Charte UNESCO pour les jeux et les ... by global culture in... 450 views\nReportage sur les artisans d'art da... by agencedesours 1401 views\nParis avant et après by navajo457 2743 views\nApp Cdiscount street by Julien Petit 375 views\nA lucia by jlealleon 663 views\nFdl programme 2012_web by Lpm Biabaux 978 views\n1. Les métiers d'art, d'excellence et du luxe et les savoir-faire traditionnels : L'avenir entre nos mains Rapport à Monsieur le Premier ministre de Madame Catherine DUMAS, Sénatrice de Paris Septembre 2009\n2. Sommaire Introduction______________________________________________________________ 1 20 propositions pour une nouvelle dynamique en faveur des métiers d’art __________ 3 I. Dans leur diversité, les métiers d’art constituent un atout certain pour la France ______________________________________________________________ 5 A. Une hétérogénéité à maîtriser pour plus de visibilité________________________ 5 1. Les définitions existantes, un point de départ très utile ______________________ 5 a) Les trois critères des métiers d’art_____________________________________ 5 b) La nomenclature officielle___________________________________________ 5 2. Une diversité qui rend leur délimitation complexe __________________________ 5 a) Description n’est pas définition_______________________________________ 5 b) Les trois grandes familles d’activités __________________________________ 6 (1) Les métiers de tradition_________________________________________ 6 (2) Les métiers de restauration ______________________________________ 6 (3) Les métiers de création _________________________________________ 7 3. Une définition plus précise et plus complète pour mieux saisir le réel___________ 8 a) Préciser les critères ________________________________________________ 8 b) Compléter la liste des activités _______________________________________ 9 B. Une place toute particulière dans l’identité culturelle de la France et dans son économie___________________________________________________________ 11 1. Une culture nationale attachée aux métiers d’art __________________________ 11 a) Une tradition ancienne_____________________________________________ 11 b) Le XVIIIe siècle ou « La perfection de l’art français »____________________ 13 c) Une tradition que la Révolution française ne remet pas durablement en cause _ 13 2. Un rôle économique à plusieurs dimensions______________________________ 15 a) Le rôle économique direct__________________________________________ 15 b) La vitrine de l’industrie du luxe _____________________________________ 17 c) Un capital précieux : l’image de la France _____________________________ 19 (1) Les métiers d’art expriment et confirment « une certaine idée de la France » 19 (2) Des perspectives de développement prometteuses ___________________ 20 II. Les trois axes d’une nouvelle dynamique en faveur des métiers d’art__________ 23 A. Encourager et généraliser la dynamique d’innovation déjà engagée__________ 23 1. Une évidence déjà intégrée par plusieurs métiers d’art : la tradition a besoin d’innovation___________________________________________________________ 23 a) L’innovation par les nouvelles technologies____________________________ 23 b) L’innovation par le design__________________________________________ 25 (1) Le design pour développer de nouveaux produits____________________ 26 (2) Le design pour revisiter les modèles classiques _____________________ 29 2. S’appuyer sur les instruments de soutien publics à l’innovation ______________ 29 a) Adapter l’action d’OSEO aux spécificités des métiers d’art________________ 29 b) Développer un outil stratégique qui a fait ses preuves : le crédit d’impôt en faveur des métiers d’art _____________________________________________________ 30\n3. (1) Un dispositif récent ___________________________________________ 30 (2) Un dispositif plébiscité ________________________________________ 31 B. Améliorer la reconnaissance spécifique des métiers d’art à différents niveaux _ 31 1. La reconnaissance de la valeur des métiers d’art __________________________ 31 a) La dynamique engagée par la création du label « Entreprise du patrimoine vivant » ____________________________________________________________ 32 b) Le développement des instruments de la reconnaissance de l’identité des métiers d’art33 (1) Vis-à-vis des professionnels eux-mêmes __________________________ 33 (2) Vis-à-vis des jeunes, cible privilégiée_____________________________ 34 (3) Vis-à-vis du grand public ______________________________________ 36 (4) Vis-à-vis d’un grand public particulier : les artisans amateurs __________ 37 c) La valorisation des hommes n’est pas exclusive de celle des produits________ 38 2. Une reconnaissance institutionnelle plus cohérente des métiers d’art __________ 39 a) Une multitude d’associations et organisations professionnelles_____________ 39 (1) Une association d’utilité publique : la SEMA_______________________ 39 (2) Les associations organisations professionnelles _____________________ 40 (3) Les organisations plus généralistes _______________________________ 42 b) La nécessité de remédier à l’insuffisante coordination des administrations publiques ___________________________________________________________ 43 (1) La tutelle théorique du ministère de la culture ______________________ 43 (2) Les autres ministères concernés _________________________________ 44 (3) La nécessité de réserver un département ministériel aux métiers d’art et du luxe 45 C. Préserver le patrimoine national que constitue les métiers d’art_____________ 46 1. La formation des artisans d’art de demain _______________________________ 47 a) Soutenir la transmission des savoir-faire_______________________________ 47 (1) Étendre le dispositif sur les maîtres d’art __________________________ 47 (2) Développer les formations par binôme ____________________________ 50 (3) Créer un conservatoire des outils ________________________________ 51 b) Repenser la formation _____________________________________________ 51 (1) Mieux enseigner les matières de base _____________________________ 51 (2) Élever le niveau de qualification_________________________________ 52 (3) Renforcer les liens avec les professionnels_________________________ 54 2. La préservation d’un modèle économique fragile__________________________ 57 a) Maintenir la commande publique ____________________________________ 58 (1) Adapter les marchés publics ____________________________________ 58 (2) Soutenir les grands projets _____________________________________ 59 b) Accompagner les métiers d’art et du luxe______________________________ 59 (1) Étudier la mise en place de mesures spécifiques_____________________ 59 (2) Soutenir le développement à l’international ________________________ 60 (3) Préserver la distribution sélective ________________________________ 61 (4) Encourager les initiatives en interne ______________________________ 61 c) Lutter contre la contrefaçon ________________________________________ 62 Annexe I Liste des métiers d’art ____________________________________________ 65 Annexe II Liste des personnes auditionnées ___________________________________ 72 Annexe III Comptes-rendus de déplacements et d'auditions _____________________ 76\n4. 1 Introduction Monsieur le Premier ministre, Les métiers d’art sont avant tout des métiers de passion. Il est difficile de comprendre les enjeux de ce secteur si on n’intègre pas cette donnée essentielle. Travailler dans les métiers d’art, c’est souvent l’engagement d’une vie. Cette passion est le fil d’Ariane qui unit des métiers pouvant être parfois très différents, de la dorure à la haute-couture en passant par la fabrication de porcelaine. Mais cette passion, si elle constitue une force indéniable, ne préserve pas pour autant ce secteur des difficultés. Comme les autres secteurs d’activités, et même parfois plus que d’autres, les métiers d’art rencontrent des difficultés pour s’adapter à un environnement économique et social en profonde mutation. C’est pourquoi, vous m’avez chargée d’une mission, afin de faire un état des lieux sur les métiers d’art, d’excellence et du luxe et sur les savoir-faire traditionnels, dans le but de formuler des propositions visant notamment à améliorer la transmission des savoirs, à favoriser le développement des nouvelles technologies et à dégager une approche globale et interministérielle des enjeux de ce secteur. Les soixante-douze auditions et vingt-deux déplacements que j’ai pu effectuer, tant à Paris qu’en province, m’ont confortée dans l’idée que les métiers d’art étaient une source de richesses extraordinaire pour notre pays, tant d’un point de vue culturel qu’économique, qu’il convient non seulement de préserver mais aussi de développer. A mille lieux de l’image poussiéreuse de l’artisan âgé tourné vers le passé, j’ai rencontré des hommes et des femmes dynamiques et enthousiastes, pleins de créativité et entièrement dévoués à leur entreprise. Je voudrais les remercier très chaleureusement du temps qu’ils ont pris pour me faire partager leur passion, leurs projets mais également leurs difficultés et leurs inquiétudes. Malgré l’extrême diversité de leurs statuts, qui vont de l’entreprise unipersonnelle à la multinationale du luxe, ces métiers sont confrontés à des problématiques communes. Cette communauté d’intérêt, la « grande famille des métiers d’art français », est bien réelle, même si certains n’en n’ont pas toujours conscience. Elle est notamment visible à travers la question de la transmission des savoir-faire et de la formation, qui constitue l’un des défis majeurs des métiers d’art pour les prochaines années. De nombreux artisans d’art vont en effet prendre leur retraite. Faute de repreneurs, certains métiers risquent de disparaître totalement, mettant en péril non seulement le patrimoine culturel de notre pays mais aussi un certain nombre de secteurs économiques qui s’appuient sur leurs compétences.\n5. 2 De manière plus générale, ces difficultés de formation pourraient à terme ternir l’image d’excellence des métiers d’art français et mettre en péril leur équilibre économique. Ces métiers souffrent aujourd’hui de la désaffection générale pour les métiers manuels. Les élèves s’y engagent trop souvent par défaut, non par choix. S’ils demandent de véritables qualités artistiques et intellectuelles et réclament un fort investissement personnel, les métiers d’art apportent en contrepartie de très grandes satisfactions personnelles, comme j’ai pu le constater au cours des auditions et des déplacements, et offrent des possibilités d’évolution importantes, trop souvent méconnues, constituant ainsi l’une des dernières formes d’ascenseur social. Il est donc fondamental de leur donner une reconnaissance et une visibilité à la hauteur de leurs potentialités. Dans le domaine de la formation, comme dans de nombreux autres qui concernent la filière, il est véritablement urgent que les pouvoirs publics envoient un signal politique fort, montrant ainsi l’intérêt de la collectivité pour un secteur qui se sent parfois délaissé. Le monde des métiers d’art est d’ailleurs tout à fait disposé à relever le défi d’une grande campagne nationale de communication, comme en témoigne les projets de clips vidéo joints au présent rapport et consultable sur le site www.metiersdart.tv. La création d’un département ministériel, chargé spécifiquement de la coordination des différentes politiques en faveur des métiers d’art et du luxe, témoignerait de l’engagement de l’État en faveur de ces métiers. Elle répondrait par ailleurs à une attente forte des professionnels, souvent désorientés par la multiplicité des interlocuteurs et des guichets d’entrée. Mais les métiers d’art ne doivent pas tout attendre des pouvoirs publics et doivent réfléchir, comme beaucoup ont commencé à le faire, à l’adaptation de leur mode de production et de commercialisation aux contraintes d’aujourd’hui. L’intégration des nouvelles technologies et du design et, plus généralement, la recherche d’une créativité constamment renouvelée sont des éléments essentiels de cette adaptation. La labellisation des produits, garantissant l’excellence des méthodes de fabrication et la qualité du produit, constituerait également un moyen efficace pour répondre à la concurrence. La diversité des métiers d’art français représente une force pour notre pays. A nous d’en prendre pleinement conscience et de mettre en place les mesures appropriées, qui ne nécessitent pas forcément des financements importants, pour accompagner et encourager leur évolution. Catherine DUMAS Sénatrice, Conseillère de Paris\n6. 