, restaurant 1 étoile Michelin à Blois, est certainement une de mes tables préférées, celle qui fait me frétiller de joie rien que d’y repenser. Anthony et Fumiko Maubert ont créé un éden lumineux sur les bords de Loire, dont le succès repose sur leurs choix et leurs engagements :\nLa philosophie : le nom du restaurant signifie « matin » en japonais. La carte est en effet amenée à évoluer tous les matins, en fonction des arrivages et du bon vouloir de la nature. On est ainsi assuré de ne consommer que des produits au plus près de la saison, et souvent locaux !\nL’esprit franco japonais : le duo magique de ce restaurant est composé de deux personnes complémentaires tant sur la culture gastronomique que la technique : Monsieur est français et cuisinier, Madame est japonaise et pâtissière !\nLa cuisine : chaque assiette, aussi délicate que la précédente, est un enchantement des sens. Des saveurs qui explosent en bouche, toujours équilibrées, souvent originales. Des dressages épurés, plein de contrastes. L’harmonie entre saveurs et techniques japonaises et françaises est délicate : les deux influences jamais ne s’opposent, mais se marient, s’imbriquent quasi naturellement.\nLe cadre : ce qui marque en arrivant en salle, c’est cette lumière pure, blanche des reflets de la Loire qui coulait puissante le jour de notre visite, au pied du restaurant. Des grandes baies offrent aux convives une vue apaisante, au cœur de la nature. Sauf quand, comme nous, vous préférez la salle haute avec vue sur la cuisine ouverte, le magnifique kimono de brocard écarlate exposé dans sa vitrine, et une belle collection de porcelaines et de boîtes à compartiments laqués. Le service est sympathique, courtois sans en faire des tonnes et discret. Le chef viendra vous présenter quelques plats, avec ce ravissement discret dans les yeux de faire plaisir. Le choix d’arts de la table est sublime, entre couteaux uniques au manche d’if, vaisselle japonaise brute, galets noirs utilisés comme symbole de bienvenue (comme au Japon).\nLa région : pour ceux qui ne connaissant pas ce doux pays longeant la Loire, ne passez pas à côté de Blois et ses environs. Prenez le temps de visiter Blois, vite royale historique au château magnifique et au centre médiévale charmant. En repartant, ne manquez pas le château de Cheverny, qui a inspiré Hergé pour le Château de Moulinsart, et les vignobles de Cheverny et de Touraine ! Le chef sublime d’ailleurs de très nombreux produits de la région : une visite express du terroir blésois. Mention spéciale pour les vins de la région, dont ils possèdent une très belle sélection !\nLe rapport qualité prix : enfin car il est important de le noter, un repas chez Assa, surtout au déjeuner, est le gage d’un excellent rapport qualité prix. Le midi, les menus vont de 49 euros à 79€ (hors vins) pour une table étoilée Michelin\nDécouvrez désormais quelques photos du déjeuner !\nTuile miso cacahuète & Guimauve au vin de Cheverny rouge\nMochi-mochi au parmesan\nTartelette au camembert de Montsûrs\nMeringue à la pomme\nBarbeau façon surimi, dentelle de fumet de poisson\nCrème de lentilles au sésame noir\nFeuille de chou, riz cuisiné à l’araignée\nChips de quintessence à l’araignée\nLe tout accompagné d’un accord mets & saké !\nCe saké est produit par UMETSU Shuzo, dans la prefecture de Tottori, au centre du Japon sur la côte de la Mer du Japon. Cette vénérable maison est connue depuis 1865, et est actuellement gérée par la 5ème génération ! Elle produit ce saké de type Kimoto, qui est une méthode traditionnelle utilisée par uniquement 10% des brasseurs, qui laisse les levures et les bactéries lactiques indigènes agir. Pour en savoir plus sur cette méthode, cliquez-ici !\nFoie gras poché, shiitaké grillé de Loches, champignons de Paris, dashi, accompagné d’un Granité de foie gras et d’un Yaourt de foie gras, riz soufflé à la cendre de bambou\nVégétal : betterave, jus de betterave, persil, pain brioché à l’huile d’olive\nVeau, poireau, ail des ours, lamier pourpre\nFromage de chèvre d’Azé / riz soufflé à la cendre\nbiscuit infusé au bois de cerisier de Kyoto / sorbet saké kasu / persil\nPurée de topinambour / crème de parmesan / vinaigre balsamique / tempura\nCrème infusée au wasabi, suprême d’orange, biscuit meringué, sorbet yuzu\nFinger croustillant azuki / matcha & citron\n41000 BLOIS – FRANCE\nMercredi : 12:15 – 13:30 / 19:30 – 21:00\nVendredi – Samedi : 12:15 – 13:30 / 19:30 – 21:00\nDimanche : 12:15 – 13:30\n" Consommation de porc au Japon : focus sur Kyûshû !\nCha-no-yu : la cérémonie du thé japonais »\n4 réflexions sur “Assa, restaurant 1 étoile Michelin, Blois”\nBravo pour ce très bel article qui présente si bien l’un de mes restaurants préférés à Blois. très belles photos.\nMerci beaucoup ! Ce restaurant est magique !\nUne photocopie de la note payée serait la bienvenue, histoire de lever toute ambigüité …\nBonjour, merci pour votre commentaire : je comprends cette méfiance. Trop de blogueurs n’indiquent pas s’ils ont été payé pour rédiger des articles, ce qui lève des doutes sur la partialité des jugements présentés. J’ai été invitée par mes parents (que je remercie!), et par conséquent, n’ai pas le ticket de caisse. Je vous assure cependant que mon éthique personnelle m’aurait incité à indiquer si cet article avait été rémunéré par le restaurant ou qui que soit d’autre. D’ailleurs, je ne fais jamais de billets sponsorisés : pas assez célèbre pour cela 🙂 Bonne journée


