T4 ADN LIGASE 5 U / μL pour la connexion de l'ADN Réactif de biologie moléculaire du fabricant de la Chine - ServiceBio\nT4 ADN LIGASE 5 U / μL pour la connexion de l'ADN Réactif de biologie moléculaire\nT4 DNA LIGASE peut catalyser la liaison de l'ADN à double brin ou à l'ARN à double échouement collant ou surmonté entre l'extrémité 5'-P et l'extrémité 3'-OH avec une liaison phosphodiester. Dans le même temps, l'enzyme peut également réparer des pseudiers à une seule brin dans des chaînes hybrides ADN à double échouement, ARN et ADN / ARN.\nDéfinition de l'activité: une unité d'enzyme peut catalyser 1 NMOL de pyrophosphate étiqueté de 32p dans l'ATP à travers la réaction de déplacement dans les 20 minutes à 37 ° C (une unité est égale à environ 200 unités de fixation collante).\nT4 ADN LIGASE Tampon de stockage:Tris-HCl de 20 mm (pH 7,5), 50 mm KCL, 1 mm DTT, 50% (v / v) glycérol.\n5 × T4 DNA Tampon LIGASE:250 mm Tris-HCl (pH 7,6), 50 mm mgcl2, 5 mm ATP, 5 mm DTT, valorisation.\n5 × T4 DNA Tampon LIGASE\nConditions de réaction de la ligature\nLa réaction de ligature à 25 ° C pour les extrémités collantes prend 5-30 minutes; La réaction de ligature à 25 ° C pour les extrémités émoussées ne dépasse pas 2 heures ou la réaction à 4 ° C pendant la nuit.\nConversion de produits de ligature\n1. Sortez des cellules compétentes (telles que E.Coli DH5α, E.Coli TOP10, etc.) du réfrigérateur -80 ℃ et placez-les sur la glace pour dégeler;\n2. Ajoutez l'échantillon réagi à l'état compétent, déplacez doucement le fond du tube avec vos doigts pour mélanger et se baigner dans la glace pendant 30 minutes;\n3. Placez ensuite le produit dans un bain d'eau de 42 ℃ sur le choc thermique pendant 90 s. Après sa fin, placez-le sur la glace rapidement pendant 2 à 5 minutes dans un bain de glace;\n4. Prenez 900 μl de support soc ou lb stérile et ajoutez-le au tube EP. Après mélange, placez le tube EP sur un agitateur et incubez-le à 220 tr / min à 37 ° C pendant 1 heure pour réanimer les bactéries (il peut également être placé dans un incubateur de 37 ° C. Placez la culture pendant 1 heure);\n5. Selon les exigences expérimentales, dessinez différents volumes de cellules compétentes transformées et ajoutez-les au milieu solide LB contenant les antibiotiques correspondants, étalez les cellules uniformément et, après que le liquide est complètement absorbé, placez la plaque à l'envers dans les 37 ° C incubateur et cultiver la nuit.\n1. Il est recommandé de configurer le système de réaction sur la glace.\n2. Lorsque la concentration du vecteur et du fragment cible est faible, il n'est pas nécessaire d'ajouter de l'eau et d'utiliser directement pour maquillage.\n3. Il est recommandé que le rapport molaire de l'ADN vectoriel sur un fragment d'ADN inséré est de 1: 3 ~ 1: 10.\n4. Une petite quantité de précipitations dans le tampon LIGASE DNA 5 × T4 est normale. Il peut être dissous à 37 ° C avant l'expérience et il sera utilisé après le mélange à fond. Cela n'a aucun effet sur l'expérience; Il est recommandé de se dissoudre dans des aliquotes et de geler.\n5. L'ADN T4 LIGASE est recommandé de sortir lorsqu'il est utilisé et remis à -20 immédiatement après utilisation.\n6. Lorsque l'électroporation est utilisée pour la transformation, le produit de la ligature doit être purifié par méthode de colonne ou méthode de précipitation à l'éthanol.\n7. Lors de la connexion du vecteur surmonté du fragment d'ADN, le vecteur doit être déphosphorylé (G3400 est recommandé) pour empêcher sa circularisation de soi.\nADN LIGASE Réactif de PCR pswe-topo zéro clonage ki Réactif de biologie moléculaire Acide nucléique ligase


14% ont acheté the sssnake SK233-1,5 XLR Patch 4,50 €\n7% ont acheté the sssnake SK233-0,5 XLR Patch 4,77 €\n1442 évaluations client\n1084 clients ont évalué ce produit avec 5 étoiles.\n1036 clients ont donné leur avis dans une autre langue, ou ont simplement noté le produit sans rédiger d’avis.\n300 clients ont évalué ce produit avec 4 étoiles.\nCâble XLR des plus classiques mais qui fait très bien ce pour quoi il est fait. Il n'y a pas de "flottement" qu'on on l'attache au micro au bien à l'interface audio. Donc pas cher et très bien au final !\nLire les 314 commentaires de texte\nsur thomann.de 2505


Tag sequence - Mon bazar de classe\n...je trouve très belles) et s'adapte assez bien pour ces niveaux car il y a peu de texte. Je partage la séquence (en 3 séances), le mini-book (idée piochée chez Fofy ) , quelques Falshcards et la "fiche élève". la séquence le mini-book et les flashcards la fiche élève Cet...\nPar joujoule dans Anglais le 25 Avril 2012 à 19:43\n...net alors voici une petite contribution supplémentaire !! Comme d’habitude, je partage la séquence et le document élève (attention la page 3 ne concerne que les CE). Pour la dernière séance, j’utilise la chenille créée par Lutin Bazar pour rebrasser les...\nMise à jour : Ajout d'une 6ème séance, des documents et fichiers audio. Une petite séquence toute simple et sans prétention pour apprendre à se présenter au cycle 2. On apprendra ici à dire son prénom et son âge et les demander à quelqu'un, ainsi que les chiffres juqsu'à 10 (...\nMon bazar de classe - Créer un blog gratuitement avec Eklablog - CGU - CGV - Préférences cookies - Signaler un abus -


S. Palazzetti Consulting [De la frustration, une belle interview et une fin de semaine excitante…]\nDe la frustration, une belle interview et une fin de semaine excitante…\n… en quelques mots le résumé de cette news. De la frustration, après la disqualification de François BRAUD associé à Jason LAMY CHAPPUIS lors de l’épreuve de Combiné Nordique par équipes qui s’est déroulée à Lahti le week-end dernier et au cours de laquelle la France avait franchi la ligne en seconde position après un sprint jugé hors zone par la commission arbitrale. La veille, François avait terminé 13ème lors de l’épreuve individuelle en grand tremplin et premier français avec de belles ressources techniques et physiologiques. Il est actuellement sur une bonne dynamique après les derniers Championnat du Monde. Ce week-end se déroulera à Oslo la dernière manche de la saison 2012-13 avec pour objectif un TOP10 en individuel.\nD’autres athlètes du « Team » étaient également en compétition ce week-end sur des objectifs intermédiaires. Par ordre alphabétique :\nUnai EXTARRI ESKISABEL a terminé 6ème au Senpereko Trail (21 km, +/- 1050 m de dénivelé) en 1:49:28 (+8.6% du temps du vainqueur : Jokin LIZEAGA) en restant beaucoup trop sur la réserve sur le dernier tiers du parcours et en exploitant donc pas totalement ses ressources du moment. Une nouvelle expérience qui va lui servir pour poursuivre sa progression dans la pratique du Skyrunning.\nLionel LE STRAT, en préparation du marathon de Nantes, a participé au semi-marathon d’Orvault qu’il a parcouru en 1:31:08 (+42.3% du temps du vainqueur : Evans KORIR KIPROECH), une performance en deçà des objectifs d’allure, de l’état adaptatif physiologique du moment mais en accord avec des contraintes professionnelles accentuées de la fin de semaine. Ce résultat frustrant et logique démontre que l’harmonisation de la vie sociale, familiale, professionnelle et sportive n’est pas toujours aisée et que la raison n’est pas toujours en phase avec la situation.\nPar ailleurs, Matt DUSSARTRE a réalisé une belle interview de Romain GUILLAUME la semaine passée évoquant sa situation actuelle, ses projets… et que l’on peut retrouver en cliquant sur le lien en bas de news. Romain a entrepris un plan de carrière sur le long terme qui a débuté en 2006. Sa progression s’est effectuée pas à pas. Les choix que nous avons pris lui aurons permis de se construire un palmarès sur le circuit IM, d’évoluer dans une démarche professionnelle tel un chef d’entreprise. Le chemin est encore long mais les perspectives, et le partage, toujours très motivants.\nEn fin de semaine, Romain participera à l’IM 70.3 de San Juan, une nouvelle épreuve « Test » avec une très belle Start-List. La confrontation à l’élite est un chemin « obligé » vers l’excellence.\nInterview de Romain GUILLAUME via Matt DUSSARTRE


