Festival Lumière 2012 - Courte-Focale.fr - Grand angle sur le Cinéma ! Courte-Focale.fr – Grand angle sur le Cinéma !\n·16 octobre 2012 ·Dossiers, Festivals\t·Par Gustave Shaïmi\nGuillaume Canet et Jerry Schatzberg lors de la Soirée d’Ouverture (Le Progrès © Pierre Augros)\nCréé en 2009 à l’initiative de Bertrand Tavernier et Thierry Frémaux, respectivement Président et Directeur Général de l’Institut Lumière (la cinémathèque de Lyon, située sur les lieux mêmes de la naissance du cinéma, Rue du Premier Film), le festival Lumière célèbre le cinéma de patrimoine, du 15 au 21 octobre dans une trentaine de salles du Grand Lyon. Avec cette idée réjouissante : faire disparaître l’expression « vieux films », célébrer le cinéma d’hier en compagnie de ceux qui le font aujourd’hui ! Les personnalités sont de plus en plus nombreuses à venir présenter des films dans lesquels elles ont tourné par le passé ou tout simplement qu’elles aiment et veulent partager avec le public. Chronique au jour le jour d’une semaine où l’histoire du cinéma se conjugue au présent !\nJOUR 1 : UNE OUVERTURE EMPAILLÉE ET EN PAILLETTES\nQuatre ouvertures, déjà. Et toujours cette même ferveur du public (4 700 personnes à la Halle Tony Garnier !), cet enthousiasme des invités qui montent sur scène déclarer ouverte la nouvelle édition. Sur place, on se remémorait d’autant plus la première soirée, en 2009, où des films des frères Lumières avaient été projetés sur écran géant, qu’on a eu droit cette année à deux échantillons qui demeureront peut-être le clou de la soirée. En moins d’une minute par film, un groupe de frères et sœurs acrobates enchaînent des figures incroyables devant la caméra fixe des inventeurs du cinématographe. Image incroyable : les aînés, en position poirier, se lancent à travers une petite cour l’un des petits derniers avec leurs pieds ! Commentés avec humour en direct par Thierry Frémaux, ces petits bijoux ont fait rire la Halle Tony Garnier aux éclats !\nAutre point fort auquel le public est déjà habitué : la pléiade d’invités qui viennent saluer le travail du festival, pour certains le temps de l’ouverture uniquement. On était ravi de voir déjà présents les artistes qui recevront un hommage dans la semaine : Max von Sydow, Jacqueline Bisset, Agnès Varda, Tim Roth et Andrei Konchalovsky. Guillaume Canet, « protégé » de Jerry Schatzberg avec lequel il avait tourné au début des années 2000, est venu lui dire à quel point il avait été une inspiration pour lui. Mais la surprise venait de ceux qui accompagnaient ces invités annoncés depuis longtemps : Nicolas Winding Refn, Emir Kusturica, Elsa Zylberstein, Matthias Schoenaerts, Leïla Bekhti, Benoît Magimel, Emmanuelle Devos, Edgar Ramirez, Claude Lelouch, Marie Gillain, Tahar Rahim, Ronit Elkabetz, Gaspard Ulliel, Marie-Josée Croze, Tony Gatlif, Lucas Belvaux et, grosse surprise de la soirée, Monica Bellucci ! On en oublie pas mal… On en aura retrouvés certains au Village de Nuit du festival, hébergé par l’un de ces bars-péniches qui font le charme des Quais du Rhône. Accessibles et visiblement réjouis de recueillir des impressions de cinéphiles sur leur travail ou le festival, Rahim, Ramirez ou Magimel – pour n’en citer que trois – ravissent les festivaliers noctambules !\nThierry Frémaux et Monica Bellucci (Le Progrès © Pierre Augros)\nLa question du film d’ouverture est épineuse : l’œuvre retenue doit allier exigence artistique, importance historique et attrait vis-à-vis du public. Après Chantons sous la Pluie en 2010 et l’avant-première de The Artist en 2011, le festival a choisi un film dont Pauline De Boever nous disait que ses organisateurs l’adorent. Après une exposition de photos de Lyon en 2009 et la copie restaurée de Portrait d’une Enfant déchue (1970) qu’il était venu présenter l’an dernier, le festival Lumière continue de dire son attachement à Jerry Schatzberg cette année avec ses belles photos de Bob Dylan (1965-1967, période « Blonde on Blonde »), exposées à la nouvelle Galerie du festival, et le choix, pour l’ouverture, de son magnifique Epouvantail, Palme d’Or au Festival de Cannes en 1973. Deux ans plus tôt, en 1971, le bijou noir Panique à Needle Park, sur l’enfer de la drogue, révélait un cinéaste et un grand acteur, Al Pacino, en même temps qu’il inaugurait une décennie du cinéma américain placée sous le signe de la contestation et de la critique sociale. A eux deux, ces évènements autour de Schatzberg suffisent à en présenter l’essence au public : cette capacité incroyable à capter un entre-deux. Entre-deux poses pour Dylan, entre-deux-Parrains pour Al Pacino ! Les talents de photographe de Schatzberg sont évidents dans L’Epouvantail : une scène de bar multipliera les gros plans sur les visages anonymes de ses clients, offrant aux prestations des deux acteurs principaux un écrin d’une belle authenticité.\nLe film met en scène l’itinéraire de deux vagabonds que la vie n’a pas gâtés. L’un, Max (Hackman) sort de prison et se rend à Pittsburgh pour monter une station-service, l’autre, Lion (Pacino), compte voir son fils pour la première fois à Detroit après cinq ans dans la Marine. Dès la première scène, à laquelle la copie restaurée du film a rendu tout son sublime, L’Epouvantail rappelle qu’en plus de proposer une vision audacieuse de l’Amérique sous l’angle de sa marge, il est une œuvre plastique magnifique. La photographie de Vilmos Zsigmond (également chef opérateur sur La Porte du Paradis, qu’on a hâte de redécouvrir à la Clôture !) donne au tout premier plan – où la silhouette de Gene Hackman se détache d’un champ et d’un ciel orageux réduits à de grands aplats de couleurs – la stature d’un tableau de Van Gogh. Elle sublime cet envers du décor de l’Amérique que peint une fois encore Schatzberg – celui des exclus, fait de petits bistrots et d’arrière-cours pleines de bric-à-brac.\nL’une des plus grandes scènes de L’Epouvantail (© DVDBeaver)\nMais quels autres superlatifs trouver, alors, pour évoquer les deux comédiens principaux ? Peut-être suffit-il, comme l’a fait Bertrand Tavernier, d’évoquer l’éloge de leur jeu par un autre grand comédien. Le cinéaste lyonnais racontait au public comment Philippe Noiret, à qui il avait montré le film, y avait réagi : en disant que si un acteur découvre la prestation de Gene Hackman sans avoir l’envie d’atteindre un jour dans sa vie un tel niveau de jeu, alors cet acteur n’est rien !\nJOUR 2 : BIJOUX IMMORTELS ET RARETÉS OBSCURES\nLe festival est lancé ! Les premières projections commencent dès 9h30 et durent, pour les dernières d’entre elles, jusqu’à tard dans la nuit. Tandis que Jacqueline Bisset et Agnès Varda présentent les films qu’elles ont réalisés ou dans lesquels elles ont joué et que Max von Sydow donne une leçon de comédien toute particulière et paraît-il délicieuse, les grandes rétrospectives du cru 2012 démarrent. On reviendra bien sûr sur Ken Loach en fin de semaine à l’occasion de la remise du Prix Lumière. Parce qu’on n’aura malheureusement le temps ni de revoir ses classiques ni de découvrir les raretés que sont ses premiers films (dont La Signora di tutti, 1934, son seul film italien, et Comédie de l’Argent, 1936, film néerlandais longtemps invisible), on revient dès maintenant sur l’importance de Max Ophuls comme représentant suprême d’un raffinement de la mise en scène dans le cinéma des années 1930, 1940 et 1950.\nJoan Fontaine dans Lettre d’une Inconnue (© DVDBeaver)\nSi elle passe donc par l’Italie et les Pays Bas, la carrière d’Ophuls débute en Allemagne où il tourne notamment avec Magda Schneider, la mère de Romy, Liebelei (1932). Deux évènements politiques le contraignent à deux exils à quelques années d’intervalle seulement : l’arrivée au pouvoir d’Hitler en 1933, qui menace le Juif qu’il est, puis la déclaration de guerre de 1940 qui lui fait quitter la France pour les Etats-Unis. De sa période française, les festivaliers se voient épargner l’infâme Yoshiwara (1937), où des acteurs français à peine déguisés jouent les Japonais (c’est bidonnant cinq minutes, pas plus), et la fresque pompeuse et académique De Mayerling à Sarajevo (1940) au profit de copies neuves de La tendre Ennemie (1936), du Roman de Werther (1938) et de Sans Lendemain (1940), aux réputations plus correctes.\nLe premier envol – et le plus beau à notre sens – de la carrière d’Ophuls arrive avec Lettre d’une Inconnue (1948), portée par une grande Joan Fontaine. Dans une Vienne de la Belle Epoque admirablement reconstituée en studios à Hollywood, l’héroïne s’arrange pour retrouver son amour (Louis Jourdan) perdu de vue depuis des années, mais celui-ci ne reconnaît pas son ancienne petite voisine… Chronique d’une passion bafouée, évocation de l’égoïsme masculin, le film est certainement le plus émouvant de toute la carrière de son auteur. C’est tout naturellement qu’il s’organise en flash-backs, du coup de foudre adolescent à l’ultime rencontre. Cette grande épure de la narration ne rend que plus évidente la maîtrise qu’a le cinéaste de son récit. La caméra ophulsienne (la grâce de son maniement est telle qu’elle peut bien donner naissance à un qualificatif à part entière !) court – voire flotte – le long des couloirs, dévale les escaliers et longe les quais de gare, passe d’un personnage à un autre avec une aisance d’autant plus déconcertante lorsque l’on garde en tête le poids qui était celui des appareils à l’époque. On ne s’étonne pas une seule seconde que Kubrick ait cité Ophuls parmi ses références ! C’est le triomphe de ce baroque fluide qui communique au spectateur la flamme des émotions des personnages, à travers leurs évolutions – notamment suggérées par le montage – et leurs déplacements dans l’espace. On ne fait pas plus romantique et nostalgique que ce film qui ressemblerait presque à une incessante valse entre deux amants maudits.\nMadame de… et Lola Montès de Max Ophuls (© ToutLeCine)\nBien plus que les pourtant très bons Caught (1949) et Les Désemparés (1949), réalisés aux Etats-Unis, ou que les très charmants La Ronde (1950) et Le Plaisir (1952) qui marquent son retour en France, ce sont les trois portraits de femme d’Ophuls qui marquent durablement : en plus de Lettre d’une Inconnue, ce sont Madame de… (1953) et Lola Montès (1955). Pour les prestations de Danielle Darrieux et de Martine Carol, pour l’espièglerie conceptuelle (le nom de l’héroïne n’est jamais connu) qui vire au tragique dans le premier et pour la flamboyance (en Cinemascope et dans des couleurs incroyables !) du second, la frustration est grande de ne pas pouvoir les revoir !\nEdward Furlong, Moira Kelly et Tim Roth dans Little Odessa (© ToutLeCine)\nL’un des évènements de la journée était la venue, à l’Institut Lumière, de Tim Roth pour parler d’un des films les plus importants de sa filmographie, Little Odessa de James Gray, Lion d’Argent à la Mostra de Venise en 1994. On n’aura malheureusement revu que les dernières scènes, skotchantes, en termes plastiques autant qu’émotionnels, de ce bijou. Avec notamment ce silence de la séquence des morts de Reuben et Alla, puis ces chants liturgiques qui closent le film… On était alors tout près de Tim Roth, entré discrètement dans la salle et qui dira au public qu’il n’aime généralement pas se revoir à l’écran, mais qu’il était content de redécouvrir sur grand écran quelques images de ce film auquel il est particulièrement attaché. « Peu de métiers dans le monde permettent de suivre ainsi la désintégration de sa propre vie déclarera-t-il, doucement amer. L’acteur garde du tournage du film le souvenir d’un voyage émotionnel difficile. Il raconte que « c’était une époque où [il] prenait le métier sérieusement », tentait de se plonger dans des états psychologiques propres à servir le rôle qu’il interprétait. Il dit son admiration pour Vanessa Redgrave – sa mère à l’écran – pour qui le travail d’intériorisation semblait être beaucoup plus simple que pour lui et les autres interprètes du film. Chez James Gray, le récit policier s’étoffe d’une dimension tragique et, en tournage avec lui, « on parle plus d’idées que de script » dixit Roth.