3 20 propositions pour une nouvelle dynamique en faveur des métiers d’art 1. Inscrire dans un texte normatif une définition officielle des métiers d’art comme étant « des métiers de la main, associant savoir-faire et création artistique, pour produire en intégralité des objets utilitaires, uniques ou en petite série ». 2. Inscrire les arts culinaires sur la liste officielle des métiers, en y incluant les métiers de la vigne et du vin. 3. Mettre en place un « pôle d’excellence de la création » en Ile-de-France, sur le modèle des pôles de compétitivité, concentrant sur un seul site des centres de formation et de recherche ainsi que des centres de production, permettant d’attirer les jeunes talents et de promouvoir le développement économique de la filière. Ce projet pourrait se développer à partir d’un pôle « textile et mode », qui consacrerait la place fondamentale de la capitale en la matière. 4. Inclure le design dans la définition de l’innovation prise en compte pour bénéficier des aides OSEO. 5. Pérenniser le crédit d’impôt en faveur des métiers d’art au-delà de 2010, qui a fait ses preuves en maintenant le relèvement du plafond décidé dans le cadre de la loi de finances rectificatives pour 2009. 6. Recenser l’ensemble des manifestations similaires à la journée des métiers d’art existantes et fédérer l’ensemble des réseaux professionnels autour de l’organisation annuelle d’une journée nationale et unique de promotion des métiers d’art. 7. Lancer une campagne nationale de promotion des métiers d’art. Le coût de celle-ci devrait pouvoir être maîtrisé en s’appuyant sur des modules vidéos courts, présentant chacun un métier et faisant l’objet d’une diffusion multimédia, notamment sur le service public audiovisuel. 8. Mettre en place une labellisation commune des produits d’art, qui, en garantissant l’excellence des méthodes de fabrication et la qualité du produit, contribuerait à promouvoir l’image des métiers d’art français dans le monde. 9. Instituer un poste de chargé de mission spécifiquement affecté aux métiers d’art, au sein de chaque direction régionale des affaires culturelles,. 10. Réserver un département ministériel, chargé de la coordination des différentes politiques en faveur des métiers d’art et du luxe. Ce ministre ou secrétaire d’Etat serait également chargé de la politique de valorisation et de promotion des métiers d’art, actuellement éclatée entre plusieurs ministères. 11. Doubler le nombre de maîtres d’art, pour atteindre environ 200. Cette augmentation pourrait s’accompagner d’une ouverture à d’autres disciplines, peut-être plus tournées vers la création contemporaine.\n7. 4 12. Permettre aux maîtres d’art de former plusieurs élèves successivement. Il est, en effet, regrettable que le savoir-faire d’excellence que récompense un tel titre ne puisse se transmettre qu’à un seul élève, alors que le rayonnement de notre patrimoine culturel et la sauvegarde de certains métiers nécessitent une formation aussi large que possible. Le faible impact budgétaire d’une telle mesure devrait permettre une mise en œuvre très rapide. 13. Créer un conservatoire national des outils mettant en relation d’une part, les artisans désirant arrêter leur activité et, d’autre part, ceux qui souhaitent s’installer ou s’équiper. Internet devrait permettre d’en faciliter la mise en place. 14. Redonner un caractère obligatoire à l’enseignement du dessin, pour tous les élèves, au cours de la scolarité. 15. Créer un diplôme supérieur des métiers d’art (DSMA), permettant aux élèves les plus motivés d’évoluer d’un CAP vers un diplôme bac+5, pour répondre à un réel besoin de qualification. Ce nouveau diplôme donnerait par ailleurs aux métiers d’art en France une perspective légitime qu’ils ont déjà à l’étranger. 16. Généraliser au niveau national la licence professionnelle « création ou reprise d’entreprise », qui correspond à un réel besoin de formation en gestion entrepreneuriale sensible dans l’artisanat d’art comme dans d’autres secteurs. 17. Réserver à un organisme national unique la charge de collecter et de répartir avec cohérence la taxe d’apprentissage pour le secteur des métiers d’art. 18. Réfléchir à l’introduction dans les marchés publics d’un critère de qualité, certifié par l’attribution du label EPV. La généralisation de ce label au niveau européen, proposée par ailleurs, permettrait d’éviter de se heurter aux règles européennes de concurrence. 19. Ouvrir le « 1 % artistique » aux entreprises des métiers d’art. 20. Étudier, négocier et arrêter l’ensemble des mesures économiques et fiscales en faveur de cette filière dans le cadre « d’États généraux des métiers d’art », que le nouveau ministère, en charge des métiers d’art et du luxe, aurait la responsabilité d’organiser.\n8. 5 I. Dans leur diversité, les métiers d’art constituent un atout certain pour la France A. Une hétérogénéité à maîtriser pour plus de visibilité 1. Les définitions existantes, un point de départ très utile Il existe actuellement deux façons de délimiter les métiers d’art, l’une consiste à identifier des critères de définition et l’autre, appliquée plus récemment, prend la forme d’une liste visant à énumérer de façon exhaustive l’ensemble des activités concernées. a) Les trois critères des métiers d’art Le premier type de définition à été proposé en 1976, par Pierre Dehaye, futur président de la Société d’encouragement aux métiers d’art (SEMA), qui cite dans son rapport sur « les difficultés des métiers d’art », trois critères pour appartenir à l’univers des métiers d’art : - qu’il s’agisse bien d’un métier au sens d’une technique ; - qu’elle implique la production d’objets uniques, ou du moins en petite série présentant un caractère artistique ; - et qu’elle s’accompagne d’une maîtrise du métier dans sa globalité, excluant une trop grande parcellisation des tâches. b) La nomenclature officielle La seconde approche a abouti, sous l’impulsion de M. Renaud Dutreil, alors ministre en charge de l’artisanat, à la publication d’une liste officielle des métiers de l’artisanat d’art en décembre 2003. Cette liste1 comprend 217 métiers, classés en 19 domaines définis selon le matériau (bois, cuir, métal, pierre, terre, textile, verre) ou l’activité (art floral, arts du spectacle, arts et traditions populaires, arts graphiques, arts mécaniques, jeux, jouets, bijouterie-joaillerie- orfèvrerie-horlogerie, décoration, facture instrumentale, luminaire, métiers liés à l’architecture, mode, tabletterie). 2. Une diversité qui rend leur délimitation complexe a) Description n’est pas définition Toute proposition politique nécessite de partir d’une définition précise des métiers d’art. Sans définition, comment tracer la limite entre les activités qui sont concernées et celles qui ne le sont pas ? Comment évaluer la situation et prétendre ensuite y apporter une réponse ? Or, du fait de leur diversité, les métiers d’art souffrent traditionnellement d’une absence de définition pleinement satisfaisante. La délimitation statistique et administrative de ces métiers est en outre compliquée par la grande hétérogénéité des structures (allant du travailleur 1 Cf. Annexe I.\n9. 6 individuel au salarié d’un groupe de luxe international) et des statuts : obligation d’inscription au répertoire des métiers pour les artisans, à la Maison des artistes, chargée de gérer la branche arts graphiques et plastiques du régime obligatoire de sécurité sociale ou, inscription au registre du commerce pour les commerçants ou professions libérales. On notera par exemple que les membres du syndicat professionnel Ateliers d’art de France sont majoritairement affiliés à la chambre des métiers (55,4 %) mais également à la Maison des artistes (27,5 %). Lorsque la diversité des situations juridiques s’ajoute à celle des activités, la galaxie des métiers s’apparente à une nébuleuse aux contours imprécis. D’ailleurs, dans son rapport publié en 1976, Pierre Dehaye, évoquait déjà « l’insaisissable définition des métiers d’art ». Toutefois, les choses ont évolué entre temps et, sur la base des travaux déjà accomplis, il est sans doute possible de parvenir aujourd’hui à une définition permettant de traduire les spécificités communes et propres aux différents métiers d’art. Cette tentative constitue la première ambition du présent rapport. b) Les trois grandes familles d’activités Les métiers d’art sont, par définition, très divers mais, au terme de mon étude, il me semble possible de la décomposer en trois grandes familles : (1) Les métiers de tradition Les métiers d’art traditionnels consistent en la réalisation d’objets d’art traditionnels. Ils regroupent des activités très diverses qui font appel tant à la maîtrise du geste et des techniques qu’au sens artistique de l’artisan. Sont considérés comme appartenant aux métiers de la tradition les professionnels qui réalisent des objets d’art de qualité, en petite et moyenne série, selon des techniques traditionnelles. Ces métiers, qui privilégient savoir-faire, créativité et sens artistique, constituent un vecteur privilégié de valorisation des métiers manuels. Philippe Rault, facteur d’orgues et par ailleurs maître d’art, est représentatif de ces métiers de la tradition, qui perpétuent avec passion des savoir-faire ancestraux, animés par l’amour de la matière et de l’art. On peut également citer Gérard Desquand, fils et petit fils de graveur, graveur lui-même et meilleur ouvrier de France, qui transmet son talent à travers l’enseignement qu’il dispense à l’école Estienne à Paris. Mais l’importance qu’occupe la tradition au sens de ces métiers, illustrés par la pratique du compagnonnage, n’est pas exclusive d’un recours aux techniques modernes, notamment Internet. Hubert Kremer, tapissier, s’est ainsi fait connaître auprès des hôtels, avec lesquels il travaille beaucoup, grâce à son site Internet, illustrant cette alliance de la tradition et de la modernité. (2) Les métiers de restauration Ces métiers se caractérisent par le fait qu’ils nécessitent des interventions sur le patrimoine immobilier ou mobilier.\n10. 