Tapisserie Art: Histoire, Tapisseries célèbres\nTapisserie Art: Histoire, Tapisseries célèbres Automatique traduire\nLa tapisserie est une forme ancienne d’ art textile qui est pratiquée dans le monde entier depuis des milliers d’années. Les anciens Égyptiens et les Incas utilisaient des tapisseries tissées en guise de linceul pour ensevelir leurs morts. Les Grecs et les Romains les utilisaient comme revêtements muraux pour des édifices civiques et des temples comme le Parthénon. Les Chinois les utilisaient rarement comme tentures murales - préférant les utiliser principalement pour décorer des vêtements et emballer des cadeaux.\nL’un des plus coûteux et des plus chronophages artisanat , la tapisserie n’a véritablement prospéré en Europe qu’à partir du Moyen Âge, aux mains de tisserands français et (plus tard) flamands . Cette croissance de l’art des tapisseries a coïncidé avec l’ère de l’art roman et de l’art gothique, deux composantes d’un renouveau religieux architecture , sculpture et vitrail ont également été mobilisés par l’Eglise pour illustrer des récits bibliques à des congrégations illettrées .\nAu milieu du XVe siècle, 15 000 tisserands et autres artisans travaillaient dans les centres de tapisserie du Val de Loire, en France. Utilisant un métier vertical (chaîne haute) ou horizontale (chaîne basse), et une gamme d’au plus 20 couleurs, les tisserands médiévaux ont produit des images d’histoires religieuses de l’Ancien et du Nouveau Testament et, à partir de 1500, scènes de bataille laïques, rois et nobles. Par exemple, le Saint empereur romain germanique Charles Quint était généralement associé à ses campagnes militaires par son peintre officiel, qui réalisait des dessins pour les convertir ultérieurement en dessins préliminaires (caricatures) pour des tapisseries.\nLes plus belles tapisseries européennes sont réputées avoir été réalisées par la Tapisserie des Gobelins Royal Factory à Paris, alors qu’il existait d’importants centres de tapisserie à Arras , Tournai , Bruxelles , Aubusson , Fellitin et à l’usine de Beauvais à Paris.\nChronologie de l’art de la tapisserie européenne\nLa tapisserie est assez primitive, manque de proportion, de perspective et de détail.\nTapisserie commandée pour sa valeur fonctionnelle plutôt que décorative.\nParis est le centre de tapisserie le plus important. Les tentures en tissu tissé montrent de grandes avancées sur les formes du 12ème siècle mais manquent toujours de mouvement, de perspective et de composition crédibles. Après la guerre de 100 ans (1337-1453), des tisserands parisiens se réfugient à Arras.\nLe pillage d’Arras de 1447 par Louis XI déclenche un exode de tapissiers en Flandre, qui devient désormais le centre des textiles tissés européens. Parmi les matières préférées utilisées dans le tissage des tapisseries figurent la laine de Picardie, la soie italienne, les fils d’argent chypriote et les fils d’or. Les sujets présentés sont principalement des histoires bibliques ou mythologiques. La perspective et le paysage restent maladroits. En France, la vallée de la Loire – le terrain de jeu rural de la noblesse française et l’emplacement de plusieurs de leurs châteaux – est devenue un centre important de la production de tapisseries. Le style "mille fleur" devient haute couture.\nLes sujets comprennent maintenant les exploits héroïques des rois, des scènes de chasse. Large gamme de couleurs et bordures très ornées utilisées. L’Italien Haute renaissance stimule des améliorations significatives de la perspective et de la composition, mais rend également la tapisserie subordonnée à peinture d’art . Des chefs-d’œuvre de tapisserie émergent. Le roi français François Ier (règne de 1515 à 1547) ouvre le premier atelier de tapisserie royale dans sa cour de Fontainebleau. Pour plus de détails sur cette mini-Renaissance en France, voir: Ecole de Fontainebleau (c.1530-1610).\nVers 1660, le ministre des Finances de Louis XIV, Jean-Baptiste Colbert (1619-1683), installe l’usine royale aux Gobelins, qui emploie plus de 1 000 artisans. Plus de 2 100 tapisseries sont réalisées pour le roi français Louis XIV (1638-1715). Voir également: Art Décoratif Français (1640-1792).\nSous le règne de Louis XV, les sujets de la tapisserie comprennent des paysages pittoresques associés à des nus érotiques situés dans des contextes classiques (rococo). En 1757, Jacques de Vaucanson invente un métier à tisser à basse chaîne plus rapide, amélioré par la suite par Joseph Maree Jacquard (1752-1834). Pendant la Révolution française, de nombreuses tapisseries sont détruites. En 1795, les travaux de Beauvais à Paris sont rouverts, suivis par les centres de tapisserie provinciaux à Aubusson et Fellitin. Voir également: Meubles français (1640-1792) et Designers français .\nLes nouveaux styles, comme les orientaux, prolifèrent au 19ème siècle. Les années 1880 Mouvement des arts et métiers en Angleterre, les années 1920 École de design Bauhaus et certains designers français contribuent tous à une renaissance de l’art de la tapisserie du XXe siècle, qui revisite ses racines médiévales.\nHistoire de l’art de la tapisserie\nTapisseries carolingiennes / ottoniennes\nL’utilisation de tapisseries en Europe occidentale – principalement pour la décoration des églises et des monastères – était une caractéristique de Art carolingien (750-900) et suivants Art ottonien (900-1050), bien qu’il ne reste aucun exemple de ces premières tentures murales. L’un des plus anciens spécimens survivants est le célèbre Tapisserie de Bayeux (vers 1080, musée de Bayeux, Normandie), réalisée à l’époque de Art roman (1000-1200). Il représentait la conquête normande de l’Angleterre, bien qu’il ne s’agisse pas d’une tapisserie tissée, mais d’une pendaison brodée d’équipage, probablement fabriquée à Canterbury. Des fragments d’une tapisserie encore plus ancienne comportant des figures humaines et des arbres, rappelant les pendaisons enregistrées dans les sagas nordiques, ont été découverts dans un bateau de sépulture datant du début du IXe siècle et exhumé à Oseborg en Norvège.\nC’était pendant l’ère de Art gothique (c.1150-1375) que l’art de la tapisserie occidentale – un vitrail semblable à un vitrail – a bien émergé et a prospéré. L’une des plus anciennes tapisseries murales conservées et tissées dans l’Europe médiévale est le " Tissu de Saint-Géréon ", une tapisserie en laine de sept couleurs réalisée pour l’église Saint-Géréon à Cologne, en Allemagne, et datant de 1020 environ environ. Les médaillons taureaux et griffons dérivés de soies syriennes ou byzantines. Autres exemples précoces de tissés Art chrétien comprennent l’ensemble des trois tapisseries narratives tissées en Rhénanie pour la cathédrale de Halberstadt, à la fin du XIIe et au début du XIIIe siècle. La "Tapisserie des anges" contient des scènes de la vie d’Abraham et de saint Michel Archange, tandis que la "Tapisserie des Apôtres" présente le Christ avec ses 12 disciples. tous deux ont été conçus pour être suspendus au-dessus des stalles de la cathédrale et sont par conséquent étroits et longs. Le troisième exemplaire, connu sous le nom de "Tapisserie de Charlemagne parmi les quatre philosophes de l’Antiquité", est une tapisserie verticale liée à des œuvres similaires tissées au couvent de Quedlinburg, en Rhénanie allemande, à l’époque romane du 12ème et au début du 13ème siècle.\nTapisseries du 14ème siècle\nC’est au 14ème siècle que la tradition de l’Europe occidentale s’est fermement établie. A cette époque, les centres de production de tapisserie les plus développés se situaient à Paris et en Flandre. Les exemples conservés du 14ème siècle sont rares, cependant, les plus importants ont été créés par des tisserands parisiens.\nLa plus célèbre tapisserie du XIVe siècle réalisée à Paris est "l’ Apocalypse d’Angers " (Musée des Tapisseries, Angers, France), réalisée par Nicolas Bataille (actif vers 1336-1400) pour le duc d’Anjou. Cette œuvre comprenait à l’origine sept tapisseries, chacune d’environ 16, 5 pieds de hauteur et 80 pieds de longueur. Il était basé sur des dessins dessinés par Jean de Bandol de Bruges (actif de 1368 à 1381) – peintre de la cour de Charles V, roi de France – mais il n’existe malheureusement que 65 des quelque 100 scènes originales. Un ensemble de tapisseries un peu plus tardif (13385 environ) tissé dans le même atelier d’artisanat à Paris est le " Neuf héros " (Metropolitan Museum of Art, The Cloisters, New York). Cette série ne comporte pas d’images religieuses, mais des illustrations du conte Histoire des Neuf Preux composé par le ménestrel du début du XIVe siècle, Jacques de Longuyon.\nLa Flandre, en particulier la ville d’Arras dans le Pas-de-Calais, fut l’autre grand centre de production de tapisseries. Centre médiéval du tissage textile établi de longue date, les tapisseries d’Arras étaient si réputées à l’étranger que le mot tapisserie en italien (arrazzo), en anglais (arras) et en espagnol (drap de raz) venait du nom de cette ville.\nTapisseries du XVème siècle\nLe meilleur art de la tapisserie du XVe siècle a été créé dans les villes flamandes d’Arras, de Tournai et de Bruxelles.\nAu cours de la première moitié du siècle, c’est Arras qui a pris le dessus grâce au patronage des ducs de Bourgogne. Le duc Philippe le Bon (1396-1467) avait un bâtiment spécialement conçu pour abriter et conserver sa collection de tapisseries. Au cours de la période 1423-1467, pas moins de 60 maîtres-tisserands travaillaient à Arras, mais après le siège français de la ville en 1477, la ville déclina. Les exemples survivants de tapisserie d’Arras incluent: " The Annunciation " (Metropolitan Museum of Art, New York), probablement créé à partir d’une bande dessinée dessinée par Melchior Broederlam (1350-1411); " Cour Scenes " (Musée des Arts Décoratifs, Paris), dérivé du Tres Riches Heures du duc de Berry illuminé par les frères Limburg (actif au début du 15ème siècle); le fragment de la Geste de Jourdain de Blaye du XIVe siècle, basé sur une adaptation médiévale du roman gréco-romain Apollonius de Tyre (Museo Civico de Padoue, Italie); et de grands fragments représentant des scènes de la vie de saint Piat et de saint Éleutherius (cathédrale de Tournai).\nLe métier de tapissier était pratiqué à Tournai depuis les années 1290. Parmi les exemples célèbres de survivances de la tapisserie de Tournai, citons deux ensembles créés par le tisserand et marchand de tapisseries Pasquier Grenier (mort en 1943) pour le duc bourguignon Philippe le Bon à la fin du XVe siècle. Le premier, " L’histoire d’Alexandre " (Galerie Doria-Pamphili, Rome) a été achevé et vendu en 1459; la deuxième œuvre, " Le chevalier du cygne " (église Sainte-Catherine de Cracovie, en Pologne, et le musée Osterreichisches de Vienne) a été achevée en 1462.\nUn autre exemple célèbre de tapisserie de Tournai du XVe siècle est la série de quatre œuvres intitulée " La chasse aux ducs de Devonshire " ( Musée Victoria et Albert , Londres). L’histoire du roi fort Clovis (au milieu du XVe siècle; musée de l’Œuvre Notre-Dame, Reims, France) et « L’histoire de César » (1470 environ) illustrent bien le style tournai du gothique tardif de Tournai. Historisches Museum, Berne, Suisse). En comparaison avec le style plus fantaisiste de la tapisserie d’Arras, les tissages de Tournai – avec leur taille énorme et leur imagerie dense – ont tendance à être plus solennels avec une monumentalité plus grande.\nCentre d’art de la tapisserie depuis le 14ème siècle, Bruxelles du 15ème siècle rivalise avec Arras et Tournai. En 1450, la ville était réputée pour ses remarquables reproductions de peintures religieuses de maîtres flamands gothiques tardifs, comme en témoigne la tapisserie du retable de " L’adoration des mages " (1466-1488), réalisée pour la cathédrale de Sens. De telles tapisseries de retable ont été conçus pour des églises ou des chapelles privées, où ils ont été utilisés comme nappe d’autel ou antependium ou ont été placés sur le mur derrière l’autel. En règle générale, ces tentures avaient la même taille que le tableau reproduit. En conséquence, elles avaient tendance à être beaucoup plus petites que les tapisseries murales d’Arras et de Tournai. Les tapisseries du retable incluaient souvent de la soie, utilisée pour obtenir le plus grand détail naturaliste possible du tableau concerné.\nPlus tard au 15ème siècle, Bruxelles développa une réputation pour sa production de " tapis d’or ", nommés d’après leur utilisation de fil d’or, comme en témoigne " Le triomphe du Christ " ( Tapisserie Mazarin ) (environ 1500; National Gallery of Art, Washington DC).\nLes tapisseries gothiques tardives les plus connues étaient probablement les tentures décoratives connues sous le nom de millefleurs (mille fleurs). Fabriqués par des tisserands flamands à Bruxelles et à Bruges, ou par des tisserands itinérants dans la vallée de la Loire en France, on peut citer la tapisserie de chevalerie de la fin du XVe siècle réalisée pour Philip le Bon (musée de l’histoire, Berne, Suisse), ainsi que de la licorne "(The Cloisters, Metropolitan Museum of Art, New York) et" La Dame à la Licorne "(Musée de Cluny, Paris).\nJusqu’au XVIe siècle, la plupart des tapisseries étaient achetées et vendues en Flandre ou en France, bien qu’un petit nombre de tisserands itinérants aient été employés pendant de courtes périodes dans des ateliers appartenant à des nobles italiens à Sienne, Mantoue, Modène, Brescia, Ferrare, Pérouse, Urbino et Gênes..\nTapisseries du XVIème siècle\nDeux nouvelles tendances ont émergé au 16ème siècle. La première a été engendrée par la guerre et les persécutions en Flandre, qui ont provoqué la fuite de nombreux tisserands flamands et ont conduit à la dispersion de l’industrie de la tapisserie flamande. De nombreux artisans flamands sont partis à l’étranger pour exercer leur métier (par exemple en Italie, en Angleterre et ailleurs) et ont été accueillis à bras ouverts. La deuxième nouvelle tendance est née en Italie et a été illustrée par la commande donnée par le pape Leo X au maître tisserand flamand Pieter van Aelst de créer des tapisseries Fresques de la chapelle Sixtine basé sur des dessins peints par Raphaël (1483-1520). L’introduction par Raphaël de la perspective et de la composition, ainsi que l’utilisation croissante de fils plus fins – permettant la création de centaines de nouvelles nuances tonales – ont conduit à l’asservissement de la tapisserie à la peinture pendant plus de 400 ans. Désormais, pendant plusieurs siècles, la plus haute forme de tapisserie a été la reproduction de peintures.\nLes sièges militaires et autres activités qui ont eu lieu au cours de cette période ont fait de Bruxelles le principal centre de tapisserie en Flandre – un statut qui est resté inchangé jusqu’au 17ème siècle, notamment en raison du patronage papal, du soutien des cours impériales d’Espagne et d’Autriche et de l’exemplarité la compétence de ses tisserands. Tenue par une coterie de riches marchands, la fabrication de tapisseries à Bruxelles est devenue si lucrative entre 1510 et 1568 que des lois protectionnistes ont été adoptées pour protéger des contrefaçons.\nLa tapisserie bruxelloise de la Renaissance est peut-être la plus éminemment caractérisée par les dessins du peintre flamand Bernard van Orley (1492-1541). Il s’est efforcé de combiner les traditions du réalisme du gothique tardif, l’idéalisme et la monumentalité de l’art de la Renaissance, avec les formes et le potentiel artistique du médium pour la tapisserie. Les peintures antérieures de Van Orley, telles que "La légende de Notre-Dame du Sablon" (Musées Royaux d’Art et d’Histoire, Bruxelles) et "La Révélation de Saint-Jean" (Patrimonio Nacional, Espagne), étaient toujours au sol dans les traditions de l’art flamand médiéval. Plus tard, sous l’influence de dessins de tapisseries créés par Raphaël (comme mentionné ci-dessus) et son disciple, le peintre maniériste Giulio Romano (1499-1546), Van Orley a introduit la monumentalité et la modélisation italiennes dans des décors tels que " La bataille de Pavie " ( Musée Capodimonte, Naples ), et " Les chasses de l’empereur Maximilien I " (Louvre, Paris). Pieter Coecke van Aelst (1502-1550), Jan Vermeyen (vers 1500-59) et Michel Coxcie (1499-1592) comptaient parmi les autres artistes talentueux qui ont créé des motifs pour l’industrie de la tapisserie à Bruxelles. Les tisserands bruxellois les plus célèbres de l’époque étaient Pieter van Aelst , Pieter et Willem Pannemaker , ainsi que Frans et Jacob Geubels .\nAutres centres de tapisserie en Flandre et en France\nParmi les autres plus petits producteurs de tapisseries de Flandres du XVIe siècle, figurent Alost, Anvers, Bruges, Enghien, Grammont, Lille, Audenarde et Tournai. Le type de tapisserie le plus unique fabriqué dans ces villes était les verdures d’Enghien et d’Oudenaarde.\nL’industrie française du tissage de tapisseries doit en grande partie son statut futur et ses réalisations au patronage royal. Cela est apparu au 17ème siècle par le biais de deux entreprises de fabrication gérées par l’État: les usines des Gobelins et de Beauvais. Cependant, la première tapisserie royale fut l’usine créée par François Ier en 1538 à Fontainebleau , afin de créer des tapisseries pour ses palais et ses résidences royales. Ici, les tisserands flamands ont travaillé à partir de dessins de dessins peints par deux artistes maniéristes italiens, Francesco Primaticcio (1504-70) et Rosso Fiorentino (1494-1540), artistes officiels du roi. L’atelier de Fontainebleau a été actif pendant environ 12 ans, jusqu’à 1550.\nAu début du XVIe siècle, le tissage de tapisseries italiennes indigènes a eu lieu à Milan, Mantoue, Gênes, Vérone et Venise. Les deux tapisseries italiennes les plus importantes étaient probablement l’ usine Ferrara , fondée en 1536 par le duc Ercole II de la Maison d’Este, et l’ usine florentine Arrazeria Medicea , fondée en 1546 par Cosimo I Medici (1519-1574). Ce dernier continua à fonctionner jusqu’au début du XVIIIe siècle et était initialement dirigé par les tisserands flamands Nicolas Karcher et Jan van der Roost. Les dessins animés ont été fournis par des artistes maniéristes tels que Jacopo Pontormo (1494-1556), Bronzino (1503-72), Francesco Salviati (1510-63) et Bachiacca (1494-1557), concepteur des " Grotesques " (vers 1550; galerie des Offices, Florence), l’une des plus célèbres séries de tapisseries réalisées à la Arrazeria Medicea.\nEn Angleterre, l’art textile principal était la broderie . Si des tapisseries étaient nécessaires, elles étaient importées du continent – généralement de la Flandre. Bien que les historiens du textile aient découvert des références anglaises aux tisserands d’Arras datant du XIIIe siècle, ce n’est qu’au milieu du XVIe siècle que les tapisseries ont été créées pour la première fois en Angleterre. Les premiers ateliers remarquables, animés par des artisans flamands et produisant des housses de coussin et de petites tapisseries à thèmes héraldiques et ornementaux, ont été mis en place à Bercheston (Warwickshire) par William Sheldon (d.1570). Une des dernières spécialités de ces ateliers de tissage, à partir de 1580 environ, fut une série de tapisseries topographiques , basées sur des cartes des comtés de Midland, illustrant des vues de collines, d’arbres et de villes, bordées d’ornements de style flamand ornemental..\nL’Allemagne a été l’une des premières régions à bénéficier de l’exode des tisserands de Flandres fuyant les persécutions religieuses dans les basses terres. De petits ateliers ont vu le jour dans des villes comme Cologne, Frankenthal, Hambourg, Kassel, Leipzig, Lunebourg, Torgau et Stuttgart, et produisaient pour la plupart des produits de style flamand. En revanche, l’industrie suisse du tissage, qui était autrefois assez forte, avait presque disparu, à l’exception de certains ateliers de Bâle et de Lucerne.\nTapisseries des XVIIe et XVIIIe siècles\nC’est le roi français Henri IV qui a franchi une étape décisive dans la création d’une industrie de la tapisserie française. En 1608, en guise de reconnaissance officielle, il installe les ateliers français de Girard Laurent et Dubout au Louvre, ainsi que l’encouragement de l’immigration de tisserands flamands pratiquant la méthode de la basse chaîne pour aider Paris à rivaliser avec les dominants. centres de tapisserie en Flandre.\nVers 1600, deux tisserands flamands – François De La Planche (1573-1627) et Marc de Comans (1563-1640) – avaient été invités à Paris par les autorités françaises pour y installer des métiers à basse chaîne. Un atelier a été dûment créé pour eux dans les teintureries de l’ancienne famille des Gobelins, en banlieue de Paris, marquant le début de la légende de la tapisserie des Gobelins. L’une de ses premières commandes est une pièce allégorique louant la reine française Catherine de Medicis, d’après des dessins du peintre maniériste français Antoine Caron (vers 1515-93). Plus tard, le peintre flamand a créé des motifs exceptionnels pour l’usine des Gobelins Rubens (1577-1640) et Simon Vouet (1590-1649).\nÀ la mort de De La Planche en 1627, son fils lui succéda. Il rompit les relations commerciales avec la famille Comans et s’installa à Saint-German-des-Prés, laissant les Comans dans les locaux des Gobelins. Une vive rivalité s’ensuivit, sauf que les deux firmes continuèrent à produire un excellent travail, du moins jusqu’à ce qu’elles soient remplacées en 1662 par la firme royale officielle qui racheta l’usine des Gobelins.\nTapisserie royale des Gobelins\nC’est aux Comans en 1667 que la célèbre marque des Gobelins a été officiellement fondée en 1667 et a reçu le titre Manufacture royale des meubles de la couronne. À ses débuts, l’usine comptait presque tous les artisans et artisans royaux (orfèvres, orfèvres, tisserands de tapisserie, ébénistes, etc.) qui fabriquaient des meubles pour château de Versailles et d’autres châteaux royaux. Du personnel qualifié supplémentaire a été recruté dans les ateliers de La Planche et de Comans et dans l’ancienne entreprise du Louvre, ce qui a permis l’exploitation de métiers à tisser à haute et à basse chaîne. Le premier directeur du complexe des Gobelins était le peintre Charles Le Brun (1619-1690), l’ancien chef d’une autre ancienne tapisserie royale établie en 1658 dans un château de Vaux-le-Vicomte, près de Paris. Les principales créations de Le Brun incluent " Les éléments ", " Les saisons ", " L’histoire d’Alexandre ", "La vie de Louis XIV " et les " Résidences royales " (Mobilier National, Paris).\nÀ sa mort, Le Brun fut succédé à la direction des Gobelins par le peintre français Pierre Mignard (1612-1695). Après sa mort, une bande dessinée plus légère, signalant le style rococo à venir, a été introduite dans la conception des tapisseries par les créations décoratives, notamment les grotesques, de Claude Audran III (1658-1734), qui a conçu des œuvres telles que "Les mois grotesques. "et" Les Portières des Dieux. " Un peu plus tard, le nouveau roi français Louis XV (1710-1774) est salué dans une série de "Chasses" par le peintre rococo Jean-Baptiste Oudry (1686-1755). Oudry devint directeur des Gobelins de 1733 à sa mort en 1755, date à laquelle le grand peintre rococo lui succéda. François Boucher (1703-70), l’artiste-réalisateur le plus talentueux du 18ème siècle. Boucher et Charles-Antoine Coypel (1694-1752), peintre, réalisèrent les motifs de nombreuses tapisseries populaires dans lesquelles le sujet principal – représenté comme un tableau encadré par un cadre imitant le bois doré – est éclipsé par le cadre environnant. embellissement. Les " Amours des dieux " de Boucher étaient également très appréciés, notamment auprès des clients anglais. Un autre dessin important de tapisserie, « L’histoire de Don Quichotte » (Mobilier National, Paris), a été conçu par Coypel et tissé à neuf reprises entre 1714 et 1794.\nPour donner le meilleur de ces nouveaux modèles, des milliers de nouveaux colorants ont été produits aux Gobelins pour les tapisseries de laine et de soie, jusqu’à ce que les tisserands disposent de 10 000 teintes différentes pour créer la plus subtile des modulations tonales.\nL’usine des Gobelins a réussi à survivre à la Révolution française, après quoi l’empereur Napoléon a commandé une série de tapisseries (1809-1515; Mobilier National, Paris) pour commémorer son règne. En outre, au début du XIXe siècle, des peintures de notables artistes français néoclassicistes comme Jacques-Louis David (1748-1825), Carle Vernet (1758-1836) et Anne-Louis Girodet-Trioson (1767-1824) ont été tissés dans des tapisseries pour exprimer l’humeur héroïque de l’époque.