\nImmédiatement après Tim Roth, c’est Nicolas Winding Refn qu’accueillait l’Institut. Preuve s’il en faut de la ferveur cinéphile des festivaliers, la séance a été très vite complète quand bien même les deux films projetés sont parfaitement inconnus ! Fort du succès de Drive (2011), le cinéaste danois a la confiance de son public. Après coup, le public gardera certainement moins le souvenir des deux films projetés que de la présentation mordante qu’en a fait l’invité. « Andy Milligan is a terrible director, but that’s why he’s so interesting! » commençait par déclarer Winding Refn. Et puis, comme le souligne Thierry Frémaux, « c’est un cinéaste américain que Bertrand Tavernier ne connaissait pas », autant dire une vraie curiosité dans l’histoire du cinéma !\nChose jamais vue dans la courte histoire du festival Lumière, c’est Winding Refn lui-même qui a proposé aux organisateurs d’amener ses copies personnelles de deux films de Milligan qu’il trouvait bon de présenter au public dans un tel cadre. Indéniablement, la soirée a quelque chose de sympathique et de décontracté qui s’inscrit profondément dans la démarche du festival : voilà peut-être la transmission cinéphile la plus personnelle de cette édition ! Les copies sont des achats qu’il a faits sur eBay il y a des années pour 20 000 dollars, après avoir tourné des publicités pour pouvoir se le permettre. Il se souvient de la réaction de sa femme le jour où les vieilles bobines ont été livrées chez eux : « What’s this shit?! ». « Je lui ai alors sorti le même type d’argumentaire que ce que je viens de vous faire » : ce qui l’intéresse chez Andy Milligan, c’est les ambitions qu’il a eues, qui allaient bien au-delà de ses capacités, tant en termes de moyens que… de talent ! Réponse de sa femme : « What the fuck is going on with you?!?!? ».\nVapors et Nightbirds d’Andy Milligan (© Festival Lumière)\nWinding Refn a donc fait de l’exhumation des œuvres de Milligan une sorte de but cinéphile un peu fou. Il nous explique que, dans les années 1980, il cherchait un moyen de se rebeller contre un père monteur et une mère photographe. Tandis que ceux-ci vénéraient la Nouvelle Vague – l’antéchrist pour lui ! –, lui se nourrissait aux films d’horreur et au cinéma underground. Dans l’unique salle de Time Square – la seule au monde où, selon lui, ils aient jamais été diffusés à l’époque, il découvre les films d’Andy Milligan, fauchés au possible, qui alliaient érotisme et gore poussé à l’extrême et portaient des titres comme Les Bouchers assoiffés de sang (1970) ou Le Donjon des Tortures (1970) ! L’invité raconte que Milligan, marié mais multipliant les expériences adultères homosexuelles, menait une double vie sexuelle qui transparaissait largement dans son cinéma. Son premier court, Vapors (1965) filme en effet la rencontre malaisée, dans un sauna du Village (alors le principal quartier gay de New York) entre un jeune et un homme marié (écho clair à la propre vie du cinéaste) qui tentent l’expérience de ces rencontres anonymes pour la première fois. L’évocation de la solitude de ces hommes parvient à quelques moments à se faire touchante, mais est trop parasitée par des seconds rôles caricaturaux de folles fouineuses qui viennent entrecouper le dévoilement progressif des deux hommes l’un à l’autre. Lorsqu’à la fin, un nouveau personnage faire son apparition à l’écran, bien plus entreprenant que les deux autres, une bande noire d’époque vient cacher à l’écran le pénis que Milligan filmait sans complexe !\nOn trouve un sérieux côté brouillon à ce que d’autres appelleront peut-être la « liberté » du style de Milligan. Est-ce l’âge des copies qui explique les nombreuses reprises auxquelles l’image « saute » ou la précarité du montage sonore ? Pire : Milligan était apparemment un piètre directeur d’acteurs au vu des prestations hasardeuses de ses comédiens, qui donnent envie de rire quand eux pleurent ! Ces faiblesses sont plus supportables sur les trente minutes de Vapors qu’elles ne le sont sur plus d’une heure, dans le cas de Nightbirds (1970), premier des cinq long-métrages que Milligan a tournés à Londres. Une jeune femme y recueille un adolescent qui a fui l’autorité écrasante de sa mère. Selon Winding Refn, le film est intéressant dans l’image apeurée qu’il donne des femmes – image qui prend la dimension d’une confession quand on connaît, rétrospectivement, l’homosexualité longtemps secrète de Milligan. On y trouve surtout la chronique d’une relation amoureuse chaotique qui se résume à des hauts et des bas toujours identiques : qu’ils soient exaltés ou abattus, les amants s’affalent l’un aux pieds de l’autre dans des poses assez ridicules qui valent « expression des émotions ». Le final au gore franchement cheap aura au moins clos la projection du film sur une note humoristique involontaire. Winding Refn concluait sa présentation par un « C’est ça l’idée de l’œuvre de Milligan : que l’art ne doit pas être parfait ! ». Bon… merci quand même !\nJOUR 3 : UNE JOURNÉE AVEC MAX\nMax von Sydow et sa famille lors de la Soirée d’Ouverture (© Ph. Bette / France 3)\nEn attendant Ken Loach en fin de semaine et aux côtés de Jacqueline Bisset, Tim Roth, Agnès Varda et du compositeur Lalo Schifrin, Max von Sydow est honoré cette année au festival. Le bonus par rapport à ses pairs, c’est que la manifestation a été choisie comme occasion particulière de lui remettre la Légion d’honneur pour laquelle Frédéric Mitterrand l’avait retenu il y a quelques mois déjà. « Quand on reçoit la Légion d’honneur, on se demande un peu à quoi ça sert. Eh bien ça sert à la remettre ! » explique Thierry Frémaux qui arborait la sienne. Ça n’est pas la première fois que Von Sydow est fait chevalier, lui qui en a joué un chez Ingmar Bergman (voir plus bas) ! Dans un bel éloge, le Directeur du festival rappelle à quel point Von Sydow n’a jamais cessé de s’interroger sur la nature de son métier. La leçon de comédien qu’il donnait en début de semaine dans un théâtre lyonnais semblait le confirmer. L’acteur, qui a tourné dans près de cent-cinquante films, est une figure qui fait se rejoindre deux bouts du cinéma d’auteur, à priori bien lointains l’un de l’autre : Bergman et le Nouvel Hollywood. Un montage d’extraits de ses films permettait au public de saisir l’incroyable diversité de ses choix d’acteur ! Un grand écart parmi d’autres : Conan le Barbare de John Milius (1982) et Hannah et ses Sœurs de Woody Allen (1986). C’est pris par l’émotion, presque incapable de prononcer son discours de remerciement jusqu’au bout, que Von Sydow a reçu la distinction.\nMax von Sydow et Gunnar Björnstrand (© DVDBeaver)\nQuelques heures plus tard, il aura eu droit à une deuxième standing ovation, à l’issue de la projection du Septième Sceau de Bergman (1957). En avant-propos et dans un français admirable, le comédien suédois explique que l’idée d’une fresque moyenâgeuse est venue au cinéaste à partir de fresques de l’époque (voir La Mort jouant aux échecs d’Albertus Pictor), encore présentes dans de nombreuses petites églises construites parfois à partir de matériaux précaires en pleine campagne. Comme autre source d’inspiration, il cite « Carmina Burana » de Carl Orff.\nDans ses beaux mémoires, « Laterna magica » (1987), Bergman raconte : « Pendant quelques années, j’ai enseigné au conservatoire de Malmö, nous devions nous produire en public, mais nous ne savions pas quoi jouer. Je me suis alors rappelé les églises de mon enfance, avec toutes leurs images. En quelques après-midis, j’ai écrit une petite pièce que j’intitulai Peinture sur bois, avec un rôle convenant à chacun des élèves. (…) Peinture sur bois est devenu plus tard Le septième Sceau, un film inégal, mais cher à mon cœur car il a été tourné dans des conditions rudimentaires, avec une surabondance de vitalité et de plaisir. »\nLe réalisateur, dans un premier temps, voulait caster Von Sydow dans le rôle du clown un peu béat mais s’est vite ravisé : le visage lunaire et émacié de l’acteur est bien sûr fait pour le rôle du chevalier rentrant de dix années de croisades. La belle jaquette du DVD Criterion, exposée durant le festival dans le Hangar du Premier-Film parmi des dizaines d’autres, suffit à souligner l’évidence de ce choix :\nJaquette du DVD par Criterion (© DVDBeaver)\nL’acteur restera à la projection de ce film dont il dit qu’il l’a « suivi tout [sa] vie » et qui lui offrit son premier rôle en tête d’affiche. Il évoque une époque extraordinaire, dont les souvenirs sont encore très présents en lui. Comme ce qu’il dit après quelques jours de tournage à Bergman, qui n’avait écrit presque aucune ligne de dialogue pour son rôle : « J’ai suggéré le modifier le personnage en disant à Bergman : il a encore sa langue tout de même ! ». Et lorsqu’on lui demande de citer un opus préféré parmi ceux, nombreux, qu’il a tournés avec le cinéaste, il évoque, hésitant, Les Communiants (1963), tout en redisant son attachement particulier à cette toute première collaboration que fut Le septième Sceau, Prix spécial du jury à Cannes en 1957.\nBengt Ekerot joue la Mort dans Le septième Sceau (© DVDBeaver)\nLes premières images sont absolument scotchantes : sur une plage de galets, le chevalier et son écuyer sont allongés, à demi endormis dans l’eau, leurs chevaux non attachés, comme s’ils avaient tout juste été envoyés là par quelque force divine. Le mélange de rudesse (du décor rocailleux, de la cotte de maille, de la simplicité de l’apparition de la Mort) et de grâce (les plans inauguraux sur le ciel, l’ouverture maritime, le soin apporté à la photographie) crée dès les premières minutes une poétique qui demeurera fascinante tout au long du métrage. Cette impression que les deux hommes sont les seuls sur terre puis l’arrivée de la Mort que le chevalier Antonius Blok défie aux échecs pour gagner du temps annoncent la dimension métaphysique du film qui – point fort – comporte également quelque chose de ludique. Dans le sursis du chevalier et sa quête d’une réponse à ses questionnements profonds (Dieu existe-t-il ? la vie a-t-elle un sens ? l’épidémie de peste qui ravage la région est-elle celle qu’annonce l’Apocalypse ?), il s’agit en quelque sorte d’identifier les profils des différentes figures qu’il croise et de les ordonner dans leur rapport à un éventuel destin de l’humanité dont Dieu – ou la Mort – aurait la maîtrise.\nEntre le jongleur béat auquel il est offert de voir la Vierge Marie mais qui ne profite pas de cette apparente élection divine pour tenter de percer le sens de l’existence, l’écuyer profondément sceptique et la Mort elle-même qui s’impose de plus en plus comme un néant incapable de délivrer quoi que ce soit sur le grand mystère qu’elle constitue, l’épopée spirituelle d’Antonius prend davantage l’allure d’une errance. Les scènes hallucinantes de la procession des croyants qui s’auto-flagellent ou celle de l’installation du bûcher où périra une hérétique sont autant de signes avant-coureurs d’une Apocalypse qui tiendrait moins à une volonté divine qu’à une tendance autodestructrice de l’humanité.