7 Celles-ci s’effectuent dans le cadre de structures très diverses. Une majeure partie de ces professionnels travaillent en indépendant, au sein d’ateliers de restauration spécialisés. En dépit d’un sensible désengagement de l’État lié aux restrictions budgétaires, les principaux clients restent les institutions publiques et les collectivités territoriales. L’atelier Meriguet-Carrère, spécialisé dans la peinture-décoration, réalise, par exemple, une part importante de son chiffre d’affaires avec les institutions publiques. D’autres professionnels travaillent pour un grand établissement culturel en tant que chefs de travaux et techniciens d’art, chargés de conserver et restaurer des œuvres. On peut associer à ces métiers de la restauration ceux qui relèvent du domaine de l’architecture : architecte en chef des monuments historiques, des bâtiments de France, vérificateurs, ingénieurs et techniciens des monuments historiques. Le château de Fontainebleau, qui est depuis le 1er juillet 2009 un établissement public administratif, permet de mesurer l’importance des métiers de la tradition pour la conservation du patrimoine français. Outre un tapissier, un serrurier, un fontainier et deux ébénistes, qui travaillent en interne à l’entretien courant du château, de la restauration « légère » du mobilier et d’une collection de plus de 16 000 objets, la direction fait appel, pour les gros travaux, à des entreprises extérieures, permettant ainsi au château de préserver ses sept siècles d’histoire. Treize jardiniers entretiennent par ailleurs les 10 hectares de parc et jardins historiques. Viennent enfin les métiers de la création qu’il convient de distinguer selon qu’ils sont ou non intégrés au secteur du luxe. (3) Les métiers de création Ces métiers consistent à produire des objets d’art originaux. Ils associent la maîtrise technique et la création contemporaine. C’est ainsi que l’artisan d’art comme l’artiste contemporain utilise des savoir-faire traditionnels et des techniques très innovantes. Par exemple, l’artiste-sculpteur Serge Mansau invente depuis quarante ans des flacons pour les plus grands noms de la parfumerie, établissant ainsi un lien entre l’industrie du luxe et l’art. Son premier flacon, créé en 1960 pour Helena Rubinstein, a été suivi de nombreuses créations pour Hermès, Lancôme, Guerlain ou Givenchy. Il a même réalisé une bouteille pour Alain Senderens, qui souhaitait célébrer une cuvée spéciale de son vignoble situé près de Cahors. Certaines activités de la mode relèvent aussi des métiers de la création. La haute couture de Franck Sorbier, pour ne citer qu’elle, est l’illustration même de cette alchimie entre une technique parfaitement maîtrisée et une créativité qui rapprochent l’artisan d’art de l’artiste. Comme ces deux exemples l’illustrent, les métiers de la création sont très fortement liés au secteur du luxe, qui constitue leur principal débouché économique. Si cette relation est essentielle et même vitale pour les métiers de la création, comme pour le luxe français, elle n’est toutefois ni exclusive, ni systématique. - D’une part, les entreprises du luxe emploient aussi d’autres types de compétences, y compris au sein des métiers d’art, par exemple : dans son activité de malletier Vuitton fait appel à des professionnels des métiers de tradition et de restauration.\n11. 8 - D’autre part et surtout, il convient de rappeler que les métiers d’art en général et les métiers de la création en particulier ne concernent que très inégalement les différents secteurs d’activités du luxe (différenciation horizontale), qu’une étude réalisée en 1990 pour le comité Colbert, par le cabinet Mac Kinsey, évalue à 352 . De plus, la présence de ces métiers est très différenciée selon les différents segments du luxe (différenciation verticale) et notamment les trois « cercles » du luxe identifiés par Jean Castarède, dans son « Que sais-je » sur le luxe, publié en 2008, à savoir : - le super luxe, qui regroupe des produits souvent uniques et sur mesure (haute couture, haute joaillerie, argenterie, cristallerie…) ; - le secteur intermédiaire, qui correspond au secteur traditionnel du luxe (prêt-à-porter, maroquinerie…) ; - et le luxe accessible, « luxe des sensations et des plaisirs » (parfumerie, gastronomie..). Une autre classification des niveaux de luxe est proposée par le rapport du Conseil économique et social de 2008 sur le luxe3 et par l’étude du cabinet A.T. Kearney à laquelle elle se réfère explicitement. Elle consiste à diviser le secteur du luxe entre d’une part, luxe exclusif, fait d’exception et de rareté, et d’autre part, luxe inclusif, qui permet au client d’affirmer son appartenance à un certain style de vie. En fait, il n’est pas surprenant de constater que les métiers d’art du luxe se concentrent traditionnellement dans les niveaux supérieurs de ce dernier, c'est-à-dire dans les activités se rattachant plutôt au secteur du luxe exclusif ou aux deux premiers cercles décrits par Jean Castarède4 . 3. Une définition plus précise et plus complète pour mieux saisir le réel Si elles ont pu constituer des étapes appréciables dans l’évolution de la réflexion, les deux définitions actuellement proposées méritent d’être à la fois précisées et complétées pour mieux traduire la réalité actuelle des métiers d’art. a) Préciser les critères S’agissant de la définition en trois critères proposées par Pierre Dehaye, elle présente l’inconvénient de faire abstraction de l’élément majeur de distinction entre les métiers d’art d’une part et les activités artistiques d’autre part, à savoir que, contrairement à l’artiste, l’artisan d’art produit des œuvres présentant un caractère utilitaire. L’introduction de cette précision, sous la forme d’un quatrième critère permettrait de disposer enfin d’une définition officielle et opérationnelle des métiers d’art qui fait cruellement défaut et complique parfois la mise en place de politiques à la fois spécifiques et globales en direction de ces métiers. 2 D’après cette étude, tel est en effet le nombre de secteurs comprenant des marques de luxe. 3 Avis de Mme Jacqueline Socquet-Clerc-Lafont. 4 Ceci pourrait donc ne pas intégrer les métiers de la gastronomie au titre des métiers d’art du luxe, ce qui ne signifie pas leur exclusion des métiers d’art en général, sujet sur lequel la suite du rapport reviendra.\n12. 9 En outre, une telle définition reflèterait le sentiment, plus ou moins exprimé par les différents interlocuteurs rencontrés, d’appartenir à une même communauté travaillant pour le rayonnement culturel et économique de la France. PROPOSITION N°1 : Inscrire dans un texte normatif une définition officielle des métiers d’art comme étant « des métiers de la main, associant savoir-faire et création artistique, pour produire en intégralité des objets utilitaires, uniques ou en petite série ». b) Compléter la liste des activités La nomenclature des 217 métiers publiée en 2003, même si elle a constitué à l’époque un réel progrès, se révèle aujourd’hui en partie incomplète : l’intitulé et le découpage des métiers n’est pas toujours satisfaisant, certains métiers n’existent plus, tandis que d’autres ne relèvent pas vraiment des métiers d’art, et d’autres encore, bien que relevant naturellement des métiers d’art, n’y figurent pas. Un oubli principal l’empêche aujourd’hui d’être pleinement représentative de la réalité des métiers d’art dans la France d’aujourd’hui : c’est celui des activités se rattachant à l’art culinaire. En effet, l’art culinaire fait partie des métiers qui pourraient être qualifiés de métiers d’art. La France a la chance d’avoir un patrimoine gastronomique d’une richesse exceptionnelle, qu’il convient de préserver et d’encourager au même titre que les autres métiers d’art. La grande diversité des techniques et des savoir-faire transmis par des générations d’artisans constitue un patrimoine immatériel qu’il faut protéger et valoriser. Comme les autres métiers d’art, l’art culinaire participe au rayonnement culturel de la France. Le savoir-faire de nos grands chefs, de nos œnologues, de nos boulangers, pâtissiers, fromagers et traiteurs sont recherchés partout dans le monde. Les techniques utilisées sont parfois communes avec celles des métiers d’art « traditionnels ». Ainsi Jérôme Langillier (Traiteur Clostan), qui a remporté la coupe du monde de pâtisserie et le prix de la dégustation des entremets à Lyon en février 2009, a préparé ce concours en prenant pendant un an des cours de dessin qu’il a lui-même financés. C’est aussi un secteur en évolution permanente, qui se renouvelle grâce à la créativité de ses artisans et à l’intégration de nouvelles techniques. L’Institut Paul Bocuse, qui accorde une place essentielle à la recherche et à l’innovation, est l’illustration même du dynamisme de ce secteur qui, tout en transmettant des savoir-faire séculaires, cherche en permanence à se renouveler. La gastronomie entretient par ailleurs des liens étroits avec les autres métiers d’art : que seraient les arts de la table sans les grands chefs et les vins français ? Si le contenant a autant d’importance que le contenu, l’inverse est également vrai. Le comité Colbert compte d’ailleurs parmi ses membres des maisons travaillant dans les métiers de la gastronomie et du vin, comme Veuve Cliquot-Ponsardin par exemple. Le caractère de métier d’art de la gastronomie est d’ailleurs déjà reconnu à travers le label Entreprises du patrimoine vivant (EPV), qui distingue les entreprises françaises aux savoir-\n13. 10 faire artisanaux et industriels d’excellence. Ce label a, depuis sa création en 2005, été décerné à une dizaine d’entreprises de la gastronomie parmi lesquelles figure notamment Taillevent. De même, en octobre 2008 et à l’initiative de son directeur de l’époque, Frédéric Mitterrand, le « chef » Emmanuel Giraud a été admis parmi les pensionnaires de la Villa Médicis, pour représenter les arts culinaires au sein de la prestigieuse Académie de France à Rome. PROPOSITION N°2 : Inscrire les arts culinaires sur la liste officielle des métiers, en y incluant les métiers de la vigne et du vin. Cette inscription des métiers de la gastronomie dans la liste des métiers d’art établie en 2003 serait par ailleurs en parfaite cohérence avec la démarche consistant à faire inscrire la gastronomie française au patrimoine mondial de l’Unesco5 . Mémoire vivante : Paul BOCUSE Photo Paul BOCUSE © DR Toque modèle Cuisinier de père en fils, à Collonges au Mont d’or (situé à dix kilomètres au nord de Lyon), depuis le 17e siècle, Paul BOCUSE ’ n’a pu se soustraire à une aussi longue tradition familiale. En 1942, à l’âge de 16 ans, il fait ses classes au Restaurant de la Soierie à Lyon en pleine seconde guerre mondiale. Une période où, pour être sûr d’avoir de la marchandise, il faut soi- même tuer le veau ou le cochon. Engagé volontaire dans l’armée de la libération du général de Gaulle, alors qu’il a à peine dix- huit ans, il est blessé par balle en Alsace mais tient à participer au défilé de la victoire en 1945, à Paris, puis retourne à Lyon parfaire son apprentissage. En plus de faire la cuisine, il travail au jardin potager, trait les vaches et fait même la lessive et le repassage. Les deux étapes décisives de sa formation seront la « Mère BRAZIER » (Eugénie), célèbre patronne d’un bouchon lyonnais (3 étoiles au Michelin en 1933) et Fernand POINT qui sera son pygmalion au restaurant La Pyramide à Vienne et convertira le jeune BOCUSE à la rigueur et aux subtilités de la profession. L’autre étape importante pour Paul BOCUSE c’est la montée à Paris et le passage au LUCAS CARTON, prestigieux restaurant de la Place de la Madeleine dans le 8e où sous l’autorité du grand chef cuisinier Gaston RICHARD, il se lie d’amitié avec les frères TROISGROS, Pierre et Jean, ses camarades de fourneau qui l’accompagneront ensuite au restaurant La Pyramide. En 1961, Paul BOCUSE remporte le titre de Meilleur Ouvrier de France (MOF) dont il est le plus fier, puis il obtient sa première étoile au Michelin pour l’auberge familiale. Dès l’année suivante, il effectue quelques transformations dans l’auberge guinguette de son père et remporte sa deuxième étoile. Il ne mettra que trois années supplémentaires pour décrocher la troisième. Il a alors les moyens financiers de racheter le nom de « BOCUSE » vendu avec un fond, en 1921, par son grand père paternel. L’auberge de Collonges devient alors « Paul BOCUSE ». 5 Rapport de Madame Catherine Dumas sur les arts culinaires : patrimoine culturel de la France, n°440 (2007- 2008) commission des affaires culturelles\n14. 