Médée, la fascination de l’horreur -\nMédée, la fascination de l’horreur Horreur et sortilèges dans Médée de Corneille\nsamedi 8 juin 2019 , par BERNOLLE Marie-Anne, Chargée de mission pour l’Inspection de Lettres\nLe 8 avril 2019, une journée d’étude - organisée conjointement par M. Bernard, M. Desmets et B. Bortolussi de l’Université de Paris-Nanterre, par les IPR de Lettres de l’académie de Versailles et par l’ÉSPÉ de l’académie de Versailles - a été proposée à l’Université Paris-Nanterre autour de la thématique : actualités de Corneille.\nComment appréhender une œuvre vieille de près de quatre siècles ? Comment dire et montrer Corneille aujourd’hui ? Sa voix peut-elle toujours être actuelle ? \nDans ce cadre, Florence Poirson, Maître de conférences émérite de l’université Cergy-Pontoise, a proposé une communication dont le titre était « Médée : la fascination de l’horreur ».\nLe présent article a été réalisé à partir des notes que Florence Poirson a bien voulu nous confier, ce dont nous la remercions.\nI - Médée dans la tradition\nCaractérisation du personnage de Médée\nMythe de Médée - Quelques rappels\nExploitation de la légende\nII – Émotions tragiques vues par Aristote, Horace et Corneille\nD’autres buts pour la tragédie\nLa posture de Corneille\nIII - Cruauté et magie : le spectaculaire au service de l’horreur\nUne cruauté mise en évidence\nPouvoirs magiques de Médée\nL’objectif de Corneille : provoquer un choc\nMise en scène de métamorphoses ou autres événements surnaturels\nIV – Diversité des émotions tragiques dans Médée\nMédée, objet de pitié\nMédée objet d’admiration\nV - Postérité de Médée\nUne Médée pour les Français\nSuccès de Médée ?\nMalédiction de Médée ?\nMétamorphoses de Médée\nMédée est aujourd’hui très étudiée en lycée et collège. Sont parues nombre d’éditions scolaires : Étonnants classiques, Profil d’une œuvre, Belin, Nathan, etc.\nC’est surprenant quand on compare avec les manuels anciens.\nDans le volume 17e du manuel Mitterand (éd. 1987), aucun extrait ; il n’y est fait qu’une seule fois référence, dans la biographie de Corneille.\nDans le Lagarde et Michard, on trouve ces quelques mots :\n« Médée contient de beaux vers, mais le caractère monstrueux de l’héroïne et ses sortilèges de magicienne enlèvent à la pièce toute vérité humaine ».\nDonc aucun extrait ni étude de la pièce.\nLe regain d’intérêt pour Médée s’explique par les programmes actuels. On peut aussi noter l’abondance de travaux universitaires récents sur Médée, qu’il s’agisse de la pièce de Corneille ou d’œuvres d’autres dramaturges.\nLes études se focalisent souvent, notamment, sur la « violence » de la pièce,\nsa « passion mortifère », sur l’infanticide situé « aux limites de la représentation ».\nEn somme, ce qui intéresse aujourd’hui est cela-même qui répugnait autrefois aux auteurs du Lagarde et Michard : les crimes hors norme de Médée, indissociables de ses pouvoirs magiques.\nHorace, dans son Art Poétique (v. 123) caractérise Médée par deux adjectifs :\nSit Medea ferox invictaque « que Médée soit “fière et indomptable” » selon la traduction des auteurs.\nCorneille, dans le premier discours sur le poème dramatique Discours de l’utilité des parties du poème dramatique, note que fier au 17e signifie « sauvage, farouche, violent ». Budé donne comme traduction « farouche et indomptable » ; sous la plume de Ch. Batteux (1748), on trouve « cruelle, inflexible ».\nLes dictionnaires donnent pour synonymes :\nferox : « impétueux, hardi, fougueux, intrépide » [farouche : « qui a une rudesse sauvage »]\ninuicta : « invaincue, dont on ne triomphe pas »\nLa variation des traductions est révélatrice de l’infléchissement qui s’est fait dans la perception du personnage-type défini par Horace :\nintrépidité / cruauté ;\ninvincible / inflexible - « qui ne cède pas » dans les difficultés, mais aussi « qui ne cède pas à la pitié » (Ch. Batteux)\nMédée est devenue une figure emblématique de l’infanticide, crime qui suscite l’horreur – d’autant plus s’il reste impuni.\nIl reste impuni en effet, du moins dans la plupart des adaptations dramatiques de la légende ; parfois néanmoins, cela aboutit au suicide de Médée, que l’on peut lire comme une autopunition.