\nOn en vient à une récurrence de l’œuvre de Bergman : cette interrogation sans réponse face au destin de l’homme dans un au-delà insaisissable, qui s’explique biographiquement par sa distance vis-à-vis d’une éducation religieuse rigoriste par un père pasteur, sur laquelle il revient longuement dans ses beaux mémoires réflexifs, très libres dans leur écriture. En bout de course, face au néant, ne restent qu’une danse macabre et, en guise de consolation, l’innocence des bienheureux (les forains) qui détiennent la Grâce sans même en avoir conscience.\nExtrait de « Laterna magica » : « La Danse macabre qui se déroule sous un nuage sombre a été tournée à toute allure, au moment où la plupart des comédiens avaient terminé leur journée. Des assistants, des électriciens, un maquilleur et deux personnes en vacances, qui passaient par là et qui n’ont jamais su de quoi il s’agissait, ont revêtu, en toute hâte, les costumes des condamnés à mort. Une fois la caméra muette mise en place, on a vite tourné les images avant que ne disparaisse le nuage. »\nSuperbe nouvelle pour clore la journée : cette magnifique copie restaurée et numérisée du Septième Sceau n’est qu’un avant-goût d’un grand travail de restauration de l’œuvre de Bergman qu’entreprennent entre autres le festival et Studio Canal. Les cinéphiles lyonnais ont rendez-vous, au premier semestre 2013, avec une grande rétrospective à l’Institut Lumière !\nJOUR 4 : RETROUVER RENOIR\nAnna Magnani et Duncan Lamont dans Le Carrosse d’Or (© TF1 Droits Audiovisuels)\nS’il ne lui a pas encore consacré de grande rétrospective (mais est-ce plausible, avec quelque quarante réalisations ?), le festival Lumière a plusieurs fois mis Jean Renoir à l’honneur. En 2010, c’est French Cancan (1954) qui avait été projeté en copie neuve à l’occasion des 115 ans de la maison Gaumont. Cette année est montré en avant-première de sa ressortie nationale le 31 octobre Le Carrosse d’Or (1952), opus précédent du cinéaste. C’est avec cette œuvre que Renoir fit son retour en Europe après dix ans aux Etats-Unis. On dit en Europe, car c’est en Italie que le film a été tourné, dans le cadre d’une coproduction avec la France. Cela semble tenir entre autres à l’inspiration première de l’artiste : « Mon collaborateur principal pour ce film fut feu Antonio Vivaldi. J’ai écrit le scénario au son des disques de ce maître. Son sens dramatique, son esprit m’orientaient vers des solutions m’apportant le meilleur de l’art théâtral italien. » écrit-il dans « Ma vie et mes films » (Flammarion).\nLe producteur Francesco Alliata avait d’abord proposé ce projet d’adaptation de Prosper Mérimée à Luchino Visconti qui, au simple stade de l’écriture, fut jugé « ingérable ». Jean Renoir, lui, accepte de se prêter à l’exercice de la commande. D’ailleurs, selon son biographe Pascal Mérigeau, c’est bien simple : il n’aurait jamais refusé un projet de film de sa vie ! Ce qui ne l’empêche pas de poser ses conditions : pour obtenir des couleurs à la fois éclatantes et domptées, il utilise des négatifs trichromes Technicolor, procédé alors rare en France. Egalement, il tourne en trois langues (!) – anglais, français et italien, ne supportant pas la dénaturation de la prestation des acteurs qu’amène le doublage. Le travail de restauration du film a démontré que la première version tournée fut celle en anglais, langue qu’Anna Magnani ne maîtrisait absolument pas et qu’elle fit l’effort d’apprendre pour les besoins du tournage. En 1959, elle apportera sa force et son irrésistible accent à un autre rôle anglophone inoubliable : celui qu’elle tient dans L’Homme à la Peau de Serpent, bijou méconnu de John Huston adapté de Tennessee Williams, où elle forme un duo immense avec Marlon Brando.\nQu’en est-il donc du film de Renoir, « première superproduction française en Technicolor » (c’est l’affiche qui le dit) ? Selon Godard, il faisait partie des quelques-uns dont on voudrait dire « C’est le plus beau des films », ce à quoi Truffaut et Rohmer acquiesçaient avec enthousiasme. On comprend que la simplicité de l’écriture alliée à une réflexion sur le théâtre – et plus généralement le jeu, la création artistique – comme remède aux frustrations de l’existence ait pu enthousiasmer.\nDécor de film ou décor de théâtre ? (© TF1 Droits Audiovisuels)\nLe métrage débute sur des rideaux rouges qui s’ouvrent : la scène de théâtre, à la faveur d’un zoom, se mue en décor de cinéma : nous sommes désormais dans la résidence luxueuse du Vice-Roi du Pérou (Duncan Lamont) qui promet son carrosse d’or à sa maîtresse officielle mais finira par l’offrir à la meneuse d’une troupe de théâtre venue d’Italie conquérir un public sud-américain qu’on lui a fait miroiter comme nombreux et prospère. La mise en abyme est donc double : Magnani incarne une comédienne prise dans un chassé-croisé amoureux entre trois hommes (un fidèle soupirant, un torero plein de panache et le monarque) dans un film qui revendique lui-même son artifice en s’ouvrant et en se fermant en même temps que des rideaux. A l’impossibilité de vivre plusieurs vies, de multiplier les identités et les idylles amoureuses, le jeu d’acteur est la meilleure consolation nous dit Renoir. Celui-ci explique : « Pour établir cette confusion voulue entre le théâtre et la vie, précise Renoir, j’ai demandé à mes acteurs qui représentaient des rôles dans la vie, de jouer avec un tout petit peu d’exagération, de façon à donner à la vie le côté théâtral me permettant d’établir cette confusion. ».\nOui mais. On est en droit de trouver quelque chose d’agaçant à cet artifice revendiqué. Parce que tous les interprètes du film n’ont pas le charisme de Magnani, loin de là, la fantaisie généralisée de l’interprétation a quelque chose de lourdement suranné dans son hommage à la commedia dell’arte. Et puis, la générosité de Renoir a comme revers de donner clef en main – et avec une solennité auto-satisfaite – aux spectateurs le propos « profond » du film. On avoue avoir levé les yeux au ciel en entendant l’actrice déclamer un « Où s’arrête le théâtre et où commence la vie ? »…\nVincent Rottiers et Michel Bouquet, Renoir père et fils (© Allociné)\nOutre la projection d’une copie restaurée de La Règle du Jeu (1939) qu’on regrette amèrement de n’avoir pas pu revoir, l’hommage à Jean Renoir passait également par l’avant-première du film de Gilles Bourdos qui fut montré en clôture du Certain Regard du dernier Festival de Cannes. Sobrement baptisé Renoir (sortie prévue le 2 janvier 2013), celui-ci évoque les relations du jeune Jean (Vincent Rottiers), tout juste revenu blessé de la Grande Guerre, avec celle qui fut le dernier modèle de son père (Michel Bouquet) et qui sera sa femme et l’actrice de ses premiers films (Christa Théret), jusqu’à leur rupture en 1931. Le réalisateur était là pour le présenter au public, accompagné par le critique et écrivain Pascal Mérigeau, dont la biographie « Jean Renoir » est désormais en vente, que Bertrand Tavernier lui-même évoque comme « sinon la meilleure biographie critique écrite sur un cinéaste, du moins l’une des deux ou trois meilleures » (on salive !).\n« Faire un film sur les Renoir en digital ? C’était juste impensable ! Et puis, où est-ce qu’il y a un lieu pour le digital ? La sortie des usines Sony, quelqu’un connaît ?! » lâche Gilles Bourdos dans le Hangar du Premier-Film, ex-usines Lumière. Comme Thierry Frémaux le dit à raison, on pense d’ailleurs beaucoup aux débuts du cinéma en découvrant Renoir. Pas seulement parce que le personnage d’Andrée aspire à une carrière d’actrice dans un art non encore considéré comme tel, mais également parce que les tons de certaines images, dans leur exacerbation de certains rouges ou verts, dans leur lumière forte, presque irréelle, rappellent les autochromes Lumière (rappelons que Louis n’a pas seulement co-inventé le cinématographe mais également déposé le premier brevet de photographie en couleur, en 1903 !). Comme pour ces autochromes, la frontière entre la photographie/le cinéma d’un côté et la peinture de l’autre n’est pas toujours nette : Bourdos effectue un beau travail d’élaboration plastique par des flous plus ou moins importants de l’image qui résument parfois celle-ci à quelques aplats de couleurs. Comme Auguste Renoir en fin de vie, il « simplifie ».\nChrista Théret (© Allociné)\nAutant que ces moments où il cherche, dans sa forme moderne, à rendre hommage au travail du peintre ou que quelques clins d’œil à Renoir fils (le lapin mort que le jeune Coco regarde avec insistance fait peut-être écho à ceux que chasse Carette dans La Règle du Jeu), on aime les passages où Bourdos crée ses propres « tableaux » : cette peinture orange qui se détache progressivement d’un pinceau trempé dans un verre d’eau (et semble symboliser à ce moment précis l’explosion de la passion amoureuse chez Jean), ces corps de soldats en permission qui flottent à la surface de l’eau comme des cadavres… On aime, enfin, la manière dont le rôle du petit dernier Claude Renoir (incarné par Thomas Doret, Le Gamin au Vélo des Dardenne), bien que peu développé, étoffe par sa seule présence et ses seuls actes le récit d’une réflexion diffuse sur la circulation de l’inspiration artistique (tout jeune qu’il est, il fait danser les ombres de ses jouets sur les murs, souffle des pigments de couleur sur le corps nu du modèle, dispose des feuilles d’eucalyptus en des formes à la signification secrète face à la mer. C’est également le désir qui circule dans la maison, qu’il soit « en avance » (Coco) ou « en retard » (Auguste).\nCatherine Hessling (© Silentera) et Christa Théret (© Allociné)\nOn en vient à ce par quoi pèche le film : son choix de l’enjeu dramatique le moins étonnant de ceux qui se présentaient à lui. Parce qu’on ne sait pas grand-chose de cette période de la vie des Renoir – Pascal Mérigeau le rappelle, celle-ci constituait un formidable espace fictionnel dans lequel s’engouffrer. Bourdos dit avoir élaboré une histoire en faisant comme l’aurait fait Renoir lui-même : « en braconnant » ! Sauf que ce qu’il écrit, à trop vouloir éviter la révérence vis-à-vis des Renoir père et fils, à trop vouloir adopter le point de vue méconnu d’Andrée (sans trop y arriver d’ailleurs, Michet Bouquet dominant sans mal le film), devient dans son dernier temps le suivi un peu plan-plan de l’affirmation de soi d’une jeune femme. Autre déception de la soirée : un court-métrage de Renoir lui-même, avec la vraie Andrée Heuschling/Catherine Hessling dans le rôle d’une femme sauvage qui, dans le futur (2028 vu par le cinéaste en 1927 !), reçoit dans un Paris dévasté et misérable la visite d’un scientifique africain en quête d’une trace de « cette danse antique des Blancs », le Charleston. La loufoquerie échevelée de Sur un Air de Charleston, globalement résumable à la fougue d’Hessling, ne parvient pas à demeurer enthousiasmante sur une vingtaine de minutes, même entrecoupée (ou transcendée, c’est selon) de ralentis langoureux qui, pour l’époque, nous paraissent bien audacieux…\nJOURS 5 ET 6 : KEN LOACH, ENFIN\nKen Loach à l’Institut Lumière (Institut Lumière © Olivier Chassignole)\nOn en parlait dans notre entretien avec la co-programmatrice Pauline De Boever : la présence du visage de Ken Loach sur l’affiche officielle du festival Lumière était étonnante (une seconde affiche montrait Robert Mitchum dans La Nuit du Chasseur, preuve qu’on avait à demi raison de se questionner là-dessus). Le grand public que vise Lumière connaît-il le cinéaste britannique au point de mettre un visage sur son nom ? Il faut croire que oui. Et lui-même n’en revient pas, semble-t-il. Comme la tradition le veut désormais, le récipiendaire du Prix Lumière est venu présenter, la vieille de la cérémonie, une séance à l’Institut Lumière, lieu historique de la naissance du cinéma. L’honneur et l’émotion étaient d’autant plus forts pour Loach que le film projeté était l’œuvre qui l’a révélé au public anglais : le téléfilm Cathy come Home (1966), « tourné il y a 46 ans, quand vous étiez tous en culottes courtes » plaisante-t-il, à peine remis du choc de la standing-ovation qui lui a été réservée.