La Gourmet Box - Bio - Toutes les Box\nAccueil » Test de Box » La Gourmet Box – Bio\nTestée par Angélique le 12 novembre 2018\nDans ce panier, la Gourmet Box a sélectionné des produits uniquement issus de l’agriculture biologique. Un voyage à travers tous les terroirs pour nous offrir de la gourmandise et du bio dans la même assiette.\nGrande Cuvée 2016 – Côtes du Rhône Villages – Vieux Manoir du Frigoulas\nSablés salés au Cantal AOP – Biscuiterie Apiflor\nRillettes de porc bio au citron confit – Le Mottay\nTartinable Bio Tapenade Noire – Conserverie Notre Terre\nTartinable Bio Concassée d’olives vertes – Conserverie Notre Terre\nRillettes de thon sauvage au Nori – Algaé Gastronomie\nTartinable de légumes : panais à la poire – Les Mets d’Aimé\nTartinable de légumes : carottes à l’orange – Les Mets d’Aimé\nNoix caramélisées à la fleur de sel de Guérande – L’attelier de Clisson\nRien de mieux que de commencer par déboucher une bonne bouteille de vin avant de passer à table. Dans cette Gourmet Box, nous découvrons un vin des Côtes du Rhône cultivé en agriculture biologique. Grande Cuvée est un vin bio rouge, issu de l’assemblage des cépages Grenache, Syrah, Mourvèdre et Cinsault. C’est un vin expressif, tout en équilibre, avec des notes de fruits rouges et légèrement poivré. Il sera le compagnon idéal des produits, principalement dédiés à l’apéritif, de cette box.\nC’est dans le Cantal que nous allons prendre l’apéritif avec ces délicieux sablés confectionnés à base de véritable Cantal AOP. Des biscuits apéros très croustillants mais surtout au goût unique de ce fromage inimitable. D’ailleurs, pour rehausser la saveur du Cantal et apporter encore plus de gourmandise, il suffit de réchauffer les sablés quelques petites minutes au four.\nLes morceaux de porc ont été soigneusement choisis pour réaliser ces rillettes afin d’en faire un produit goûtu. Finement relevé au sel de Guérande et aromatisé avec du citron confit, c’est un met très légèrement acidulé mais terriblement raffiné. Un toast grillé conviendra à merveille pour décupler toute l’onctuosité de ces rillettes.\nC’est grâce à des olives bien mûres issues de l’agriculture biologique, que l’artisan Notre Terre nous offre une tapenade d’olives noires subtile et délicieuse. Un must have de l’apéritif à tartiner sur du pain ou des croûtons, même si je la préfère en cuisine en fond de quiche ou pour garnir un feuilleté.\nUne deuxième tapenade de la conserverie artisanale Notre Terre. Cette fois ce sont les olives vertes qui sont mises à l’honneur et mariées avec des amandes. C’est indéniablement ma tapenade parfaite pour l’apéritif, elle respire le soleil et la fraîcheur du Sud grâce au goût magnifique de l’olive.\nToutes voiles dehors avec ces rillettes de la mer où l’algue Nori (celle-là même utilisée pour réaliser des maki-sushi) vient délicatement relevé le thon sauvage. Le mariage offre des rillettes moelleuses et finement iodées que j’ai pris grand plaisir à tartiner sur des blinis pour agrémenter mon assiette marine d’entrée.\nCe tartinable est original du début à la fin. Tout d’abord car il utilise un légume oublié qu’est le panais. Mais surtout, et pour mon plus grand plaisir, car c’est un met sucré salé, puisque le panais est savamment marié à la poire. C’est plein de surprises en bouche, c’est forcément très original, ça redore le blason de ce légume d’antan, mais c’est surtout terriblement frais et délicieux.\nLes Mets d’Aimé nous offre un deuxième tartinable, un peu plus traditionnel mais tout aussi original. Ici, les carottes bios sont relevées par une pointe d’orange pour nous offrir une petite pépite très festive au palais.\nQuand les noix du Périgord, préalablement caramélisées, rencontrent la fleur de sel de Guérande cela donne un mariage breton original et surprenant. Une délicieuse recette sucrée salée avec des noix croquantes qui mettra de la nouveauté dans l’apéritif et le palais.\nTags : Agriculture Biologique, algaé, attelier de clisson, avis box bio, avis box produits bio, conserverie notre terre, La gourmet box, les mets d'aimé, rillettes thon sauvage nori, tapenade olives\nLa Gourmet Box nous offre ici une sélection de produits raffinés, gourmands et originaux mais sous le label bio.


Ligue 1: pourquoi la baisse des salaires tarde-t-elle ? | Les Echos\nLes joueurs du PSG, lors d'un entraînement à Saint-Germain-en-Laye, le 3 mars 2020 (FRANCK FIFE)\nPublié le 27 avr. 2020 à 13h44Mis à jour le 27 avr. 2020 à 14h30\nTrois semaines après un accord pour baisser temporairement les salaires des footballeurs de Ligue 1 pendant la pandémie de coronavirus, cette promesse tarde à se concrétiser, notamment au Paris SG, à Marseille et à Lyon, où les négociations de gré à gré s'éternisent.\n"Nous essaierons de le faire", a promis l'attaquant Pablo Sarabia, dans un entretien à l'AFP mi-avril, mais aucun accord salarial n'a encore été annoncé parmi les grands clubs de L1 et le temps presse, car la fin du mois approche. Sans compter que de grandes décisions sur la suite de la saison pourraient être prises cette semaine.\n"J'attends d'eux un effort pour leur club. Ils connaissent leurs responsabilités", a demandé le président du PSG, Nasser Al-Khelaïfi, au micro de la radio RMC, alors que la masse salariale de l'effectif parisien est estimée à 337 millions d'euros par l'UEFA, soit plus de la moitié de son budget.\nLe 7 avril, les clubs et le syndicat des joueurs, l'UNFP, étaient pourtant tombés d'accord pour différer une partie des salaires à des jours meilleurs. Mais il ne s'agit que d'une recommandation.\nLa loi ne prévoit pas "la possibilité pour un employeur d'imposer une baisse de salaire à son salarié sans son accord", explique à l'AFP Me Sevan Karian, avocat spécialisé en droit du sport.\n- "Aller plus loin"? -\nL'accord signé voilà trois semaines évoque une baisse proportionnée au salaire. Il propose quatre tranches: 20% de rémunération en moins en avril pour les joueurs gagnant entre 10.000 et 20.000 euros ; 30%, pour ceux entre 20.000 et 50.000 euros ; 40%, pour ceux entre 50.000 et 100.000 ; et enfin 50% en moins pour ceux percevant plus de 100.000 euros par mois.\nA l'OM, on estime que "l'accord va dans le bon sens", et "les efforts demandés" aux Olympiens "sont différents selon les niveaux de salaire", confirme-t-on.\n"Mais si les droits télés de la saison ne devaient pas être intégralement versés (en cas d'arrêt définitif du championnat, NDLR), il faudrait aller plus loin", ajoute-t-on.\nSelon l'agent d'un joueur marseillais, le principe d'une réduction de salaire "coule de source", compte tenu notamment des fortes rémunérations de certaines stars.\n"Si j'étais joueur, je baisserais mon salaire, mais pas ceux des employés, qu'ils gardent leur salaire normal", assure cette source.\nA ce sujet, le président Jacques-Henri Eyraud et son directeur sportif Andoni Zubizarreta ont annoncé lors d'une visio-conférence interne la semaine dernière qu'ils allaient tous les deux, à titre personnel, compenser la perte de salaire liée au chômage partiel de tous les employés rémunérés en-dessous de 2.300 euros bruts, a-t-on appris d'une source au club.\n- Lyon "très proche d'un accord" -\nL'opération, qui concerne environ 80 salariés, s'ajoute à d'autres démarches du club, qui héberge par exemple dans son centre d'entraînement des femmes victimes de violences domestiques pendant la pandémie. Elle permet aussi de donner l'exemple aux joueurs.\nParvenir à une entente semble urgent pour l'OM, talonné par le fair-play financier de l'UEFA.\nMais "Lyon demande aussi la baisse des salaires et n'a pas de problème d'argent", souligne l'agent interrogé par l'AFP.\nLe président de l'OL, Jean-Michel Aulas, est plus nuancé. "Nous aurons des pertes potentiellement importantes", prévient-il, expliquant avoir "immédiatement saisi nos banques pour nous aider. On est sur le point d'obtenir le PGE (prêt garanti par l'État) qui peut représenter jusqu'à 25% du CA du groupe soit 77 millions d'euros pour OL Groupe".\nMais l'OL non plus n'est toujours pas parvenu à un accord sur une baisse des salaires.\n"C'est un sujet évidemment difficile à aborder en public car on évoque des choses personnelles", a expliqué M. Aulas sur la chaîne du club OLTV, tout en se montrant optimiste.\n"Nous sommes très proches d'un accord avec les joueuses et nous continuons de discuter avec le groupe masculin", détaille le président de l'OL.\n"JMA" ajoute qu'il ne s'agit pour l'instant d'une baisse ne concernant qu'une "période extrêmement courte, mais qui pourrait se prolonger si malheureusement nous ne reprenions pas" mi-juin la compétition. Et les négociations pourraient encore s'étirer...


Le groupe alsacien Velcorex veut entrer en bourse\njeudi 14 septembre 2017 à 6:00 Par Magali Fichter et Patrick Genthon, France Bleu Alsace et France Bleu\nLe groupe textile haut-rhinois Velcorex, quatre sociétés et 130 salariés, souhaite faire son entrée en bourse au mois de novembre. Le but ? Lever des fonds pour pouvoir s'étendre. Velcorex espère 5 à 7 millions d'euros.\nL'usine Velcorex de Saint-Amarin © Maxppp -\nVelcorex voit grand : la filière haut-rhinoise, sauvée de la déconfiture mais encore convalescente, veut désormais entrer en bourse, afin de se donner les moyens de s'agrandir.\n"Velcorex matières françaises", ce sont en fait quatre entreprises, qui emploient en tout 130 personnes. La filière textile haut-rhinoise de Pierre Schmitt, c'est la marque Emmanuel Lang, dont la production a repris à Hirsingue après que les salariés ont empêché les machines de tissage de partir en Asie. C'est aussi Velcorex, spécialiste du velours né en 1828 à Saint-Amarin, le tissage des chaumes à Sainte-Marie-aux-Mines, ou encore Philea.\nIl y avait une place à prendre, nous l'avons prise - Pierre Schmitt\nPierre Schmitt, dirigeant de Velcorex, veut reconquérir des marchés autour de ces fleurons, en évitant les intermédiaires : "Notre objectif, c'est de rendre une qualité locale accessible aux marchés. Et ça, on ne le rencontre pas aujourd'hui. Il y avait une place à prendre, nous l'avons prise".\nL'industriel aimerait créer sa propre ligne de vêtements, en mettant l'accent sur la production locale et en innovant avec de nouvelles matières : "Il y a dix ans, on mangeait n'importe quoi, aujourd'hui on fait attention à la provenance. Avec les vêtements, c'est pareil ! On n'a pas envie de porter un habit teint je ne sais où avec des colorants toxiques."\nIl y a dix ans, on mangeait n'importe quoi, aujourd'hui on fait attention à la provenance. Avec les vêtements, c'est pareil ! - Pierre Schmitt\n"Acheter local, ça emmène un confort, une sécurité, et c'est un achat qui a du sens, poursuit Pierre Schmitt. Avec, en plus, des prix accessibles, puisqu'il n'y a plus d'intermédiaires. On va directement de la plante, puisqu'on parle de l'ortie, par exemple au consommateur, au prix juste et en respectant l'environnement".\nL'introduction en bourse est prévue pour le mois de novembre.\nMagali Fichter France Bleu Lorraine Nord\nÉconomie – Social Le géant informatique IBM veut créer 1.800 emplois en France\nÉconomie – Social Le gouvernement veut réduire drastiquement le nombre de contrats aidés en 2019\nÉconomie – Social VIDEO - Tous apprentis : dans le vignoble alsacien, il y a des places à prendre\nDisparition inquiétante d'un jeune homme en tracteur à La Chapelle-en-Vercors France Bleu Drôme-Ardèche