11 Les médias s’intéressent à lui. Il va pouvoir mettre sa notoriété et son talent de communiquant pour faire sortir les cuisiniers de leurs cuisines, les faire connaître « au moins autant que le chasseur, le concierge où le maître d’hôtel dans un grand hôtel » et revaloriser le métier. En 1975, il est invité à l’Elysée par le président de la République, Valery Giscard d’Estaing, qui le fait Chevalier de la Légion d’honneur. Pour marquer l’évènement, il met à la carte de son restaurant sa nouvelle création « la soupe aux truffes V.G.E ». Pour lui, il n’y a qu’une cuisine : « la bonne ». Il se dit adepte de la cuisine traditionnelle. « J’aime le beurre, la crème et le vin. Ma cuisine est identifiable avec des os et des arêtes et j’y tiens ! Chez moi, il n’y a personne pour vous dire ce que vous allez manger puisque ça se voit… ». Fort de sa réputation, il publie des livres de cuisine, ouvre d’autres établissements (5 Brasseries et un restaurant Express à Lyon, Sept Brasseries à Tokyo trois restaurants, plus une boulangerie-pâtisserie à Disneyworld en Floride et également 14 points de ventes au Japon de produits portant sa marque. Il créé même, au début des années 90, avec son ami Gérard PELISSON (co-fondateur du groupe ACCOR) son Institut de formation éponyme à Ecully qui, en partenariat avec l’Université Lyon 3 forme des jeunes de 37 pays différents aux métiers de l’hôtellerie, de la restauration et des arts culinaires. Formations de niveaux Licence et Master qui intègrent tradition, innovation et recherche. Son conseil à la relève qui se prépare : « On met autant de temps à faire les choses bien qu’à les faire mal. Alors, autant les faire bien ! ». Pour lui, transmettre son savoir est une obligation morale à laquelle on ne pourra pas dire qu’il s’est dérobé. Parce que Paul BOCUSE se dit inquiet pour l’avenir. Pas le sien, mais celui de la transmission des gestes, des produits authentiques et des savoir faire traditionnels liés aux métiers de bouche. « J’ai peur que l’on perde le geste. J’ai peur qu’avec toutes les contraintes vétérinaires et sanitaires, on ne devienne plus qu’une cuisine d’assemblage. Nous risquons bientôt de ne plus avoir de véritables bases ». Pour contribuer au sursaut, il a lancé en 2004 la Fondation Paul BOCUSE, afin d’aider ou d’initier tous les projets permettant de sauvegarder, transmettre et promouvoir le patrimoine culinaire et la culture gastronomique française : octroi de bourses d’études, soutien à la création de centre de formation, parrainage de jeunes chefs méritants, valorisation des métiers de bouche dans les écoles et lycées,… Parallèlement, depuis plus de vingt ans, il organise les Bocuse d’Or, l’équivalent d’un championnat du monde de la cuisine. En 1989, il fut désigné « Cuisinier du Siècle » par GAULT-MILLAU qui le considère aussi comme le « Pape de la cuisine ». L’homme aime édifier, créer et surtout faire en sorte que cela fonctionne, c’est sa façon à lui de respecter son personnel dont il force l’admiration. A plus de quatre-vingt ans, il a prévenu : « dans vingt ans je passe la main ». Mais, une sérieuse alerte de santé à toutefois obligé « Paulo des bords de Saône » comme l’on baptisé ses amis à ralentir un peu le rythme de l’homme pressé qu’il est depuis toujours. Mais il a repris son bâton de Maréchal d’Empire et songe déjà à ce qu’il fera demain… Et les projets ne manquent pas ! B. Une place toute particulière dans l’identité culturelle de la France et dans son économie 1. Une culture nationale attachée aux métiers d’art Notre pays se distingue par le rôle essentiel que la puissance publique n’a cessé de jouer, pendant plusieurs siècles, en faveur des métiers d’art. Celle-ci a encouragé et promu de nombreux secteurs qui se caractérisaient déjà par l’existence d’un savoir-faire transmis de générations en générations et renouvelé par l’intégration continue de techniques innovantes, parfois importées de l’étranger a) Une tradition ancienne On peut au moins remonter au XIIIe siècle et au « Livre des métiers » du Prévôt de Paris Etienne Boileau, qui consigne les statuts des corporations parisiennes, pour illustrer le rôle\n15. 12 fondamental de Paris dans l’épanouissement des métiers d’art en France, grâce à la présence d’une riche bourgeoisie ayant constitué une clientèle exigeante tant en terme de qualité que d’innovation. Mais, déjà ce sont surtout les commandes royales et le soutien constant de mécènes amateurs de beaux objets qui ont permis de renouveler les métiers d’art français. Conseiller de Louis VI, puis de Louis VII, Suger, abbé de Saint-Denis, est le premier grand mécène des métiers d’art du XVe siècle : il fait travailler des orfèvres et réaliser de magnifiques vitraux et une croix monumentale pour son abbaye. C’est à cette époque que les objets en « œuvre de Limoges » (tabernacles, croix, chandeliers ….), mariant dorures et émaux polychromes, sont vendus dans l’Europe entière. Aux XVe et XVIe siècles, les métiers d’art français se renouvellent grâce aux techniques venues d’Italie. La céramique bénéficie notamment de ces nouvelles avancées, avec l’apparition de la majolique et surtout de la faïence qui supplante la terre vernissée traditionnelle. C’est également à cette époque que, sous l’influence italienne, les sculpteurs français exécutent des œuvres en bronze de petite dimension et que des pièces d’horlogerie de petit volume sont fabriquées. Aux XVIe et XVIIe siècles, c’est l’apogée des métiers d’art français. Sous Henri IV apparaît l’ébénisterie, nouvelle technique d’origine allemande du meuble plaqué sur du bois massif. Au milieu du XVIIe siècle, les « menuisiers en ébène » se consacrent à la fabrication des cabinets d’ébène. La technique se développe sous Louis XIV, notamment sous l’impulsion de André-Charles Boulle, d’origine flamande par son père, qui crée des meubles en marqueterie d’écaille et de laiton sur fond d’ébène. Cette tradition de l’ébénisterie française se poursuivra plus tard avec Charles Cressent, Jean-François Oeben ou encore Jean-Henri Riesner, fournisseur de Marie-Antoinette. Le génie créateur des artisans d’art français éclate sous le règne de Louis XIV, qui, grâce aux commandes royales et à son implication personnelle, donne une dimension sans précédent à ces métiers : Versailles devient une vitrine royale, admirée par l’ensemble des cours européennes. Formé par Mazarin, le roi a le goût des belles choses et les considère comme des instruments au service de sa politique. Pour relancer les industries, il crée des corporations nouvelles et ouvre des ateliers au Louvre, à Versailles et à St Germain. C’est sous son règne qu’apparaissent la technique de bronze d’ameublement doré à l’or moulu et la dorure sur bois pour les sièges, les tables et les boiseries. De grands orfèvres réalisent le mobilier d’argent du Château de Versailles, fondu pour financer la guerre de la Ligue d’Augsbourg en 1689. Louis XIV et Colbert regroupent au sein de la manufacture royale des meubles de la Couronne, créée en 1667 à l’hôtel des Gobelins, des petites manufactures de tapisserie. Cette manufacture, qui compte plusieurs centaines d’ouvriers d’art, comprend également à l’époque des ébénistes, des orfèvres, et des lapidaires italiens, qui travaillent dans le respect des dix-sept articles de la loi édictée par le surintendant des Bâtiments du roi. Cette manufacture contribue à la magnificence des palais royaux, notamment ceux du Louvre et des Tuileries. Louis XIV soutient également le développement de la manufacture de la Savonnerie, créée par Louis XIII en 1627 sur l’emplacement d’une ancienne savonnerie transformée en orphelinat par Marie de Médicis et installée sur la colline de Chaillot. Les savonniers y\n16. 13 produisent des pièces de dimension exceptionnelle, comme les tapis exécutés sur les cartons de Charles Le Brun et destinés à la grande galerie du Louvre. La Savonnerie rejoindra au XIXe siècle la manufacture des Gobelins. b) Le XVIIIe siècle ou « La perfection de l’art français » Le XVIIIe siècle est, selon Annie Schneider, auteur d’un ouvrage remarqué sur « Le Grand Artisanat d’art français » « un moment de perfection de l’art français ». La grande bourgeoisie financière se passionne pour le mobilier et les objets d’art. Sous l’influence de la marquise de Pompadour, l’artisanat d’art va connaître un rayonnement inégalé, qui se traduit notamment par l’aménagement des demeures royales. Sur les conseils de Mme de Pompadour, Louis XV achète la manufacture de porcelaine de Vincennes fondée en 1740, transférée à Sèvres en 1756. Sous son impulsion, Sèvres dépasse rapidement Meissen. L’histoire de la céramique est marquée par l’apparition durant cette période de la technique de la porcelaine. Pendant des siècles, les artisans français ont cherché, sans succès, à imiter les porcelaines translucides de Chine. Une pseudo porcelaine, appelée porcelaine tendre, est ainsi fabriquée à Rouen, Saint-Cloud, Chantilly et Sèvres. En 1768, la découverte près de Limoges d’un gisement de kaolin, matériel indispensable pour la fabrication de la porcelaine chinoise, va permettre la fabrication de la véritable porcelaine, dite porcelaine dure. Le XVIIIe siècle est également marqué par l’installation à Paris de nombreux ébénistes d’origine germanique, comme Oeben ou Riesner, et, d’origine flamande avec Van Risamburgh, qui produisent des pièces exceptionnelles alliant la rigueur allemande et la fantaisie française. c) Une tradition que la Révolution française ne remet pas durablement en cause Si la Révolution de 1789 met très provisoirement fin à cet âge d’or de l’artisanat d’art : le mobilier royal et les biens des aristocrates sont vendus, souvent à l’étranger, et les ateliers font faillite. Bonaparte, soucieux de relancer l’économie, cherche, dés 1801, à soutenir les métiers d’art. Il passe d’importantes commandes aux soieries lyonnaises et à l’industrie parisienne du meuble, qui emploie à l’époque plus de 10 000 ouvriers, et organise plusieurs expositions dans la cour du Louvre. Les conditions de la commercialisation des objets d’art se modifient avec l’organisation d’expositions. Onze expositions nationales des produits de l’industrie ont eu lieu entre 1798 et 1849. Le Second Empire assure à l’artisanat français une nouvelle prospérité en s’inspirant des styles des siècles précédents. L’industrialisation favorise le développement de techniques comme l’orfèvrerie plaquée ou le papier peint. La technique de la verrerie se perfectionne ; l’émail et le vitrail sont remis à l’honneur. Les expositions universelles succèdent aux expositions des produits de l’industrie. La première de ces expositions, celles de 1855, accueille cinq millions de visiteurs. Cette « industrialisation » des métiers se fait parfois au détriment de l’art, même si ceux-ci restent encore très dynamiques, notamment à Paris.\n17. 