\nEvoquant la question du manque de logements sociaux dans l’Angleterre de l’époque, le téléfilm a provoqué de vifs débats outre-Manche. « On relogeait si mal les gens, dans des conditions si précaires que cela s’apparentait à une descente aux enfers. Parfois on séparait les familles, le mari d’un côté, la femme et les enfants de l’autre, ce qui brisait les couples. (…) On était en plein XIXe siècle ! ». C’est ce que le cinéaste met en scène à travers l’itinéraire chaotique de Cathy (Carol White, qui sera l’héroïne de Pas de Larmes pour Joy, son premier film de cinéma, 1967) et Reg. Frappé par le chômage et la pauvreté, le jeune couple erre de squats en logements sociaux surpeuplés, jusqu’à se voir retirer la garde de leur enfant par les services sociaux (on a déjà, en germe, l’histoire de Ladybird, chef-d’œuvre déchirant de Loach, 1994).\nExiguïté des décors intérieurs comme extérieurs dans Cathy come Home (© DVDBeaver)\nKen Loach explique que la fin des années 1960 était marquée par l’arrivée de petites caméras électroniques dans les studios de télévision. La BBC n’autorisait pour autant que quelques jours de tournage en extérieur aux réalisateurs avides de modernité sur tous les plans. Tout juste de quoi tourner quelques plans de passage d’un immeuble à un autre, pensaient les responsables de la chaîne. Lorsqu’on lui accorde trois jours de tournage en décors naturels, le cinéaste, plutôt que quelques plans, en profite pour tourner caméra à l’épaule les 75min de son film ! L’objet final est tout en urgence : à l’exiguïté des lieux que les personnages traversent répond une dynamique de montage qui multiplie les bonds abrupts dans le temps, concentrant en un peu plus d’une heure des mois de déboires. Ce que l’on apprécie tout particulièrement, c’est que Loach sauve ses personnages de l’étouffement total en célébrant leur vitalité lors de courts plans lumineux sur le visage d’ange de Carol White ou les facéties des enfants qui apportent à l’ensemble un peu de l’espoir qu’ils incarnent naturellement (le futur sera-t-il meilleur pour eux ? semble-t-il nous demander constamment). Ce que l’on aime moins, c’est l’urgence de la transmission du message politique combatif, qui passe par une voix-off semi-documentaire franchement pesante. Cathy come Home contient ainsi en germe le meilleur de Loach (montrer un état de la société à travers des personnages dont l’émotion nous contamine : cf. Kes, Raining Stones, Sweet Sixteen, etc.) comme le pire (expliciter lourdement une dénonciation politique, cf. Secret Défense).\n« Nous avons commencé le film socio-démocrates, nous l’avons terminé socialistes. Et je parle de VRAIS socialistes ! », raconte Loach, ne manquant pas de lancer au passage une pique mordante à notre PS national. A la diffusion du film en prime-time sur la BCC, près de 30% de la population britannique le découvre. « La droite a détesté ! Les politiques n’arrivaient pas à distinguer ce qui était du documentaire de ce qui était de la fiction. Nous leur avons répondu ‘Ne demandez pas si le film est vrai, demandez si ce qui est dans le film est vrai’ ! ». L’impact est tel que Loach et son équipe sont convoqué par un gouvernement reconnaissant de la compréhension du problème du mal-logement que leur a offerte le film. En conséquence, la loi sur le relogement des sans-domiciles est au moins amendée sur un point : l’horrible séparation des familles prend fin.\nEric Cantona remet le Prix Lumière à Ken Loach, devant Hiam Abbass, Frédéric Pierrot, Hippolyte Girardot, Laure Marsac, Léa Drucker et Marjane Satrapi (Institut Lumière © Olivier Chassignole)\nLe lendemain, samedi 21 octobre, c’est le jour-J : Loach vient chercher son Prix Lumière devant plusieurs milliers de personnes, dont de nombreuses personnalités du cinéma. Après la projection à succès du film qu’ils ont tourné ensemble, Eric Cantona, acteur de Looking for Eric (2009), lui remet la récompense au côté des fidèles scénariste Paul Laverty (depuis Carla’s Song, 1995) et productrice Rebecca O’Brien (depuis Secret Défense, 1990). La veille à l’Institut Lumière, déjà, Thierry Frémaux prévenait l’audience : « Lorsqu’il a découvert partout les affiches du festival à son image, Ken m’a dit : ‘C’est trop ! Beaucoup trop !’. Je vous demande de l’accueillir très fort parce qu’il a besoin de ce soutien-là, il est tellement modeste que c’est une épreuve ». En pénétrant dans l’Amphithéâtre face à quelque 3 500 spectateurs, le cinéaste est visiblement choqué. Et c’est très ému qu’il reçoit son Prix.\nLes meilleurs films de Loach, contemporains ou historiques, donnent à voir la situation de personnages complexes et laissent le spectateur juge de leurs actions : (de haut en bas, de gauche à droite) Ladybird, Land and Freedom, Sweet Sixteen, Le Vent se lève (© festival Lumière)\nL’émotion est palpable du côté du public également. Un superbe montage de 5min suffit à rappeler toute l’importance du cinéma de Loach. Démarré au moment où notre Nouvelle Vague se préoccupe d’intimisme et d’esthétique, il sait allier avec vigueur engagement politique et dénonciation sociale à une mise en scène alerte et parfois innovante – c’est manifeste dans Cathy come Home. Aux premiers opus furieux succèderont, plus tard, les œuvres de la maturité : celles, presque toutes admirables, des années 1990. Ken Loach sait alors montrer une situation politique et/ou sociale avec véracité plutôt que de cibler et d’expliciter, parfois un peu lourdement. La mise en scène, dont le seul principe semble être de situer la caméra à une distance juste des acteurs – celle qui leur laissera l’espace nécessaire à l’appropriation de leur rôle, se fait alors moins ostentatoire tout en étant parfois d’un sens remarquable du cadrage et du rythme de découpage (voir les scènes de batailles immersives de Land and Freedom, 1995, ou celles des supplices de Ladybird, où sont pris autant en compte la douleur infinie du personnage titre que les réactions variées qu’elle suscite). « L’astuce de Loach, si l’on en cherche une, c’est de ne pas nous imposer ses convictions politiques mais plutôt de les faire sourdre doucement mais très efficacement des espoirs et des craintes de ses personnages, qui nous apparaissent dessinés avec une honnêteté totale et sont interprétés avec un naturel stupéfiant » écrit Derek Malcolm, critique au Guardian (cité à raison dans le journal du festival).\nUne fois l’émotion de la standing-ovation passée, Ken Loach reprend très vite ses esprits pour se faire – sans surprise – politique, s’inquiétant des menaces que la Commission Européenne fait peser sur le système de financement du cinéma français par redistribution. L’acteur-clé qui attribue les subventions, le CNC, était récemment fustigé dans un rapport de la Cour des Comptes. Au-delà des excès ciblés (empilement des subventions, frais de réception, soutien mal ciblé aux salles, etc.) et du vrai problème majeur de l’étalement des subventions à un très grand nombre de films dont la plupart font moins de 50 000 entrées, le système doit-il être fondamentalement remis en cause ? Le soutien que lui manifeste Loach, cinéaste étranger, fait prendre conscience de son importance, qui dépasse largement nos frontières selon lui. S’il était amené à être remis en cause par l’UE (sous la pression de nouveaux venus dans la filière, fournisseurs d’accès à Internet, Google, Itunes, Amazon, Google, Youtube, Dailymotion, etc., qui rechignent à payer leurs taxes et ont fait appel à la Commission Européenne qui semble prête à leur donner raison dans son verdict du 21 novembre prochain), ce sont tous les pays européens – avec lesquels la France multiplie les co-productions et dont elle distribue les films – qui en pâtiraient également.\nJOUR 7 : PARADIS RETROUVÉ\nPrésentation de La Porte du Paradis par le festival\nOn évoquait en début de semaine le choix délicat du film d’ouverture. Celui du film de clôture ne l’est pas moins. S’il faut commencer avec entrain, il faut finir en apothéose ! En 2009 et 2011 respectivement, Clint Eastwood et Gérard Depardieu étaient venus présenter Le Bon, la Brute et le Truand (1966) et Cyrano De Bergerac (1990), fresques chéries par le plus grand nombre. Pas plus que Milos Forman en 2010 (c’était alors Le Guépard, 1963, qui avait été montré en présence de Claudia Cardinale) Ken Loach n’aura eu les honneurs de montrer l’un de ses films en clôture du festival. On comprend aisément pourquoi : pas assez opulent, pas assez grand-public. C’est un grand film maudit qui aura été retenu – démarche s’inscrivant idéalement dans celle, plus large, de Lumière. En attendant la sortie d’un Blu-Ray aux Etats-Unis le 20 novembre (par Criterion, restaurateur du film) et la distribution du film début 2013 en France (par l’incontournable Carlotta), le public lyonnais a pu découvrir, après ceux de la Mostra de Venise et du New York Film Festival, la version intégrale et restaurée en numérique de La Porte du Paradis (1980), sur l’écran géant installé à la Halle Tony Garnier !\nMichael Cimino et Kris Kristofferson sur le tournage de La Porte du Paradis (© WeGotThisCovered.com)\nRappelons-le rapidement : lors de sa première aux Etats-Unis en 1980, le film durait 3h39. Laminé par la critique américaine, il est retiré de l’affiche après une semaine d’exploitation seulement, puis remonté par Cimino en une version de 2h29, encombré d’une voix-off, édulcoré dans sa violence, privé de plusieurs personnages secondaires, montré au Festival de Cannes 1981 et couronné du même échec partout dans le monde. Rapportant à peine un dixième de ce qu’il a coûté, le film va jusqu’à provoquer l’effondrement d’un studio emblématique, fondé en 1919 par rien moins que Chaplin, Griffiths, Douglas Fairbanks et Mary Pickford : United Artists !\nLes grands tableaux que sont les scènes de danse à Harvard ou les difficiles marches à pied des immigrés au Wyoming tranchaient-ils trop, à l’époque, avec une certaine idée de la modernité que charriait le Nouvel Hollywood, même à son crépuscule ? Ont-ils paru académiques à une poignée de critiques influents ? Celle-ci n’a-t-elle pas scellé à elle seule le destin d’une œuvre ? Quoi qu’il en soit, la maîtrise visuelle de Cimino nous en bouche un coin aujourd’hui. Sur un écran dont les proportions sont toute à la (dé)mesure de l’entreprise du film, les couleurs du grand Vilmos Zsigmond (ce ciel d’un bleu vif d’autant plus incroyable que les tons des autres éléments de l’image ne paraissent pas particulièrement saturés, eux) nous explosent au visage, les mouvements d’appareil nous coupent le souffle (cette valse effrénée à Harvard comme représentation du coup de cœur amoureux) et la musique de David Mansfield nous met les larmes aux yeux.