La U Arena s'offre un nouveau nom à 30 millions - L'Écho Île-de-France\nLa U Arena va changer de nom. Il faudra bientôt l’appeler « Paris La Défense Arena ». Le conseil d’administration de « Paris La Défense », le nouvel établissement public en charge de la gestion et de l’aménagement du quartier d’affaires, a approuvé le 17 mai ce projet de naming : un contrat de 10 ans prévoyant une redevance annuelle de 3 millions d’euros, « pouvant être complétée par une redevance variable corrélée aux performances de l’enceinte », précise l’établissement public.\nCet investissement entre dans le cadre de la stratégie de promotion du quartier d’affaires visant à renforcer son attractivité, sa notoriété et son image, notamment à l’international. « Le contexte international et en particulier le Brexit, a intensifié la concurrence entre les quartiers d’affaires pour attirer les entreprises, rappelle Marie-Célie Guillaume, la directrice générale de « Paris La Défense ». Au regard de sa mission de service public, de promotion et développement, « Paris La Défense » ne saurait regarder cette compétition les bras croisés ». Le rapport entre la plus grande enceinte multimodale d’Europe et la sphère économique ? « Toutes les études montrent que la qualité de vie, l’offre de services et la mixité des quartiers d’affaires sont des critères déterminants dans le choix d’implantation des entreprises, répond Marie-Célie Guillaume. Ce contrat de partenariat va nous permettre de faire savoir aux grands marchés internationaux que «Paris La Défense» est un véritable lieu de vie, de loisirs et de culture. »\nLe maire de Nanterre monte au créneau\nReste que ce naming ne fait pas l’unanimité. Patrick Jarry, le maire (Gauche Citoyenne) de Nanterre, a voté contre. « Comment comprendre que l’on donne le nom de « Paris La Défense » à un équipement qui n’est situé ni à Paris, ni à La Défense ? », interroge l’élu pour qui ce changement aura « pour conséquences d’affaiblir les retombées de l’Arena sur Nanterre en termes d’image, de notoriété et d’activités économiques ». Il demande ainsi au président de « Paris La Défense » (le président du Département Patrick Devedjian) de suspendre la signature de ce contrat mais pas de l’abandonner puisqu’il propose un autre nom : « Nanterre La Défense Arena », « qui aurait l’avantage d’inscrire la U Arena dans une relation constructive avec sa ville d’implantation et le quartier d’activités de La Défense ».\nPatrick Jarry souhaite toutefois que cette opération soit financée par des fonds privés, « à travers une contribution des propriétaires des plus de 80 tours et immeubles de La Défense, dont les biens ont été valorisés par l’arrivée de la U Arena ». « Pour chacun de ces propriétaires, la contribution serait en moyenne de 37 500 euros par an, calcule l’élu. Soit une somme très modeste au regard des chiffres d’affaires générés par leurs biens. » Il paraît néanmoins peu probable que ces requêtes aboutissent, la voix de Nanterre étant minoritaire au sein du conseil d’administration.\nArticle précédentExploitation du Tramway 9 : Christian Favier refuse que la RATP reste le quai\nProchain articleUn renfort de moyens pour accélérer la mise en accessibilité des gares


Une bonne dose de nature – la Renaissance des Appellations – Chez Julien\nLe 29 fÃ©vrier est une date Ã mettre sur son calendrier. Oui, cette date revient une fois par 4 ans, mais ce n’est pas la raison. MontrÃ©al sera alors l’hÃ´te de la Renaissance des Appellations, un groupe de vignerons biodynamiques menÃ© par Nicolas Joly. De ce groupe de prÃ¨s de 175 vignerons, 58 producteurs seront en ville pour faire dÃ©couvrir leurs vins.\nLa biodynamie, prÃ©sentÃ©e comme une alternative crÃ©dible Ã l’agriculture moderne par ses dÃ©fenseurs, mais plutÃ´t comme des principes Ã©sotÃ©riques par ses dÃ©tracteurs ne laisse personne indiffÃ©rent. Ce principe ne s’applique pas qu’au vin, mais Ã toute forme d’agriculture. En 2010, le site New York Cork Report a publiÃ© une trÃ¨s bonne sÃ©rie d’articles sur la biodynamie, d’un point de vue d’un scientifique cherchant Ã comprendre. Difficile de parler de biodynamie sans tomber dans la controverse…\nSi vous voulez bien investir une heure de votre journÃ©e, je vous recommande de visionner l’interview que Gary Vaynerchuk a menÃ© avec Nicolas Joly dans le cade de Wine Library TV. Visiblement, le personnage ne manque pas de charisme, tout comme ses vins.\nParmi les vignerons prÃ©sents Ã MontrÃ©al, on note les noms d’Ostertag et Zind Humbrecht en Alsace, Champagne Fleury, AndrÃ© et Mireille Tissot du Jura et de Montirius. La Loire est bien reprÃ©sentÃ©e, avec La CoulÃ©e de Serrant, Olivier Cousin et le Domaine de l’Ã‰cu, qui fait un muscadet incroyable. Parmi les autres, des belles dÃ©couvertes m’attendent certainement.\nLa dÃ©gustation de la Renaissance des Appellations est ouverte au public, de 17h30 Ã 21h00. On doit s’inscrire Ã l’avance, pour la modique somme de 38$. Difficile de rÃ©sister…!\nbiodynamie montrÃ©al nicolas joly raspipav renaissance des appellations\nBien connaÃ®tre son palais… et ses amis!


Posté le 07/04/2020 @ 00:16\nTout est dans le titre, je vous explique, j'ai récupéré l'audio d'une vidéo à laquelle je dois changer la musique de fond sans perdre les paroles.\nD'où ma question : comment faire sachant que c'est en stéréo au format mp3\nA vos claviers, j'attends votre réponse avec impatience\nPosté le 07/04/2020 à 00:34\nNormalement ça se fait sur du multipiste et avec un master !\nLà, à part jouer sur les fréquences, tu peux de chance d'y arriver.\nPosté le 07/04/2020 à 00:42\nPosté le 07/04/2020 à 01:48\npourquoi tu pleures Dream dream doux dreamer\n"séparer les paroles de la musique avec audacity" avec ton copain inseparable\nEdit: désolée , c'était une gaffe ( )\nModifié par ReineClaude le 07/04/2020 02:10\nPosté le 07/04/2020 à 02:03\nhttps://www.google.fr/separer les paroles de la musique avec audacity\nTon lien tel qu'il est écrit, ne va nulle part !\nJe parlais bien de travailler sur les fréquences ou pas ?\nModifié par regedice le 07/04/2020 02:07\nPosté le 07/04/2020 à 10:24\nJ'ai déjà essayé avec Audacity, mais il enlève les paroles et ne laisse que le fond ..\nAlors que moi, je veux faire l'inverse !!\nallez courage, je sens que vous allez me trouver la solution !!\nPosté le 07/04/2020 à 11:07\nComme on est jamais mieux servi que par soi-même, j'ai trouvé ceci , c'est en angalis, mais suffit de regarder les images ou plutôt la vidéo !!\nJe vais tester et je reviens...\nPosté le 07/04/2020 à 14:28\nc'est toujours une histoire de fréquences...\nTu as les basses, les voix et les aigus...\nTu ne veux récupérer que les paroles, alors tu dois, je pense, travailler en plusieurs passages...\nTrouver la fréquence du bas, pour retirer tout ce qui est "sous" la voix\nPuis un passage pour retirer tout ce qui "sur" la voix !\nLes voix étant entre 500hz et 2.5khzs\nPosté le 07/04/2020 à 14:58\nJ'ai essayé plusieurs méthodes et je n'ai rien trouvé de bien probant...\nJe vais donc changer mon fusil d'épaule et mettant une autre musique de fond et en y ajoutant un sous-titrage ..\nFaute de mieux (et de temps !!) car sinon, c'est trop de manips pour un résultat incertain !!\nPosté le 07/04/2020 à 19:29\nLe sous-titrage c'est très bien, mais ça va te prendre un moment !\nPour reprendre une image de quelqu'un du site (??? ) ; image que j'avais bien aimé et qui était très juste ; l'audio de ta video il faut la comparer à une mayonnaise (ou à un gateau, je ne sais plus).\nPour l'audio, lors de l'enregistrement tu as les différents éléments distincts : musique, voix, bruit de fond.\nPour la mayo c'est de l'huile, de l'oeuf, du sel, etc.\nPuis vient le cuisto qui va faire sa mayonnaise. Il mélange les différents éléments dans un bol et il touille, il touille jusqu'à ce qu'il obtienne le résultat voulu.\nA la fin il n'y a plus les divers composants séparés mais seulement un résultat savoureux. Impossible de séparer les différents éléments.\nPour l'audio de ta video c'est pareil. Lors de l'enregistrement tout a été mélangé d'une manière très intime. Chaque élément distinct influençant subtilement un autre élément distinct.\nC'est pour cela que les platines professionnelles de studio possèdent un nombre impressionnant de canaux ; pour pouvoir jouer sur un maximum d'éléments avant le mixage.\nLa seule solution possible c'est d'utiliser un logiciel qui reproduit les caractéristiques d'un égaliseur paramétrique "physique". Il en existe.\nMais ce n'est pas donné à tout le monde de pouvoir l'utiliser à bon escient car il faut avoir de sérieuses bases dans le domaine du son. Une fréquence donnée si tu la coupes tu vas également modifier les fréquences adjacentes qui en sont influencées.\nDans la voix et la musique il y a des fréquences qui sont communes. Ce sont celles-ci qui sont les plus difficiles à départager.\nSi tu te lances dans le sous-titrage documentes-toi avant car si tu as beaucoup à faire cela va devenir très vite galère.\nDe plus il existe plusieurs types de sous-titrage et des logiciels spécifiques pour te simplifier le travail.\nBon montage et prends soin de toi.\nPosté le 07/04/2020 à 21:58\nc'est "Daneel Olivaw" ici:\nPosté le 07/04/2020 à 22:05\nPas beau d'oublier.\nPosté le 08/04/2020 à 02:48\nTu ne peux pas, une fois mixé retiré complètement un son, à la limite, si on pouvait utiliser une intelligence artificielle capable d'identifier un instrument et de le supprimer numérique, mais ça n'est pas le cas (pas encore).\nLes égaliseurs sont là surtout pour obtenir une courbe qu convient à l'écoute désirée.\nMais dans le cas présent il faut utiliser des "coupeurs" de fréquences, que l'on appelle "passe haut" "passe bas"\nTout ce qui est plus haut que telle fréquence disparaît et même chose pour tout ce qui est plus bas que la bande passante que l'on souhaite conserver.\nEt même ainsi coupée, il y aura forcément des conflits entre la voix et la musique.\nIl en existe plusieurs, le but de la plupart et de repérer les sons ou voix et de créer des "time code", après on rempli ces time code avec du texte.\nLà, s'il veut expliquer des choses à des moments précis, c'est à lui de donner le début et la fin, ainsi que la durée de chaque time code.\nPosté le 08/04/2020 à 08:22\ntu peux "t'aider" avec des logiciels de créations de s-t tel Aegisub par exemple http://www.aegisub.org/\nPosté le 08/04/2020 à 09:14\nJe vois que le sujet vous intéresse\nBon solution intermédiaire : j'utilise le sous-titrage de youtube qui est assez simple a utiliser et surtout va m'aider à placer les sous-titres.\n@Scapo : je vais regarder de plus près ton log qui m'a l'air prometteur !!\nPosté le 08/04/2020 à 14:00\nLes photos que l'on voit des sous-titres, ne sont pas des sous-titres classiques, comme un simple SRT, là on est dans le sous-titres bien plus pointu, surtout si on peut placer du texte à l'image dans un coin, en diagonale et avec une couleur spécifique.\nOn retrouve ces sous-titres en hardsub dans pas mal de mangas traduits par des fans.\nTu as déjà utilisé ce logiciel ?\nJe me demande bien combien de temps faut-il pour bien maîtriser toutes ses possibilités !\nPosté le 08/04/2020 à 15:09\nEffectivement, la fonction Vocal Remover, comme son nom l'indique, est censée retirer les paroles (quand ça marche) et non pas faire l'inverse.\nSi tu trouves que ça fonctionne, alors il suffit d'inverser cette nouvelle piste (Effets/Inverser), puis de l'ajouter au fichier initial, et de mixer (Pistes/Mix).\nLe principe est que cette piste va se soustraire de la piste initiale, donc retirer les paroles, pour autant que Vocal Remover ait bien fonctionné, ce que je n'ai jamais pu obtenir parfaitement, mais on ne sait jamais...\nPosté le 08/04/2020 à 15:39\nDreamer a écrit : @Scapo : je vais regarder de plus près ton log qui m'a l'air prometteur !!\ntu peux aussi si tu ne veux pas passer par un logiciel\ncréer toi même ton fichier , c'est pas très compliqué et seul un éditeur de texte suffit\n( en plus d'un lecteur vidéo )\nDe la lecture : https://connaitreinfo.com/comment-creer-un-fichier-sous-titre/\nModifié par Scapo le 08/04/2020 15:39\nPosté le 08/04/2020 à 18:47\nC'est une méthode, mais là c'est vraiment très très long, tu dois calculer l'espace qui commence et qui se termine, puis écrire, puis vérifier en lisant la vidéo que le texte commence et finit au bon moment, les heures peuvent très vite passer.\nCe que tu proposes est vraiment pas mal comme logiciel, il faut juste un temps d'adaptation !\nPlus de sujets relatifs à Récupérer paroles et supprimer musique de fond