\nUne deuxième grande usine de tapisserie subventionnée par l’État, établie en 1664 à Beauvais, était gérée par des metteurs en scène flamands, Louis Hinart puis Philippe Behagle. Contrairement aux ateliers des Gobelins qui fabriquaient des suspensions uniquement pour le roi, l’usine de Beauvais créait des tapisseries pour le roi, l’aristocratie et la riche bourgeoisie. Deux types de panneaux décoratifs sont devenus des spécialités de Beauvais à la fin du XVIIe siècle: la composition architecturale et le grotesque. L’ancien type de tapisserie, illustré par la série des " Triomphes marins " (1690; Banque de France, Paris), présente généralement une architecture fantastique évoquant des décors baroques. Les grotesques étaient un pastiche de masques, d’entrelacs, de festons, de vases, d’instruments de musique, de putti et d’acteurs humoristiques, comme en témoigne " La danseuse à la corde et le dromadaire " (c. 689; Mobilier National, Paris).\nJean-Baptiste Oudry et François Boucher ont tous deux conçu des dessins pour l’usine de Beauvais. Les " Fables de La Fontaine " d’Oudry comptent parmi les tapisseries les plus réussies et les plus populaires du XVIIIe siècle. En 1736, Boucher peint des scènes de genre italiennes pour l’ensemble " Village Festivities " et, plus tard, " Deuxième ensemble chinois " met au point un certain nombre de fantasmes orientaux. Il a également créé diverses scènes pastorales empreintes de sensualité. La fabrique de Beauvais était également réputée pour ses tapisseries destinées à recouvrir les meubles et ses panneaux utilisés comme écrans. Généralement, ces motifs incorporaient des motifs floraux et, dans certains cas du XIXe siècle, de la soie finement tissée.\nPendant ce temps, des tapisseries françaises traditionnelles continuaient à être tissées dans les communautés d’ Aubusson et de Felletin (nord-est de Limoges), qui étaient autorisées à partir de 1665 à utiliser la marque royale Aubusson. Il s’agissait essentiellement d’une petite industrie artisanale dans laquelle les tisserands fabriquaient de manière indépendante des tapisseries peu coûteuses sur leurs propres métiers à chaîne basse pour les clients fortunés. En fin de compte, la tapisserie a conduit à des tissus d’ameublement, puis à des tapis. Le type de tapisserie le plus populaire du XVIIIe siècle produit à Aubusson était le chinoiseries , ou genre imaginaire se déroulant en Chine et en Orient, comme le montrent les dessins de Jean Pillement (1728-1808). Les panneaux de tapisserie de style architectural d’Aubusson ont tendance à imiter ceux des usines des Gobelins et de Beauvais, parfois avec l’ajout d’éléments plus complexes et d’animaux.\nLe grand peintre anversois Peter Paul Rubens, dont le dessin le plus célèbre fut le " Triomphe de l’Eucharistie " (1627-28), a exercé une influence dominante sur le secteur des tapisseries bruxelloises au XVIIe siècle. Les imitations du style de Rubens étaient partout. Un autre peintre très copié était le peintre réaliste néerlandais David Teniers le Jeune (1610-90) dont les peintures de genre se révélèrent être des motifs très populaires.\nLa première fabrique de tapisseries allemande importante a été fondée à Munich en 1604 par le duc Maximilien de Bavière. Ses créateurs et ses tisserands étaient tous flamands. Bien qu’il soit resté en service moins d’une douzaine d’années, la qualité de son travail était exceptionnelle. Après la perte de la liberté religieuse en France lors de la révocation de l’édit de Nantes en 1685, de nombreux tisserands français, en particulier ceux de l’usine Aubusson, se sont réfugiés en Allemagne, à l’instar de leurs prédécesseurs du XVIe siècle. Un autre atelier à Berlin, fondé en 1686 par l’électeur Frédéric-Guillaume de Brandebourg (1620-1688), employait un grand nombre de ces tisserands réfugiés d’Aubusson. Ses tapisseries ont été produites principalement pour le fils de l’électeur, le roi Frédéric Ier de Prusse (1657-1713), qui décéda après la mort de l’usine. Au 18ème siècle, des tisserands français ont créé des centres de tapisserie dans de nombreuses villes allemandes, notamment Berlin, Dresde, Munich, Würzburg, Schwabach et Erlangen.\nDes tapisseries scandinaves ont été tissées à Copenhague et à Stockholm pour les familles royales danoise et suédoise. Presque tous ont été conçus et tissés par des artisans français ou flamands. En outre, la Norvège et la Suède ont produit de nombreux types de tapisseries folkloriques - grossières et très colorées – généralement dans de petites communautés rurales.\nEn 1619, James Ier fonda une fabrique de tapisserie à Mortlake, sur la Tamise, près de Londres. Composé de designers et de tisserands flamands, et dirigé par Philip de Maecht , l’ancien maître tisserand de l’usine de La Planche-Comans à Paris. L’usine de Mortlake a prospéré sous le patronage des Stuart Kings James I et Charles I; beaucoup de ses premières tapisseries étaient basées sur des modèles flamands tissés à Bruxelles. Rubens soumit également de nouvelles caricatures qui suggérèrent également à Charles Ier, en 1623, que le roi achète sept caricatures de la chapelle Sixtine de Raphaël. Bien que survivant du régime puritain austère de la période du Commonwealth, l’usine se détériora sous Charles II et finit par être fermée en 1703. Un autre atelier anglais remarquable fut organisé à Soho, à partir de 1650 environ, par Francis Poyntz (décédé en 1685) et ses frères. Parmi d’autres modèles, il s’est spécialisé dans la tapisserie à base de Laque chinoise dessins.\nEn 1633, le cardinal Francesco Barberini, neveu du pape Urbain VIII, fonda une fabrique de tapisserie à Rome. Bénéficiant du patronage papal, il fonctionna pendant près de 50 ans, jusqu’en 1679. Plus tard, le pape Clément XI tenta de démarrer un autre atelier de tapisserie en 1710, mais échoua également. Au XVIIIe siècle, d’autres petites usines, composées de tisserands licenciés de l’usine de Médicis (Arrazeria Medicea) de Florence, se sont épanouies brièvement à Turin et à Naples.\nAux XVe et XVIe siècles, de nombreuses tapisseries franco-flamandes ont été importées en Espagne et les tisserands flamands ont été convoqués par la suite pour les réparer et les restaurer. Au XVIIe siècle, une fabrique de tapisseries espagnoles, ouverte par le roi Philippe IV (1605-1655), fonctionna pendant une courte période à Pastrana, près de Madrid. Cependant, ce n’est qu’en 1720, lorsque le roi Philippe V (1683-1746) fonda la Real Fabrica de Tapices and Alfombras de Santa Barbara (Fabrique royale de tapisseries et de tapis de Sainte-Barbara) à Madrid, que l’on commença à produire une importante tapisserie Espagne. Les tisserands et le metteur en scène étaient d’abord flamands, tandis que les premières tapisseries ont été tissées à partir des dessins de peintres baroques flamands tels que David Teniers the Younger et Philips Wouwerman (1619-1668), ou de peintures célèbres d’artistes tels que Raphael et Guido Reni (1575-1642). Puis le grand peintre néoclassique Anton Raphael Mengs (1728-1779) devient directeur de l’usine qui entre alors dans sa période de production la plus brillante. L’artiste espagnol Francisco Bayeu (1734-1795) et son gendre peintre Francisco Goya (1746-1828) ont été chargés de faire des dessins animés, et Goya a ensuite réalisé 43 dessins illustrant la vie quotidienne espagnole. Bien que l’armée française ait brûlé l’usine en 1808, la production a repris entre 1812 et 1835.\nUne fabrique de tapisseries russes a été fondée à Saint-Pétersbourg en 1716 par le tsar Pierre le Grand (1672-1725). Utilisant de nombreux tisserands ex-Gobelins, il fonctionna jusqu’en 1859. Ses dessins les plus remarquables étaient un ensemble de grotesques (1733-1738) et un ensemble de portraits, parmi lesquels ceux de Catherine la Grande (1729-1796) sont les plus remarquables.\nTapisseries des XIXe et XXe siècles\nAngleterre: mouvement artisanal\nLa plupart des tapisseries du XIXe siècle étaient des reproductions de peintures ou de dessins précédemment tissés. L’influence de la révolution industrielle a bien sûr été considérable, non seulement pour les outils, les matériaux et les colorants, mais également pour l’émergence d’un nouveau marché de la classe moyenne et de ses exigences. L’arrivée de machines à tapisser et de tissage mécanique est devenue une menace évidente pour la survie de l’artisanat d’origine, suscitant de nombreux débats parmi les artistes appartenant au mouvement Arts and Crafts de la fin du XIXe siècle en Angleterre, qui ont reconnu la nécessité d’une renaissance de l’ art. art décoratif en général, et l’art de la tapisserie en particulier. Très critiques à l’égard de la perte de créativité individuelle, ces artistes ont ravivé les traditions de l’artisanat médiéval afin de contrer les effets de l’industrialisation sur les arts décoratifs et appliqués. Le mouvement a été dirigé par l’artiste William Morris (1834-1896), qui installent une fabrique de tapisseries à Merton Abbey, dans le Surrey, près de Londres. Morris lui-même, en collaboration avec le peintre-illustrateur Walter Crane (1845-1915), a contribué à la réalisation de dessins animés, mais la plupart des tapisseries tissées à Merton ont été conçues par le peintre préraphaélite, Sir Edward Burne-Jones (1833-1898). D’autres dessins de tapisserie plus audacieux ont été créés dans les années 1880 par l’artiste Arthur Heygate Mackmurdo (1851-1942), qui fonda en 1882 la Century Guild , le premier de nombreux groupes de designers et d’artistes à suivre l’enseignement de William Morris. Ce dernier a également influencé de nombreux artistes progressistes à la fin du 19e siècle en France. Par exemple, Paul Gauguin (1848-1903) et Emile Bernard (1868-1941) font partie de plusieurs peintres qui s’intéressent au tissage de tapisseries, bien qu’ils ne fassent pas réellement des caricatures de tapisserie. Aristide Maillol (1861-1944). La tapisserie britannique la plus aventureuse du XXe siècle est sans doute l’énorme " Christ de l’Apocalypse " (1962), conçu pour la cathédrale de Coventry par Graham Sutherland (1903-1980) et tissé en France sur les métiers d’Aubusson.\nÀ la fin du XIXe siècle, l’Europe a connu une résurgence de la tapisserie fondée sur les traditions folkloriques. Gerhard Munthe (1849-1929), peintre de renom , et Frida Hansen (1855-1931) ont dirigé cette tendance, déjà manifeste en Norvège lorsque de grands efforts ont été déployés pour fonder un art de la tapisserie moderne sur les traditions de tissage médiévales autochtones . un tisserand traditionnel. Des développements plus récents du 20e siècle ont eu lieu en Suède et en Finlande, grâce au travail de Marta Maas-Fjetterstrom (1873-1941), l’un des artistes de la tapisserie suédois les plus connus, et à l’art de la tapisserie plus fin et plus coloré de la Finlande, illustré par Martta Taipale. , Laila Karttunen , et Dora Jung . Les autorités religieuses de Scandinavie ont été exceptionnellement réceptives à cet art. Le tissage traditionnel a également suscité un renouveau dans la fabrication de tapisseries dans des pays d’Europe centrale tels que la Tchécoslovaquie, la Hongrie et plus particulièrement la Pologne, où des tisserands-créateurs du milieu du XXe siècle, tels Magdalena Abakanowicz et Wojciech Sadley, ont utilisé des matériaux non conventionnels tels que le sisal, le jute, le horsehair, et le raphia, pour souligner la nature du matériau et sa plasticité tactile.\nL’Allemagne a également connu une sorte de renaissance du tissage de tapisseries au tournant du siècle. À Scherrebek, dans l’État du Schleswig-Holstein, une petite industrie de la tapisserie a été créée de 1896 à 1904. Elle a été suivie d’activités similaires dans les villes voisines de Kiel et de Meldorf. Cependant, le développement le plus significatif de l’art textile allemand (ainsi que de la plupart des autres art appliqué ), a eu lieu à l’ école de design Bauhaus , où la tapisserie a été réalisée entre 1919 et 1933. De composition abstraite, les dessins du Bauhaus reposaient sur l’idée que la technologie de l’artisanat devait être révélée dans l’œuvre et dans la nature des matériaux utilisés. Anni Albers (1899-1994), épouse du peintre abstrait, artiste du vitrail et instructeur du Bauhaus Josef Albers (1888-1976), était le principal tisserand de la tapisserie Bauhaus. Après la Seconde Guerre mondiale, des ateliers de tapisserie ont été ouverts à Munich et à Nuremberg, tandis que des tisseurs individuels travaillaient dans toute l’Allemagne et à Vienne. Mais contrairement à la France, les artisans allemands se sont tournés davantage vers le vitrail que vers la tapisserie.\nAux États-Unis et au Canada, un petit nombre de designers travaillent sur leurs propres métiers à tisser, mais la plupart des grandes tapisseries américaines sont des importations européennes. En Amérique latine, la renaissance de l’artisanat populaire a suscité l’intérêt pour la fabrication de tapisseries au Mexique et au Panama, tandis que d’autres centres de tapisserie conception ont émergé au Brésil, au Chili et en Colombie.\nRenaissance du XXème siècle\nAprès la Première Guerre mondiale, coïncidant avec les idées d’avant-garde émergeant du Bauhaus allemand, la France a initié puis dirigé la revitalisation du 20e siècle de la tapisserie en tant qu’art. Beaucoup de grands artistes modernes – Pablo Picasso (1881-1973), Georges Braque (1882-1962), Henri Matisse (1869-1954), Fernand Leger (1881-1955), Georges Rouault (1871-1958) et Joan Miro. (1893-1983), pour n’en nommer que quelques-uns – ont autorisé la reproduction de leurs œuvres en 1932. Ces reproductions ont été exécutées avec une fidélité exceptionnelle sous la direction de Marie Cuttoli . La tapisserie d’Aubusson, choisie pour cet important tissage, redevient un grand centre d’activité. À peu près à la même époque, le peintre et designer de tapisseries français Jean Lurcat (1892-1966) – sous l’influence de la tapisserie gothique, en particulier de "l’Apocalypse d’Angers" du XIVe siècle, et conjointement avec François Tabard , maître tisserand à Aubusson – a formulé les principes de base qui devaient faire de la tapisserie un art collaboratif droite. Sous Lurcat, la tapisserie a redécouvert la texture plus grossière et la palette de couleurs plus audacieuse si plus limitée qui caractérisait les tapisseries médiévales originales.\nUn peu plus tard, en 1947, Lurcat créa l’importante Association des peintres de tapisseries de dessins animés, dans laquelle un certain nombre de disciples de Lucat, comme les dessinateurs de tapisseries français Marc Saint-Saens et Jean Picart Le Doux, étaient également actifs. Dom Robert , un moine bénédictin dont les tapisseries fantastiques étaient principalement inspirées des enluminures de manuscrits persans et médiévaux européens, fut un autre disciple de Lurcat. Parmi les autres créateurs français importants figurent les artistes Henri Matisse (1869-1954) et Marcel Gromaire (1892-1971), ainsi que l’architecte Le Corbusier. (1887-1965).\nDans les années 1950, les motifs de tapisserie devenaient de plus en plus abstraits. Parmi les ensembles les plus distingués figurent les abstractions monochromatiques tonales conçues par le sculpteur et graveur Henri-Georges Adam (1904-1967). Parmi les autres concepteurs de textiles abstraits de tentures d’après-guerre figurait le sculpteur Jean Arp (1887-1966) et le peintre, devenu plus tard op artiste, Victor Vasarely (1908-97).\nLa Belgique de l’après-guerre a été témoin de sa propre mini-renaissance de l’art de la tapisserie. En 1945, le mouvement Forces Murales est créé à Tournai par des peintres de dessins animés tels que Louis Deltour , Edmond Dubrunfaut et Roger Somville , qui sont devenus les principaux designers de l’industrie de la tapisserie en Belgique. Puis, en 1947, un atelier de tapisserie collective à Tournai, connu sous le nom de Centre de rénovation de la tapisserie , apparut et prospéra jusqu’en 1951. De petits ateliers continuèrent de fonctionner dans toute la Belgique, en particulier dans les villes de Bruxelles, Tournai et Malines.\nCette renaissance de la tapisserie européenne peut être associée à l’austérité de l’architecture moderne. Tout comme les châteaux médiévaux, les vastes étendues de murs nus dans les bâtiments contemporains offrent un cadre idéal pour les tentures murales à grande échelle. L’architecte moderniste d’origine suisse Charles Edouard Jeanneret (1887-1965), surnommé Le Corbusier , a souvent décrit les tapisseries comme des "peintures murales nomades", soulignant leur importance en tant que décorations mobiles.\nEn 1962, la première exposition internationale de tapisseries a été organisée à Lausanne en Suisse. Après 1965, elle est devenue un événement biennal majeur. Cette vitrine de l’art textile contemporain témoigne de l’énorme intérêt mondial suscité par le médium généré au milieu du XXe siècle, ainsi que de l’immense variété de motifs, de matériaux et de techniques associés.\nMétiers à tisser Jacquard informatisés\nDepuis les années 1990, la tapisserie confirme son statut d’art raffiné, à la suite de l’informatisation du processus Jacquard par des artistes tels que le portraitiste novateur. Chuck Close .\nFabrication de tapisserie\nLa tapisserie est différente de toutes les autres formes de tissage à motifs en ce sens qu’aucun fil de trame n’est pris sur toute la largeur de la toile. Chaque unité du motif est tissée avec une trame, ou un fil, de la couleur requise, qui est déplacée d’avant en arrière uniquement sur la section où cette couleur particulière apparaît dans le dessin ou le dessin. Comme dans le cas du tissage de tissus ordinaires, les fils de trame passent alternativement sous et sous les fils de chaîne, puis au retour, ils passent sous l’endroit où ils étaient auparavant et inversement. Chaque passage est appelé une pioche et, une fois terminé, les trames sont rapprochées par diverses méthodes ou dispositifs (tous, lire, latter, peigner, clouer des ongles de doigts).\nL’épaisseur de la chaîne détermine l’épaisseur du tissu de tapisserie. Dans l’Europe médiévale, l’épaisseur de la tapisserie en laine dans des œuvres comme la tapisserie «Apocalypse d’Angers» du XIVe siècle était d’environ 10 à 12 fils au pouce (5 au cm). Au XVIe siècle, le grain de la tapisserie était devenu plus fin, car la tapisserie commençait à imiter la peinture. Au 17ème siècle, la tapisserie royale des Gobelins à Paris utilisait 15 à 18 fils au pouce et 18 à 20 au 18ème siècle. L’autre atelier de tapisserie royale de Beauvais avait au 19e siècle 25 ou même 40 fils au pouce. Ces grains exceptionnellement fins rendent le tissu très plat, comme la surface d’un tableau. En comparaison, le grain de la tapisserie du 20ème siècle se rapproche de celui utilisé dans les tapisseries des 14ème et 15ème siècles.L’usine des Gobelins, par exemple, utilise maintenant 12 ou 15 fils par pouce. Le grain de la soie, bien sûr, est beaucoup plus fin que celui de la laine. Certaines tapisseries de soie chinoises ont jusqu’à 60 fils de chaîne par pouce.\nLa tapisserie européenne est tissée soit sur un métier à tisser vertical (haute chaîne ou haute-lisse), soit sur un métier à tisser horizontal (basse chaîne ou basse-lisse). Parmi les deux méthodes, la basse chaîne est plus couramment utilisée. Parmi les grandes usines de tapisserie européennes, seuls les Gobelins ont traditionnellement utilisé des métiers à tisser à haute chaîne. Plusieurs tisserands peuvent tisser simultanément sur l’un ou l’autre type de métier à tisser. Selon la complexité de la conception et le grain ou l’épaisseur de la tapisserie, un tisserand des Gobelins peut produire de 32 à 75 pieds carrés de textile tissé par an.\nTapisserie Designs & Cartoons\nDans les tapisseries européennes, les dessins animés médiévaux, ou dessins préparatoires, étaient généralement tracés et coloriés par un peintre sur une toile de la grosseur de la tapisserie à tisser. Vers 1500, le tisserand tissait généralement directement à partir d’un modèle, tel qu’un tableau, et ne copiait donc pas un motif schématique, mais le travail fini original du peintre. Au début du 17ème siècle, il y avait une distinction claire entre le modèle et le dessin animé: le modèle était la référence originale sur laquelle le dessin était basé. Les dessins animés ont été librement utilisés et souvent copiés.\nPlus d’une tapisserie peut être tissée à partir d’un dessin animé. Dans l’usine parisienne des Gobelins, par exemple, le fameux ensemble «Tapisserie des Indes» du XVIIe siècle a été tissé 8 fois, refait et légèrement modifié par le peintre baroque François Desportes (1661-1743).\nLa bordure d’un dessin animé était fréquemment repensée à chaque commande, chaque client ayant une préférence personnelle différente pour les motifs ornementaux. Souvent, les frontières ont été dessinées par un artiste différent de celui qui a conçu le dessin. En tant qu’élément de design, toutefois, les bordures ou les cadres ne sont importants que du 16ème au 19ème siècle. Les tapisseries du Moyen Âge et du 20ème siècle utilisaient rarement une bordure, celle-ci ne servant qu’à faire ressembler la tapisserie à un tableau.\nUne bande dessinée entièrement peinte prenant beaucoup de temps, les concepteurs du XXe siècle ont adopté diverses méthodes alternatives. Le dessin est parfois un agrandissement photographique d’un modèle entièrement peint, ou simplement un dessin numéroté. Ce dernier type, conçu par le célèbre dessinateur de tapisseries français Jean Lurcat (1892-1966) pendant la Seconde Guerre mondiale, est un système numéroté dans lequel chaque chiffre correspond à une couleur précise et chaque dessinateur a sa propre gamme de couleurs. Le tisserand se réfère à un petit modèle de couleur fourni par le peintre, puis sélectionne des échantillons de laine.\nLà où on utilise une haute chaîne, le tisserand a le dessin plein format accroché à côté ou derrière lui. Tandis que le tisserand à basse chaîne place le dessin sous les chaînes, il peut le suivre d’en haut. Dans les deux cas, les contours principaux du dessin sont dessinés à l’encre sur les chaînes après leur fixation au métier à tisser.\nLa laine est le matériau le plus largement utilisé pour la fabrication de la chaîne, ou la série parallèle de fils qui s’étendent dans le sens de la longueur dans le tissu de la tapisserie. Les fils de trame de largeur, ou fils de trame, sont aussi le plus souvent en laine. Les avantages de la laine sont multiples. Il est plus disponible, plus pratique et plus durable que les autres matériaux, et peut en outre être facilement teint. La laine a souvent été utilisée en association avec des fils de lin, de soie ou de coton pour la trame. Ce mélange de matières est idéal pour le tissage de détails et la création d’effets délicats. Les soies de couleur claire ont souvent été utilisées pour créer des effets picturaux de gradation de tons et de récession spatiale. La lueur du fil de soie était souvent utile pour les reflets ou pour créer un effet lumineux par rapport aux fils de laine plus ternes. La soie était de plus en plus utilisée au 18ème siècle, en particulier à l’usine de Beavais en France, afin d’obtenir des effets de tons subtils. La majorité des tapisseries chinoises et japonaises ont à la fois des fils de chaîne et de trame de soie. Des tapisseries de pure soie ont également été réalisées à l’époque médiévale à Byzance (Constantinople) et dans certaines parties du Moyen-Orient. Des tapisseries de lin pur ont été tissées dans l’Egypte ancienne, tandis que les chrétiens égyptiens et les Européens médiévaux utilisaient parfois du lin pour la chaîne. Le coton et la laine ont été utilisés danstandis que les chrétiens égyptiens et les européens médiévaux utilisaient parfois du lin pour la chaîne. Le coton et la laine ont été utilisés danstandis que les chrétiens égyptiens et les européens médiévaux utilisaient parfois le lin pour la chaîne. Le coton et la laine ont été utilisés dans Art précolombien faire des tapisseries péruviennes ainsi que des tapisseries islamiques au Moyen Âge. Depuis le XIVe siècle, les tisserands européens ont également utilisé des fils de trame en or et en argent pour produire un effet somptueux.\nTeintures à tapisserie\nLes colorants couramment utilisés en Europe comprenaient: (1) le pastel, plante similaire à l’indigo, qui permet d’obtenir une bonne gamme de bleus. (2) garance, une racine à partir de laquelle on pourrait obtenir des rouges, des oranges et des roses. (3) Weld, une plante anglaise dont les feuilles produisent du jaune. (4) Un mélange de soudure (jaune) et d’indigo (bleu) a été utilisé pour confectionner du vert. Pour plus d’informations sur la couleur, voir: Pigments de couleur .