\nDans sa dichotomie constamment entretenue entre la magnificence du cadre naturel et la barbarie des hommes, La Porte du Paradis révèle même une dimension « malickienne ». Le titre prend tout son sens : les personnages sont condamnés à demeurer aux portes de ce Paradis qui n’est autre que le monde originel dans lequel ils évoluent, fait de vastes étendues immaculées. Le bonheur, l’absolu est là, illusoirement à portée de main et en fait inatteignable tant que les hommes en seront détournés par leurs pulsions profondes.\nLa Porte du Paradis (© LeChatMasque)\nNe nous voilons pas la face pour autant : cette version intégrale ne se hisse jamais au degré d’émotion qu’offrait Voyage au Bout de l’Enfer (1979). D’abord parce que – drôle d’ironie pour une version intégrale – elle n’est pas exempte de longueurs, éparpillées entre ses pics d’intensité impressionnants : l’ivresse communicative de la danse en patins à roulette, l’annonce de la liste des « condamnés », le massacre dans le bordel d’Ella, les morts inattendues de la fin ou, bien sûr, la bataille, magistralement mise en scène. Ensuite parce que le travail des personnages paraît franchement superficiel : le charisme de Kris Kristofferson, d’Isabelle Huppert ou encore d’un tout jeune Jeff Bridges paraît presque sabordé, tant leurs personnages respectifs manquent parfois d’épaisseur. C’est Christopher Walken qui tire son épingle du jeu en cow-boy d’origine populaire participant à l’exécution des siens pour le compte d’une association de gros éleveurs en lutte contre les immigrants venus pour la plupart d’Europe centrale. Son personnage est le plus clairement porteur du fond du film, dont la version tronquée nous avait caché beaucoup de la dimension politique.\nSi Voyage au Bout de l’Enfer filmait déjà une Amérique populaire, « antihéroïque », que le cinéma montrait peu quand bien même elle avait été la première à aller s’embourber au Vietnam, Cimino confirme clairement, avec La Porte du Paradis, qu’il est un cinéaste enragé en racontant la lutte des classes comme fondement profond de l’histoire américaine. Plus englobante selon lui que le combat traditionnel du western entre cow-boys et Indiens, la souillure originelle de l’Amérique qu’il dénonce, c’est celle de l’élimination des pauvres par les riches. « Il n’a jamais été bon d’être pauvre en Amérique » dit ainsi le personnage de Jeff Bridges. Les scènes d’agressions ordinaires des étrangers en pleine rue, tolérées par tous les badauds, sont d’une incroyable dureté. Une part de l’échec du film en 1980 ne tiendrait-il pas au contexte de Guerre Froide ? Cimino ne met-il pas les Etats-Unis, à l’aube de la fanfaronnade reaganienne, face à l’hypocrisie de leur défense de la liberté (détail ironique mais peut-être pas anodin : bien des immigrants massacrés dans le film sont russophones!) ?\nMichal Cimino et Isabelle Huppert à la Séance de Clôture (Institut Lumière © Patrick Ageneau)\nUne vraie redécouverte donc, que cette projection de clôture. Elle l’aura été non seulement pour les cinéphiles mais aussi pour Isabelle Huppert qui, sur scène, se dit émue de se replonger pour la première fois de sa vie dans cette œuvre qu’elle juge si importante dans sa carrière (une carrière qui ne manque pas de temps forts, comme nous le rappelle un montage impressionnant de films dans lesquels notre plus grande actrice française en activité a joué). Celle qu’on retient avant tout comme figure récurrente des drames intimistes de Chabrol ou d’Haneke a aussi été une héroïne aventurière qui monte des chevaux avec panache : « Ce que j’ai fait sur ce film, je ne l’ai jamais refait, et je ne le referai jamais ! » dit-elle, amusée et fière – elle le peut. A ses côtés, Michael Cimino, le visage lissé par d’innombrables opérations chirurgicales mais le corps affaibli et la voix brisée, peine à parler. Face à près de 4 500 spectateurs – « le plus grand public qui ait jamais assisté à une projection de [son] film », il semble voir enfin une injustice historique se réparer et prendre la mesure du culte que lui vouent les spectateurs du monde entier. Ses larmes à peine dissimulées par ses lunettes translucides, il dit simplement : « Je ne trouve pas les mots, mon cœur bat trop vite. J’aurais préféré avoir un orchestre à mes côtés et vous chanter quelque chose ». Jamais le festival Lumière n’aura donné autant l’impression, en quatre éditions, de faire non seulement du bien aux cinéphiles mais aussi aux cinéastes.\n1927194819521957195919651966197019731980199420092012Al PacinoAndré de TothAndy MilliganAnna MagnaniBertrand TavernierChrista ThéretChristopher WalkenComédieDocumentaireÉric CantonaFestival LumièreFranceGene HackmanGilles BourdosGuillaume CanetIngmar BergmanIsabelle HuppertItalieJean RenoirJeff BridgesJerry SchatzbergJoseph CottenKen LoachKris KristoffersonMax OphulsMax Von SydowMichael CiminoMichel BouquetMickey RourkeN&BNicolas Winding RefnPascal MérigeauPatrimoinePaul LavertyPolitiqueRobert RyanSocialSuèdeTim RothUSAVilmos ZsigmondVittorio De SicaWestern


chronique du 22 octobre 2004\n« L'injustice est le principe même de la marche de cet univers. »\nErnest Renan dans Dialogue et fragments philosophiques\nLire Genèse 4, 1-16\nGalerie nationale d'art ancien, Rome\nLes actes violents qui font la une de nos quotidiens depuis quelques mois m'interpellent tout particulièrement. Il me semble qu'une espèce de climat de violence s'est installé sur la planète. Il y a la violence de la guerre, bien sûr, en Irak, au Liberia, mais aussi en Palestine et au Pays Basque. Il y a cette série de meurtres à l'arme blanche, en Suisse et même tout près de chez nous, dans le canton de Fribourg.\nMais il y a aussi ce que j'appellerai la « violence du hasard » : tous ces accidents où des personnes sont tuées ou grièvement blessées parce qu'elles se trouvaient au mauvais endroit, au mauvais moment. Pourquoi elle? Pourquoi lui? Il semble n'y avoir pour réponse que l'ironie du hasard.\nPlus incompréhensible encore, la violence des événements : violence de la sécheresse, des inondations, de la foudre, des tremblements de terre. Pourquoi ne pleut-il pas? Pourquoi les paysans voient-ils leurs cultures sécher sur pied, alors que leur vie n'est déjà pas si facile? Pourquoi de pauvres gens qui comptaient sur leur potager pour assurer leur quotidien, doivent-ils se trouver encore plus démunis?\nCette violence de la nature nous renvoie aussi, de façon plus large, au reste du monde où des populations entières sont disséminées, déracinées par une sécheresse, une invasion de sauterelles ou encore le désert qui avance.\nLancinante question de la violence. Elle ne date pas d'aujourd'hui. De tout les temps les hommes ont cherché à y répondre de façon plus ou moins convaincante. Ce n'est donc pas étonnant de retrouver une histoire de meurtre dès les premiers chapitres de la Bible. Le récit biblique de Caïn et Abel que nous avons entendu tout à l'heure, inscrit la violence, le meurtre, au commencement de l'humanité. Je vous rappelle que le livre de la Genèse n'est pas une narration qui se veut historiquement véridique de la naissance de notre monde (ce n'est pas comme ça que ça c'est passé), ce n'est pas son but. Les récits qui la compose parlent, expliquent (voire règlent) plutôt les relations des hommes avec Dieu, le Dieu d'Israël. Dans ce sens, l'épisode de Caïn et Abel n'est pas une simple « histoire de famille », mais un mythe qui cherche à expliquer l'origine de la violence et sa gestion.\nCe texte de la Genèse n'est pas simple. Certains mots paraissent déplacés, mal traduits et certaines réactions semblent un peu « à côté de la plaque ». C'est pourquoi nous allons le reprendre petit bout par petit bout pour voir où il peut nous mener.\nDès le premier verset, l'exclamation d'Ève nous étonne : « J'ai procréé un homme avec le Seigneur. » C'est comme si Ève avait voulu donner à Caïn une double origine : par son père Adam, il est fils du sol (adamah, en hébreux) et il est d'origine divine par l'affirmation de sa mère. Nous verrons qu'après son meurtre, Caïn sera séparé à la fois de Dieu et du sol.\nAbel, son frère, a quant à lui un nom particulièrement étrange, puisqu'il signifie « buée », « petit vent » ou encore « vanité » (le même mot que le leitmotiv de l'Ecclésiaste : vanité des vanités, tout est vanité.). Qui aurait idée de prénommer ainsi son fils?. Dans le prénom d'Abel apparaît déjà toute l'expérience de la fragilité humaine. Comme s'il n'était pas destiné à vivre.\nCes deux frères vont devenir rivaux le jour où l'un des deux fera l'expérience de l'inégalité. Dieu reconnaît en effet le sacrifice d'Abel, et pas celui de Caïn. Comment les frères se sont-ils rendus compte de cette réaction divine? Le texte ne le dit pas. On ne sait même pas si Abel s'en est aperçu. Comme souvent, celui qui subit l'inégalité y est plus sensible que l'autre. Le texte reste aussi silencieux sur ce qui a motivé le choix partial de Dieu. On a souvent cherché à noircir Caïn, en postulant par exemple que Caïn aurait offert un sacrifice de moindre qualité, ou encore que Dieu aurait privilégié Abel parce qu'Ève n'aurait eu d'yeux que pour Caïn. Le narrateur laisse cependant un blanc qu'il nous faut accepter et nous rendre à l'évidence : il n'y a pas de raison logique à la préférence divine. Cette préférence trouve son seul fondement dans l'arbitraire divin qui est soulignée dans le livre de l'Exode (chap. 33, ver. 19) : « J'accorde ma bienveillance à qui je l'accorde, je fais miséricorde à qui je fais miséricorde ».\nDerrière cet arbitraire divin se cache une expérience humaine quotidienne : la vie n'est pas juste, elle est toujours imprévisible et elle est faite d'inégalités qui ne sont pas toujours logiques et explicables. Ce récit ne nous donne aucune réponse quant au pourquoi de cette injustice : elle est. et nous devons vivre avec. Même si cela nous révolte.\nCaïn fait l'expérience de l'inégalité et il réagit de manière forte : la colère bouillonne en lui. Pourtant, si Dieu s'est détourné de son sacrifice, il ne le rejette pas pour autant. Il lui parle, il l'exhorte à ne pas se soumettre au péché. Le terme « péché » apparaît pour la toute première fois dans la Bible ! C'est significatif ! Le « péché originel » n'est pas celui de l'histoire d'Adam et Ève, à savoir la transgression de l'interdit divin. Le premier péché, c'est de laisser libre cours à la violence !!!\nDieu en appelle à la responsabilité de Caïn, l'encourageant à ne pas s'abandonner à la violence, mais Caïn n'arrive pas à gérer cette colère qui monte en lui. Il essaye pourtant de parler à son frère. Le texte ne nous transmet pas ce qu'ils se disent, mais quoiqu'il en soit, puisque le meurtre a lieu juste après, nous pouvons en conclure que la communication n'a pas passé. Le meurtre est donc lié à l'incapacité des deux protagonistes à communiquer.