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Blockbusters 2010-19 : Le Sommeil de la Force - Analyse\nAccueil » Analyses » [Bilan 2010-2019] Blockbusters : Le Sommeil de la Force\nCette décennie qui s’ouvrait sur une révolution – Avatar de James Cameron sortait le 16 décembre 2009 – nous promettait des blockbusters pleins de surprises, d’innovations technologiques, et d’ambition aussi bien narrative que formelle. Au moment de faire le bilan, le constat est pourtant alarmant. L’arrivée des Avengers, les franchises à outrance, l’échec des expérimentations technologiques les plus avant-gardistes, et l’écrasante domination de Disney ont fait bien du mal à la création. Quelques merveilles ont surnagé dans cet océan de médiocrité, mais il serait grand temps de souhaiter – et d’opérer – un véritable Réveil de la Force.\nSommeil et sursaut(s) de la Force\n« There’s been an awakening… Have you felt it ? ». C’est en novembre 2014 que l’on a entendu une voix caverneuse et profonde prononcer ces quelques mots. Leur succédaient pas plus de onze plans, quelques notes d’une musique éternelle, « The Dark Side and… The Light » et un titre qui promettait un « réveil » tant attendu. C’était le tout premier teaser, très beau, de Star Wars VII : Le Réveil de la Force (J.J Abrams, 2015) et avec lui la naissance d’un espoir réel : celui de rêver encore. Aujourd’hui, après la sortie du très mauvais et si symptomatique épisode IX, L’Ascension de Skywalker (J.J Abrams, 2019) on peut affirmer, sans craintes, que ces espoirs sont définitivement fanés, et de nouveau entrés dans un sommeil profond. Ce mouvement, faisant suivre à l’attente pleine d’excitation candide une terrible déception, fut l’élément constitutif de nos vies de spectateurs, l’arc narratif fondamental du scénario souvent ubuesque de cette décennie de blockbuster. En effet, il y aurait sans doute de quoi en faire un film…\nTout a commencé avec un rêve cinématographique… Revoir Avatar (James Cameron, 2009) aujourd’hui – dont le succès concluait la décennie précédente autant qu’il entamait la suivante sous les meilleures auspices – c’est constater qu’il est resté autant un chef-d’œuvre qu’un prototype. Toujours un rêve de film donc, mais aussi, une révolution déçue. Commençons par la 3D, censée être le grand bouleversement amorcé par le voyage de Jake Sully sur Pandora. Alors que le long-métrage déployait de manière vertigineuse les avantages de cette technologie – jusqu’à mettre en scène des séquences entières pour qu’on s’émerveille de ses possibilités, telles les inoubliables scènes de vol – les grands studios ont semblé se donner pour mission de massacrer le jouet. Un festival de 3D « gonflées », et donc « non prévues au moment de la réalisation », ont pollué les écrans pendant plusieurs mois (voir années) détruisant aussi bien l’attrait de cette technologie que les films eux-mêmes : il était par exemple impossible d’aimer le pourtant beau Dernier Maître de l’Air (M. Night Shyamalan, 2010) en le découvrant en (faux) relief. Les spectateurs, à juste raison, se sont lassés, et rares ont été les cinéastes à tenter de réitérer les expérimentations de Cameron. Il y a eu, bien sûr, Robert Zemeckis qui exploita merveilleusement le relief et la possibilité qu’il offre de faire ressentir viscéralement le vertige, dans le remarquable The Walk : Rêver plus haut (2015). Les quarante dernières minutes, absolument renversantes, où le personnage fait le funambule entre les deux Twin Towers du World Trade Center constitueront d’ailleurs l’un des plus beaux moments d’enchantement de notre décennie. Remercions donc George Miller, Steven Spielberg ou Guillermo Del Toro d’avoir su également nous rappeler la profondeur du relief et son apport évident au récit ainsi qu’à la mise en scène à condition de l’utiliser intelligemment. Sans eux, les médiocres 3D subies dans les salles ne nous auraient laissé que d’atroces maux de tête en souvenir.\nLe très beau point de départ fictionnel d’Avatar pouvait également être décliné de bien des manières, tant il constituait une sorte d’Art Poétique de l’aventure numérique : Jack Sully, dont les deux jambes sont paralysées, trouve par l’intermédiaire de son avatar Na’vi le moyen de courir de nouveau, et plus profondément de trouver sa propre nature en se transformant définitivement à la fin du récit. Cette idée magnifique déploie à elle toute seule une forme d’utopie numérique, et si l’on voit le verre à moitié plein, on peut se réjouir du fait que cette idée ait été brillamment continuée par un autre chef-d’œuvre, Ready Player One (Steven Spielberg, 2018). Le film – qui est peut-être celui qui a le mieux miroité, figuré, rêvé notre époque et cette décennie passée – racontait l’histoire de Wade Watts qui lui aussi découvrait une nature nouvelle et, avec d’autres personnages, s’accomplissaient dans un univers parallèle, l’Oasis. Chez Cameron, comme chez Spielberg, cette hypothèse salvatrice et utopique est abordée avec sagesse car, pour eux, le cinéma et la fiction ne constituent pas qu’une simple récréation. Au-delà du plaisir de voir le 7ème art repousser ses limites – quelle joie, par exemple, d’avoir pu observer le maître Spielberg, dès le début de la décennie, jubiler et libérer numériquement son découpage féru de plans-séquence aussi dantesques qu’intelligents dans Les Aventures de Tintin : le secret de la Licorne (2011) – il y avait dans toutes ces productions une invitation à repenser notre regard, notre humanité, notre rapport au monde impacté par ses évolutions. Que cela soit par l’anti-interventionnisme et l’invitation à épouser respectueusement et intelligemment des cultures neuves d’Avatar – dont la noirceur et la radicalité politique sidèrent plus que jamais aujourd’hui – ou dans le manifeste contre la culture doudou et la consommation décérébrée de Ready Player One, on voit bien qu’il y a eu une sagesse à l’œuvre dans quelques blockbusters face à la puissance de frappe débilisante des studios Disney. Derrière ces long-métrages, il y a tout simplement une espèce en voie de disparition à Hollywood, l’auteur. Bienvenue à Marwen (Robert Zemeckis, 2019) n’est probablement pas aussi grand qu’Avatar ou Ready Player One. Il n’est probablement pas non plus le plus grand des travaux de son auteur. Pourtant son charme est irrésistible parce qu’il ne ressemble à personne d’autre qu’à son metteur en scène… Pendant cette décennie, les effets spéciaux numériques n’ont souvent été utilisés que pour ressusciter des jouets et héros du passé sous la forme ni plus ni moins d’avatars morbides – dans Rogue One (Gareth Evans, 2016) par exemple, ce n’est ni Tarkin ni la Princesse Leia que nous voyons, mais bien leurs momies numériques et désincarnées. De leur côté, les sages Zemeckis, Spielberg, Cameron les ont utilisés en leur qualité d’inventeurs. Quand Zemeckis, dans Marwen, fait intervenir une machine très similaire à la Delorean de sa mythique trilogie Retour vers le Futur, sa note d’intention est claire. D’abord, c’est son antagoniste principale qui la fait intervenir – une sorcière incarnée par Diane Kruger symbolisant autant l’addiction que la paranoïa du personnage principal – ensuite, et surtout, la machine est invoquée pour être consciencieusement expédiée et abandonnée par le héros. Zemeckis fait entrer le fétiche absolu de sa filmographie pour mieux l’envoyer dans les limbes et nous inviter à focaliser notre attention sur ce qu’il invente. Il suffit d’observer le découpage virevoltant de ce dernier opus – où on peut passer en un plan d’une dimension à l’autre, du monde réel au monde fantasmé et miniature du personnage principal – pour constater les capacités intactes du défricheur Zemeckis.\nL’inventivité fût le principal adversaire des grands studios américains pendant cette décennie. La phrase peut sembler péremptoire, pourtant il ne s’agit pas là d’un avis : c’est un fait incontestable et il est assez aisé de le prouver tant leurs têtes pensantes ne s’en sont pas caché, autant à travers les œuvres qu’ils ont produites que dans leurs communications. Car, si nous avons jusqu’ici consciencieusement éludé le sujet, il faut bien en venir à ce qui a pollué nos écrans et nos yeux tout au long de ces dix années écoulées : la recherche effrénée de franchises lucratives et la misère esthétique qui en est née. Joss Whedon, l’auteur tant aimé de la 8ème merveille du monde – à savoir Buffy contre les vampires – entamait une terrible danse en 2012, avec le plutôt bon mais si malfaisant rétrospectivement Avengers. Une danse qui est loin d’être achevée aujourd’hui, même si elle semble avoir atteint, comme un symbole, un point de non-retour avec la sortie du pathétique Star Wars IX : L’Ascension de Skywalker (2019) et le lunaire défilé de révélations sur sa conception qui défilent sur internet depuis un mois, ainsi que les commentaires gênés et gênants de tous ceux ayant participé à ce naufrage – monteurs, scénaristes, acteurs, tous y sont allés de leurs révélations. Nous n’en détaillerons pas le contenu ici, mais là encore c’est tellement énorme qu’il y aurait un excellent film à réaliser à ce propos… Cette logique de franchise, nous l’avons déjà, à moult reprises, décrite et dénoncée. Martin Scorsese, après une sortie que certains jugeaient maladroite, a mis les points sur les « i » dans une tribune sublime dans le New York Times, à laquelle nous souscrivons entièrement. D’ailleurs, ceux qui l’ont lue constateront que ce long article n’est au fond que la déclinaison, avec exemples contemporains, des mots du maître. Il faut le dire, et ne pas avoir peur de le redire, les derniers numéros des studios Marvel, tout comme le dernier épisode de Star Wars, n’ont rien à voir avec ce qu’on peut appeler du cinéma. Les levers de boucliers grotesques de fans écervelés ne doivent pas nous intimider, comme ils intimident, constamment, des studios incapables de fabriquer une œuvre un tant soit peu cohérente. Il faut bien cerner le monde dans lequel nous vivons : aujourd’hui, le look d’un personnage est changé définitivement, et en un battement de cils, au bon vouloir de quelques agités sur Twitter – on pense bien sûr à l’adaptation de Sonic (Jeff Fowler, 2020) qui s’apprête à sortir en salles – tandis que le destin d’une saga entière, vieille de quarante ans – et, détail insignifiant, probablement la plus importante de l’histoire du cinéma – est accompli dans le simple but de satisfaire des fans excités incapables d’accepter des évolutions narratives, ô combien mineures quand on y repense plus de quatre secondes. Si bien que le dernier épisode de Star Wars ne ressemble en rien à une conclusion cohérente, encore moins à un film, mais à un scénario écrit comme un catalogue de tweets pour contenter les uns et les autres, faire un doigt d’honneur à l’opus précédent, Star Wars VIII : Les Derniers Jedi (Rian Johnson, 2017), et cyniquement annuler tout ce qui aurait pu déplaire à la sacro-sainte fan-base. Comme la 3D, la logique du plus grand des studios aura cassé son « jouet ». La décennie a vu naître, chose inimaginable il y a vingt ans, un film déficitaire dans la franchise Star Wars – le malheureux Solo : A Star Wars Story (Ron Howard, 2018) – tandis que les réactions au dernier opus – oscillant entre une minoritaire satisfaction béate, un désintérêt croissant (le film a réalisé le moins bon démarrage de la dernière trilogie), ou encore un rejet pur et simple – laissent penser que cette franchise ne va nulle part et que la Force, la magie, se sont définitivement endormies. Pourtant, sans aller nulle part, sans ligne de conduite, cette vision de la fiction, ce raisonnement ou, devrais-je dire, cet « algorithme » pourrait aller encore plus loin dans ses méfaits. Il n’est pas inintéressant d’ailleurs que la firme ait choisi comme collaborateurs – le mot est écrit à dessin – de son entreprise, les plus ingénieux storytellers de la télévision des années 2000, en particulier J.J Abrams et Joss Whedon, tous deux s’étant merveilleusement montrés capables de ressusciter indéfiniment les enjeux de leurs séries. Pourtant, on ne dira jamais assez que dans Buffy, comme dans Lost, les renouvellements narratifs, les résurrections et même les « incohérences » sont toujours dirigés par la logique d’un univers – d’un côté la prophétie des Slayer de l’autre la fameuse Île qui, chacune, emprisonnent les héros dans la fiction. Sans cette transcendance guidant l’univers, les deux auteurs étaient condamnés à l’épuisement définitif de leur savoir-faire. Il est donc moins étonnant que Joss Whedon ait totalement disparu des radars depuis qu’il a renié l’affreux Avengers : L’ère d’Ultron (2015), et que J.J Abrams soit, selon les dernières rumeurs, au milieu d’une vraie dépression depuis la sortie de L’Ascension de Skywalker… La machine les a dévorés, vidés de toute substance vitale. De tout désir de fiction.\nIl n’y a pas que des auteurs de séries TV qui achèvent cette décennie dans un état proche de celui des victimes de Scarlett Johansson dans Under the Skin (Jonathan Glazer, 2014). Deux aventures capitales ont fait gagner définitivement la logique des franchises et désespéré leurs auteurs. Il y a d’abord, la trilogie du Hobbit de Peter Jackson, peut-être la première à avoir rencontré si fortement l’influence des fans par l’intermédiaire des réseaux sociaux – rappelons-nous les commentaires outrés au post Facebook du cinéaste annonçant qu’il n’y aurait plus deux, mais trois épisodes Le Hobbit – et surtout les affres du fan service. Visiblement obsédé par l’idée de ne pas réitérer les « erreurs » de la prélogie de George Lucas, Peter Jackson s’est à l’évidence reposé sur les acquis de sa trilogie initiale en reformulant une bonne partie de ses enjeux narratifs et visuels. L’ennui, c’est que cette re-formulation s’est faite – pouvait-il en être autrement ? – au rabais sur les deux tableaux. L’utilisation parcimonieuse de CGI et les centaines de figurants maquillés pendant des heures du Seigneur des anneaux – qui ont encore si bien vieilli – ont été remplacés par des effets numériques à gogo, et un univers aseptisé, souvent laid et dénué de charme. On le sait, Jackson est sorti du troisième volet totalement lessivé, abandonnant la réalisation de Mortal Engines (et probablement celle du deuxième volet de Tintin, les droits étant épuisés). Les images terribles du Making-Of de La Bataille des Cinq Armées (2014) montrent un homme dévitalisé, ne sachant pas ce qu’il fait à la tête d’un film, et même d’une trilogie qu’il ne désirait pas réaliser (c’est Guillermo Del Toro qui devait s’en charger). Il y avait pourtant des propositions neuves dans les Hobbit, en particulier l’expérimentation de la technologie HFR, en 48 images par secondes ici. Celle-ci n’a pas convaincu, nous les premiers, (lire notre article Pour un Cinéma pas Net).\nSon résultat n’était certes pas des plus probants, mais il faut bien dire que, durant cette décennie, la tendance a été au massacre pur et simple des avant-gardes technologiques. Les spectateurs se sont rués sur des nouvelles technologies de projection le plus souvent absurdes – par exemple l’inénarrable et stupide 4DX qui rejoint parfaitement la logique « parc d’attraction » du cinéma contemporain décriée par Scorsese dans sa tribune – mais ont snobé les expérimentations de Jackson ou de Ang Lee. Si nous n’avons pas pu voir le sublime Un Jour dans la vie de Billy Lynn (2017) projeté en HFR 120 images par seconde – à cause de son échec cuisant aux Etats-Unis et de sa non-exploitation dans son format d’origine en France – c’est avec cette technologie que l’on a pu découvrir son dernier projet, l’étrange et entêtant Gemini Man (2019). Écrit comme un simple actionner des années 90, ce nouveau long-métrage n’a pas la portée du précédent. Pour autant, son visionnage restera l’une des expériences de cinéma les plus neuves et fascinantes vues en salles durant cette décennie 2010. La séquence de poursuite à moto, ou encore l’ouverture sur le tir de sniper, resteront deux des moments les plus marquants de l’année pour ce qu’elles posent comme re-définition de notre regard de spectateur. Pour autant, le film a été un échec cuisant, et force est de constater que ces révolutions ne peuvent pas naître et évoluer si le public ne suit pas. En même temps, comment blâmer ce public, quand pour découvrir les films dans ces technologies il faut payer un minimum de vingt-deux euros et trouver une des (seulement !) 10 salles qui sont équipées dans toute la France. Au-delà de cette question d’accessibilité, il faut aussi se poser des questions esthétiques. Les Hobbit avaient des raisons de déplaire. Bien sûr, en éliminant son festival de pets et ses interminables longueurs, on peut voir en Un Voyage Inattendu (2012) un beau et candide film d’aventure ; ou encore voir La Désolation de Smaug (2013) comme une pure merveille, à condition de retenir essentiellement ses renversantes quarante dernières minutes ; ou enfin se réjouir de la folie presque régressive de La Bataille des Cinq armées (2014) qui au-delà de ses errements narratifs, rappelait à notre bon souvenir le Jackson de Braindead (1992). Même en faisant tous ces efforts, on ne pourra oublier la déception que constitue un tel travail après la perfection que représentait la trilogie d’origine. L’idée ne peut pas être de forcer les spectateurs à se ruer dans les salles voir des productions neuves ou d’auteurs importants quand ceux si sont, souvent, autant de propositions très alléchantes sur le papier que des objets finalement décevant à l’écran. C’était le cas de Alita : Battle Angel (Robert Rodriguez, 2019) Mortal Engines (Christian Rivers, 2018), John Carter (Adrew Stanton, 2012), dans une moindre mesure Jupiter Ascending (Sœurs Wachowski, 2015) et Tomorrowland, A la Poursuite de Demain (Brad Bird, 2015) que nous avions malgré tout farouchement défendu à sa sortie. Des films qui, même pour les plus aimables d’entre eux – Jupiter Ascending et Gemini Man – ne peuvent suffire à combler les attentes qu’on place dans leurs auteurs. Il faudra probablement attendre le 16 décembre 2021, date de sortie d’Avatar 2 et du grand retour de James Cameron dans les salles pour que notre patience soit enfin récompensée, et qu’on puisse revoir à l’écran l’alliage, si beau et stimulant, de l’innovation technologique et de l’audace narrative, porté à un nouveau point d’accomplissement.\nL’autre tournant de cette décennie que je m’apprête à relever a suscité encore plus de haine, et ses enfants dégénérés constituent à la fois le pire et l’essence de ces années 2010. On pense ce que l’on veut de Zack Snyder et des premiers opus du DC Cinematic Universe, Man of Steel (2013) et Batman Vs Superman : L’Aube de la Justice (2016). On peut tout à fait condamner le cinéaste pour sa vulgarité, la laideur de son univers geek, le simplisme de ses intrigues. Pourtant, à bien revoir ces deux essais, ils témoignent incontestablement d’une vision d’auteur. Les premières minutes de ces deux long-métrages ne ressemblent à rien d’autre qu’à un film de Zack Snyder. Son style est pompier ? Sa vision du monde et de l’Amérique simpliste ? Son esprit de sérieux épuisant ? Oui, incontestablement. Mais quel blockbuster sorti dans les cinq dernières années peut se targuer d’avoir une vision ? Un style ? A bien des égards, Batman Vs Superman est un tournant dans cette décennie. Rarement un blockbuster n’a été accueilli avec une telle virulence, et c’est cet accueil ahurissant de sottise – comment peut-on sérieusement reprocher à un long-métrage son « manque de blagues » ? – qui a mené à un rétropédalage absurde de la Warner et à la production ou la modification des accidents industriels que furent Suicide Squad (David S. Goyer, 2016) et Justice League (Joss Whedon/Zack Snyder, 2017), deux objets qu’on a toujours du mal à identifier. Des épisodes d’une série ? A peine. Des films ? Encore moins. On peut à peine les décrire comme une succession de clips de plus de deux heures. Batman Vs Superman portait déjà les traces des dérives de la franchise – en particulier dans ses atroces trente dernières minutes, gigantesque et affreuse bande annonce pour la suite du DCU – mais donnait encore le sentiment d’être l’ouvrage d’un auteur croyant dans son histoire, son projet. Ces dérives donnaient le sentiment de résulter de compromis faits par l’auteur avec les studios. Or, quand on voit Justice League ou le dernier Star Wars, on ne peut que constater le contraire : ce sont les quelques scènes abouties – les premières minutes de Justice League, la bataille sur l’eau de L’Ascension de Skywalker – qui apparaissent comme des exceptions, comme si, au contraire, elles étaient des compromis des studios face à l’auteur. C’est le fait de l’uniformisation des contenus pour le public chinois, nouvelle donnée extrêmement inquiétante pour l’avenir, ainsi que (nous l’avons déjà dit) de la suprématie des fans sur la création. Même si on peut aimer, ce qui est mon cas, les beaux mais par conséquent insignifiants Le Réveil de la force et Les Derniers Jedi, il faut aujourd’hui admettre qu’ils ne sont nés que d’une logique mercantile, sans aucune ligne dramatique claire, sans aucune idée forte pouvant tenir une nouvelle trilogie. Aujourd’hui, il faut se rendre à l’évidence : quel moment de cette nouvelle trilogie pourrait prétendre égaler la course de pods de La Menace Fantôme (George Lucas, 1999) ? La traversée d’astéroïdes de L’Attaque des clones (George Lucas, 2002) ? L’Ordre 66 ou le combat final sur la lave de La Revanche des Siths (George Lucas, 2005) ? On peut haïr la prélogie, mais impossible de nier qu’elle surpasse en termes de créativité, d’audace, d’émotion, cette nouvelle trilogie. Celle-ci ne contient aucun véritable instant de bravoure car toutes les scènes qui pourraient en constituer sont annulées d’un épisode à l’autre, jusqu’à un dernier chapitre qui cyniquement pourrait annuler la saga toute entière. Évidemment que la prélogie de Lucas est, elle aussi, née d’une logique mercantile. Ne nous voilons pas la face c’est l’essence même du blockbuster. Mais il fût un temps où cette logique rencontrait des artisans et des visionnaires probablement fous – que vous le vouliez ou non, Lucas en faisait partie. Sans cette dimension visionnaire, les blockbusters sont condamnés à être des œuvres aussi obèses que finalement minuscules, des produits agressivement marketés pour être, c’est leur paradoxe, instantanément oubliés.\nDans le final de L’Ascension de Skywalker – conçu pour être le plus gigantesque de la saga car ce volet devait conclure trois trilogies d’un coup – J.J Abrams convoque des vaisseaux plus nombreux et gros que jamais, des explosions à gogo, des résistants à perte de vue, un méchant a priori invincible et surpuissant… Pourtant, on ne voit à l’image qu’un défilé de pixels sans âme car rien n’y fait sens. Par cet exemple, il convient de mettre en exergue un autre paradoxe terrible et assez mortifère de cette décennie de blockbuster. Car s’il est évident que les fans et leur avis n’ont jamais eu autant de place et de considération des studios, le paradoxe s’exprime dans l’absence totale de la figure du « peuple » dans ces franchises. A quel moment la foule de vaisseaux débarquant à la fin de la bataille de Star Wars IX est-elle identifiable ? Cette foule aurait pu être liée au bel épilogue du huitième épisode, ou à l’idée que la Force ne toucherait plus seulement des initiés ou des membres d’une dynastie. Or, ce lien et cette idée sont annulés par la grotesque révélation des origines de Rey. De la même manière, comment puis-je me sentir partie prenante des foules sans visage de tous les climax des films Marvel, en particulier celui, illisible, du dernier en date Avengers : Endgame (Frères Russo, 2019) ? Qui sont ces gens ? Comment être émus par l’arrivée de petits points numériques dans cette bouillie d’une laideur aussi infâmante ? Qui meurent dans ces gloubi-boulga numériques ? La belle idée qui ouvrait Batman Vs Superman venait justement interroger tout cela, en offrant le contre-champ à la pornographie destructrice finale de Man of Steel. Qui a osé, depuis, mettre scène une telle idée complexifiant un tant soit peu la figure des super-héros et en interrogeant leur pouvoir de mort ? Cette belle tentative permet de donner tout simplement une identité à la foule que Superman est censé sauver. Les grands blockbusters des années 2010 ont toujours su conserver cette identité malgré le numérique, comme s’ils humanisaient les pixels. Les foules qui débarquent à la fin de Ready Player One et Avatar, si elles ne sont pas en chair et en os, correspondent à des êtres auxquels nous pouvons nous identifier, qui nous ont été présentés, même de façon lointaine, à l’intérieur d’un monde neuf dans lequel nous avons eu le temps d’évoluer avec eux. Là encore, c’était l’une des grandes promesses d’Avatar, parfaitement résumée par Jean-Baptiste Thoret dans Charlie Hebdo lors de sa sortie : « Ce qui rend Avatar si troublant, et finalement si impressionnant, tient dans la parfaite coexistence visuelle que Cameron et ses magiciens du disque dur ont su établir entre les Na’vis […] et les humains. A tel point que l’humanité irrigue à merveille ces êtres de synthèse, tandis que le machinisme, le programme et la folie technologique déréalisent les humains ».\nFort heureusement, certains blockbusters ont su commenter et critiquer intelligemment la dérive inhumaine, au sens propre du terme, de tous ces climax mortifères. De cette décennie moribonde et endormie, on retiendra plutôt le ludisme d’un Edge of Tomorrow (Doug Liman, 2014) et son idée géniale de confronter indéfiniment Tom Cruise à la même bataille, comme un miroir ironique au cynisme de ces blockbusters aseptisés répétant ad nauseam les mêmes guéguerres pathétiques. Avec son concept tenu, son personnage burlesque et génialement interprété par Cruise, son casting surprenant, le meilleur long-métrage de Doug Liman reste l’un des blockbusters les plus réussis de la décennie et vieillira probablement mieux que 95% d’entre eux. Liman est moins radical que Paul Verhoeven, mais il y a bien quelque chose qui rappelle le génial Starship Troopers (Paul Verhoeven, 1997) dans sa manière de subvertir l’esthétique du blockbuster de son temps en s’en servant partiellement, autant ironiquement qu’au premier degré. Liman retient parfaitement la leçon de son homologue hollandais : pour mener à la réflexion, la subversion, il faut aussi du plaisir au premier degré, et jouer le jeu promis par le concept initial. Qu’elles furent rares ces productions aux concepts simples, évidents, cherchant avant tout le plaisir et l’identification au premier degré avec le spectateur. L’immense joie ressentie à chaque nouveau visionnage de Pacific Rim (2014), à mon sens le meilleur film (lui aussi) de Guillermo del Toro (même si la rédaction s’était montrée assez timorée à l’époque de sa sortie) était du même tonneau. On ne trouve dans ce grand récit d’action aucune recherche de connivence méta, de désacralisation décérébrée ou de blagues en pagaille, mais simplement l’alliage idéal entre les promesses technologiques de notre temps – se manifestant par un émerveillement numérique constant – et des jeux d’échelles absolument renversants (en particulier en 3D), ainsi que par une ligne claire dramaturgique d’une efficacité souveraine… La ligne claire, voilà ce qui fût la voie de salut dans les années 2010. Au moins trois scénarios fondamentaux l’ont emprunté, et les trois se sont faits raillés parce que leur argument tenait soi-disant sur « un ticket de métro ». Pourtant, les trois sont extraordinaires : le déjà cité Ready Player One, Gravity (Alfonso Cuaron, 2013) et bien sûr Mad Max : Fury Road (George Miller, 2015) que nous avons soigneusement gardé pour la fin. Il y a un paradoxe au cœur de notre réflexion. Si notre constat est globalement désastreux, force est de constater qu’il est contradictoire avec notre TOP 10 des meilleurs films de la décennie qui contient en son sein pas moins de trois blockbusters. Plus contradictoire encore, notre film de la décennie est un blockbuster lui aussi ! Si Interstellar (Christopher Nolan, 2014) s’éloigne volontairement de la logique de l’Entertainment – cherchant une forme d’exactitude scientifique et de sérieux thématique que l’on considère géniale ou plombante, au choix – Mad Max : Fury Road et Ready Player One sont de vrais blockbusters de divertissement, allant même jusqu’à apparaître comme de purs représentants des modes de cette décennie. D’un côté, la suite d’une franchise vieille de trente ans, de l’autre, une œuvre aux faux airs de best-of nostalgique, soient deux travaux dont nous aurions pu redouter l’existence. Or, ces chefs-d’œuvre ont éclairé notre décennie d’une manière extraordinaire, autant d’un point de vue créatif que d’un point de vue politique. On a plus d’une fois ici observé l’influence de Fury Road sur les blockbusters qui l’ont suivi – de manière plus anecdotique, on pourrait supposer qu’il est le film ayant remis au goût du jour une certaine imagerie cyberpunk qui est allée même jusqu’à toucher le zombie Palpatine de L’Ascension de Skywalker.\nEn même temps, comme nous le disions à propos d’Avatar, on voit bien, cinq ans après sa sortie, que Fury Road est resté lui aussi un prototype, une comète sans précédent, et peut-être sans lendemain si ce n’est dans nos esprits à jamais hanté par cette œuvre sublime. Fury Road hante parce qu’il est la conjugaison inouïe d’une créativité sans limite, d’une immense prise de risques et d’un scénario résolument parfait, confrontant des personnages aussi concrets que conceptuels, non pas à de simples péripéties – à un énième mcguffin ou à des morts qui n’en sont pas – mais à des questions plus universelles. Alors que son univers pourrait paraître si loin du notre, nous y avons notre place. Non pas parce que Miller répondrait à tous nos désirs – qui aurait sérieusement demandé que Max soit bâillonné pendant toute la première partie du récit ? Que Gibson soit exclu de cette suite ? – mais parce qu’il nous invite à partager la douleur, les questionnements, les désirs de liberté et de survie de ses personnages. En cela, la question posée à la fin– « où devons-nous aller dans cette désolation, à la recherche du meilleur de nous-mêmes ? – fait office de note d’intention. Fury Road n’est autre que la figuration de questionnements profonds et de la folie du monde dans laquelle nous vivons et devons survivre. Il en va de même pour Gravity où le parcours de Sandra Bullock – au-delà d’être une expérience cognitive inoubliable pour le spectateur – est un apprentissage d’une grande profondeur. On s’est souvent moqué du film de Cuaron pour la simplicité de ses enjeux et son symbolisme parfois lourd – l’inévitable image fœtale était peut-être de trop – pourtant, n’est-il pas fort et surprenant qu’un blockbuster nous montrant à ce point le futur dans sa forme, nous invite avant tout à redécouvrir la vie autour de nous, à renaître au monde que nous habitons ? Est-ce vraiment si simpliste que cela ? Comment s’identifier à des personnages qui ressuscitent à volonté – soit dit en passant en contradiction avec toutes les règles posées préalablement dans leurs univers respectifs – comme ceux de Star Wars ? Chez Miller, Cuaron et Spielberg, chaque mort compte. Même dans Gravity, la réapparition tant moquée de George Clooney porte évidemment un sceau spectral, aucun doute que nous sommes confrontés à un mort. Dans Mad Max, le décès de la femme enceinte est un terrible traumatisme. Plus puissant encore, c’est également le cas de ceux des antagonistes. Contrairement à ce que l’on voit dans chacun des blockbusters Disney, où les « Wouhou !!! » pullulent à l’instant où l’on fait joujou avec des explosifs – et que, par conséquent, on tue – il n’y a jamais de réjouissances à tuer pour les héroïnes et les héros. Quand les femmes et Max tirent sur les mercenaires qui s’attaquent à leur camion, elles et il ne le font pas de gaité de cœur. Le final, à la fois sublime, amer et sauvage qui voit Immortan Joe se faire découper en morceaux par le peuple qu’il oppressait n’est pas non plus mis en scène comme une simple réjouissance cathartique. Il y a là une forme de déception, comme le final de Gravity peut être déceptif aux yeux de certains. Ces grands moments, ces grands longs-métrages ont à voir avec la « révélation » dont parle Scorsese dans sa tribune, alors autant le citer : « Pour moi […] le cinéma est une affaire de révélation (révélation esthétique, émotionnelle, spirituelle). Il s’agissait de personnages, de la complexité des gens et leurs contradictions, et parfois leurs natures paradoxales, la façon dont ils peuvent se blesser et s’aimer les uns les autres et se retrouver soudainement face à eux-mêmes. »\nQu’il s’agisse de la conclusion de Ready Player One – où Wade (nous) demande si chacun est désormais prêt à se battre – de la question posée à la fin de Fury Road, ou de la tribune de Scorsese, tous convergent vers un même enjeu. La recherche du meilleur de nous-mêmes correspond aussi bien à l’invitation faite par Spielberg dans son film à éduquer et éveiller notre regard, qu’à celle de Miller d’unir nos forces et nos faiblesses face à l’adversité dans ses différents longs-métrages. Dans les deux cas, il s’agit en fait d’appels à l’exigence. La grande force de la tribune de Scorsese ne vient pas seulement du fait qu’elle pointe à juste titre les portes fermées d’un système devenu fou, mais aussi du questionnement qu’elle impose autour de notre responsabilité de spectateur. Scorsese rappelle que quand les spectateurs venaient voir un Hitchcock, « ils y allaient pour être surpris et heureux, et ils n’étaient pas déçus. » Aujourd’hui, comme il l’explique de nouveau très bien, font la loi les études de marché, les produits de consommations, les modifications en fonction des tweets, des réactions, des retours, etc. Bien sûr, on peut toujours se cacher derrière le manque de concurrence et de propositions alternatives. Je crois cependant qu’il ne faut plus avoir peur de dire que le manque d’exigence des spectateurs est aussi responsable, et qu’il faut absolument partir à la reconquête de cette exigence. On ne peut plus dire aujourd’hui, au sortir de Star Wars IX, que « tout cela n’est pas bien grave parce que le film plaît malgré tous aux enfants et que par conséquent il n’y a pas de raison de s’énerver » pour reprendre et fusionner des messages que nous avons nous-mêmes reçus suite à notre critique de cette conclusion morne. Ces arguments sont fatigants, inaudibles, odieux. Non seulement car ils prennent les enfants pour des idiots, incapables d’être confrontés à quelconque forme de violence (ou simplement de surprise) mais surtout parce qu’ils assument la médiocrité, considèrent qu’un blockbuster est et doit être, par essence, mauvais, laid, con. Accepter cela, c’est condamner les enfants à la bêtise et à de repoussants copiés-collés d’anciens films – voir aussi, en ce sens, les adaptations live action de Disney autre grande plaie de la décennie qui vient de s’achever. Au sein de la firme aux grandes oreilles, seul Tim Burton a prouvé qu’on pouvait encore aujourd’hui proposer des expérimentations réjouissantes et folles – son décrié Alice au pays des merveilles (2010), bien qu’il initie la mode des live-action et du 100% fond vert, reste passionnant à revoir aujourd’hui – ou de véritables entreprises kamikazes contre la maison-mère telles que sson très beau mais malheureusement un peu vain Dumbo (2019). Dans les deux cas, les enfants ne sont pas pris pour des imbéciles, et ils sont confrontés à de l’originalité, de la surprise, de la violence, et même du trouble. Alors pourquoi ces propositions sont-elles condamnées à être des exceptions ? Plus grave encore, comment se fait-il que le meilleur blockbuster destiné à des enfants de cette décennie, à savoir Okja (Bong Joon-Ho, 2017), ait été produit et distribué par Neflix ? Nous ne pouvons plus l’accepter.\nL’appel à une forme de cohésion collective chez Miller n’est pas un vain mot dans le monde dans lequel nous vivons. C’est autant un appel à l’exigence qu’à la responsabilité. Miller n’a pas réalisé qu’un seul chef-d’œuvre cette décennie. Il l’a aussi ouverte avec une merveille qui pourtant fût un gouffre financier. Il s’agit d’Happy Feet 2 (George Miller, 2011) et c’est en tous points l’œuvre parfaite pour conclure et revigorer notre triste bilan. Extraordinaire expérience en relief, aventure simple, neuve, inventive et terriblement émouvante, cette splendeur était déjà, au tout début de cette décade, une forme d’apothéose de l’animation numérique. Au-delà du plaisir de revoir cette animation magnifique et intelligente – en particulier à l’ère des hideuses tentatives de soi-disant photoréalisme de Disney – Happy Feet 2 se révèle être surtout le grand film du sursaut collectif et en ce sens s’achève sur une séquence d’anthologie : une immense chorégraphie salvatrice, impliquant les plus petits des êtres – dont deux crevettes merveilleuses interprétées par Brad Pitt et Matt Damon – comme les plus imposants, dans un même souci de survie et de solidarité collective, au rythme du Under Pressure de David Bowie et Queen. Ils doivent chanter mais surtout danser ensemble pour libérer les manchots prisonniers d’un glacier depuis le début de l’histoire. Au milieu de la danse, Mumble interpelle Sven – génial personnage de faux prophète – alors qu’il était jusqu’ici l’un des antagonistes de notre héros. Malgré leur différent, et le mensonge révélé plus tôt de Sven, Mumble l’invite à danser avec eux. Car « chaque pas compte », lui dit-il. Que ces mots résonnent dans nos têtes au moment d’entamer une nouvelle décennie et espérer un véritable réveil de la Force, avec ou sans Jedi. « Every step counts ». Nos pas de spectateurs, tout particulièrement.\n2 commentaires sur “[Bilan 2010-2019] Blockbusters : Le Sommeil de la Force”\nMillou 2 février 2020 à 22 h 53 min\nEt Blade Runner 2049?\nPierre-Jean Delvolvé 3 février 2020 à 19 h 21 min\nAvec un tel sujet, on ne peut pas être parfaitement exhaustif en un seul article. Réfléchir à l’intégralité des blockbusters sortis sur les écrans en une décennie mériterait une thèse, ou un livre en soi.\nPour tout vous dire, d’autres « oublis » m’ont bien plus pesé à l’écriture – la trilogie de « La Planète des Singes », superbe petite-fille de « Avatar », mais déjà largement abordée dans l’article « Suprématie des Blockbusters Post-Fury Road » publié en 2018, les suites des sages James Bond ou M:I, ou encore les délires mégalos de Michael Bay. Il en manque encore beaucoup !\nCeux-ci, et d’autres, auraient, bien évidemment, pu nourrir ma réflexion, en bien comme en mal, mais il fallait faire des choix pour ne pas être trop long (déjà 9 pages ici), trop répétitif, ou sombrer dans le travers du « catalogue ».\nQuant au film de Villeneuve, au-delà du fait que je ne l’apprécie pas beaucoup – il est pour moi le versant « chic » de la logique des franchises – il me semblait assez éloigné des enjeux de l’article, bien qu’il soit aimé par bon nombre de nos chroniqueurs (voire l’article à son propos publié lors de la sortie, et sa belle place dans le top 10 de l’année 2017).\nJ’espère que cela répond à votre interrogation !