14 L’apparition de l’art déco dans les années 1920 permet de donner un nouvel essor aux ébénistes, bronziers, orfèvres, gainiers, tisseurs ou passementiers. C’est l’époque où le verrier Lalique et l’orfèvre Puiforcat acquièrent une renommée internationale. Mémoire vivante : François LESAGE Photo François LESAGE © DR Un point… c’est parfois tout ! Le terme d’artificier de la mode est peut être celui qui convient le mieux à François Lesage, d’ailleurs il lui plait à dire que « la broderie est à la haute couture, ce que le feu d’artifice est au 14 juillet ». L’art du brodeur semble en effet indissociable de la haute couture si l’on veut bien considérer les présentations de collections organisées ces dernières décennies pour Karl LAGARFELD chez CHANEL, Jean-Louis SCHERRER, Christian LACROIX et la Maison GIVENCHY. Si l’on date l’organisation de la haute couture à 1870, menée par Charles Frédéric WORTH, alors la famille LESAGE peut s’enorgueillir d’avoir accompagné plus de la moitié de l’histoire moderne de la mode, avec 60 ans de travail pour François et une bonne vingtaine d’années pour ses parents. C’est en 1924 que son père, Albert, fait l’acquisition de l’atelier du brodeur MICHONET créé en 1868 et brodeur de Napoléon III. Entièrement néophyte dans ce métier il dispose d’un atout maitre pour réussir et développer son entreprise en la personne de son épouse, Marie-Louise FAVOT, dénommée YO, qui était dessinatrice chez Madeleine VIONNET et plus particulièrement en charge des commandes de broderie… De ses deux parents, François LESAGE dit qu’il a hérité de l’art du graphisme et des talents de dessinateur de son père et de l’amour des couleurs et bien entendu du dessin, de sa mère. Avec un petit sourire, François LESAGE déclare qu’il « n’a jamais eu à se poser la question de ce qu’il allait faire plus tard, à partir du moment où il était né sur un tas de perles ! ». Pourtant, à l’âge de 19 ans, il tente un voyage initiatique, aux Etats-Unis, où il a un peu de famille. Il débarque à Baltimore et fait le tour des USA en vendant des diamants. Il passe chez sa marraine à Los Angeles et fait la connaissance de Jean-Louis BERTHAULT, dit Jean-Louis, le maître couturier de la Columbia, le « costume designer » le plus cité à la célèbre cérémonie des OSCAR. Très vite, il monte avec lui un atelier à Hollywood sur Sunset Boulevard et habille les plus grands noms du cinéma et des débuts de la télévision. Le décès brutal de son père, en 1949, va mettre un terme au rêve américain. A vingt ans à peine, il reprend l’atelier familial de broderie et décide de porter, malgré son extrême jeunesse, le poids d’un héritage patrimonial déjà conséquent dans le métier. Guidé par sa mère, le jeune François fait ses classes auprès d’une nouvelle génération de couturiers bien décidés à redorer le blason de la haute couture parisienne durement éprouvée dans l’immédiat après-guerre. Il collabore ainsi avec Hubert de GIVENCHY et Pierre BALMAIN. En ayant soin de toujours rester à sa place, sans jamais empiéter le domaine réservé des couturiers. « Suggérer sans imposer » reste sa devise. Les années soixante où le dessin prévaut au choix des matériaux vont lui donner l’occasion de s’émanciper. La broderie se fait étoffe, la mode est aux lignes droites. François LESAGE s’épanouit dans ce métier qu’il définit « sans limite » puisqu’on y introduit sans cesse des matériaux qui ne lui étaient pas destinés : plumes, fourrures, coquillages, cristaux de roche,… François LESAGE aime à le répéter, sans « ses filles », ses brodeuses, il n’est rien. Un peu provocateur il ose même déclarer qu’il ne sait même pas coudre un bouton… Mais, lui à l’œil. Celui qui lui permet de savoir ce\n18. 15 qu’il va proposer à ses clients, les grands couturiers. Celui qui lui permet, même de loin, même à l’envers, de constater qu’un point est mal fait. Il se souvient des collections d’Yves SAINT-LAURENT, dans les années 75 à 90, lorsqu’il n’y avait que deux collections par an, mais moins de réglementations sociales et beaucoup plus de travail (on a compté jusqu’à 250 embauches chez LESAGE à l’époque), des rémunérations conséquentes et des gens qui aimaient leur travail… Mais, il garde également en mémoire la crise de 1992 qui absorba, en moins de quatre ans, ce que François LESAGE avait mis 40 ans à gagner. Celle de 1929 avait provoqué le déménagement avantageux de ses parents de la rue Feydeau à celle de la Grange Batelière. Celle de 1992 aura été moins valorisante, à moins qu’on y mette au crédit le lancement de l’école LESAGE, une école de référence d’un savoir-faire désormais rare : la broderie d’art. Choisie par des centaines d’élèves venus du monde entier, l’Ecole enseigne toutes les techniques possibles, améliorées ou même inventées, au fil de l’aiguille ou du crochet de Lunéville, par les brodeuses de LESAGE. François LESAGE brode aujourd’hui 80 % de la haute couture française. Il travaille pour CHANEL, DIOR, LACROIX, Yves SAINT-LAURENT, BALENCIAGA, DOLCE & GABBANA, VERSACE,… Chaque saison, il sort de ses ateliers plus de deux cents échantillons qu’une bienveillante tradition conserve soigneusement depuis l’époque MICHONET. Les quelques cinquante mille échantillons désormais classés représentent plus de neuf millions d’heures de travail. Une richesse inestimable pour les amateurs et professionnels de la haute couture et de la broderie d’art. Ceux pour qui un point… c’est parfois tout ! 2. Un rôle économique à plusieurs dimensions L’absence actuelle de définition légale et l’extrême diversité des métiers d’art rendent, comme on sait, difficile toute approche statistique certaine. En particulier, on ne peut que regretter vivement l’absence de données homogènes actualisées qui permettraient d’analyser l’évolution du poids économique des métiers d’art dans leurs différentes composantes au cours de ces dernières années. Plusieurs éléments permettent néanmoins de démontrer que ces métiers apportent une contribution toute particulière à l’économie nationale et ce, à différents niveaux. a) Le rôle économique direct Le secteur au sens large Si l’on se fonde sur la nomenclature de 2003 et sur les 55 codes d’activités économiques NAFA (Nomenclature française d’activités de l’artisanat)6 , 37 000 entreprises relèvent des activités des métiers d’art au 1er janvier 20067 . Ce chiffre est en baisse depuis 2003, le pic ayant été atteint en 2002 avec 39 445 entreprises. Une majorité d’entre elles sont des PME. Leur chiffre d’affaires s’élevait en 2004 à 7,8 milliards d’euros, dont 8,1 % à l’export. La verrerie, la cristallerie, la porcelaine et la maroquinerie et bien sûr la mode française sont des produits phares d’exportation. Le secteur au sens strict Si l’on ne prend que «le noyau dur » de l’artisanat d’art, correspondant aux 28 codes d’activité relevant entièrement des métiers d’art, le chiffre d’affaires de ce secteur s’élevait, fin 2005, à 3,5 milliards d’euros. Les 18 000 entreprises du noyau dur emploient 43 200 personnes, dont 25 600 salariés. 6 28 codes d’activité relèvent totalement des métiers d’art et 27 contiennent une part significative d’entreprises exerçant un métier d’art. 7 Chiffres du ministère de l’économie, des finances et de l’emploi (DCASLP).\n19. 16 Évolution du nombre d'entreprises des métiers d'art entre 2000 et 2006* par domaine d'activité du noyau dur 2000 2001 2002 2003 2004 2005 2006 Arts graphiques 2 241 2 292 2 369 2 381 2 391 2 179 1 936 Bijou 4 152 4 156 4 188 4 131 4 060 3 985 3 844 Bois 3 205 3 387 3 464 3 529 3 620 3 814 3 953 Cuir 1 559 1 511 1 451 1 414 1 338 1 292 1 299 Divers 856 908 953 962 996 1 096 1 152 Facture instrumentale 1 005 1 028 1 041 1 075 1 066 1 071 1 083 Métal 58 62 59 49 49 37 33 Mode 680 681 687 675 682 626 551 Terre 1 579 1 619 1 664 1 697 1 728 1 759 1 707 Textile 721 728 745 743 715 639 585 Tradition 1 087 1 114 1 166 1 248 1 297 1 345 1 388 Verre 349 379 386 401 414 375 322 Ensemble 17 492 17 865 18 173 18 305 18 356 18 218 17 853 * statistiques établies d'après le stock d'entreprises SIRENE aux 1er janvier Source : INSEE - SIRENE - DCASPL Environ les deux tiers de ces entreprises sont sans salarié, le chef d’entreprise cumulant les fonctions de commercial, de gestionnaire et de technicien hautement spécialisé. Seules 3,5 % des entreprises ont plus de dix salariés, alors que ce chiffre est en principe de 7 % tous secteurs confondus. La moyenne est de 1,7 salarié par entreprise. Qui sont les travailleurs des métiers d’art ? Contrairement aux idées reçues, les métiers d’art sont exercés par des personnes plutôt jeunes, puisque 70 % ont moins de 44 ans. Mais ces chiffres couvrent d’importantes disparités, certains métiers, qui peinent à recruter, étant menacés de disparition lorsque les derniers artisans, aujourd’hui âgés, partiront à la retraite. Parmi ces métiers menacés, on peut citer l’imprimeur en héliogravure ou encore le batteur d’or. Derrière la froideur des chiffres et des moyennes, il y a la réalité parfois difficile de l’artisan ayant consacré sa vie à son art et qui sait qu’avec lui risque de disparaître des savoir-faire séculaires. Si l’on se tient aux données du baromètre 2008 de l’Observatoire des métiers d’art, qui s’appuie sur le profil des 1 350 membres d’Ateliers d’art de France, la mixité est respectée : 49,6 % des femmes et 50,4 % d’hommes. Près de la moitié dispose d’un diplôme supérieur au bac et travaille depuis moins de dix ans dans le monde des métiers d’art. L’apport économique des métiers d’art est surtout remarquable en termes de qualité d’emplois puisqu’il offre des emplois de type industriel, à forte valeur ajoutée, faiblement délocalisables, dans la mesure bien entendu où le niveau de savoir-faire et l’effort d’innovation sont maintenus.\n20. 17 b) La vitrine de l’industrie du luxe Bien au-delà de leur poids économique direct, les métiers d’art constituent un enjeu économique et commercial stratégique dans la mesure où la réputation acquise dans ces domaines constitue en quelque sorte la quintessence du luxe français. Certes, toute l’industrie du luxe ne fait pas partie des métiers d’art et beaucoup de métiers d’art ne travaillent pas pour le luxe mais, le luxe n’existerait pas sans les métiers d’art. Que serait la haute couture sans les broderies de Lesage, les bottes de Massaro ou les parures florales de Guillet. Or le secteur du luxe est devenu un des secteurs stratégiques de l’économie française. Le cabinet A.T. Kearney a ainsi évalué à 170 000 le nombre de personnes participant plus ou moins directement à ce secteur en France, y compris dans les filières logistiques, distribution et marketing8 . Avec un chiffre d’affaires de 22,4 milliards d’euros en 2007, dont 82 % à l’exportation, les 70 maisons du comité Colbert pèsent presque autant que l’industrie automobile française et dix fois plus que le transport ferroviaire. Mémoire vivante : Daniel TRIBOUILLARD Photo Daniel TRIBOUILLARD © FRANCO TETTAMANTI L’Empereur français de la mode en Asie Lorsque la société LEONARD Fashion, est créée en 1958, elle repose sur un concept : « Une fleur posée sur la soie ». Daniel TRIBOUILLARD considère que c’est là que réside la clé de son succès : « Ce concept fonde notre identité et rend nos créations reconnaissables entre toutes ». C’est grâce à ce produit que la petite entreprise va pouvoir rapidement se positionner sur le marché international, en Europe puis aux Etats-Unis et en Asie, qui représente aujourd’hui plus de 85% de son chiffre d’affaires. C’est au Japon que la marque française va accéder, vers le milieu des années 80, à une véritable consécration internationale avec la présentation de ses premières collections de kimonos. Devenu le plus japonais des couturiers occidentaux, Daniel TRIBOUILLARD part à la conquête de Taïwan, la Chine, Hong Kong et la Thaïlande… La chroniqueuse vedette de la mode en Asie, Suzy MENKES, présente désormais Daniel TRIBOUILLARD comme l’Empereur de la mode en Asie. Avec un père administrateur du célèbre magasin « Les 3 quartiers » et une mère qui fabrique des gants de luxe pour les maisons Chanel, Dior et Saint-Laurent, la voie du jeune TRIBOUILLARD est rapidement orientée vers la mode et le textile. Il entre dans la vie active dès 18 ans lorsque son père le recommande à l’une de ses connaissances, l’éditeur de tissus Jacques LEONARD qui travaille pour les maisons de Haute Couture. Malgré son jeune âge, Daniel TRIBOUILLARD est chargé des relations avec ces clients exigeants, une responsabilité qui lui permet 8 Le ministère chargé de l’industrie évoque, lui, le chiffre de 110 000 personnes travaillant dans les maisons de luxe français.\n21. 