\nDieu est immédiatement présent pour questionner et sanctionner (s'est-il d'ailleurs jamais éloigné?) La réponse de Caïn : « suis-je le gardien de mon frère? » peut sembler ironique. Mais qui aurait envie de se montrer ironique dans un moment pareil? Je vois plutôt dans cette réponse tout le désarroi de Caïn : il vient de réaliser la portée de son geste et reste stupéfait, choqué (comme la plupart des meurtriers qui ne préméditent par leur geste). Il ne sait pas comment affronter l'irruption de la violence, que ce soit dans sa vie ou dans la civilisation (souvenez-vous c'est le premier meurtre).\nIl est alors menacé de perdre tous ses repères : la terre le renie, il devient dès lors vagabond. Son geste l'a aussi coupé de sa relation avec Dieu (« Si tu me chasses aujourd'hui de l'étendue de ce sol, je serai caché à ta face.). Rappelons que le terme « péché » signifie « rupture de relation ». Ce n'est pas l'acte qui est montré du doigt, mais le fait que cet acte isole celui qui le commet, qu'il le coupe de sa relation avec Dieu et avec les hommes. C'est bien cela qui mène à la mort.\nQuand il découvre les conséquences de son geste, Caïn a peur. Il découvre aussi qu'il vient de mettre en route la spirale de la violence (« quiconque me trouvera me tuera »). Il crie alors vers Dieu : « ma faute est trop lourde à porter ». Et Dieu décide de protéger Caïn par un signe. Le narrateur insiste ainsi sur le fait que, pour Dieu, la vie humaine, même celle d'un meurtrier, est sacrée. Aucun être humain n'a le droit de prendre la vie d'un autre, fut-il mauvais.\nDieu offre, par sa décision, les conditions d'un avenir en dépit du meurtre. Il permet à Caïn de s'installer au pays de Nod (Nod étant un pays imaginaire dont le nom est construit à partir d'un jeu de mot en hébreu sur le verbe « errer »). Ce pays est situé à l'est d'Éden, l'Est étant le symbole de l'espérance, là où le soleil se lève, l'espoir d'un jour nouveau.\nLa suite du récit de Genèse 4 nous apprend que l'installation de Caïn va permettre la naissance de la civilisation. Sept générations descendront de lui, un chiffre symbolique pour dire un peuple. Parmi ses descendants, il y aura des éleveurs, des artisans qui forgeront le serpent d'airain salutaire dans le désert, des musiciens. Ainsi la violence n'empêchera pas le progrès, la civilisation. Peut-être faut-il aller plus loin et se demander si une civilisation sans violence est possible... La violence n'a pas empêché la vie, même si celle-ci demeure fragile et menacée.\nLe récit de Caïn et Abel nous présente donc une réflexion sur la violence comme faisant partie de la condition humaine. Selon l'auteur de ce texte, cette violence naît du fait que l'homme ne supporte pas la différence, l'inégalité. Dieu néanmoins n'est pas étranger à cette violence, puisqu'il confronte l'homme à l'expérience de l'inégalité. La violence, comme la liberté et la responsabilité, font partie de la situation de l'être humain. Mais Dieu veut également que l'homme apprenne à gérer la violence en s'opposant à son escalade. La gestion de la violence implique que nous reconnaissions notre propre violence et que nous ne fermions pas les yeux sur celle qui nous entoure et nous laisse souvent démunis. Affronter la violence, c'est accepter d'y être mêlé.\nPour illustrer cela, je prendrai l'exemple du vol en montgolfière. Une montgolfière, ça ne se dirige pas. Le ballon est tributaire des courants, du vent qui souffle. Le pilote ne peut que choisir de monter, en chauffant l'air à l'intérieur du ballon, ou de descendre, en le laissant se refroidir. C'est d'ailleurs cela qui fait son charme. Le pilote de la montgolfière n'est donc pas responsable du vent qui souffle, bien sûr. Mais il est en revanche toujours responsable de ses choix en fonction du vent. C'est lui qui prend la décision de monter ou de descendre, de poursuivre le vol ou d'atterrir.\nNous ne sommes pas responsable du vent qui souffle. Nous ne sommes pas responsable du fait que la violence est en nous. Nous pouvons déculpabiliser !\nMais nous sommes responsables de nos actes face à ce vent, cette violence. Et ce qui est faute, ce qui est péché, c'est lorsque cette violence, en s'exprimant, nous coupe de Dieu ou des hommes. Il nous faut donc apprendre à la gérer. Oui, mais. comment?\nL'histoire et l'actualité nous livrent plusieurs tentatives pour gérer cette violence. La première est de la condamner irrévocablement. Qui de nous n'a pas entendu une fois ou l'autre ces petites phrases : « la colère est un péché ! « , « Attention ! Dieu te voit! ». Cette façon de faire nie la violence, l'agressivité qui est en nous. Alors que peut-on faire? Tout garder à l'intérieur de nous? Combien de maladies, de cancers et de suicide ont pour origine cette violence retournée contre soi-même? Ou bien exploser quand même et se retrouver en faute?\nUne deuxième façon de faire est de l'instrumentaliser : comme nous ne pouvons pas la supprimer, la violence est dirigée contre les gens qui ne pensent ou ne vivent pas comme nous. C'est l'origine du racisme, du fanatisme et des guerres de religions.\nUne troisième tentative consiste à accepter l'expression de la violence, mais de la détourner sur un objet symbolique . qui peut parfois s'avérer être une personne !!! C'est le fameux bouc émissaire. Ce terme a d'ailleurs pour origine un rituel juif, lors duquel on chassait un bouc dans le désert après l'avoir chargé symboliquement des fautes des humains. Puisqu'il faut un fautif, ce sera lui, elle, ou le rababoud.\nMaîtriser la violence par la raison est la quatrième façon de procéder. La raison, instruite par Dieu va contenir l'être et maîtriser la violence qui est en lui. La violence est donc reconnue et admise, mais hiérarchisée, dominée. Apprenons donc à nous maîtriser en toute circonstance, restons zen. et pratiquons la boxe !\nIl existe aussi une cinquième façon de faire. C'est celle que le Christ nous propose : métamorphoser, transformer les manifestations de violence pour les mettre au service de l'amour. C'est ce qu'on appelle la non-violence, le concept que Gandhi et Martin Luther King ont utilisé dans leurs luttes politiques. La non-violence n'est pas pacifique, elle n'est pas « ne rien faire » : Jésus ne s'est jamais tu devant l'injustice. Il n'a jamais non plus refusé d'entrer dans l'action de peur de toucher à la violence. Certaines de ses paroles ou de ses actes ne sont d'ailleurs pas tendres ! Mais ils laissent toujours une issue à la relation et à la communication, et c'est cela qui fait toute la différence. Rappelez- vous : le péché est la rupture de la relation. Un acte ne peut être qualifié de non-violent que lorsqu'il garde la porte ouverte à la relation et au dialogue.\nJésus nous invite à le suivre dans cette voie. Il nous invite à nous lancer dans l'action ! Il nous invite à gérer la violence, la nôtre et celle qui touche nos frères et soeurs, non pas en la niant, la cachant, en l'opprimant ou en la détournant sur quelque chose ou quelqu'un, mais en la métamorphosant, en la transformant en énergie positive, en utilisant notre imagination pour changer des situations de violence en situations de dialogue et de relation. Ainsi seulement deviendrons-nous sel et lumière de la terre, comme il est dit dans l'Évangile de Matthieu.\nLa violence fait partie de la condition humaine. Nous n'y pouvons rien. Par contre, nous sommes responsables, chacun et chacune, de nos actes par rapport à cette violence. Le Christ nous montre l'exemple, Il nous invite à le suivre, nous exhorte à devenir exemple à notre tour et nous assure de son pardon lorsque nous échouons. Alors, allons ! Notre monde a bien besoin de sel et de lumière !\nNatalie Henchoz, diacre\nNeyruz (Fribourg), Suisse\nMarthe et Marie un conflit entre soeurs


[Saissetia oleae] Je ne sais ce que c'est??? - Le Monde des insectes\nIndex du forum Les insectes Hémiptères Homoptères\n[Saissetia oleae] Je ne sais ce que c'est???\nUn puceron, une cicadelle ou une cigale... point commun ? Un rostre piqueur-suceur et l'appartenance au super-ordre des Hémiptères !\nAnimateurs : guillaume, lauzette\nEnregistré le : jeudi 27 septembre 2007, 16:55\nMessage par moustique22 » samedi 14 juin 2008, 18:56\nJ'ai trouvé plusieurs de ces trucs sur mon olivier et je voudrais vous demander ce que cela pourrait être? Je joins 1 photo. Désolé mais celle ci ne sont pas très nette. Je vous remercie d'avance de vos réponses. Bonne soirée à vous.\nInconnu : Belgique : 14 6 2008 : Tielt : 8700\nEnregistré le : mardi 1 janvier 2008, 11:05\nLocalisation : Ariège et Landes principalement\nMessage par léo » samedi 14 juin 2008, 18:58\nc'est pas une cochenille ?\nMessage par moustique22 » samedi 14 juin 2008, 19:25\nje ne sais pas, j'ai déjà eu, sur d'autres plantes, des cochenilles blanches,\ncochenilles farineuses, ici ce serait peut être la cochenille avec carapace ou bouclier ???\nMessage par basc » samedi 14 juin 2008, 19:52\nC'est une jeune Saissetia oleae ,la cochenille noire de l'olivier, plus tard tu verras des coques bombées et noires apparaître, ce sont les femelles adultes.\nQuelle taille a ton olivier, section de tronc, est-il taillé?\nMessage par pierred » samedi 14 juin 2008, 20:11\nOK pour la cochenille de l'olivier.\nMessage par Bilule » samedi 14 juin 2008, 20:38\nAvec son "H" caractéristique.\nMessage par moustique22 » dimanche 15 juin 2008, 10:37\ntout d'abord merci à vous pour vos réponses\nPour répondre à basc il s'agit d'un olivier que j'ai depuis 2 ans et qui est en pot, pot de 34cm diamètre et 34cm de hauteur. L'olivier fait 170cm de haut. Le tronc a 8cm de diamètre. L'année passée celui ci a fleuri et j'ai également eu des petits fruits. Il sera rempoté dans un pot plus grand l'année prochaine. Ne sachant pas comment il faut le faire il n'a donc pas été tailler cette année. Bon dimanche à tous.\nMessage par basc » lundi 16 juin 2008, 9:31\nL'olivier est-il dans une serre ou une veranda?\nAvez vous observé beaucoup de cochenille sur votre arbre?\nMessage par moustique22 » lundi 16 juin 2008, 12:19\nBonjour basc bonjour à tous,\nJ'habite le Nord de la Belgique, ceci pour situer l'arbre. Mon olivier est dans un pot à l'extérieur et ce depuis 2 ans. Il y passe l'été et l'hiver sans problèmes. Il faut dire que j'y tiens car c'est un cadeau d'un couple d'amis et il est le symbole de notre amitié! je sais cela peut paraître bizzare A première vue il n'en a pas encore de trop (cochenilles) et ne sachant pas ce que c'était comme bestioles je m'inquiètais pour lui Heureusement, et je vous en remercie une fois de plus, grâce à insecte.org je sais maintenant à qui j'ai affaire. Je vais essayer de les retirer une a une, je ne sais pas si ceci aura un effet mais, soulagera certainement l'arbre. Ne voulant pas traiter l'arbre chimiquement, ceci afin de ne pas éliminer les insectes utiles. Suite à vos réponses j'ai été consulter plusieurs sites et il y a moyen des les éliminer en y mettant un autre insecte qui parasitera les cochenilles, mais ou trouver ces insectes??? Encore merci de l'interêt porté à mon arbre, c'est sympa\nMessage par basc » mardi 17 juin 2008, 14:16\nJe vais essayer de les retirer une a une, je ne sais pas si ceci aura un effet mais, soulagera certainement l'arbre.\nC'est la meilleur solution dans votre cas (arbre de petite taille, colonie peu importante).\nSachez qu'il existe une coccinelle prédatrice relativement efficace sur cette cochenille : Cryptolaemus montrouzieri. Vous pouvez obtenir des larves chez différents revendeurs.\nMais je pense pas que ce sera nécessaire dans votre cas car la colonie ne semble pas très importante, une lutte mécanique suffira.\nRetourner vers « Homoptères »