\nMédée s’est rendue coupable d’autres crimes, dans le contexte de la conquête de la Toison d’or par Jason et les Argonautes \nJason est fils d’Éson, roi d’Iolcos. Pélias (demi-frère d’Éson) se rend coupable d’usurpation du trône. Jason conclut alors un marché avec Pélias : il doit conquérir la Toison d’or, possession du roi de Colchide Ætés, en échange de la restitution du trône paternel.\nMédée (fille d’Ætés), séduite par Jason, l’aide à voler la Toison grâce à ses pouvoirs de magicienne et s’enfuit avec les Argonautes ; pour ralentir Ætés qui les poursuit, elle tue son frère Absyrte et en disperse les membres.\nDe retour à Iolcos, Jason épouse Médée. La magie de Médée rajeunit le vieil Éson. Les filles de Pélias lui demandent alors de rajeunir également leur père. Médée tue un vieux bélier, le dépèce, le découpe et en fait bouillir les morceaux. Grâce à des herbes magiques, elle donne ainsi vie à un tout jeune agneau. Elle incite alors les fille de Pélias à faire avec leur père ce qu’elles ont fait avec le bélier. Mais les herbes n’ont aucun pouvoir et les filles de Pélias se retrouvent ainsi responsables du meurtre de leur père.\nPour échapper à la vengeance d’Acaste, fils de Pélias, Jason et Médée se réfugient auprès de Créon, roi de Corinthe. Jason obtient la main de Créüse, fille de Créon, et répudie Médée. Bannie par Créon, Médée se venge : elle fait porter à Créüse une robe empoisonnée qui s’enflamme sur elle ; le feu se communique à Créon, puis au palais royal. Elle tue ensuite les deux fils qu’elle avait eus avec Jason, et s’enfuit sur un char tiré par des dragons ailés pour se réfugier chez le roi d’Athènes, Égée, qui lui avait offert l’hospitalité.\nLes dramaturges choisissent le plus souvent l’épisode du divorce et de l’infanticide.\nOn notera néanmoins que Corneille, en 1660, dans sa pièce La Conquête de la Toison d’or exploite une autre facette du personnage de Médée. Elle y est présentée, conformément à la légende, comme une magicienne invincible, mais aussi comme une jeune fille naïve qui fait confiance aux serments d’amour de Jason.\nTragédies de Médée avant Corneille\nAntiquité : Euripide, Sénèque\ntraduction latine de la pièce d’Euripide par George Buchanan (1544)\nJean de La Péruse (1553)\nCoriolano Martirano (1556), pièce en latin\nLodovico Dolce (1558)\nMaffeo Galladei (1558)\nIl est à noter la tendance des dramaturges à inventer des épisodes.\nEuripide, par exemple, est le premier à attribuer à Médée le meurtre des enfants ; dans une version antérieure du mythe, c’était les Corinthiens qui s’en rendaient coupables.\nLe suicide de Jason après l’infanticide est un épisode que l’on doit à l’italien Galladei, repris ensuite par Corneille.\nCorneille invente également le suicide de Créon cherchant ainsi à échapper à la torture du feu ; cette invention a pour objectif d’accentuer la noirceur du drame.\nMédée, l’héroïne tragique par excellence\nPour Aristote, le sujet tragique est « le surgissement des violences au cœur des alliances » : « un meurtre ou un acte de ce genre accompli ou projeté par le frère contre le frère, par le fils contre le père, par la mère contre le fils ou le fils contre la mère » .\nCorneille fait référence à ce passage dans le deuxième discours, Discours de la tragédie et des moyens de la traiter selon le vraisemblable ou le nécessaire. Mais il s’éloigne d’Aristote pour la hiérarchie dans les sujets tragiques.\nAristote y voit une action violente « accomplie (…) par des agents qui connaissent leurs victimes et les identifient - c’est ainsi qu’Euripide fait tuer ses enfants par Médée » ; cela ne constitue pas pour lui le meilleur sujet .\nAu contraire, Corneille trouve cette action « plus belle » que celle qu’Aristote juge la meilleure - quand « celui qui se dispose à accomplir un acte irréparable en pleine ignorance reconnaît sa victime avant d’agir » comme par exemple « Mérope [qui], prête à tuer son fils, ne le tue pas mais le reconnaît ».\nIl reste que, pour Aristote et Corneille, les meurtres en famille sont les actions les plus susceptibles de produire crainte et pitié, ce qui constitue le « plaisir de la tragédie » .