Tous les ans c'est le même problème, vous ne savez pas quel cadeau offrir à votre meilleur ami. Et pourquoi pas une bande dessinée ? Mais attention, pas n'importe quelle bande dessinée ! Une BD dont votre meilleur ami serait le héros. Ce concept novateur est développé par la société Editoon, qui édite le site internet mabd.fr. Il vous suffit de leur envoyer la photo de votre meilleur ami – ou toute autre personne masculine de votre choix, le catalogue ne comporte pour le moment que des produits pour homme. La photo est ensuite traitée avec les logiciels développés par Editoon de manière à faciliter le travail des dessinateurs.\n– Pour plus de détails, rendez-vous sur le site de Mabd.fr.\nTags: bd cadeaux culture


Mostra : lycéens post-soixante-huitards contre yakuzas déchaînés\n"Après mai" d'Olivier Assayas et « Outrage : Beyond » de Takeshi Kitano étaient projetés ce lundi.\nPublié le 23 octobre 2014 à 11h33 Mis à jour le 03 novembre 2013 à 19h58\n(« Après Mai » d'Olivier Assayas © Carole Bethuel / MK2 Diffusion)\nLe Français Olivier Assayas est entré lundi dans la course au Lion d'or avec « Après mai », un écho de 1968 sur la société en crise des années 70, vue à travers l'odyssée d'un groupe de lycéens engagés voulant changer le monde.\n: « Après mai » n'est pas un film sur Mai 68, mais sur le début des années 70, une période beaucoup moins explorée au cinéma alors qu'elle fut un moment d'effervescence politique et de création intense. « "Après mai", cela dit exactement ce que je voulais raconter : l'écho de mai 68. Une période où résonne une expérience révolutionnaire unique dans l'histoire française du XXe siècle, » explique le réalisateur de « L'eau froide » et de « Carlos ».\nPour ce faire, il a choisi dans la rue des jeunes, qui dans le film interprètent des lycéens de la région parisienne du début des années 70, tiraillés entre un engagement politique radical et des aspirations plus personnelles.\nLa soif d'absolu, l'innocence mais aussi la violence dominent leur existence, dont les adultes semblent absents.\nAu premier plan, Gilles, un grand échalas à la tignasse brune qui veut faire les Beaux-arts mais que les circonstances conduisent avec ses amis dans un périple allant de l'Italie à Londres.\nCe portrait groupé forme un contraste saisissant avec « la jeunesse des années 2010 (…) qui vit dans un présent amorphe, » estime Assayas, pour qui « l'idée que l'on puisse avoir prise sur la société, qu'on puisse en revoir la nature même, est devenue (aujourd'hui) très vague et conventionnelle. »\nCette fresque de deux heures sortira le 14 novembre dans les salles françaises.\nLe réalisateur japonais Takeshi Kitano a présenté lundi à Venise la suite de « Outrage » (2010), qui s'intitule tout simplement « Outrage : Beyond » et reprend la saga de la famille du crime Sanno, dont l'empire a étendu ses tentacules sur la politique et le monde des affaires.\nLes luttes de pouvoir entre la jeune génération et les vieux hiérarques de la famille Sanno, que la police veut mettre à profit pour tenter d'enrayer sa croissance, servent de toile de fond au jeu du chat et de la souris que se livrent les Sanno et une autre famille, les Hanabishi.\n« Les yakuzas au Japon sont une forme différente de la mafia (italienne) mais en fin de compte, c'est la même chose, » a estimé lors d'une conférence de presse Takeshi Kitano, chouchou de Venise où il a obtenu le Lion d'or en 1997 pour « Hana-bi » et le Lion d'Argent du meilleur réalisateur en 2003 pour « Zatoichi ».\nLa violence, aussi bien physique que psychologique, est omniprésente dans cet univers 100% masculin, aussi bien du côté des criminels que de la police. Les femmes, anonymes, ne font que de brèves apparitions : une serveuse, une prostituée (morte !) et la compagne d'un boss. Et pourtant la violence est presque édulcorée : « Il y a des scènes extrêmement violentes que je voudrais faire, mais je dois m'arrêter : si nous en faisons trop, nous n'aurons pas de spectateurs, » admet Kitano, pour qui « il est très intéressant de voir la réaction des gens face aux scènes choquantes. »\nLui-même invoque le caractère comique que peut revêtir une scène de violence. « Souvent, plus une scène est intense, plus elle fait rire. C'est ce que je voulais. Même moi j'ai commencé à rire durant le tournage de certaines scènes, » a-t-il confié. « Nous avons essayé de décrire une situation réelle, » a-t-il encore expliqué, soulignant qu'il n'est « pas un réalisateur très apprécié au Japon. » « J'ai pensé qu'à l'étranger je pourrais avoir plus de visibilité, » a-t-il ajouté.\nLe cinéaste de 65 ans a évoqué la possibilité d' « un troisième chapitre. » « J'ai déjà écrit le scénario, » a-t-il annoncé.