18 régulièrement de visiter les créateurs de l’époque (BALENCIAGA, RICCI, GIVENCHY, LANVIN et DIOR) dans leurs ateliers. A son retour du service militaire, Jacques LEONARD propose à Daniel TRIBOUILLARD de lui confier le lancement d’une société de création baptisée LEONARD Fashion. A 23 ans, il est nommé Directeur général et Directeur artistique de cette nouvelle entité. En travaillant avec les professionnels lyonnais du tissage, il met au point un procédé d’impression révolutionnaire qui permet d’imprimer les tissages anglais Fully-Fashioned très en vogue à l’époque mais réputés « inimprimables »… Après avoir déposé le brevet de cette invention, il le propose à DIOR, LANVIN et HERMES qui sont séduits par cette nouvelle perspective. En 1961, lorsque les contrats d’exclusivité avec les trois grandes maisons expirent, Daniel TRIBOUILLARD lance sa propre collection sous la marque LEONARD. Puis, il s’associe avec la Société RHODIACETA, important fabricant lyonnais de fibres qui vient de mettre au point une nouvelle matière le Crylor. Un subtil mélange de laine et de crylor va permettre aux nouveaux pulls imprimés d’être facilement lavables et d’une solidité à toute épreuve. Le succès est phénoménal ! LEONARD explose ses ventes en France, puis en Europe. «Il n’y avait pas une femme, toutes origines sociales confondues, qui n’avait pas son pull–over LEONARD imprimé avec des fleurs » se souvient avec grande satisfaction Daniel TRIBOUILLARD. Encouragé par le succès de ses dessins de fleurs qui plaisent aux femmes, il développe son style et l’approfondit en choisissant l’orchidée comme emblème de la marque, « une fleur rare, sans limites géométriques qui m’a donné une grande liberté de création dans mes dessins » rappelle Daniel TRIBOUILLARD tout en regrettant la disparition de l’enseignement rigoureux du dessin dès le plus jeune âge, à l’école, puis dans les formations professionnelles de la mode. Lorsque la clientèle finit par se lasser des pull-overs, Daniel TRIBOUILLARD lance une nouvelle matière, le jersey de soie (du nom du métier circulaire Jersey utilisé pour le tissage aléatoire), sur laquelle il pose ses orchidées. Elastique et donc infroissable, chaud l’hiver et frais l’été et surtout incomparablement léger, cette nouvelle invention constitue le nouveau coup de maître de Daniel TRIBOUILLARD et va définitivement asseoir la réputation internationale de LEONARD. En 1968, il présente sa première collection de robes en jersey de soie imprimées. Il s’impose comme la maison du prêt à porter de luxe et axe sa communication sur la légèreté du tissu avec son slogan : « La robe LEONARD, 150 grammes de bonheur ». Il maitrise toute la chaine de fabrication de ce nouveau produit phare, jamais démenti depuis 40 ans, en créant sa propre usine de tissage en Italie et en restant fidèle à Lyon pour l’impression. Au début des années 70, la maison LEONARD diversifie sa production (parfum, cravate, carré de soie,…) et met en place son propre réseau de distribution. C’est aussi l’époque des premiers contacts avec le Japon où LEONARD va rapidement s’imposer comme l’une des marques de prêt à porter préférée des Japonaises. L’une des plus grandes fiertés de Daniel TRIBOUILLARD sera d’être choisi, en 1983, par le gouvernement japonais, pour créer une ligne de Kimonos, « l’habit traditionnel japonais, élément du patrimoine national dont le déclin inquiétait les autorités » précise Daniel TRIBOUILLARD qui va pouvoir pénétrer les secrets de cette fabrication traditionnelle et relancer l’habit auprès des jeunes générations. Ces nouveaux succès permettent à la marque d’étendre sa politique de licences et d’étoffer sa gamme de produits via la maroquinerie, les lunettes, les montres et les bijoux. A la fin des années 80, plus d’une centaine de boutiques sont implantées dans le monde, dont les trois quarts au Japon et en Asie. C’est l’époque où Daniel TRIBOUILLARD rachète l’entreprise qui l’emploie depuis plus de trente ans. En 1994, Daniel TRIBOUILLARD et la maison LEONARD font leur entrée à la Fédération Française de la Couture et organisent le premier défilé de la marque au Carrousel du Louvre. « Une date très importante car elle symbolise la réalisation d’une ambition et la conséquence logique de plusieurs années de travail ». LEONARD entre dans le cercle privilégié des grandes maisons, s’installe dans le Triangle d’Or parisien où cohabitent tous les grands noms de la couture et s’expose médiatiquement lors des deux défilés annuels imposés par le prestigieux nouveau statut. Il habille Ivana TRUMP, Robert HOSSEIN, Laeticia CASTA et Johnny HALLYDAY, à la ville comme à la scène puisqu’il confectionnera pour lui les costumes de ses concerts au Stade de France en 1998. Depuis 1992, Daniel TRIBOUILLARD siège au Comité Colbert et assume ses responsabilités de professeur « honoris causa » de l’université de Shanghaï où il prodigue toujours des cours de marketing et de mode. Plusieurs fois distingué par les autorités françaises, Daniel TRIBOUILLARD continue de dessiner les collections LEONARD et de parcourir le monde pour les présenter. Il vient d’ouvrir sa 106e boutique au Japon, à Ginza, le quartier chic de Tokyo… Un Palais de plus pour l’Empereur français de la mode en Asie.\n22. 19 c) Un capital précieux : l’image de la France (1) Les métiers d’art expriment et confirment « une certaine idée de la France » Au-delà même des résultats spectaculaires des entreprises de luxe à l’exportation, les métiers d’art participent directement de l’image de la France, pays de culture, d’excellence et de tradition. Ce lien est d’autant plus fort que les métiers d’art sont fortement associés au prestige de Paris qui a su conserver une place à part en la matière. En effet, selon la Chambre de commerce et d’industrie de Paris, l’Ile de France accueille les trois quart des entreprises françaises du luxe, les sous traitants représentant 5 000 entreprises dans la région et 25 % de l’effectif national. Ces chiffres rejoignent ceux de la Confédération française des métiers d’art, qui, en 2004, évaluait à 5 000 le nombre d’entreprises du noyau dur des métiers d’art situés en région parisienne, employant un quart de l’effectif national, contre 10 % dans la région Rhône-Alpes. Sur ces 5 000 entreprises, 1 000 emploient plus de dix personnes. La place de Paris a su préserver un esprit et des quartiers dédiés à l’artisanat d’art. Cet acquis doit être renforcé, non par passéisme, mais parce qu’il constitue une richesse culturelle inégalable et contribue au rayonnement culturel de la capitale en cohérence parfaite avec l’image d’ensemble de la France. Indépendamment de l’image traditionnelle, les métiers d’art et du luxe constituent une locomotive pour d’autres industries qui bénéficient de la renommée de produits « made in France ». En outre, les métiers d’art contribuent également au développement du tourisme en France. La France est, dans l’imaginaire de beaucoup, le pays de la mode et de la gastronomie, du savoir- vivre et du savoir-faire. Un nombre important de touristes étrangers visitent la France pour cette image d’excellence. Le colloque sur Tourisme et Métiers d’art, qui s’est tenu il y a quelques années au Sénat sous la présidence du sénateur Bernard Joly, a montré l’impact des métiers d’art sur le développement du tourisme en France. Cet impact est particulièrement important en matière de gastronomie, comme en témoigne les nombreux guides et réseaux dans cette matière. L’association « Villes et Métiers d’art » témoigne également de l’importance des métiers d’art pour le rayonnement culturel de nos territoires. Paris occupe au sein de ces villes une place à part et conserve le statut de capitale mondiale de la création. La mise en place, il y a deux ans, de l’association « Paris, Capitale de la création », qui fédère autour de l’image de Paris les 36 salons professionnels de l’Ile-de-France consacrés aux industries et aux métiers de la création, en est l’illustration. Comme l’a rappelé son coordinateur général, Gilles Muller, Paris demeure la plate forme incontestée de la création et de l’excellence française, rassemblant artisans et designers de talent.\n23. 20 Cette position pourrait être consacrée par une nouvelle initiative qui traduirait de façon encore plus visible le rôle et l’image de Paris dans ce domaine. PROPOSITION n°3 : Mettre en place un « pôle d’excellence de la création » en Ile-de- France, sur le modèle des pôles de compétitivité, concentrant sur un seul site des centres de formation et de recherche ainsi que des centres de production, permettant d’attirer les jeunes talents et de promouvoir le développement économique de la filière. Ce projet pourrait se développer à partir d’un pôle « textile et mode », qui consacrerait la place fondamentale de la capitale en la matière. (2) Des perspectives de développement prometteuses A la croisée de la culture, de l’économie et du tourisme, de nombreux projets voient le jour sur le territoire visant à mieux valoriser le patrimoine que constituent les métiers d’art. Dans le prolongement de cette dynamique, il convient de mentionner des projets particulièrement ambitieux actuellement à l’étude qui pourraient apporter une nouvelle contribution au rayonnement international de la France et de sa capitale. Le projet de reconstruction des Tuileries constituerait à cet égard un symbole de la volonté de l’État de s’engager dans une politique de soutien aux grands projets. En 2002, l’Académie du Second Empire a proposé aux pouvoirs publics, de rendre à l’ensemble indivis « Louvre-Tuileries » le maillon essentiel dont il a été amputé, le Palais des Tuileries, siège du pouvoir central de 1789 à 1870, de restituer à cet ensemble son caractère de grande enceinte d’art et de restaurer par la-même la grande perspective des Champs Elysées. Si le ministre de la culture de l’époque, M. Jean-Jacques Aillagon, a écarté le projet pour des raisons budgétaires, son successeur, M. Renaud Donnedieu de Vabres a manifesté l’intérêt de l’État en mettant en place en juin 2006 une commission d'études sur la reconstruction des Tuileries, composé de huit membres et présidée par M. Maurice Druon, membre de l'Académie Française et ancien ministre de la culture.\n24. 21 DR : Perspective Tuileries 1855 Le coût prévisionnel de la reconstruction a été évalué à 300 millions d’euros pour 20 000 m . Ce montant, même s’il est important, est quatre fois moins élevé que les travaux du Grand Louvre réalisés sous la présidence de François Mitterrand (8 milliards de francs, dont un de restauration). Le comité national pour la reconstruction des Tuileries, créé en 2004 par l'Académie du Second Empire, a imaginé un montage juridique et financier, au terme duquel il se transformerait en fondation. Cette fondation proposerait à l'État un bail à construction de type emphytéotique, afin de reconstruire les Tuileries à l'identique, sous le contrôle de l'État propriétaire du terrain, mais sans sa participation financière, ni celle de la Ville de Paris. Le financement proviendrait, après avoir obtenu les autorisations de l'État, du mécénat français, du mécénat international et d’une souscription nationale et internationale. Pendant la durée du bail emphytéotique, d'une durée à convenir avec l'État, la fondation gérerait et entretiendrait les Tuileries, sous le contrôle de l'État mais sans aucun denier public. Au terme du bail, elle remettrait gratuitement les Tuileries à l'État. Ce montage juridique a déjà été utilisé sur ce secteur pour la réalisation de la galerie commerciale du Louvre en sous-sol (bail de 80 ans à Vinci) et pour le parking souterrain (bail de 70 ans au groupe Caisse des Dépôts). Avec ses enfilades de salons de réception de 8,70 m sous plafond et la salle de spectacle, le palais des Tuileries reconstruit serait un prestigieux centre de conférences d'intérêt national et international. Par ailleurs, une partie de ce chantier pourrait être visible du grand public, contribuant ainsi à la promotion des savoir-faire traditionnels en matière de restauration du patrimoine. Comme le rappelait Alain Boumier, président du Comité national pour la reconstruction des Tuileries et président de l'Académie du Second Empire, il ne manque plus qu’une volonté au plus haut niveau de l’État pour que ce projet devienne, enfin, une réalité. Le projet de création d’une Villa Médicis en plein cœur de Paris. Il s’agirait d’un lieu exceptionnel qui mettrait en valeur les métiers d’art et favoriserait les rencontres entre artisans d’art et acheteurs potentiels. Il permettrait aux artisans d’art : - de disposer d’une « vitrine sur le monde », en plein cœur de Paris ; - de s’inscrire dans un lieu qui deviendrait le carrefour permanent des métiers d’art français, synonyme d’excellence et de diversité à travers une sélection très pointue des « meilleurs artisans d’art » parmi les métiers d’art déjà référencés ; - d’être en lien direct avec les acquéreurs français et étrangers ; - de bénéficier d’un marketing global qui assurerait la promotion des métiers d’art en France et dans le monde ; - de s’unir autour d’un projet, d’un lieu, et de se rassembler pour construire ensemble un avenir commun pour les métiers d’art et d’excellence. Ce lieu de rencontre et d’échanges, directement inspiré de la villa Médicis à Rome, permettrait également aux artisans de différents métiers de travailler ensemble et de partager leurs techniques et savoir-faire. Un partage qui permettrait de stimuler création, créativité et\n25. 