Mediakwest - Gaumont insuffle de la légèreté à l'Hôpital Lariboisière\nPour la première fois en France, l'Assistance Publique - Hôpitaux de Paris a l'opportunité de réaliser un projet artistique original permettant de faire entrer le septième art au cœur d'un hôpital public : l'Hôpital Lariboisière - AP-HP, dans le 10ème arrondissement de Paris.\nAprès avoir soufflé ses 120 bougies au CENTQUATRE-PARIS et émerveillé 50 000 visiteurs (exposition Gaumont, 120 ans de cinéma du 15 avril au 15 août 2015) ; après avoir tapissé les rames du RER D pour faire entrer le cinéma dans le quotidien des voyageurs franciliens (le Train du Cinéma Gaumont inauguré par Gaumont et la SNCF le 28 janvier 2016) ; après avoir posé ses valises à Singapour (exposition au National Center Design du 15 avril au 15 mai 2016), à Angoulême (exposition du 4 juillet au 31 décembre 2017), à Yokohama (au Redbrick Warehouse No I du 13 au 24 juin 2018) et à Montréal (à la Cinémathèque québécoise & Société des Arts Technologiques du 27 octobre au 25 novembre 2018), Gaumont pousse les portes de l’hôpital Lariboisière – AP-HP pour venir à la rencontre de ses patients et de ses personnels. Établissement labellisé « Culture et Santé » par l’ARS, l’hôpital Lariboisière – AP-HP avec son architecture classée monument historique, saura mettre en valeur cette exposition au sein de l’un des quartiers les plus multiculturels de Paris.\nGaumont, l’Assistance Publique – Hôpitaux de Paris, et l’hôpital Lariboisière : ce genre de rencontre ne se passe que dans les films. Ça tombe bien, c’est le septième art qui les a réunis! Au premier abord, ils n’étaient pas faits pour faire la route ensemble. Et pourtant…\nDe l’entrée extérieure à la cour d’honneur, en passant par ses allées, ses galeries, et dans les salles d’attentes des Urgences jusque dans les chambres où une rétrospective de films du catalogue Gaumont sera proposée aux patients hospitalisés, c’est une promenade itinérante à travers les comédies du septième art qu’offrent la société Gaumont et l’hôpital Lariboisière -AP-HP.\nUne première dans le monde du cinéma et dans le milieu hospitalier, qui pourrait s’étendre aux autres hôpitaux de l’Assistance Publique – Hôpitaux de Paris…


Articles-sante > 25.Citations-et-Motivation > Le-saviez-vous--La-letalite-du-covid19-est-de-lordre-de-02-tres-semblable-a-une-grippe-saisonniere-.895.htm\nMcKenna : De par sa nature, la télévision est la drogue dominante par excellence, un outil parfait de lavage de cerveau\nRaoult : On ne va pas proposer à la population de vivre entièrement cloisonnée tout le reste de l'historie de l'humanité!\nFin mai, cependant, des immunologistes suisses dirigés par le professeur Onur Boyman ont publié ce qui est probablement l’étude la plus importante sur la létalité du Covid19 à ce jour. Cette étude préliminaire arrive à la conclusion que les tests habituels qui mesurent les anticorps dans le sang (IgG et IgM) peuvent reconnaître au plus un cinquième de toutes les infections à Covid19.\nLa raison en est que chez la plupart des personnes, le nouveau coronavirus est déjà neutralisé par les anticorps présents sur la muqueuse (IgA) ou par l’immunité cellulaire (lymphocytes T) et qu’aucun symptôme, ou seulement des symptômes légers, se développent.\nCela signifie que le Covid-19 est probablement beaucoup plus courant qu’on ne le pensait et que la létalité par infection est jusqu’à cinq fois plus faible qu’on ne le supposait auparavant. La létalité réelle pourrait donc être bien inférieure à 0,1 % et donc dans le domaine de la grippe saisonnière.


La Mécanographie Est L’ancêtre De L'informatique Dans Les Banques\ntechnogps.com » Accueil » Banques et nouvelles technologies » La mécanographie est l’ancêtre de l’informatique\nPour réduire le coût de la main d’œuvre et gagner en efficacité dans les tâches administratives, c’est l’avènement de la mécanographie dans les banques.\nLes opérations comptables sont réalisées peu à peu sur des machines dont les plus évoluées utilisent des cartes perforées.\nDe nouveaux métiers sont créés dans les banques le mécanographe et l’électromécanicien pour l’entretien de ces machines.\nMais dans les années 60, la mécanographie disparaît. De nouveaux métiers sont créés c’est le début de l’informatique : les programmeurs, opérateurs, pupitreurs …\nArticle précédentLes premiers ordinateursArticle suivantLes marchés financiers en développement et la mondialisation numérique