Volleyball Canada Les meilleures équipes canadiennes de volleyball de plage sont prêtes pour le tout premier tournoi de l’histoire des Jeux du Commonwealth | Volleyball Canada\nGOLD COAST – Le soleil – la mer – le sable et une compétition intense : les équipes canadiennes de volleyball de plage sont fin prêtes à faire briller leur sport pour la toute première fois aux Jeux du Commonwealth, du 6 au 12 avril 2018. Le tournoi sera disputé au Queen Elizabeth Park de Collangatta, la banlieue de l’extrême sud de la Gold Coast australienne.\n« Nous sommes vraiment heureux de compter sur quatre de nos meilleurs athlètes de volleyball de plage pour l’équipe canadienne des Jeux du Commonwealth de Gold Coast », affirme l’entraîneur-chef de l’équipe, Steve Anderson. « Coolangatta sera un site extraordinaire pour le tout premier tournoi de volleyball de plage aux Jeux. On espère que le Canada sera fier de nous et que nous contribuerons aux succès de l’équipe sur le podium. »\nLe duo canadien de Sarah Pavan (Kitchener, ON) et Melissa Humana-Paredes (Toronto, ON), qui occupe présentement la première place du classement du circuit mondial féminin de volleyball de plage la FIVB, anticipe avec impatience ce premier tournoi de volleyball de plage disputé aux Jeux du Commonwealth.\n« Nous sommes toutes les deux très honorées et heureuses de représenter le Canada à un tournoi si prestigieux », a partagé Humana-Paredes, qui s’est associée à l’olympienne Pavan en 2017. « Les opportunités de participer à des jeux multisports sont rares, donc lorsqu’on a la chance, on saute sur l’occasion ! C’est un sentiment magique de faire partie d’une grande équipe et c’est très spécial de partager l’expérience avec d’autres athlètes canadiens. Nous sommes certaines que l’Australie sera une hôtesse extraordinaire pour le volleyball de plage! »\nLe meilleur duo canadien de Sam Pedlow (Barrie, ON) et Sam Schachter (Richmond Hill, ON) ont également fait leurs débuts sur le circuit mondial en 2017.\nVingt-quatre nations prennent part aux tournois masculin et féminin. De plus, les deux équipes canadiennes sont favorites. Pavan/Humana-Paredes affronteront\nle Fidji à leur premier match, alors que Pedlow/Schachter se mesureront au Sierra Leone à la session d’après-midi du jour un.\nChaque nation disputera trois matchs préliminaires. Les deux premières équipes de chaque poule passent en quarts-de-finale ainsi que les deux meilleures équipes de troisième place issues de toutes les poules.\nL’horaire complet de volleyball de plage de Gold Coast est disponible à :