22 innovation. Un lieu d’art vivant où les artisans d’art pourraient également s’associer à des artistes contemporains pour créer ensemble. Un lieu vivant où, collectivités locales, fondations, mécènes publics ou privés, collectionneurs et associations ou syndicats professionnels pourraient organiser des évènements comme des expositions, des remises de prix, des stages d’enseignement, des ventes privées d’objets rares,… Alors que les métiers d’art sont dispersés dans l’Hexagone, l’objectif est de faire de Paris le « centre des métiers d’art » en leur offrant une « place de marché » centrale et très active. Développer « la force des métiers d’art », c’est cultiver la différence de Paris vis-à-vis des autres grandes capitales européennes et redonner à Paris sa place de capitale de la culture. Ce projet est actuellement à l’étude. Il a été confié à l’ancien ministre de la Culture, Renaud Donnedieu de Vabres, par le groupe Allard Palaces qui pourrait concourir à la reprise de l’Hôtel de la Marine situé Place de la Concorde lorsque l’État major rejoindra ses nouveaux quartiers à Balard (Paris 15e ) en 2014. Un projet qui redonnerait à ce site historique classé, son affectation d’origine où les étages servaient de garde-meubles du royaume que le peuple pouvait visiter, tandis que les boutiques sous les arcades de la cour intérieure accueillaient les ébénistes, bronziers, tapissiers et autres artisans d’art qui concevaient ce mobilier, l’entretenaient et le réparaient. Ces deux projets particulièrement intéressants confirment tout l’intérêt pour la France de conserver et de développer sa position de leader dans le monde des métiers d’art. Après avoir proposé une définition de ces métiers et tenté d’en démontrer l’importance tant économique que culturelle, ma mission a consisté à étudier quelles solutions seraient susceptibles d’être proposées. Il en est ressorti qu’une nouvelle dynamique politique en direction des métiers d’art était, non seulement souhaitable, mais aussi possible et qu’elle devrait agir à trois niveaux. ******\n26. 23 II. Les trois axes d’une nouvelle dynamique en faveur des métiers d’art Au regard des enjeux et de la situation actuelle des métiers d’art ainsi que des contraintes, en particulier budgétaires, qui pèsent sur l’action publique, il est proposé d’agir à trois niveaux : - en encourageant la poursuite du mouvement d’innovation engagé depuis plusieurs années ; - en confortant la place de ces métiers par une meilleure reconnaissance à différents niveaux ; - en assurant la préservation de ces métiers pour l’avenir. A. Encourager et généraliser la dynamique d’innovation déjà engagée Le secteur des métiers d’art a connu ces dix dernières années de profondes mutations, avec une concurrence accrue sur les marchés internationaux qui a certes fragilisé beaucoup d’ateliers traditionnels mais a aussi suscité de nouveaux modes de production et de consommation. La survie du secteur des métiers d’art passe aujourd’hui nécessairement par l’intégration de nouvelles technologies et la recherche d’une créativité constamment renouvelée, qui doit être encouragée. 1. Une évidence déjà intégrée par plusieurs métiers d’art : la tradition a besoin d’innovation Dans les métiers d’art, le geste de la main est primordial, voire irremplaçable. Francis Chauveau, directeur général adjoint d’Hermès, rappelle que les métiers d’art restent fondamentalement des métiers de la main et le resteront. Il rejoint en cela Hervé Martin, président directeur général de Baccarat, pour qui l’œil, la main et l’expertise restent au cœur de tous les processus de fabrication. a) L’innovation par les nouvelles technologies Un artisan d’art, c’est d’abord et avant tout un savoir-faire que nulle machine ne peut remplacer. On parle d’ailleurs souvent, à propos de l’artisanat d’art, de l’intelligence de la main. Pourtant, cette prééminence du geste n’est pas exclusive de l’utilisation de nouvelles technologies qui peuvent, dans certains secteurs et pour certaines fonctions précises, apporter une aide précieuse permettant de renouveler l’artisanat d’art. Cette intégration des nouvelles technologies se situe d’ailleurs dans la continuité de l’évolution des métiers d’art, dont on a vu qu’ils avaient à travers les siècles adopté des procédés nouveaux, souvent importés de l’étranger.\n27. 24 Le travail de Dominique de Seguin, sculpteur qui utilise l’informatique, la découpe au laser ou le water-jet pour sublimer la sculpture sur bronze et donner de nouvelles perspectives à son art, est à cet égard exemplaire. Il est d’ailleurs assez significatif que Baccarat, tout en valorisant le rôle irremplaçable de l’artisan, soit l’une des entreprises qui ait eu le plus recours à ces nouvelles technologies : four à bassin continu en 1967, conception de lustres assistée par ordinateur en 2000, technologie laser pour graver le cristal en 2007, nouveau procédé d’élaboration de cristal de couleur prévu en 2010. Sur les cinq dernières années, près de 5 millions par an auront été consacrés par l’entreprise aux investissements industriels et commerciaux. Comme le rappelle Hervé Martin, il ne s’agit pas de remplacer l’homme mais de l’aider dans sa tâche. L’innovation technologique permet à des entreprises comme la Manufacture Prelle, la plus ancienne manufacture de soieries et d’ameublement lyonnaise, de répondre à la diversité des commandes : à côté des métiers à bras, qui sont les seuls sur lesquels on peut tisser certains velours ciselés, brochés en soie ou brocart d’or et d’argent, de nouveaux métiers ultra performants, avec conception assistée par ordinateur et commandes électroniques, permettent, en supprimant les coutures, de confectionner des tissus de grande largeur. Ces innovations technologiques sont également très présentes dans la filière bijouterie- joaillerie : conception et dessins assistés par ordinateur, prototypage rapide, techniques de finition (sertissage, polissage) marquage au laser, logiciel d’exploitation des ateliers. L’évolution technologique, en permettant à l’entreprise de rester compétitive, contribue à préserver les emplois, et donc les savoir-faire. L’encourager, c’est préparer l’artisanat d’art du XXIe siècle, qui devra allier savoir-faire millénaires et techniques de pointe. L’intégration de ces nouvelles technologies ne va en effet pas de soi et beaucoup d’artisans d’art ont indiqué ne pas ou peu les utiliser. Il y a donc un vrai travail de formation et de communication à faire : même dans les métiers les plus traditionnels, comme ceux de la restauration, les nouvelles technologies peuvent avoir leur place. L’école Boulle en a pris pleinement conscience et propose de faire cohabiter, pour reprendre le mot de son directeur Pierre Schachtel, « le ciseau à bois et l’ordinateur ». Elle a ainsi acquis une machine à découpe laser qui devrait permettre de moderniser la formation en marqueterie. De même, l’école Grégoire Ferrandi intègre pleinement les nouvelles technologies, notamment en matière culinaire, et a ainsi mis en place une salle d’analyse sensorielle utilisée par les élèves, mais également par les professionnels de l’agro-alimentaire pour leur recherche et leur développement. Le rôle des pôles d’innovation dans le développement des nouvelles technologies est par ailleurs fondamental et mérite d’être soutenu et développé. Ces pôles d’innovation, pilotés par l’Institut supérieur des métiers (ISM), permettent aux entreprises artisanales de bénéficier d’une veille technologique régulière et de conseils sur les évolutions technologiques. Il existe actuellement cinq pôles d’innovation pour les métiers d’art : le Centre européen de recherche et formation aux arts verriers (CERFAV), en Lorraine, l’Institut supérieur de recherche et de formation aux métiers de la pierre (ISRFMP), en Midi-Pyrénées, l’Institut\n28. 25 technologique européen des métiers de la musique (ITEMM), dans les pays de la Loire, l’Institut de formation et de recherche pour les artisanats des métaux (IFRAM) en Haute- Normandie et enfin l’Institut Universitaire des Métiers et du Patrimoine (IUMP) en Champagne-Ardenne. La vente et la communication comptent parmi les rares domaines où les nouvelles technologies semblent relativement bien intégrées, y compris dans les secteurs traditionnels. Internet permet de vendre dans le monde entier des produits parfois très spécifiques. Les ateliers Rémy Garnier, installés à la Bastille et spécialisés en serrurerie-bronzier, ont mis en ligne des photos de l’ensemble des pièces qu’ils fabriquent, ce qui leur permet de vendre à l’étranger, notamment en Russie, près de la moitié de leur production. Le secteur du luxe, après quelques hésitations, semble également avoir pris conscience des potentialités d’Internet, surtout utilisé pour relayer les messages publicitaires à destination du grand public. Boucheron utilise ainsi son site Internet, qui compte dix fois plus de visiteurs que l’ensemble de ses magasins, comme une gigantesque boutique virtuelle pour faire la promotion de ses collections. Mais les grandes marques du luxe restent très prudentes, désireuses de conserver leur image d’exclusivité. Les ventes en ligne demeurent encore faibles par rapport au nombre de visiteurs des différents sites du luxe. Francis Chauveau, directeur général adjoint d’Hermès, explique cette différence par la nature même des produits proposés et la part de rêve inhérente à de tels achats : les clients repèrent sur les sites les produits qu’ils achèteront par la suite en boutique. Il semble cependant que la vente en ligne, moins affectée par la crise, amène également de nouveaux clients. Ainsi, Isabelle Guichot, présidente de Balenciaga9 , souligne que le recoupement est assez faible entre ses clients en magasin et les clients sur Internet. Si l’utilisation commerciale d’Internet paraît relativement répandue, il convient néanmoins de saluer l’initiative de la Chambre de commerce et d’industrie de Paris, qui, dans le cadre de son programme « Compétitivité des PME du luxe » lancé en janvier 2009, a mis en place une formation en petits groupes aux potentialités d’Internet. b) L’innovation par le design Si l’apport des nouvelles technologies est important, il est aussi fondamental que les métiers d’art, comme ils l’ont toujours fait au cours de leur histoire, fassent preuve de créativité. Cette créativité passe aujourd’hui principalement par le design, anglicisme sans véritable définition qui fait essentiellement référence à la qualité esthétique du produit. Comme l’a souligné Alain Lardet, président des Designer’s Days, le design doit être un moyen de redynamiser et de réactualiser certains métiers en leur donnant de nouvelles perspectives. C’est également l’analyse de Claude Nicolet et Vittorio Serio, artisans ébénistes et créateurs de meubles, et de Patrick Kruse, directeur délégué de l’Union nationale de l’artisanat des métiers de l’ameublement, pour lesquels l’attente des acheteurs est désormais majoritairement orientée vers les objets contemporains. 9 Citée dans Le Monde du 17-18 mai 2009.\n29. 