\nCe plaisir peut sembler paradoxal : crainte et pitié sont, si l’on se fie à l’expérience que l’on en a dans la vie courante, des émotions pénibles.\nAristote conduit un parallèle avec la peinture  :\n« Nous avons plaisir à regarder les images les plus soignées des choses dont la vue nous est pénible dans la réalité, par exemple les formes d’animaux parfaitement ignobles et de cadavres ».\nLe plaisir est d’ordre intellectuel et il tient au fait de reconnaître l’objet dans sa représentation. C’est aussi un plaisir esthétique, produit par le « fini de l’exécution » , la « couleur » ; la conscience qu’il s’agit d’une représentation crée la distance par rapport au spectateur, filtre les émotions.\nMais sous l’influence conjuguée de la tradition rhétorique  et de l’Art poétique d’Horace, on impute à la tragédie d’autres buts que le plaisir.\nLes buts de l’éloquence sont traditionnellement : plaire, émouvoir, instruire.\nHorace développe dans son Art poétique l’idée qu’il faut émouvoir, mais aussi plaire et instruire, l’idéal étant de « mêler l’utile (le didactisme) à l’agréable ».\nOr, quand la Renaissance remet à l’honneur les genres dramatiques antiques, Horace est bien connu et la Poétique d’Aristote sera redécouverte plus tardivement. Il s’ensuit que jusqu’à l’Art de la Tragédie de J. de La Taille (1572)  , les poéticiens français mettent l’accent sur l’utilité du théâtre, le public devant tirer une leçon de l’action représentée. Pensons notamment à la fonction des chœurs qui commentent la tragédie.\n1639, dans l’édition princeps de Médée, Corneille écrit dans la dédicace « A Monsieur PTNG »  : le but « de la Poésie dramatique est de plaire ». Il s’inscrit ainsi dans la lignée d’Aristote, mais en faux par rapport à la conception du théâtre des poéticiens de la Renaissance, à la conception qui prévaut à l’époque. Dans les années 1630 - la création de Médée date de la saison 1634-35 - Richelieu encourage le théâtre pour sa fonction d’utilité morale et sociale .\nRappelons que peu de temps après (1637), dans le cadre de la querelle du Cid  , Georges de Scudéry - dramaturge conduisant l’attaque contre le Cid avec Jean Mairet - voit en Chimène une « fille dénaturée », dont le vice « paraît récompensé ».\nScudéry écrit dans ses Observations sur le Cid : « le théâtre fut inventé pour instruire en divertissant, et […] c’est sous cet agréable habit que se déguise la philosophie, de peur de paraître trop austère aux yeux du monde. »\n[plus loin :] « Aussi ne manque-telle jamais de montrer sur la scène la vertu récompensée, et le vice toujours puni. Que si quelquefois l’on y voit les méchants prospérer et les gens de bien persécutés, la face des choses ne manquant point de changer à la fin de la représentation, ne manque pas aussi de faire voir le triomphe des innocents, et le supplice des coupables ; et c’est ainsi qu’insensiblement on nous imprime en l’âme l’horreur du vice, et l’amour de la vertu »\nCorneille fait référence de façon implicite à cette prise de position moraliste dans la dédicace : « Ici vous trouverez le crime en son char de triomphe ».\nLe début de la dédicace est tout aussi provocateur :\n« Je vous donne Médée toute méchante qu’elle est, et ne vous dirai rien pour sa justification »\nMéchante a deux sens.\nL’adjectif rapporté à l’héroïne, Corneille affirme ne pas avoir à se « justifier » de montrer une criminelle impunie et triomphante, car Médée est représentée conformément à la tradition.\nIl s’appuie sur le parallèle entre peinture et poésie en reformulant l’analogie d’Aristote ut pictura poesis  : la peinture et la poésie « ont cela de commun […] que l’une fait souvent de beaux portraits d’une femme laide, et l’autre de belles imitations d’une action qu’il ne faut pas imiter. Dans la portraiture il n’est pas question si un visage est beau, mais s’il ressemble, et dans la poésie il ne faut pas considérer si les mœurs sont vertueuses, mais si elles sont pareille à celles de la personne qu’elle introduit ».\nIl n’y a donc pas lieu de se justifier puisque le portrait est ressemblant.