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Site de rencontre canada noisy le grand / Escort 43\nmenée à Khorsabad par Victor Place entre 1852 et 1854. Elles trouveront refuge au British Museum, qui venait également d'acquérir les frises du temple d'Apollon de Bassae. À Paris, le palais du Louvre est choisi pour devenir un musée en 1793, à la suite d'une première présentation des tableaux du roi au palais du Luxembourg de 1750 à 1779. Le musée montre l'art, mais aussi la science, la technique, l'histoire, toutes les nouvelles disciplines porteuses de progrès et de modernité. Par exemple, Le Louvre, Versailles ou Orsay reçoivent chaque jour entre 10 000 et 20 000 visiteurs. .\nCette politique inspira également la création, sous la Révolution et le Ier Empire, de musées à Bologne en 1796, à Amsterdam avec le Rijksmuseum en 1798, à Milan avec la Pinacothèque de Brera et à Anvers en 1810, ou à Venise, même si les galeries. Autre musée d'Histoire spécialisée cré durant ce siècle, celui des Antiquités nationales, fondé en 1862 au château de Saint-Germain-en-Laye dans les Yvelines par l'empereur Napoléon III, qui voue un grand intérêt à l'histoire de la Gaule. Hormis au musée du Luxembourg, premier musée consacré depuis 1818 aux artistes vivants, peu d'entre eux sont en effet exposés.