26 Dans son rapport sur la filière « Création-Mode-Design » la Chambre de commerce et d’industrie de Paris cite une étude de 200410 , aux termes de laquelle le design est considéré comme un facteur clé d’achat par 87 % des importateurs. Autre chiffre significatif cité par ce rapport : selon une enquête danoise réalisée auprès d’un millier d’entreprises de ce pays, les sociétés qui utilisent le design ont réalisé en 5 ans une croissance de leurs chiffres d’affaires supérieure de 20 % à la moyenne. (1) Le design pour développer de nouveaux produits Ces chiffres globaux sont transposables aux métiers d’art : exposés à la concurrence des pays à bas coût de revient, ceux qui s’en sortent le mieux sont ceux qui ont fait de la créativité et du design une composante essentielle de leur stratégie de développement. A côté des produits traditionnels, des nouvelles gammes ont été développées afin de conquérir d’autres marchés. La Monnaie de Paris est l’un des exemples les plus significatifs de cette évolution réussie. Tout en continuant à produire des euros à des prix tellement compétitifs que d’autres pays européens, comme le Luxembourg ou la Grèce, lui confient la frappe de leur monnaie, elle s’est diversifiée dans des produits plus commerciaux, comme les bijoux. Mais même pour ses produits « classiques », elle fait appel à des designers connus, comme Philippe Stark pour la pièce de 2 ou Karl Lagerfeld pour le portrait de Coco Chanel. Elle a récemment commercialisé sous le nom de « Bulle d’amour » un bijou réalisé par le dernier lauréat du concours organisé par le comité Colbert. La manufacture de Sèvres est un autre exemple d’une institution séculaire ayant su se renouveler. Elle produit des porcelaines traditionnelles pour les différents services de l’Etat et travaille régulièrement avec des grands artistes sur des produits plus contemporains. Près de 90 % de la production est consacrée à la création. La manufacture travaille ainsi régulièrement avec des artistes tels Yves Millecamps, Chu Teh-Chun ou encore Zao Wou-ki. Le service du Millénaire, service de 1 300 pièces commandées par l’Elysée, a associé des artistes comme Alechinsky ou Jaume Plensa. Tout le monde ne peut pas faire appel à la collaboration de tels artistes, mais pour les plus petites entreprises, le design permet de faire preuve de créativité à moindre coût. L’entreprise de porcelaine Bernardaud a ainsi créé une fondation qui accueille à Limoges de jeunes designers. Grâce aux talents de cette fondation, l’entreprise lance régulièrement de nouveaux produits, qui lui permettent, pour reprendre l’expression de son président, d’avoir toujours un temps d’avance. Dans un secteur aussi exposé que la porcelaine, seule l’innovation et la créativité permettent de ne pas se laisser distancer par les pays à bas coût de main d’œuvre. Le comité Colbert a, quant à lui, créé en 1987 le Concours des Espoirs de la création, contribuant ainsi à identifier les talents de demain. C’est David Caméo, président de la Manufacture de Sèvres, qui préside la commission Création chargée de ce concours. 10 Laurent Ferrara « Enquête sur la compétitivité hors prix des biens de consommation en 2004 » COE.\n30. 27 En y participant, les jeunes créateurs des écoles de design, de mode, de graphisme et d’arts appliqués ont l’occasion de se faire connaître auprès des grands noms du luxe français et de se former au contact des meilleurs artisans. Le site internet www.design-colbert.fr, lancé à l’occasion du concours 2008, a mis en scène, dans une œuvre multimédia de Gérald Petit, en collaboration avec le Pavillon, laboratoire de création du Palais de Tokyo, les 46 lauréats et leurs prototypes. Mémoire vivante : Serge MANSAU Photo Serge MANSEAU © Eric Sander (ericsander.com) « L’AUTRE COTÉ DE L’UTILE » FlowerbyKenzo, O de Lancôme, Dolce Vita de Dior,1881 de Cerruti, Déclaration de Cartier…, on connaît les flacons de Serge Mansau, sans savoir qu’il en est l’auteur, car ils ne sont pas signées. Play de Givenchy est le dernier en date. Fabriqués à des millions d’exemplaires, ils circulent d’un bout à l’autre de la planète, contribuant à la notoriété des parfums, français ou étrangers, et des marques auxquelles ils appartiennent. Dior, Lancôme, Guerlain, Montana, Versace, Giorgio Armani, Diane de Furstenberg, Oscar de la Renta… toutes ont un jour ou l’autre succombé au talent de Serge Mansau. En cherchant bien, le designer trouve dans ses placards une eau de Cologne, Bien Etre, le seul flacon à porter sa signature. Et encore la signature, (M. Serge) est-elle modeste… En quarante années d’existence, le look de Bien Etre n’a pour ainsi dire pas changé. Le contenant est enrobé des mêmes silhouettes de graminées depuis si longtemps qu’on ne l’imagine pas habillé autrement. Quarante ans… un exploit et un exemple tangible de « design durable », pour reprendre une notion que l’on voit poindre aujourd’hui. « Ce nomade en qui coule un peu de sang tzigane a une lourde hérédité manuelle. Des aïeux bergers et maître d’armes, une mère brodeuse, un père chaudronnier qui a fini dans les moteurs d’avion. C’est dire que son nomadisme est avant tout intellectuel et qu’il a subi toutes les fixations de l’homo faber »… On doit au critique d’art Pierre Restany, aujourd’hui disparu, les plus beaux textes sur Serge Mansau. Le flacon de parfum est une œuvre de commande, de « l’art impliqué ». C’est un objet utilitaire destiné à magnifier le « jus » qu’il contient. Il naît d’un "brief" soumis par une marque, de contraintes techniques et de codes à respecter : la clientèle visée, l’image que la marque cherche à imposer... Serge Mansau peste souvent contre le marketing et les accouchements laborieux auxquels il est contraint. Il regrette l’époque où l’on travaillait sans intermédiaire, directement avec ceux qui avaient les pouvoirs de décision. Sorti en 2001, FlowerbyKenzo lui laisse de bons souvenirs. « Quelques années auparavant, à l’occasion de la création de ses premiers parfums, j’avais eu la chance de rencontrer Kenzo Takada, lui le plus parisien des japonais, moi le plus japonais des parisiens. J’ai pensé au bambou (d’où le cylindre déformé). On m’a donné l’autorisation de dépasser les hauteurs classiques imposées. Quant au coquelicot, je me suis souvenu de Kenzo me disant « je rêverais de voir pousser des coquelicots au travers des pavés de Paris ». Ainsi naquit\n31. 28 Flowerbykenzo… Derrière le flacon se profile l’industrie du verre, la plasturgie qui fabrique le bouchon et le cartonnage industriel. Les contraintes sont lourdes. Le prix de revient se joue au centime près. Il faut bien connaître l’industrie et ses possibilités pour allier création, fabrication et rentabilité. Serge Mansau est un habitué des verreries Pochet et du Courval, Saint Gobain, Brosse et des cristalliers Daum, Baccarat, Saint Louis et Cristalleries Royales de Champagne. Les flacons d’exception, c’est-à-dire les éditions limitées, naissent dans un tout autre contexte, même si l’investissement artistique est identique entre le flacon vendu à des centaines de milliers d’exemplaires et les séries limitées. Croquis, maquettes grandeur nature réalisées en plexiglas, pour le designer le travail de base reste le même. Serge Mansau ne fait aucune différence entre le luxe et la grande diffusion. En revanche, il lui faut adapter la création à un matériau différent. Le cristal se travaille autrement ; il se taille, se double et se grave. Pour prendre un exemple concret, Serge Mansau est l’auteur du 24 Faubourg d’Hermès, version verre et version cristal, éditée à 400 exemplaires. Fabriqué par Saint Louis et doublé à l’intérieur de cristal orange, le flacon est taillé comme une sculpture. Sa réalisation s’apparente à l’artisanat d’art. Le designer ne conçoit pas de livrer une maquette et de se désintéresser de son sort. Artisan dans l’âme, il estime que le design est un métier de rencontres. Il est de ceux qui admirent le travail des ouvriers (les oeuvriers comme il les nomme). Fasciné par leur travail, il les pousse aux limites de leur savoir-faire. Sa présence dans les ateliers ne passe pas inaperçue… « Ce métier n’est pas de l’art, mais il devrait être exercé par des artistes ». Après avoir suivi les cours Dullin, monté quelques scénographies sculpturales et travaillé avec le mime Marceau, Serge Mansau se retrouve chef décorateur chez Helena Rubinstein. Un jour il déclare que l’un des flacons ne lui plaît pas. « Faites en un autre, lui répond Helena Rubinstein ». Ainsi naquit Skin Dew, sa première création de flacon. Pour Serge Mansau, « le flacon est un acteur de théâtre qui s’apprête à porter le jeu d’un texte. Le texte c’est le parfum, quelque chose d’impalpable, de l’ordre du spirituel. C’est à la fois de la sculpture, de la peinture, de l’architecture et de la mise en scène ». Art ou design ? Serge Mansau navigue à l’infini entre les deux. Dans sa galerie à Paris, le décor est aussi dépouilé que l’imaginaire de l’artiste est débridé. Prisonniers de placards qui se confondent avec les murs pour mieux se faire oublier, les flacons y sont élégamment rangés par modèle et par taille. C’est un privilège que de se voir ouvrir les portes de ce musée secret du flaconnage et de contempler les quelque 250 créations du designer dans le domaine de la parfumerie. Aucune ne se ressemble, toutes sont apparentées à des œuvres d’art. « La parfumerie m’a fait vivre, la sculpture m’a permis d’exister ». Et l’on comprend pourquoi. Dans la galerie vivent à l’air libre les sculptures de Serge Mansau, regroupées par thème dans d’improbables mises en scène. Formes du Vide, Fragments nomades, Pêcheurs d’eau, N’ourserie, Escarboucs, chaque thème correspond à des expositions passées ou à venir, à des explorations récentes ou à des installations futures. De Verre-mutation, exposition (réalisée en collaboration avec Baccarat), qui lui avait offert, une grande première, de choisir les rebuts qui l’inspiraient, Pierre Restany a écrit « Serge Mansau s’approprie les verres brisés pour en faire les corolles échancrées aux pétales acérés de mystérieuses fleurs exotiques, fascinantes dans leur ambiguïté, à mi- chemin entre le bien et le mal ». Ces références à la nature sont une constante dans son oeuvre. Feuilles, bambous, fruits, cailloux ou escargots, l’artiste réinterprète tout ce qu’il croise sur son chemin. Chez lui, en bordure du parc de l’école d’agriculture de Grignon, les yourtes se parent de feuilles de verre et les Hommes Feuilles pourraient bien s’unir pour une croisade en faveur de la forêt équatoriale. Artiste polyvalent, il apprivoise le verre et les sortilèges de ce « piège à lumière » dans ses propres ateliers chez lui, en région parisienne. Admirablement secondé par Estelle, sa bonne étoile, aidé de sa garde rapprochée, Caillon, Guilaine et Pascal, il manie le bois, le plâtre, la pâte à papier, la terre et la résine. Dès que nécessaire, il fait appel à son précieux carnet d’adresse où sont consignés les noms des artisans d’art susceptibles de le secourir. On y trouve pêle-mêle des fondeurs, des verriers et des menuisiers, une foule d’artisans aux richesses secrètes et aux talents discrets qui sauront traduire ses volontés. C’est à eux qu’il confie également les meubles et les objets utilitaires (vases, lampes ou centres de tables…) qui naissent de son imagination, au détour d’un flacon ou d’une sculpture. Autant de créations en mal d’éditeur. Là encore, en adhésion avec Pierre Restany, « nous sommes loin de la culture rationnelle et systématique du design. L’univers de Mansau est marginal, transitoire : les formes y assument une élémentaire mutation, elles tendent à se libérer de la contrainte fonctionnelle pour atteindre à l’autonomie d’une croissante gratuité. On aurait tort de les prendre pour ce qu’elles ne sont vraiment pas : un vase vraiment vase, une lampe vraiment lampe. Si les formes si peu formelles risquent de plaire, c’est pour un je ne sais quoi que nous cherchons tous, l’autre côté de l’utile ».


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