fleurir un mur – plantes grimpantes – sedum – campanule – coachjardins vous informe – Coach Jardins\nfleurir un mur – plantes grimpantes – sedum – campanule – coachjardins vous informe\nLa verticalité d'un mur ne doit pas être un obstacle, n’hésitez pas à l'exploiter. Coachjardins va vous donner quelques astuces simples et faciles à mettre en oeuvre.\nPremière astuce du coach\nSur votre mur, fixer des fils ou de petits câbles d'acier , ceci devront être installés à la verticale, puis installer des plantes grimpantes en pot ou en pleine terre placées au pied du mur, ainsi il vous suffira d'enrouler les tiges autour des fils, guidées les plantes continuerons leurs ascension et finiront par couvrir votre mur tout en le fleurissant.\nquelques plantes incontournables\n- Ipomée 'annuelle'\n- Clématite 'armandii'\n- Dipladenia ' annuelle'\nseconde astuce du coach\nSur un mur il faut exploiter tout l'espace disponible, le haut des murs fait partie de ces endroits insolites à fleurir, je conseillerai d'y loger des plantes qui vont s'installer seules et se suffirent à elles-mêmes, on parlera donc de plantes entretien presque zéro.\nDes petites plantes s'adaptent parfaitement à ces environnements rocheux et souvent secs.\nattention à la différence des sedums les saxifrages aiment les endroits humides.\n- sédum 'hispanicum'\n- Campanule des murailles\nPour planter ces petites plantes de rocailles dans votre mur, glisser du terreau là ou la jointure est suffisamment grande pour y glisser un petit plant qui prendra de l'ampleur au fil du temps. Planter en mars pour une floraison durant l’été.\nLire les articles sur : les photos du coach.\nÉtiquettes : campanule, clématite armandii, dipladenia, fleurir un mur, ipomé, jasmin étoilé, joubarbe, plantes grimpantes, saxifrage\nchoisir son sapin de Noel – abies – épicéa – coachjardins vous oriente\nCitron caviar – origine – couleur – arbuste persistant – exposition – conseil du coach