Toshiba Electronics Europe : Un microcontrôleur intégrant commande moteur et contrôle système\nCe nouveau CI permet des développements système plus efficaces\nToshiba Electronics Europe (TEE) vient d’annoncer un nouveau microcontrôleur à base ARM® cortex™ M3® qui permet de piloter des moteurs et des systèmes dans leur ensemble. Le TMPM384FDFG combine une mémoire de grande capacité, plusieurs canaux à "timer" (temporisation) d’usage général, des CAN (Convertisseurs Analogique-Numérique), et des ports d’entrée-sortie améliorés, au sein d’un même dispositif.\nLes applications de commande moteur se composent en général d’une unité de pilotage moteur et d’un contrôleur système, intégrant tous deux un microcontrôleur et du logiciel. Le TMPM384FDFG permet l’utilisation d’un seul microcontrôleur et d’un seul logiciel pour assurer les deux fonctions, et permet donc un développement système plus efficace et des coûts de développement et de production inférieurs.\nLe TMPM384FDFG est doté de 512 Koctets de mémoire Flash et de 32 Koctets de SRAM, et n’a besoin que d’une simple alimentation 5V, pour commander les moteurs que l’on peut trouver dans les appareils ménagers tels que climatiseurs, réfrigérateurs, lave-vaisselles, fours à micro-ondes, et chauffe-eaux, ou dans les équipements industriels.\nDisposant de 22 canaux à CAN 12 bits haute-précision, de ports E/S améliorés, et de 4 canaux temporisés à usage général, ce nouveau microcontrôleur TX03 permet de commander des moteurs et des IGBT.\nConditionné en boîtier LQFP, ce CI à 144 broches ne mesure que 20 x 20 mm, avec des pattes au pas de 0.5 mm. La production en série est prévue de commencer en novembre cette année.\n* ARM est une marque commerciale déposée et ARM cortex est une marque commerciale d’ARM Limited dans l’UE et dans d’autres pays.