Démarches en ligne : Copropriété - Difficultés avérées : recours à un administrateur provisoire\nAccueil particuliersLogementCopropriété en difficultéCopropriété - Difficultés avérées : recours à un administrateur provisoire\nCopropriété - Difficultés avérées : recours à un administrateur provisoire\nLorsque le syndicat de copropriétaires est confronté à de graves problèmes financiers ou qu'il ne parvient plus à assurer la conservation de l'immeuble, le juge peut désigner un administrateur provisoire. Celui-ci se substitue au syndic pour prendre les mesures nécessaires au rétablissement du fonctionnement normal de la copropriété.\nLe recours à un administrateur provisoire est nécessaire :\nsi l'équilibre financier du syndicat des copropriétaires est gravement compromis,\nou si le syndicat des copropriétaires est dans l'impossibilité de pourvoir à la conservation de l'immeuble (très mauvais état général).\nL'administrateur est chargé de prendre les mesures nécessaires au rétablissement du fonctionnement normal de la copropriété.\nLa nomination d'un administrateur provisoire nécessite de saisir le tribunal de grande instance (TGI) du lieu de situation de l'immeuble.\nCette saisine peut être réalisée par :\nle syndic de copropriété après consultation du conseil syndical,\nles copropriétaires représentant au moins 15 % des voix de la copropriété,\nle président de l'établissement public de coopération intercommunale (EPCI) compétent en matière d'habitat,\nou le mandataire ad hoc.\nCette saisine s'effectue :\nsi elle émane du syndic, via une requête,\nsi elle émane de toute autre personne, via une assignation délivrée au syndic en tant que représentant du syndicat des copropriétaires.\nDésignation de l'administrateur provisoire\nL'administrateur provisoire est désigné par une ordonnance du juge. Cette désignation entraîne la suspension des poursuites.\nLa désignation de l'administrateur provisoire de la copropriété est faite par ordonnance du juge qui fixe la durée et l'étendue de sa mission.\nL'administrateur provisoire désigné par le juge peut être :\nun administrateur judiciaire,\nune personne physique ou morale dotée d'une expérience de 3 ans en gestion de copropriété ou dans le conseil des syndicats de copropriétaires et d'un diplôme juridique de niveau master 2 (droit civil, comptabilité et construction ou gestion immobilière,\nou le mandataire ad hoc qui s'est éventuellement occupé de l'immeuble, sur décision motivée et après consultation du conseil syndical.\nL'ordonnance est adressée à chaque copropriétaire.\ndans tous les cas, l'administrateur provisoire doit être indépendant du syndic, du syndicat de copropriétaire et des créanciers (pas de lien financier, de conseil, de subordination et aucun intérêt dans le mandat confié).\nLa désignation de l'administrateur provisoire entraîne pendant 12 mois :\nla suspension des créances antérieures (hors créances publiques ou sociales),\nl'interruption des remboursements d'un emprunt collectif,\nl'interruption et l'interdiction des actions en justice visant à la condamnation du syndicat débiteur ou la résolution d'un contrat pour défaut de paiement,\nl'arrêt et l'interdiction des procédures d'exécution ou de distribution,\nla suspension des majorations ou pénalités contractuelles (ainsi que les clauses de résolution contractuelle).\nsur demande de l'administrateur provisoire, le juge peut prolonger la suspension des poursuites jusqu'à 30 mois.\nPour assurer sa mission, le tribunal confie à l'administrateur provisoire :\ntous les pouvoirs du syndic de copropriété (dont le mandat cesse d'office et sans indemnité),\ntout ou partie des pouvoirs de l'assemblée générale et du conseil syndical (ses prises de décision nécessitent alors l'avis préalable du conseil syndical, sauf urgence).\nLa durée de la mission de l'administrateur provisoire est d'au moins 12 mois.\nle syndic évincé doit remettre à l'administrateur provisoire toutes les pièces et documents relatifs à la copropriété.\nPlan d'apurement des dettes\nLes créanciers ont 3 mois à partir de la publication de l'ordonnance de désignation de l'administrateur civil au bulletin officiel des annonces civiles (Bodacc) pour déclarer leur dettes.\nL'administrateur provisoire établi et publie la liste les créances et leur montant.\nLes créanciers ont 2 mois à compter de la publication de la liste pour en contester le contenu auprès du président du TGI.\nUn projet d'échéancier est notifié par lettre recommandée avec avis de réception aux créanciers qui ont 2 mois à compter de la notification pour faire part de leurs observations.\net l'échéancier détaillé relatif au créancier concerné.\nL'administrateur provisoire dépose le plan d'apurement définitif au greffe du TGI pour qu'il soit homologué par le juge.\nCe plan doit présenter :\nl'état des dettes (déclarées et non recouvrables),\nla trésorerie prévisionnelle du syndicat sur la durée du plan (dont les dépenses nécessaires à la préservation de l'immeuble et éventuellement à la réduction des charges et au respect du plan),\nl'échéancier des appels de fonds auprès des copropriétaires,\nles échéanciers détaillés par créancier.\nCertains documents sont joints en annexe :\nla liste des travaux nécessaires au redressement financier de la copropriété et à la préservation de l'immeuble,\nla liste indicative des mesures de gestion et des procédure amiables ou contentieuses envisagées,\nles observations du conseil syndical et des créanciers,\nl'état détaillé des impayés des copropriétaires,\nl'inventaire des biens susceptibles d'être vendus,\nle projet de convention d'administration provisoire renforcée si elle existe.\nLe plan d'apurement définitif remis au juge ne peut pas excéder 5 ans et doit être notifié aux copropriétaires.\nL'administrateur provisoire rend compte de son travail par écrit au président du TGI :\nà sa demande,\nau moins 1 fois par an.\nDans certains cas, il doit également remettre un rapport intermédiaire au président du TGI. Tel est le cas :\nsi aucun rapport de mandataire ad hoc n'a été établi au cours de l'année précédente,\net dans les 6 premiers mois de sa mission.\nSi les conclusions des rapports préconisent de soumettre certaines questions à l'assemblée générale des copropriétaires, elles doivent être inscrites à l'ordre du jour de cette assemblée.\nLe rapport de mission est accessible à tout copropriétaire qui le souhaite.\nComment est-on informé de la procédure d'une copropriété sous administration provisoire ?\nTribunal de grande instance (TGI) (Pour demander la désignation d'un administrateur provisoire)\nIntervention de l'administrateur provisoire\nDurée et étendue de la mission de l'administrateur provisoire\nInformation des copropriétaires (décisions de l'administrateur provisoire)\nRapport de l'administrateur provisoire\nDéclaration de créance - 19.08.2015\nLa déclaration de créance faite auprès de l'administrateur provisoire doit être faite par lettre recommandée avec accusé de réception. Elle contient :\nl'identité du créancier et les coordonnées de la personne qui le représente,\nle montant de la créance due au jour de l'ordonnance de désignation de l'administrateur provisoire,\ntout élément susceptible de prouver la créance,\nles modalités de calcul des intérêts,\nl'indication de la juridiction saisie si la créance fait l'objet d'un litige.\nLes créances relatives à un contrat de travail n'ont pas à être déclarées (arriéré de salaire du gardien par exemple).\nModifié le 19/08/2015 - Direction de l'information légale et administrative (Premier ministre)


PROPAGATION DU CORONAVIRUS: LES NATIONS UNIES APPELLENT À LA LIBÉRATION DES DÉTENUS – Droits Humains Infos\nPROPAGATION DU CORONAVIRUS: LES NATIONS UNIES APPELLENT À LA LIBÉRATION DES DÉTENUS\nLa Haut-Commissaire aux droits de l’Homme de l’ONU Michelle Bachelet a appelé mercredi à la libération urgente de détenus à travers le monde pour éviter que la pandémie de Covid-19 ne fasse des « ravages » dans les prisons souvent surpeuplées.\nAprès l’Organisation mondiale de la santé (OMS) lundi, la Haut-Commissaire a exhorté « les gouvernements et les autorités compétentes à travailler rapidement pour réduire le nombre de personnes en détention », en libérant par exemple « les détenus les plus âgés et ceux malades, ainsi que les délinquants présentant un risque faible ».\n« Le Covid-19 a commencé à frapper les prisons, les maisons d’arrêt et les centres de détention d’immigrants, ainsi que les centres de soins résidentiels et les hôpitaux psychiatriques, et risque de causer des ravages auprès des populations extrêmement vulnérables au sein de ces institutions », a-t-elle prévenu, en reconnaissant que « plusieurs pays [avaient] déjà entrepris des actions positives » en ce sens.\nL’Ethiopie a notamment annoncé mercredi l’amnistie et la libération prochaine de plus de 4.000 prisonniers pour désengorger ses prisons.\nL’ex-présidente du Chili, qui connut les geôles du régime Pinochet dans les années 1970, a par ailleurs enjoint les gouvernements à « libérer toute personne détenue sans fondement juridique suffisant, y compris les prisonniers politiques et les personnes détenues simplement pour avoir exprimé des opinions critiques ou dissidentes ».\nTags: PRISON INTERNATIONALE\nCOVID-19: Le gouvernement du Nigéria ordonne la libération de 70% des prisonniers


Devis alarme maison ou appartement, entreprise près de Bellicourt. Obtenez des devis !\nBienvenue chez Societe-alarme.com, devis alarme maison et appartement à Bellicourt dans le département Aisne\nappartement à Bellicourt !\nDevis alarme maison - appartement Bellicourt\nVous avez un projet de faire installer chez vous une alarme et vous ne connaissez pas d'entreprise de vente, pose et installation d'alarme près de Bellicourt ? Nous vous conseillons de faire appel à nos services. Vous habitez dans une maison ou un appartement ? Et vous ne vous sentez plus en sécurité dans votre maison ou votre appartement à Bellicourt?\nSociete-alarme.com, simplifie l'ensemble de vos démarches dans la recherche d'une entreprise d'alarme et vous permet de trouver en quelques clics plusieurs sociétés de vente et d'installation de alarme, près de Bellicourt. Vous pourrez ainsi comparer plusieurs devis alarme.\nDe plus, vous avez peut-être des entreprise d'alarme à Bellicourt, alors que vous ne le savez même pas !\nNotre conseil : choisissez une société de vente et installation d'alarme et une seule. Mais la bonne! Certaines personnes pensent qu'en faisant appel à un une entreprise d'alarme, ils sont sûrs d'obtenir le devis au meilleur rapport qualité-prix pour leur alarme et qu'un seul devis alarme suffit. D'autres pensent que la société d'alarme près de Bellicourt leur permettra d'avoir les meilleures conditions. Cela peut être vrai et faux à la fois. Pour en être sûr, il faut comparer les devis alarme.\nUn professionnel de l'alarme près de Bellicourt\nEn remplissant le formulaire sur notre site, vous contacterez les professionnels de l'alarme près de Bellicourt. La proximité des entreprise d'alarme que vous choisirez est importante, notamment pour visiter son show room. Choisir une société d'alarme près de Bellicourt vous permet également de retourner le voir en cas de soucis ou de le conseiller à vos proches si vous êtes satisfaits de votre alarme.