« Age of rage », de Ivo van Hove, la Grande Halle de la Villette à Paris – Les Trois Coups\n« Age of rage », d’Ivo van Hove © Jan Versweyveld\n« Nous n’avons pas perdu le soleil. Non. Nous l’avons chassé. » Telle est la dernière adresse lancée à la face du public avec une vigueur noire par des Atrides exténués. Famille humaine maudite depuis son origine qui ne cesse de s’auto dévorer et nous laisse aussi quelque peu exsangues… La résonance avec notre actualité est évidemment criante : COP 21 récente, guerres, virus, terrorisme, préparation des élections présidentielles, migrants. Pourtant, on le sait, les mythes possèdent une universalité et une intemporalité précieuses – creusant la question de l’humain et de son rapport au monde, de façon infiniment fertile.\nL’adaptation des Atrides proposée ici par Ivo Van Hove diffère de celles de Thomas Jolly ou d’Antonio Latella (geste italienne que nous avions tant aimée) : elle est résolument sauvage. Enragée, comme le signale son titre. Certes, en 2018, le Thyeste de Jolly offrait déjà aux hommes le spectacle de leur barbarie. Le Soleil, horrifié par l’ingestion des enfants (refluant dans le corps du père), subjugué par l’inversion de l’ordre du monde, arrêtait sa course. Avenir brisé : la nuit et ses ombres dominaient. Mais la démesure très shakespearienne (anachronisme voulu) de Sénèque ne manquait pas d’esthétisme, d’effets, et le message final se voulait positif : le traité du philosophe stoïcien Sénèque était convoqué pour inviter le public à une « indulgence mutuelle ». Rien de tel dans cette réécriture radicale d’Eschyle et Euripide, laquelle mêle avec frénésie sur le plateau théâtre, chorégraphie de Wim Vandekeybus et musique interprétée en live par le groupe Bl!ndman.\nD’emblée, le spectateur, en entrant dans l’espace de la Grande Halle, est invité (que cela lui plaise à non) à humer longtemps des odeurs de barbecue. Il ne pourra oublier le banquet cannibale de Tantale offrant son fils aux Dieux afin de tester leur omniscience (faute originelle de la famille). Il songera plusieurs fois au festin proposé par le petit-fils de Tantale, Atrée, à son frère jumeau haï : Thyeste croit se réconcilier et récupérer la moitié du royaume d’Argos, mais ingère sans le savoir ses enfants.\nSur le plateau, plusieurs flash back ou textes incrustés sur les écrans rappellent aussi ces crimes commis par les aïeux d’Agamemnon ou d’Oreste. Œil pour œil, dent pour dent, sang pour sang, littéralement : le corps des Atrides, d’un bout à l’autre de la chaîne, est mutilé, sacrifié, avalé, régurgité, pétri ; il se meut, meurt et renaît. Un arbre généalogique est d’ailleurs exploité tout au long de la représentation pour nous permettre de nous repérer dans la lignée.\nLa scénographie, autant que le resserrement dramaturgique autour de quelques moments clés de l’histoire de cette famille, de cette humanité, soulignent le parti-pris – un peu (trop ?) – simple de la rage des corps. Les personnages piétinent dans le sable (sur la plage, dans la baie d’Aulis) qui ressemble à de la boue, de la merde ou des cendres : Agamemnon obéit aux dieux et à ses devoirs de roi grec en sacrifiant sa fille pour que sa flotte puisse partir saccager Troie. Le massacre dure des années et plonge les deux clans dans les flammes, les meurtres – une confusion que symbolise la fumée. Côté troyen, la même logique meurtrière se dévoile : Hécube voit périr ses enfants et se venge en assassinant ceux de ses meurtriers. Ainsi, de tout côté, pères et les mères tuent ou voient tuer leurs enfants, boivent leur propre sang jusqu’à la lie mais leur soif demeure inextinguible.\nLe plateau devient un gigantesque rituel : musiciens, danseurs, acteurs s’allient pour donner à voir la jouissance du crime à mort, la propagation du virus de la violence : les épées violent ou dépècent, le sang gicle, les scènes les plus effroyables sont chorégraphiées à la perfection (le tressage du théâtre, de la danse et de la musique est une des grandes réussites de cette proposition).\nLe spectateur, dans cette arène sonore, olfactive et visuelle, se trouve donc médusé, voire accablé. Il assiste à des moments choisis dans ce récit de famille fondateur (autour d’Iphigénie, Hécube, Électre et Oreste). Le metteur en scène souligne avec insistance les répétitions et jeux de miroir : par exemple, la même comédienne joue Iphigénie et Cassandre, deux princesse sacrifiées sur l’autel de la guerre, deux fantômes qui reviennent habiter la scène ou les écrans. La même histoire se répète depuis les origines : de chaque côté de la mer, on dévore ses enfants (coupables ou non), on saccage tous les abris possibles ; on abîme les êtres, la terre et le soleil. L’Homme furieux transforme son monde en charnier.\nLe spectateur aimerait parfois avoir le temps d’éprouver davantage, de mieux cerner des enjeux de ces pièces magnifiques qu’il sait plus complexes et nuancées (déployés, par exemple, dans la mise en scène de onze heures de Latella !). Mais la proposition qui lui est faite, cohérente, vise à lui faire subir la radicalité de cette violence animale, sans distance, sans conscience, déchaînée.\nDe la sorte, il ressent la violence primitive à l’œuvre dans les tragédies antiques, mais aussi dans le monde contemporain. Un monde actuel qui nivelle tant la nuance. Le choix des costumes, des musiques, des vidéos, des corps sauvages (miroirs de notre temps !), de la redondance des sacrifices humains, sature nos émotions et nous plonge dans une indifférenciation confuse.\nSortir de la nuit ?\nToute la question est de savoir si la représentation de ces Atrides enragés (qui rappellent la famille des Damnés) a un pouvoir disruptif, de subversion. Le spectacle est violent, servi par des interprètes magistraux ; il ne console pas. Il éructe du sang bien plus que de la pitié. Les danses et la musique Black Métal ne laissent pas de respiration au sublime poétique (pourtant présent en filigrane dans les bribes textuelles projetées sur écrans ou dans quelques répliques). La catharsis censée transcender la sidération a du mal à advenir, tant la projection sensorielle du chaos oblitère nos facultés.\nMême l’intervention finale d’Apollon (qui met un terme à l’enchaînement meurtrier et achève avec le jugement d’Oreste la malédiction des Atrides) est expédiée. Volontairement. Car ce n’est pas l’apaisement, on l’a dit, que cherche Ivo van Hove. Ni l’idée que le meurtre d’Oreste puisse aboutir à une forme de démocratie, de conciliation (dans Eschyle, c’est un tribunal de citoyens, l’Aéropage, qui est chargé de juger le matricide d’Oreste, le jugement des dieux n’étant plus suffisant). Non, la horde humaine de ces Atrides se tenant debout, nous regardant, ne nous fait pas sortir de la nuit. Elle l’éclaire, peut-être, avec effroi. ¶\nAge of rage, d’Ivo van Hove et l’Internationaal Theater Amsterdam, d’après Iphigénie, Les Troyennes, Hécube, Agamemnon, Elektra et Oreste\nAvec : Maarten Heijmans, Hans Kesting, Aus Greidanus jr., Gijs Scholten van Aschat, Ilke Paddenburg, Chris Nietvelt, Achraf Koutet, Janni Goslinga, Maria Kraakman, Maarten Heijmans, Bai Li Wiegmans, Birgit Boer, Emma Hanekroot, Jesse Mensah, Katharina Ludwig, Hélène Devos, Majd Mardo, Chris Nietvelt, Emma Hanekroot, Jesse Mensah, Katharina Ludwig\nGrande Halle de la Villette • Espace Charlie Parker • 75019 Paris\nDu 27 novembre au 2 décembre 2021, à 15h ou 19 heures\n☛ Thyeste de Sénèque, mise en scène de Thomas Jolly, cour d’honneur du festival d’Avignon, par Lorène de Bonnay\n☛ Électre/Oreste d’Euripide, mise en scène d’Ivo van Hove, par Léna Martinelli\n☛ Les Damnés de Visconti, festival d’Avignon, mise en scène d’Ivo van Hove, cour d’honneur du festival d’Avignon, par Lorène de Bonnay\nPublié dans Critiques, Île‑de‑France, les Trois Coups et tagué Age of rage, Atrides, Eschyle, Euripide, grande Halle de la Villette, Ivo van Hove, Lorène de Bonnay, Sophocle. Ajoutez ce permalien à vos favoris.\nThomas\t on 13 décembre 2021 at 11 h 04 min\nVotre article est très intéressant car il met en perspective de manière sensible et argumentée la pièce « revue et corrigée » par Ivo Van Hove. Une tragédie presque punk qui laisse à voir et à penser en partie le monde d’aujourd’hui.\nPar ailleurs, votre revue est toujours aussi passionnante. Bravo !\nLes Trois Coups\t on 19 décembre 2021 at 22 h 28 min


"Très Saint Père, à notre époque d’horreurs irrationnelles..."\nROME, le 5 novembre 2009 – A quelques jours de la rencontre entre le pape et les artistes, annoncée pour le 21 novembre à la Chapelle Sixtine, un appel qui est déjà sur le bureau de Benoît XVI en anticipe le principal motif.\nC’est un appel "au retour d’un art sacré authentiquement catholique". Il n’émane pas d’artistes mais de chercheurs et de gens passionnés à des titres divers par le destin de l'art chrétien. Entre tous : Nikos Salingaros, Steven J. Schloeder, Steen Heidemann, Duncan G. Stroik, Pietro De Marco, Martin Mosebach, Enrico Maria Radaelli.\nMosebach est un écrivain allemand confirmé que Joseph Ratzinger connaît bien. Son dernier ouvrage, "Eresia dell'informe. La liturgia romana e il suo nemico", a aussi été publié en Italie, cette année, aux éditions Cantagalli. C’est une étincelante apologie du grand art chrétien ou plutôt de la liturgie catholique elle-même en tant qu’art. Avec de piquantes invectives contre l’attitude iconoclaste qui règne aujourd’hui dans l’Eglise catholique elle-même.\nRadaelli, disciple du grand philologue et philosophe catholique Romano Amerio, est un spécialiste raffiné de l’esthétique théologique. Son chef d’œuvre, "Ingresso alla bellezza", publié en 2008, est un magnifique parcours d'introduction au mystère de Dieu à travers cette "Imago" de Lui qu’est le Christ. La beauté comme manifestation de la vérité.\nL'appel est né aussi de séminaires qui ont eu lieu ces mois derniers à la bibliothèque de la commission pontificale des biens culturels de l’Eglise, où les accueillait le vice-président de cette commission vaticane, l'abbé bénédictin Michael J. Zielinski. Les pères Nicola Bux et Uwe Michael Lang, consulteurs du bureau des célébrations liturgiques pontificales et, pour le second, membre de la congrégation pour le culte divin, y ont participé. Mais, parmi les promoteurs de l'appel, pas d’ecclésiastique ni de responsable du Vatican. Les signataires sont des laïcs aux compétences et professions diverses.\nAprès une brève introduction, le texte se présente en sept brefs chapitres consacrés aux causes de l'actuelle fracture entre l’Eglise et l’art, aux références théologiques, aux commanditaires, aux artistes, à l’espace sacré, à la musique sacrée, à la liturgie.\nIl s’achève sur l'appel proprement dit, ainsi formulé :\n"Pour toutes les raisons exposées ici, conscients de l’écoute paternelle de Votre Sainteté et de l’attention miséricordieuse du Vicaire du Christ, nous Vous supplions, Très Saint Père, de bien vouloir lire dans notre appel plein de tristesse la plus poignante préoccupation quant à la terrible situation actuelle de tous les arts qui ont toujours accompagné la liturgie sacrée, ainsi qu’une modeste et très humble demande d’aide à Votre Sainteté :\n– pour que les arts et l’architecture sacrés puissent à nouveau être et se montrer vraiment et profondément catholiques ;\n– pour qu’ensuite les foules de fidèles, même les plus simples et les moins savants, puissent à nouveau s’émerveiller et profiter de cette noble et multiforme beauté, encore et toujours présente de manière vivante dans la maison du Seigneur, et par elle recevoir à nouveau dans leur cœur les très hauts et toujours nouveaux enseignements ;\n– pour qu’enfin l’Eglise puisse montrer qu’elle est, même à notre époque d’horreurs matérialistes, irrationnelles et anti-éducatives, la seule vraie, active et attentive promotrice et gardienne d’un art nouveau et vraiment 'original', c’est-à-dire capable même aujourd’hui de fleurir, comme il l’a toujours fait précédemment, à partir du passé, à partir de sa glorieuse et éternelle Origine, autrement dit à partir du sentiment le plus intime de la Beauté qui brille dans la Vérité du Christ".\nOn peut lire le texte intégral en plusieurs langues, avec la liste des signataires, sur le site web créé à cet effet :\n> Appel au Très Saint Père Benoît XVI pour un art sacré authentiquement catholique\nVoici, à titre d’exemple, un chapitre :\nVI. MUSIQUE SACRÉE ET CHANT LITURGIQUE\nSaint-Père, l’Eglise a aujourd’hui l’occasion de se réapproprier son rôle "hautement" magistériel en matière de musique sacrée, principalement dans le domaine de la musique et du chant liturgiques, qui doivent nécessairement répondre aux catégories du "bon" et du "juste" par leur intime coïncidence - pas seulement par leur correspondance - avec la liturgie elle-même (Paul VI, discours aux chanteurs de la chapelle pontificale du 12 mars 1964).\nDans l’histoire millénaire du christianisme, le rapport dialectique entre musique sacrée et musique profane a amené plusieurs fois l’autorité ecclésiastique à intervenir pour "nettoyer le bâtiment de la liturgie romaine" (périphrase expressément utilisée par de nombreux papes) des intrusions séculières que la musique apportait justement dans les églises et qui, au fil des siècles et avec le développement technico-musical progressif, sont devenues de plus en plus graves et éloignées du bon usage liturgique, finissant souvent par s’arroger des rôles auto-référençants de nature profane.\nDepuis la constitution apostolique "Docta sanctorum" du pape Jean XXII (1324), le magistère a toujours indiqué les façons correctes de mettre la musique au service du culte, en approuvant au fur et à mesure les nouveautés techniques compatibles avec la liturgie, mais en indiquant toujours et constamment jusqu’à nos jours (y compris le magistère du concile Vatican II et de tout l’après-concile) que le chant grégorien était la racine originelle, la source d’inspiration constante, la plus haute – justement parce qu’elle est simplement "très noble" – forme de musique qui puisse incarner l’idéal liturgique catholique de la manière la plus parfaite, y compris en vertu de son anonymat métahistorique objectivant et de sa véritable universalité esthétique, verbale, sensible.\nAujourd’hui nous ne pouvons sûrement pas mettre en place des styles ou des formes de musique préconçus, mais le retour du chant grégorien, de la polyphonie et de la musique pour orgue de qualité (inspirées elles aussi par le chant grégorien) anciennes, modernes ou contemporaines, aiderait sûrement, après des décennies de bouleversement total et de probabilisme musical, à retrouver des "mots" liturgiques que la Tradition artistique et musicale catholique nous a offerts pendant des siècles : ils ont fonctionné – pour utiliser une expression imagée du pape Paul VI dans l’encyclique "Mysterium fidei" – comme de véritables "mots de passe de la foi" catholique, qui s’est toujours appuyée sur des données sensibles, dotées de vérité et de beauté mais éloignées des intellectualismes stériles et maniérés ou des archéologismes à éviter avec soin (comme l’a indiqué le pape Pie XII dans l’encyclique "Mediator Dei", dont est sortie la réforme liturgique de la seconde moitié du XXe siècle).\nParmi les arts mis au service du culte, la musique est peut-être le plus fort, du fait de ce sens "catéchétique" constant que le magistère lui a toujours reconnu, mais c’est aussi le plus délicat dans la mesure où, par nature et contrairement aux autres arts, elle suppose un "tertium medium" entre l’auteur et le bénéficiaire : l’interprète. La sollicitude de l’Eglise doit donc, comme par le passé, porter sur la formation des auteurs et des interprètes : certes l’effort en ce sens est infiniment plus lourd qu’à la fin du Moyen Age, à l’époque baroque ou au XIXe siècle, puisqu’il s’agit aujourd’hui de forces issues d’une société qui, contrairement à ce qui a existé dans le passé, est bien peu chrétienne ; pour en tenir compte, la catéchèse devrait repartir des "fondamentaux" où les musiciens – quand ils ont le professionnalisme voulu – retrouvent le "sensus ecclesiæ" et même le "sensus fidei".\nEt à propos de la rencontre entre le pape et les artistes...\nLa rencontre annoncée entre Benoît XVI et les artistes aura lieu le matin du samedi 21 novembre 2009, à la Chapelle Sixtine.\nVoici le programme de la rencontre. Après un prélude musical, l'archevêque Gianfranco Ravasi, président du conseil pontifical pour la culture, saluera le pape au nom des personnes présentes. Puis quelques passages de la "Lettre aux artistes" de Jean-Paul II, du 4 avril 1999, seront lus. Enfin le pape prononcera un discours. Un second moment musical conclura la rencontre.\nLa Chapelle Sixtine n’étant pas très grande, il y aura au maximum 300 artistes présents, venus du monde entier et appartenant à toutes les disciplines : peintres et sculpteurs, architectes, écrivains et poètes, musiciens et chanteurs, hommes de cinéma, de théâtre, danseurs, photographes. C'est le conseil pontifical pour la culture qui s'est occupé des invitations.\nEn plus de la lettre écrite par Jean-Paul II en 1999, il existe un autre précédent important, datant de 45 ans : la rencontre entre Paul VI et les artistes, le 7 mai 1964, toujours à la Chapelle Sixtine.\nLe motif de cette nouvelle rencontre, c’est que "depuis longtemps l'alliance entre la foi chrétienne et l’art s’est rompue". C’est ce qu’a déclaré Mgr Ravasi, le 10 septembre, en annonçant l'évènement.\nL'alliance entre la foi et l’art fait partie de l'identité de l’Eglise. Le judaïsme interdisait les images sacrées. Mais la foi en Dieu incarné a vite amené l’Eglise à s’approprier l'art grec et romain comme langage figuré.\nCette géniale alliance de l’Eglise avec l'art est périodiquement en butte à des contestations iconoclastes. Au cours du premier millénaire en Orient. Au cours du second en Occident, d’abord avec le protestantisme puis, aujourd’hui, avec la tendance générale anti-figurative manifestée non seulement par l'art mais aussi par les commanditaires ecclésiastiques.\nEn rencontrant les artistes dans ce haut lieu de l'art chrétien qu’est la Chapelle Sixtine, Benoît XVI se propose précisément d’arrêter cette décadence et de renouer un dialogue, dans l’espoir que renaisse une alliance féconde entre l'art et l’Eglise.\nEn un temps "où, dans de vastes régions de la terre, la foi est en danger de s’éteindre comme une flamme qui ne trouve plus d’aliment", le pape pense peut-être à ce que disait saint Jean Damascène au plus fort de la tempête iconoclaste :\n"Si un païen vient à toi et te dit : Montre-moi ta foi ! Conduis-le à l’église, montre-lui le décor dont elle est ornée et explique-lui la série des tableaux sacrés".\nLa présentation officielle de la rencontre du 21 novembre entre Benoît XVI et les artistes, faite une fois par l'archevêque Gianfranco Ravasi, président du conseil pontifical pour la culture, et une autre fois par le professeur Antonio Paolucci, directeur des Musées du Vatican :\n> Conférence de presse du 10 septembre 2009\n> Conférence de presse du 5 novembre 2009\nL'homélie de Paul VI aux artistes, à la Chapelle Sixtine, le 7 mai 1964 :\nLa lettre de Jean-Paul II aux artistes, du 4 avril 1999 :\n> "À tous ceux qui avec un dévouement passionné..."\nSur www.chiesa, la présentation de l’essai théologique d’Enrico Maria Rad