\nD’ailleurs, la poésie décrit « indifféremment les bonnes et les mauvaises actions sans nous proposer les dernières pour exemple, et si elle veut nous en faire quelque horreur, ce n’est point par leur punition qu’elle n’affecte pas de nous faire voir, mais par leur laideur qu’elle s’efforce de nous représenter au naturel. Il n’est pas besoin d’avertir ici le public que celles de cette tragédie ne sont pas à imiter, elles paraissent assez à découvert pour n’en faire envie à personne ».\nCorneille vise ainsi les recommandations de Georges de Scudéry .\nMéchante qualifie aussi la pièce ; « méchante », la pièce ne vaut rien. Le qualificatif concerne les questions dramaturgiques, pour lesquelles Corneille refuse aussi de se justifier : la question de la vraisemblance,\n« cette difficulté qui est la plus délicate de la Poésie, et peut-être la moins entendue, demanderait un discours trop long pour une épître ».\nCorneille traitera en détail des défauts que l’on pourrait reprocher à la pièce dans l’Examen de 1660 .\nMais en 1634, Médée est une pièce expérimentale. C’est la première tragédie de Corneille, dans le contexte du renouveau de la tragédie régulière : Mairet - Sophonisbe, Marc-Antoine, 1634 ; Rotrou - Hercule mourant , 1634 ; Scudéry - La Mort de César, 1635 ; La Calprenède - La Mort de Mithridate, 1635 ; La Pinelière - Hippolyte, 1635.\nComme leurs prédécesseurs de la tragédie humaniste du 16e, les dramaturges s’emparent de sujets mythologiques ou historiques et imitent les Anciens. Sénèque est l’un de leurs principaux modèles .\nPar exemple, le personnage d’Hercule dans l’Hercule mourant de Rotrou, inspiré de l’ Hercule sur l‘Œta, présente avec Médée des points communs : mort horrible du héros, tunique empoisonnée, femme qui se venge .\nCorneille développe sa dette envers Sénèque dans une lettre adressée à M. de Zuylichem (1648) et dans l’Examen de Médée (1660). À comparer la Médée d’Euripide et celle de Sénèque :\nEuripide : « tremblante et adressant à Créon d’indignes prières »\nSénèque : « cruelle et terrible à l’excès pour Jason, pour Créüse »\nla Médée de Corneille est « vieille et nouvelle tout à la fois ».\nLa Médée de Sénèque est « terrible à l’excès ». Pourtant, chez Corneille, la cruauté des événements est mise en évidence car ils sont montrés sur la scène :\nla mort de Créon et Créüse qui, dans les pièces antérieures, est mentionnée dans un récit.\nle suicide de Jason après le meurtre des enfants ; une invention de Galladei, mais également mentionnée dans un récit.\nCréon qui se tue.\nSeul le meurtre des enfants est hors scène chez Corneille.\nPar ailleurs, dans le dialogue, il est fait rappel des crimes antérieurs de Médée :\nAbsyrte coupé en morceaux.\nNB : dans certaines versions du mythe, Absyrte est tué et démembré par les Argonautes. Il est une victime de plus de Médée et le crime est d’autant plus horrible que cette victime est son propre frère.\nrécit par Jason de la mort de Pélias. \nLa Médée de Corneille propose des scènes inédites.\nLe rôle d’Égée y est développé par rapport à l’œuvre d’Euripide.\nChez Euripide : « Il n’est qu’un passant à qui Médée fait ses plaintes ».\nChez Corneille, la délivrance est l’œuvre de Médée : les chaînes qui tombent, l’ invisibilité.\nTheudas est paralysé, obligé à raconter le sort de Créon et de Créüse. Le récit est dans les faits inutile pour l’information du public, qui assistera à la mort des victimes lors de la scène suivante. Mais il a pour utilité de montrer le pouvoir de Médée.\nScène de la préparation du poison\nElle a déjà été montrée au public par Sénèque et La Péruse. Chez Euripide, la préparation du poison se fait hors scène.\nCorneille, quant à lui, modifie l’agencement des événements et les rend plus spectaculaires encore.\nChez Sénèque, la nourrice raconte dans un monologue la fabrication du poison proprement dite (v.670-739) ; puis Médée prononce une incantation qui lui donnera son pouvoir (v.750-843) .\nCorneille fusionne les deux scènes et donne à voir Médée en action, Acte IV, sc. 1.\nMoyens de mise en scène disponibles en 1634-1635 pour réaliser ces scènes.