L'Université St-George lance le programme « Pay it Forward » à l'intention des étudiants canadiens\nL'Université St-George lance le programme « Pay it Forward » à l'intention des étudiants canadiens English\nOct 16, 2017, 08:07 ET\nST. GEORGE'S, Grenada, le 16 octobre 2017 /CNW/ - Cette semaine, l'Université St-George (SGU) a lancé le programme « Pay It Forward » (paiement anticipé) en vertu duquel les étudiants canadiens qui s'inscrivent au programme de médecine de la SGU, cohorte entrante en janvier, à commencer en janvier 2018, peuvent demander le remboursement de leurs frais de scolarité, s'ils sont admis et inscrits à une école de médecine allopathique canadienne ou américaine en vue du trimestre d'automne subséquent.\n« Demander l'admission à une école de médecine est un processus stressant. De nombreux étudiants ne veulent probablement pas attendre jusqu'au printemps dans l'espoir toujours incertain de recevoir une offre d'admission d'une école de médecine canadienne, une offre qui n'arrivera peut-être jamais », a déclaré Sandra Banner, consultante de la SGU en relations universitaires au Canada. « Le programme 'Pay It Forward' permettra aux étudiants canadiens d'entamer leurs études en médecine sans sacrifier la possibilité de revenir au Canada pour suivre leurs études. »\n« Nous sommes certains qu'après un trimestre à St-George, ils décideront d'y rester, poursuit Banner, estimant que « la beauté du programme, c'est que, s'ils veulent aller à une école de médecine au Canada ou aux États-Unis, ils auront sous la ceinture un trimestre d'études de médecine intégrées, systématiques, de haute qualité. Ils brilleront dans leur nouvelle école de médecine ! »\nÀ partir du cycle de demandes en janvier prochain, tout étudiant qui s'inscrit à la SGU, session de printemps 2018, et qui, par la suite, est admis à une école de médecine allopathique canadienne ou américaine pour la session d'automne 2018 se verra rembourser au complet les frais de scolarité et les frais accessoires payés à la SGU, s'il choisit d'accepter la place qui lui est offerte au Canada ou aux États-Unis.\nCe programme est la dernière de toute une série de mesures prises par l'Université St-George pour renforcer son offre à l'endroit des étudiants canadiens. De fait, cette année, pour renforcer son réseau au Canada, elle s'est adjointe les services de Sandra Banner, ancienne directrice générale et chef de la direction du Service canadien de jumelage des résidents, et de Charles Furey, ancien élu comptant de nombreuses années d'expérience au sein de l'administration canadienne.\nTous les deux s'attacheront à augmenter le nombre de places en stage clinique accessibles aux étudiants de St-George et à mettre en place des stages optionnels dans de nouveaux hôpitaux dans tout le pays.\n« Notre programme 'Pay It Forward' montre que nous avons absolument confiance dans les études et l'expérience que nous offrons à St-George », a déclaré le Dr G. Richard Olds, recteur de l'Université St-George. « Nous avons une tradition longue et riche de la formation de futurs médecins du Canada et nous estimons que ce programme nous aidera à attirer encore plus de candidats parmi les meilleurs et les plus brillants du Canada. »\nÀ propos de l'Université St-George\nL'Université St-George, située sur l'île de Grenade dans les Antilles, est un établissement d'enseignement international dont les étudiants et les professeurs proviennent de 140 pays attirés par ses programmes de médecine, de médecine vétérinaire, de santé publique, de sciences, de sciences sociales, de technologie d'information et d'études commerciales. L'Université St-George est affiliée à des établissements d'enseignement autour du globe, notamment aux États-Unis, au Royaume-Uni, au Canada, en Australie et en Irlande. Ses diplômés, chiffrés à plus de 17 000, sont des médecins, des médecins vétérinaires, des scientifiques et des professionnels de la santé publique et des gens d'affaires à travers le monde. Les programmes d'études de l'Université sont accrédités et approuvés par de nombreuses autorités de direction et reconnus régulièrement comme les meilleurs de la région. Pour en savoir plus, rendez-vous sur www.sgu.edu.\nRenseignements: CONTACT : Yael Wollstein, (202) 471-4228, poste 118, yael@keybridge.biz, http://www.sgu.edu