Posted by Aymeric Published in Debug, Navigateur, Niveau expert\n[niveau: expert] Sur l’excellent blog Ajaxian je viens de découvrir qu’il existe un plugin au module Firebug (dont je parlais justement hier) qui permet de déboguer du PHP en console ! Cette petite merveille se nomme FirePHP et m’a l’air prometteur au vue des images: Je ne code actuellement pas en PHP, mais je dois […]\nPosted by Aymeric Published in Navigateur, Niveau débutant, Niveau expert, Niveau intermédiaire\n[niveau: de débutant à expert] Puisque j’en suis à parler de Firefox, autant continuer sur ma lancée. Je vais vous présenter quelques extensions que je trouve particulièrement intéressantes, voire même indispensables pour certaines. Personas (niveau: débutant) Un des derniers modules de Firefox qui vient de sortir et qui vous permet, d’un mouvement de souris, de […]\nTags: débutant, expert, extensions, firefox, intermédiaire, Navigateur\nLes raccourcis de votre navigateur [Astuce]\n[niveau: débutant] J’ai eu l’occasion ce week-end de réinstaller Firefox chez un ami. J’en ai profité pour lui apprendre quelques raccourcis claviers/souris qui peuvent faire gagner du temps. J’ai souvent remarqué que les gens ne les connaissent pas. Voici de quoi vous rattraper: – CTRL + T : ouvre un nouvel onglet – CTRL + […]\nTags: Astuce, débutant, firefox, IE, Navigateur


comparatif-tv.fr » LG » 3840X2160 » Compensation carbone de votre achat offerte. Résultats de tests, meilleurs prix, avis utilisateurs, évaluation écologique et technique et plus encore. Tout savoir sur le téléviseur 3840X2160 de LG !\nComparateur de prix éco-responsable. Nous trouvons les meilleurs prix pour la TV LG 3840X2160 et nous compensons au mieux les 10 kg/co2 émis lors de sa fabrication !


Appartement en bord de mer à Arma di Taggia, propriété en bord de mer en Italie - Propriétés à Italie\nAppartements en bord de mer à Arma di Taja Dans la nouvelle maison, nous vous proposons d'acheter des appartements de différentes dispositions dans la ville voisine de San Remo à Arma di Taja près de la plage sur la première côte dans un endroit magnifique et paisible dans une élégante copropriété entièrement rénovée avec goût. Cet appartement est d'environ 80 mètres carrés au rez-de-chaussée avec une terrasse. Il comprend une entrée, un grand séjour avec cuisine ouverte, 2 chambres, une salle de bains. Finition haut de gamme, climatisation, porte blindée, volets roulants électriques, préparation aux alarmes antivol et domotique. Possibilité d'un garage ou parking. 468 000 euros - 99m2 (séjour avec cuisine, 3 chambres, salle de bains) 440 000 euros - 85m2 (séjour avec cuisine, 1 chambre, 1 salle de bains) 485 000 euros - 117m2 (séjour avec cuisine, 3 chambres, 2 Salles de bains) 485 000 euros - 77m2 (séjour avec cuisine, 2 chambres, 1 salle de bain) 460 000 euros - 100m2 (séjour avec cuisine, 2 chambres, 2 salles de bains) 395 000 euros - 92m2 (séjour avec cuisine, 1 chambre, 1 salle de bain) 440 000 euros - 85 m2 (séjour avec cuisine, 1 chambre, 1 salle de bain) 468 000 euros - 99 m2 (séjour avec cuisine, 3 chambres, 1 salle de bain omnata) 365 000 EUR - 95m2 (salle de séjour avec cuisine, 2 chambres, 1 salle de bain) 360 000 EUR - 80m2 (salle de séjour avec cuisine, 2 chambres, 1 salle de bain)


Chocolat noir pistoles Force Noire 1 kg - Barry | Cerf Dellier\nAccueil > Chocolaterie>Chocolat Patissier>Chocolat noir>Chocolat pistoles Force Noire 1 kg Retour\nVous avez choisi une quantité de "Chocolat pistoles Force Noire 1 kg", nous n'en avons plus en stock.\nChocolat pistoles Force Noire 1 kg 50% Cacao Barry Le chocolat de laboratoire Force noire en pistoles est un chocolat à faible teneur en cacao (50%). Il est de ce fait parfaitement adapté aux applications telles que les ganaches, sauces, mousses,...\nChocolat noir pistoles Force Noire 1 kg 50% Cacao Barry\nLe chocolat noir Force noire en pistoles est un chocolat noir à faible teneur en cacao (50%). Il est de ce fait parfaitement adapté aux applications pâtisserie telles que les ganaches, sauces et mousses auxquelles il conférera son goût de cacao robuste et rond en bouche.\nApplications > glaçages de gâteaux, ganaches, intérieurs de bonbons de chocolat, mousses, biscuits, crèmes glacées...\nAttention > en raison de sa faible fluidité, nous déconseillons ce chocolat pour les moulages.\nCe chocolat s'accorde avec : Caramel, Café Arabica de Java, Fleur de Sel, Cerise Noire, Framboise, Poire, Banane, Abricot, Vieux Rhum, Côtes Du Rhône, Pain.\nIngrédients : pâte de cacao, sucre, beurre de cacao (27%), lécithine de soja, vanille naturelle. Peut contenir du lait.\nKosher / cascher\nLes pistoles sont des petits palets de chocolat d'environ 2g qui simplifient le dosage de vos recettes pâtisserie et facilitent la fonte.\nL'emballage des pistoles de chocolat en carton à bec verseur facilite le dosage et la pesée et vous assure une bonne conservation après usage.


Le Centre Hospitalier d’Arcachon d'Aquitaine Sceneries disponible - Avionic-Online\nAccueil FSX et P3D Le Centre Hospitalier d’Arcachon d’Aquitaine Sceneries disponible\nC’est par leur page Facebook que nous apprenons la nouvelle. Aquitaine Simulations a rendu disponible sa dernière création : le centre hospitalier d’Arachon. Celui-ci est situé plus précisément à La Teste-de-Buch. Il a été ouvert en été 2013.\nDisponible pour FSX et P3D, la scène a été complexe à créer. D’après son créateur, la plateforme est située dans la réalité sur un terrain en relief. Face aux limitations des simulateurs, elle a été de fait adaptée sur une surface plane.\nVous trouverez cette scène gratuitement sur le site d’Aquitaine Sceneries. Le téléchargement se fait via un fichier compressé de 5 Mo. Celui-ci contient le dossier nécessaire qu’il vous faudra copier dans le dossier Addon Scenery de votre simulateur. La carte VAC pour l’approche à vue est également incluse dans le téléchargement. Pour une meilleure immersion, téléchargez l’aérodrome d’Arcachon. Et gare aux trafics !\nArticle précédentLe Embraer EMB 120 Brasilia de Carenado disponible pour FSX / P3D\nArticle suivantL’autogen « SFD Global » disponible pour X-Plane 11


Charpentier en structures métalliques à Orgon - L'Annuaire de la Poste\nCharpentier en structures métalliques à Orgon\nTrouver un charpentier spécialisé dans les structures métalliques à proximité d'Orgon ? Rien de plus simple ! Consultez les coordonnées de tous les charpentiers en activité à Orgon. Pour la fabrication et la pose de vos charpentes en métal, la création ou la rénovation de vos escaliers métalliques, la construction ou réfection de vos combles, ossatures et toitures, demandez un devis aux professionnels du métal référencés ici. Techniques traditionnelles ou industrielles, choisissez le type de construction qui convient le mieux à vos locaux avec l'Annuaire de La Poste.\n1 entreprise de construction et mise en place de charpentes métalliques à Orgon\nchantier tgv orgon viaduc\ncharpentier en structures métalliques à Eygalières charpentier en structures métalliques à Plan-d'Orgon charpentier en structures métalliques à Caumont-sur-Durance charpentier en structures métalliques à Cavaillon charpentier en structures métalliques à Cheval-Blanc


Luxury Golf Accessories, nouvelle signature chic et smart - FIRSTLUXE\nFashion News, Femme, Mode, Sport 19 juillet 2017 <19 juillet 2017\nCoup de cœur pour cette nouvelle marque de vêtements de luxe pour le golf, raffinés et ravissants, dans lesquels vous êtes assurées de plaire aussi bien sur le parcours que.. pour l’after !\nAu départ un couple de passionnés, Marie-Pierre Debuchy et Serge Brouant amoureux du golf, esthètes et garants d’une certaine élégance pour la pratique du jeu dans les plus beaux golfs de France.\nAu Golf de Beauvallon, à Grimaud, Serge Brouant a mis en place depuis sa nomination comme Président en 2008 une vraie démarche d’excellence, participant à la transformation de ce lieu chargé d’histoire pour en faire un golf prestigieux et incontournable sur la Côte d’Azur.\nDans le même esprit le couple s’est lancé dans l’aventure de LUXURY GOLF ACCESSORIES, en créant sa propre ligne de vêtements de golf haut de gamme, dont Marie-Pierre Debuchy assure la Présidence et la Direction artsitique.\nL’idée était d’apporter du nouveau dans le monde du vêtement de golf, privilégiant la qualité, l’innovation, la création. En invitant les acteurs de la communauté Made in France à s’associer au projet.\nLes vêtements mis au point par Luxury Golf Accessories, pour le sport le golf et la ville sont produits par des artisans français réputés, possédant un véritable savoir-faire. Les robes parfaites intègrent notamment un short amovible et des finitions faites main : broderies, boutons perles, coutures, strass… Les pulls Mérinos, en laine extra fine, offrent un confort incroyable, dans des tons joyeux- rose fushia, bleu turquoise, orange..\nVendus exclusivement en ligne sur la boutique de Luxury Golf Accessories, les vêtements sont produits en quantité limitée, pour offrir aux clients un côté exclusif particulièrement recherché.\nMarie-Pierre Debuchy, la créatrice, entourée de ses mannequins, lors du défilé de sa première collection au Byblos à Saint-Tropez.\nEn vente au Golf de Beauvallon, et sur internet.\nGolf de Beauvallon, Luxury Golf Accessories, Marie-Pierre Debuchy, marque de vêtements de luxe pour le golf, Serge Brouant, vêtement de golf\nPrevious articleLa Savoie, patrie des vins blancs\nNext article8848, des téléphones de luxe personnalisables made in China