Nettoyage de toiture à Remilly Wirquin 62380Tél : 03.59.28.38.05\nDevis gratuit nettoyage de toiture Remilly Wirquin 62380\nNous localiserNettoyage de toiture Remilly Wirquin\nTrouver un couvreur pas cher pour le nettoyage de toiture à Remilly Wirquin dans le 62380\nSeriez-vous en train de chercher un professionnel pas cher pour nettoyer votre toiture à Remilly Wirquin et ses environs ? Vous êtes au bon endroit, notre entreprise Renove Toiture 62 s'occupe justement des travaux de nettoyage et d'entretien de toiture à des tarifs tout à fait raisonnables. Nous souciant de vos moyens financiers, nous veillons à ce que tout le monde puisse bénéficier de notre offre. Ainsi, n'hésitez pas à nous soumettre vos travaux avec le budget que vous avez prévu.\nDes produits de qualité pour le nettoyage de votre toiture dans la ville de Remilly Wirquin\nLe tarif du nettoyage de toiture chez Renove Toiture 62 à Remilly Wirquin\nBénéficiez d'un devis de nettoyage gratuit avec Renove Toiture 62 à Remilly Wirquin\nÀ qui peut-on confier le nettoyage de toiture à Remilly Wirquin et ses environs ?\nRenove Toiture 62 : votre entreprise de nettoyage de toiture dans la ville de Remilly Wirquin dans le 62380\nPourquoi faire appel à un professionnel pour nettoyer une toiture à Remilly Wirquin dans le 62380?\nNettoyage et ravalement façade Remilly Wirquin 62380


Muffins vegan à l’orange et à la polenta (sans gluten) – Cuisine-moi un Fenouil\nGoûter, Hiver, Sans gluten, Vegan\nMuffins vegan à l’orange et à la polenta (sans gluten)\n28/01/2021 par Marielle\nCette semaine, je vous propose de découvrir un dessert gourmand vegan et sans gluten. Avis aux amateurs !\nLa dernière fois que je vous ai parlé de polenta sur ce blog, c’était pour vous présenter ma Polenta crémeuse au fromage Le Refrain, noisettes et poêlée de champignons, mais rien ne vous empêche de l’utiliser dans une recette sucrée .\nGrâce à la farine de coco, ces muffins délicatement parfumés à l’orange douce sont légers et moelleux. Le résultat est bluffant ! Vous constaterez à quel point la polenta n’alourdit pas la préparation : bien au contraire, elle lui donne de la structure et la farine de coco apporte de la légèreté.\nLa polenta en #vrac, une semoule de maïs instantanée\nOrigine de la polenta\nÀ l’origine, la polenta est une semoule fine de maïs dont les italiens raffolent, préparée traditionnellement dans un chaudron en cuivre. Elle est cuite dans quatre fois son volume d’eau, puis mélangée à la spatule en bois pendant près d’une heure.\nElle est en général servie chaude et crémeuse en accompagnement d’un plat en sauce ou bien refroidie et ferme, elle est coupée et poêlée.\nAujourd’hui, en France on trouve plutôt de la semoule de maïs instantanée et il n’y a plus plus besoin de la cuire une heure, elle est prête en quelques secondes. Grâce à notre fournisseur Markal, nous vous la proposons en vrac d’origine Italie à un prix très abordable. Peut-on rêver d’une production locale pour 2021 ? À suivre…\nPréparation de la polenta\nSavez-vous la préparer comme il se doit ?Je vous dis tout pour connaitre les bonnes proportions : 1 volume de polenta pour 4 volumes d’eau. Ainsi, pour quatre personnes, il faut compter 250 g de semoule de maïs précuite auxquels on ajoute 1,2 litre de d’eau et une cuillère à café rase de sel.\nPour jouer sur la texture, il suffit d’ajouter 25% de liquide pour une texture plus fluide ou d’en retirer pour une texture plus ferme. Personnellement je l’aime beaucoup :\nen bâtonnets revenus à la poêle dans du beurre clarifié,\nen polenta crémeuse en accompagnement de champignons (l’accord parfait !),\nou encore comme une pizza !\nLa polenta est une céréale qui absorbe beaucoup de liquide, alors n’hésitez pas à ajouter du lait d’amande si la préparation vous semble trop compacte !\n#sansgluten : La farine de coco Écoidées\nLa farine de noix de coco Écoidées est produite à partir de chair de noix de coco bio. Après séchage et dégraissage (par pression pour extraire l’huile vierge de noix de coco), elle est finement broyée en une poudre assez semblable à la farine de blé.\nLa farine de coco a un faible index glycémique et est idéale pour les menus à IG bas. Elle est aussi une source intéressante de protéines : la farine de coco en contient autant que la farine de blé, mais elle ne contient pas de gluten. C’est un grand avantage pour ceux dont l’intolérance au gluten ou l’allergie au blé limite l’accès à de nombreuses préparations alimentaires !\nLa farine de coco étant naturellement sans gluten, elle n’offre aucune élasticité. Elle doit être mélangée à d’autres farines pour réaliser des pâtisseries auxquelles elle apportera du moelleux grâce aux fibres qu’elle contient (45%).\nPetite astuce à utiliser dans la pâtisserie sans gluten pour apporter du gonflant : ajouter quelques gouttes de jus de citron à la poudre à lever ou au bicarbonate de soude alimentaire. La réaction produite permet que la pâte lève comme si il y avait du gluten !\nPour celles et ceux qui ne connaissent pas la grande qualité gustative de nos oranges 100% bio, elles sont particulièrement douces et juteuses. Un vrai délice !\nDans les rayons fruits et légumes de nos cinq magasins bio au Mans, les agrumes répondent à des critères précis définis par Biocoop :\n100% bio et de saison,\nfruits non déverdis,\nproductions issues uniquement du bassin méditerranéen (comme l’Espagne et Italie)\net exclusion des agrumes produits outre-mer.\nBiocoop travaille à la relocalisation de la production d’agrumes en privilégiant l’origine Corse et Pyrénées Orientales d’ici cinq ans !\nMuffins vegan à l'orange et à la polenta (sans gluten)\nPortions: 15 muffins\nTemps: Préparation : 15 minutes | Cuisson : 25 minutes\n140 g de polenta instantanée Markal\n100 g de farine de coco Écoidées\n10 g de poudre à lever sans gluten\n2 c à c de zeste d’orange\n20 cl de jus d’orange pressée\n40 cl de lait d’amande*\n50 g d’amandes*\nDans un cul-de-poule, mélanger la polenta, la farine de coco, la poudre à lever sans gluten, le sucre de canne et les zestes d’orange.\nDans un second récipient, mélanger le jus d’orange, le lait d’amande et l’huile d’olive, puis incorporer au mélange précédent.\nConcasser grossièrement les amandes et les ajouter à la préparation, puis mélanger.\nGarnir des moules à muffins et enfourner à 180°C pendant 25 minutes.\nDémouler et déguster tiède ou froid !\namande farine de coco huile d'olive lait d'amande orange polenta sucre de canne\nCrêpes vegan de blé rouge de Bordeaux, parfumées à l’huile essentielle d’orange\n2 commentaires sur “Muffins vegan à l’orange et à la polenta (sans gluten)”\n28/01/2021 à 19:05\nHummm. Ça a l’air trop trop bon… A tester au plus vite !\n02/02/2021 à 09:27\noui le résultat est surprenant de légèreté avec un délicieux parfum d’orange douce.\nje te la recommande :-)\nGâteau au citron et aux graines de pavot (sans lait)\nPancakes express (2 ingrédients seulement !)\n«Confiture» aux graines de chia\nOne-pot rice aux légumes de saison (vegan)\nTarte rustique aux prunes et aux amandes (sans lait)\nVerrines de mousse de fruits rouges (sans lait)\nGnocchis à la romaine gratinés au fromage de brebis\nSalade César vegan au seitan et aux petits légumes de saison\n🎉 Jusqu'au samedi 25 septembre, -15% sur tous les produits en vrac : alimentation, entretien et hygiène, mais aussi contenants réutilisables !\n🍷 Aujourd'hui et demain, rendez-vous au Fenouil Sargé pour déguster gratuitement une sélection de nos vins bio, vegan, sans sulfites ajoutés et même en conversion en compagnie de nos spécialistes !\n🇫🇷 #bioetlocal · Hier, nous avons eu la chance de visiter l'atelier dans lequel sont cousues toutes les serviettes lavables de @laweekup : Bonnet-Plastigom à Champagné, qui fabrique également les superbes chaussons français La Vague.\n🍷🧀 Jusqu'au samedi 16 octobre, nous fêtons les vins et les fromages d’automne au Fenouil !\n🌿 #bioetlocal : les savons bio saponifiés à froid et certifiés Nature & Progrès de la Savonnerie Adorée, fabriqués à Saint-Gervais-en-Belin.


Rencontres Campagne – prostituee-aurillac.fr\nLes réunions de campagne peuvent être très efficaces si elles sont bien faites. Malheureusement, les mauvaises réunions sont assez courantes. Et le temps perdu n’est qu’un de leurs effets secondaires négatifs. Des réunions mal planifiées peuvent freiner l’enthousiasme des gens et drainer leur énergie. Ils peuvent partir en se sentant moins motivés et moins enthousiastes à propos de votre cause – auquel cas ils ne resteront probablement pas à bord. Mais si vos réunions de campagne sont vraiment bonnes, la plupart des gens se sentiront passionnés par votre cause et resteront dans les parages.\nIl peut sembler évident que vous devez planifier soigneusement votre réunion de campagne. Mais beaucoup de gens, lorsqu’ils se rendent à une réunion, ne sont pas complètement conscients de ce dans quoi ils s’engagent. Il est facile de se laisser distraire par ce qui se passe lors de la réunion et il est donc important de s’assurer que tout ce que vous faites est approprié et utile. Voici quelques conseils pour vous aider à vous préparer à chaque réunion.\nPlanifiez soigneusement – Il est important de faire un plan pour chaque réunion de campagne. Une bonne façon de le faire est d’avoir une heure fixe à laquelle tout va commencer, puis de créer un script que vous utiliserez pour guider la réunion et vous assurer que tout le monde se concentre sur la même chose. De cette façon, vous serez en mesure de vous concentrer sur ce dont vous avez besoin et tout le monde sera mieux à même de comprendre la direction que vous prenez pour votre organisation.


francese e non solo: La liaison\nIl faut que tout le monde fasse un effort pour réapprendre à faire les liaisons et , ce n’est pas facile ; il faut des semaines pour se rééduquer et cela demande beaucoup de rigueur intellectuelle et de concentration mais chacun sait qu’il est toujours salutaire de faire travailler son cerveau. Faire les liaisons ne veut pas dire déclamer telle Sarah Bernhardt, en exagérant les accentuations ; il faut que cela soit léger et discret, ce qui donne alors toute son élégance au français. Article écrit par Laure Schneiter\nCe qu’il faut ou ne pas dire\ntro[p] excité, mais trop-p-excité ;\ndan[s] un pays, mais dans-z-un pays ;\nil y a dé[s] auditeurs, mais il y a des-z-auditeurs ;\nil es[t] à l’heure, mais il est-t-à l’heure ;\nj’aimerai[s] être, mais j’aimerais-z-être ;\nsan[s] elle, mais sans-z-elle ;\ntu avai[s] eu, mais tu avais-z-eu ;\nc’es[t] inéluctable, mais c’est-t-inéluctable ;\nle deu[x] avril, mais le deux-z-avril ;\ndi[x] euros, ving[t] euros, cen[t] euros, deux cent[s] euros, mais dix-z-euros, vingt-t-euros, cent-t-euros, deux cents-z-euros ;\nelle es[t] extraordinaire, mais elle est-t-extraordinaire ;\nc’es[t] abominable, mais c’est-t-abominable ;\nd’un commu[n] accord, mais d’un commun-n-accord ;\nbeoucou[p] à faire, mais beaucoup-p-à faire ;\nil avai[t] oublié, mais il avait-t-oublié ;\nils on[t] imaginé, mais ils ont-t-imaginé ;\nmoin[s] important, mais moins-z-important ;\nla façon don[t] il parle, mais la façon dont-t-il parle ;\npa[s] à pas, mais pas-z-à pas ;\nmo[t] à mot, mais mot-t-à mot.. Et puis le fameux D terminal qui se prononce « t » comme les S et les X se prononcent « z » ; ce sont des exceptions qui s’apprennent vite :\nquan[d] on voit, mais quand-t-on voit,\nEn revanche on entend des liaisons « mal-t-à propos » (entendu des dizaines de fois pour ne prendre que cet exemple) ! Comment voulez-vous que des enfants qui n’entendent jamais le son « t », « s », « peu » ajoutent un T à vingt ou cent, un S à mais ou dans, un P à beaucoup ou à trop et ainsi de suite ? ! Un autre exemple : on ne dit pas nos partenaire[s] européens mais nos partenaires-z-européens. La plupart des enfants ne savent pas trop que « nos » est un adjectif possessif qui marque le pluriel ; s’ils n’entendent jamais le S final du mot qui suit, dans mon exemple « partenaires », ils n’ont aucun repère auditif, alors que la liaison, fréquemment entendue devant allemands, italiens, anglais, espagnols, les guiderait pour mémoriser ce S.\nPubblicato da sonia cartosciello a 06:12


Côte d'Ivoire - Présidence de la FIF : Didier Drogba sort le grand jeu - AfricaZine\nHome Africa News Ivory Coast Côte d’Ivoire – Présidence de la FIF : Didier Drogba sort le...\nC’est un homme dévoué et plein de détermination qui a tenu à parler aux Ivoiriens de son ambition d’occuper le fauteuil de président de la Fédération Ivoirienne de Football.\nLongtemps resté discret sur la question malgré les opinions divergentes sur son engagement pour le football ivoirien, l’ex-capitaine des Éléphants a laissé tomber le voile cette semaine à travers une série de rencontres des dirigeants de clubs ivoiriens.\nLe Sofitel Hôtel ivoire abrite depuis le début de cette semaine différentes rencontres de l’ex-international international ivoirien avec les dirigeants de D2, D3 et de D1 pour leur parler de sa candidature et dévoiler son programme de gouvernance du football ivoirien.\nPour Didier Drogba, il est impérieux d’apporter des changements dans la gestion de notre football qui a perdu depuis quelques temps ses lettres de noblesse.\nÀ cet effet, il a demandé à ses adversaires de quitter dans les dénigrements de sa personne pour proposer un programme. ” Ce sera une campagne de programme contre programme. Quittez donc dans les campagnes de dénigrements” a-t-il précisé.\nL’ancien joueur de Chelsea se dit prêt à aller à la rencontre de certains dirigeants des villes de l’intérieur qui, pour des raisons, non évoquées lors des rencontres, n’ont pu être présents aux rendez-vous.\nSoulignons que Drogba qui a le soutien de plusieurs anciens et actuels joueurs comme Salomon Kalou, Gouamene Alain et bien d’autres, se dit prêt à briguer ce poste de président de la FIF.\nPrevious articleCAN 2021 – Eliminatoires (J1) : Le Ghana s’offre l’AfSud, RDC et Gabon dos à dos\nNext articleSINGAPORE NO MORE: Emirates Suspends Flights Between Brisbane and Singapore