Ligne du temps : 4 janvier - Univers(e)\n4 janvier 1919 : L`Armée rouge russe occupe la ville de Riga, capitale de la Lettonie, mais elle devra quitter la ville après de lourdes pertes.\n4 janvier 1932 : Le parti du Congrès indien est déclaré illégal par les autorités britanniques, Mahatma Mohandas Gandhi est arrêté..\n4 janvier 1936 : En Allemagne, le régime nazi impose l'entraînement militaire aux enfants allemands.\n4 janvier1944 : La bataille du Monte Cassino, en Italie, commence. Gagnée par les Aliés après quelques mois de combats, elle décidera le sort de l’Italie.\n4 janvier 1960 : L`Association européenne de libre-échange est née.\n4 janvier 1960 : Albert Camus, grand écrivain français, meurt à la suite d’un accident de voiture. Rentrant à Paris, Albert Camus se tue quand sa Facel Vega percute un platane, près de Villeblevin dans l'Yonne.\n4 janvier 1966 : Explosion suivie d’un incendie de la raffinerie de Feyzin, au sud de Lyon près de l'Institut français du pétrole (IFP). La raffinerie avait été mise en service en 1964. Lors de la catastrophe du 4 janvier 1966, se produit un phénomène inconnu dénommé Bleve.\n4 janvier 1978 : Le représentant de l'OLP en Grande-Bretagne, Said Hammami, est assassiné à Londres.\n4 janvier 1987 : En finale du hockey junior, en Tchécoslovaquie, le Canada et l'Union soviétique sont disqualifiés pour cause de bagarre générale.\n4 janvier 1989 : L'aviation américaine abat deux chasseurs libyens, au-dessus de la Méditerranée.\n4 janvier 1990 : La plus grave catastrophe ferroviaire de l'histoire du Pakistan fait 285 morts et environ 400 blessés.\n4 janvier 1992 : En Russie, Moscou supprime les fermes d'État et kolkhozes.\n4 janvier 1998 : Valdas Adamkus remporte l'élection présidentielle en Lituanie.\nL'histoire ne peut plus être dressée alors en objet de culte. Elle n'est qu'une occasion, qu'il s'agit de rendre féconde par une révolte vigilante. (L'homme révolté, par Albert Camus, mort le 4 janvier 1960). Image : © Megan Jorgensen


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CHAPITRE XXVII . Des mæurs du monarque . Les moeurs du prince contribuent\nbêtes , et des bêtes faire des hommes . S ' il aime les ames libres , il aura des\nétablis pour pardonner , pour punir ... Lorsqu ' ils insultent leurs sujets , ils les\ntraitent bien plus cruellement que ne traite les siens le Turc ou le Moscovite .\nSi l ' état proportionne sa fortune à celle des particuliers , l ' aisance des\nparticuliers fera bientôt monter sa fortune . Tout dépend du moment : l ' état\ncommencera - t - il par appauvrir les sujets pour s ' enrichir ? ou attendra - t - il\nque des sujets ...\n... tout l ' impôt , parut l ' ôter . , Il y a deux royaumes en Europe où l ' on a mis des\nimpôts très forts sur les boissons : dans , l ' un , le brasseur seul paie le droit ;\ndans l ' au - , tre , il est levé indifféremment sur tous les sujets qui consomment .


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