REFORME DU DROIT DES CONTRATS -\nHome > Blog > REFORME DU DROIT DES CONTRATS\nLe 10 février 2016, l’ordonnance portant réforme du droit des contrats a été promulguée après sa présentation au conseil des ministres. Il s’agit du long aboutissement d’une réforme depuis longtemps en gestation.\nCette réforme modifie une partie du Code Civil qui n’avait que peu changé depuis 1804 et la promulgation du Code. Jusqu’à présent, les évolutions nécessaires avaient principalement été le fait de la jurisprudence. La réforme en a profité pour venir codifier ces solutions prétoriennes.\nLe droit des contrats reposait anciennement sur l’idée qu’un juge ne pouvait pas venir bouleverser l’économie d’une convention. C’est ce que l’on a coutume d’appeler « la loi des parties ». Même en cas de contrat devenu difficilement exécutable par une des parties – du fait de l’évolution de la situation économique par exemple – aucun juge ne pouvait délier une partie de ce même contrat, alors que cette dernière ne pouvait plus économiquement le respecter ni l’exécuter.\nLa réforme consacre ce qu’on appelle « la théorie de l’imprévision ». Elle permet à une partie de demander à un juge de la délier de l’exécution du contrat au regard des difficultés « hors de sa volonté » qu’elle rencontrerait. Cette théorie de l’imprévision avait été rejetée durant de longues décennies par la jurisprudence française. Elle se trouve finalement consacrée par la réforme.\nPour renforcer l’attractivité du droit français, l’ordonnance tend également à renforcer la sécurité juridique du droit des obligations. Elle abandonne aussi la notion de cause.\nTenant compte de l’évolution des nouvelles technologies, l’ordonnance renforce aussi le principe selon lequel une copie réalisée sur support électronique a la même force probante que l’original.\nLa réforme consacre la notion de bonne foi à tous les stades de la vie du contrat. Elle protège la partie faible en sanctionnant par la nullité du contrat l’abus de dépendance d’une partie. Un dispositif de lutte contre les clauses abusives dans les contrats d’adhésion est introduit dans le code civil.\nL’ordonnance crée enfin, dans le code civil, un titre dédié au droit de la preuve des obligations, détaché du droit des contrats. Ce nouveau titre comprend des dispositions relatives à l’admissibilité des modes de preuve et aux différents modes de preuve.


LA TROTTINETTE – De 10 ans 10\n21 décembre 2015 11 mars 2016\nMini moi N°3 adore tout ce qui roule, les balles, les ballons, les vélos….et SA TROTTINETTE.\nQuand nous avons acheté cette trottinette, nous ne pensions pas qu’elle allait devenir sa meilleure amie….. il l’emmène partout dedans, dehors, chez nounou, chez papi et mamie….. bref ils sont inséparables .\nJe crois que c’est d’elle qu’il parle le plus.\nNotre choix, a été au départ de lui offrir un truc un peu multi usages , c’est pour cela que nous avons opté pour ce modèle :\nC’était très drôle de le pousser et ensuite le voir s’essayer à avancer en mode porteur, mais très rapidement la transformation en trottinette a eu lieu. Il faut dire qu’entre Mini moi N°1 qui est skateur et Mini moi N°2 qui fait aussi de la Trot…forcement l’exemple était donné.\nLe concept de cette trottinette est plutôt sympa car simple pour les lutins, pas besoin de tourner le guidon pour changer de direction il suffit d’appuyer du coté choisi….. et la Trot fait le reste .\nMaintenant il expérimente les descentes et les sauts de trottoirs…. nous allons investir dans un casque 🙂\n©Photo Stéphane L.\nPublié dans: KIDS, MES 3 & NOUS | Tagué: jeux, rouler, trottinette\nUNE HISTOIRE DE CHAUSSETTE


Asics MetaSpeed Sky (Test 2021) : la meilleure chaussure carbone ?\nAccueilChaussures de runningAsics MetaSpeed Sky\nAsics MetaSpeed Sky : l'analyse des tests (2021)\nL’Asics MetaSpeed Sky est une chaussure de compétition avec lame en carbone au design audacieux pour aller très vite au marathon.\nExcellente super chaussure avec plaque en carbone et semelle épaisse qui offre un amorti explosif pour le marathon\nModèle: Asics MetaSpeed Sky\nDesign à bascule (Rocker), Lame en carbone, Matières recyclées, Pieds larges\nComparaisons – Asics MetaSpeed Sky vs :\nASICSGRIP : un caoutchouc durable hérité de la gamme trail d’Asics qui a pour résultat une adhérence efficace sur les surfaces bitumées.\nLa semelle intermédiaire affiche FF BLAST TURBO : une nouvelle matière de rembourrage légère fabriquée à partir de polyamide pour une transition plus fluide entre l’arrière et la pointe du pied.\nLa plaque carbone est insérée dans la semelle intermédiaire et a pour but de stabiliser et dynamiser la foulée. Ainsi, elle donne une course plus efficace et donc une propulsion optimale pour être plus rapide.\nLe design à bascule (ou rocker) insuffle un mouvement de bascule agréable pour obtenir une course exaltante.\nL’empeigne de l’Asics MetaSpeed Sky utilise une maille intégrée en une seule couche sans couture qui permet un maintien précis de votre pied tout en offrant une bonne aération à l’intérieur de la chaussure.\nComment taillent les Asics MetaSpeed Sky ?\nCe modèle taille fidèlement à la pointure annoncée. Vous pouvez donc choisir votre taille habituelle pour des chaussures de course. Cela dit, si vous le pouvez, il est toujours mieux de tester vos chaussures dans une boutique pour être plus tranquille.\nL'Asics MetaSpeed Sky est-elle adaptée aux coureurs pronateurs ?\nOui, car cette l’Asics MetaSpeed Sky est un modèle pour foulée universelle. Ainsi, elle s’adresse à tous les coureurs quelque soit leur foulée. Elle n’affiche donc pas d’aide à la stabilité pour équilibrer la foulée et éviter la supination ou la pronation excessive. Cependant, même si la MetaSpeed Sky ne se débrouille pas trop mal à ce niveau, il faut savoir que les chaussures de compétition comme celles-ci sont parfois moins stables, notamment en raison de leur talon étroit. Nous vous conseillons de bien les tester donc si votre foulée a tendance à dévier beaucoup.\nOui, l’Asics MetaSpeed Sky devrait être adapté à tous les poids avec à sa semelle épaisse (33 mm sous le talon et 28 mm sous l’avant-pied). De plus, la semelle est relativement ferme, ce qui offre un meilleur support pour les coureurs lourds.\nCette chaussure de course à pied Asics est spécialement conçue pour dépasser ses limites au marathon. Si vous êtes à la recherche d’un modèle pour vous aider à aller très vite confortablement, la MetaSpeed Sky est un choix très intéressant.\nIl serait peut être injuste de considérer la MetaRacer comme un simple brouillon de la MetaSpeed Sky mais force est de constater que cette dernière est plus confortable, plus légère, plus dynamique et plus stable. Le choix semble donc vite fait si vous êtes prêt·e à dépenser 50 euros de plus.\nDepuis 2017, nous avons analysé plusieurs centaines de modèles et chaque mois des milliers de runners nous font confiance pour trouver la bonne paire ! Découvrez notre guide des meilleures chaussures de course à pied 2021.\n1 avis sur Asics MetaSpeed Sky\nchaussurerunning – avril 5, 2021\nExcellente “super chaussure” avec lame en carbone et semelle épaisse qui offre un amorti explosif pour le marathon.


TÉLÉCHARGER PILOTE WIFI ACER TRAVELMATE 5744 - cf3p.info\nTéléchargez les pilotes pour ordinateur portable Acer TravelMate ou Télécharger le pilote Qualcomm Atheros AR5B Wireless Network Adapter. Télécharger ACER TravelMate Atheros Wireless LAN Pilote v v. pour gratuit. Recherchez des mises à jour du BIOS, des manuels, des pilotes et des correctifs pour vos produits Acer.\nJ'ai désactivé la webcam et les pilotes de capteurs tactiles sous Acer travelmate wifi émission de fenêtres 10 , avec gagner 7 pro. Netflix offre un service en SVo. En continuant la navigation sur ce site, vous acceptez líutilisation de cookies comme indiquÈ dans notre Politique de ConfidentialitÈ. Jay Geater est le président et PDG de Solvusoft Corporation, une société mondiale de logiciels axée sur la fourniture de logiciels innovants. FAQ Demander le pilotes Recherche. Salut, je voudrais obtenir les liens pilotes 7 et les pilotes 8. Torrent P2P, rapide, léger et riche en Télécharger u. L'application vous montrera une liste de pilotes et d'applications qui ne sont pas compatibles avec Windows\nTélécharger Pilote Wifi Acer Travelmate pour Windows 8, Windows 7 et XP. Download sans fil driver gratuit. Type. Télécharger les pilotes pour Windows XP / Windows 7 / Windows 8 (bit). un disque dur d'une capacité totale de GB et la carte WiFi avec support pour N à bord. Télécharger ensemble complet de pilotes Acer TravelMate pour. Téléchargez le pilote pour Acer TravelMate pour Windows 7, Windows 8, Broadcom Wireless LAN Driver Vendor: Broadcom, Télécharger MB.\nCertains peuvent seulement avoir besoin d'une solution rapide de réinstallation du système tandis que d'autres peuvent nécessiter une assistance technique approfondie. Il est crucial de réagir aux signaux sur votre écran et d'étudier le problème avant d'essayer de le réparer.\nL'application vous montrera une liste de pilotes et d'applications qui ne sont pas compatibles avec Windows Vous pouvez également consulter le site Web de Microsoft pour voir un éventail de moyens plus techniques pour résoudre chaque erreur de pilote et pour aider à diagnostiquer votre problème de mise à jour du pilote. Chaque fois que vous voyez une erreur Windows sur votre écran, le moyen le plus simple et le plus sûr de le réparer est de redémarrer votre ordinateur.\nAcer TravelMate , Z WinXP, Win7, pilote Win8, utilitaire | Pilotes de portable\nIl est également idéal d'éteindre votre ordinateur une fois par semaine pour mettre complètement au repos tous les programmes inutilisés. Cependant, lorsqu'un redémarrage ne fonctionne plus, utilisez des solutions Windows plus avancées pour corriger vos erreurs. Si une mise à jour de pilote provoque un problème avec votre ordinateur, il existe plusieurs façons de dépanner et de diagnostiquer la cause de son problème.\nRedémarrez votre ordinateur et réessayez de mettre à jour votre pilote. Je suis un problème de pilote. Je pense que cela peut fonctionner sur Windows 10 b Où puis-je télécharger les pilotes à partir de?\nEntièrement compatible avec Linux. Très pratique aspirs dépanner des amis, travailler à plusieurs sur un même projet, partager des données en direct ou même utiliser un ordinateur a depuis un smartphone quand on est en déplacement.\nTélécharger acer travelmate bios bin\nFill in your details below or click an icon to log in: Naruto est un manga qui cartonne, une série télé qui cartonne Jeux vidéo PC gratuits à télécharger. Torrent P2P, rapide, léger et riche en fonctionnalités. Problèmes fréquents Tracker Le terme tracker désigne le fichier par lequel vous êtes en train de télécharger.\nLire Aussi:TÉLÉCHARGER BLUETOOTH ACER 5744Z GRATUITEMENT\nVotre opinion est très importante pour nous! Jay Geater est le président et PDG de Solvusoft Corporation, une société mondiale de logiciels axée sur la fourniture de logiciels innovants.\nU torrent telechargement gratuit u. Lenovo Yoga S — revue et spécifications de 12 pouces convertible ordinateur portable Lundi, 01 Février Commenter la réponse de kaneagle.\nAuteur Posté sur 05/05/2019 Les catégoriesPilotes


Grève chez Besserat de Bellefon à Epernay - Reims Medias Libres\nCe mardi matin, environ 40 salariés de la maison de champagne Besserat de Bellefon ont manifesté devant leur entreprise à Épernay. Les raisons de la grogne sont multiples. Parmi elles, un rapport de l’inspection du travail aurait été mis au placard par la direction. « Nous voulons une mise en conformité sur les risques psychosociaux. Le document a souligné des cas de harcèlements sexuels et moraux », affirme Paul-Henry Barranco, délégué CGT au sein de l’entreprise. Les salariés dénoncent également la baisse des effectifs face à une charge de travail identique, provoquant une perte de 45 minutes de pause par jour.