\nMédée est créée au théâtre du Marais. Nous n’avons pas de documents sur les scénographies du Marais dans les années 1630.\nMais Médée est au répertoire de l’Hôtel de Bourgogne en 1646-47.\nLe Mémoire de Mahelot  fait mention des dispositifs scénographiques et accessoires que Corneille avait à disposition à l’Hôtel de Bourgogne.\nIl y dispose de la scène tragique utilisée pour la tragi-comédie : elle offre des décors multiples, propose des compartiments laissant voir simultanément les divers lieux de l’action : au centre, un espace vide « place publique », où a lieu par exemple la rencontre de Jason et Pollux .\nLes différents lieux de la Médée de Corneille correspondent aux lieux-types les plus fréquents dans le Mémoire de Mahelot : la place publique, la maison de Médée, le palais, la prison où Égée est enfermé ; le temple d’où Créüse sort pour retrouver Jason  ; la « grotte magique ».\nLa scène finale a lieu sur le balcon de Médée, soit sur le « petit théâtre » ou « ciel » qui correspond à une seconde scène, située au-dessus du plateau.\nLe « vol » du char est rendu possible à une « machine », suspendue à des câbles.\nCorneille avait ainsi à sa disposition tous les moyens nécessaires pour que la réalisation du spectacle soit à la hauteur des scènes impressionnantes qu’il avait conçues .\nMontrer les morts sur scène et les événements surnaturels, c’est déroger aux préceptes d’Horace et d’Aristote.\n« Il est bien des choses qu’on écartera des yeux pour en confier ensuite le récit à l’éloquence d’un témoin. Que Médée n’égorge pas ses enfants devant le public, que l’abominable Atrée ne fasse pas cuire devant tous des chairs humaines, qu’on ne voie point Procné se changeant en oiseau ou Cadmus en serpent. Tout ce que vous me montrez de cette sorte ne m’inspire qu’incrédulité et révolte « incredulus odi » \nLes actes horribles, tels les meurtres d’enfants ou la cuisson cannibale, n’excluent pas forcément les meurtres et suicides plus « ordinaires » tel le suicide de Jason dans la pièce de Corneille. Placer tous les meurtres en coulisses, ce serait outrepasser l’interdiction d’Horace.\nHorace invoque deux raisons pour ne pas montrer ces actions :\nelles sont révoltantes : elles choquent la morale et la sensibilité « odi » ;\nle public n’y croit pas « incredulus ».\nLe sens de incredulus odi s’explique mieux par celui de nefarius Atreus - nefarius traduit par « abominable ».\nLe sens exact de nefarius « qui a commis un acte nefas », soit un acte contraire à la volonté divine, aux lois religieuses, aux lois de la nature. Ainsi, les crimes d’Atrée et de Médée sont monstrueux, aux deux sens du terme : ils sortent de l’ordre naturel, au sens physique du terme (ex. : monstres mythologiques, dragons) ; et, par extension, ils sont d’une laideur morale extrême.\nHorace n’interdit pas de faire de ces crimes un sujet de tragédie. Il interdit seulement qu’ils soient montrés sur la scène, sous les yeux du public.\nAristote Poétique, 14\n« Produire cet effet [i.e. la pitié] par les moyens du spectacle ne relève guère de l’art : c’est affaire de mise en scène. Ceux qui, par les moyens du spectacle, produisent non l’effrayant, mais seulement le monstrueux, n’ont rien à voir avec la tragédie ; car c’est non pas n’importe quel plaisir qu’il faut demander à la tragédie, mais le plaisir qui lui est propre », soit le plaisir produit par l’art du poète.\nLe spectacle produit par la mise en scène n’est pas de l’art, car celui-ci consiste à représenter un « système de faits » et participe de la construction de l’action.\nLa mise en scène d’un meurtre, par exemple, produit le « monstrueux », et non la pitié ; la distinction entre crainte et pitié se fait dans la réaction face au « monstrueux ».\nLa crainte et la pitié, produites par l’agencement harmonieux des faits dans le travail de l’artiste, donnent du plaisir car la perception du travail de l’artiste permet une épuration  de l’émotion. Pensons par exemple aux peintures représentant des animaux ignobles ou des cadavres, à un beau portait d’une femme laide.\nAu contraire, le « monstrueux » induit une réaction violente, de « la frayeur à l’état brut, la frayeur immédiate, trouble physique qui ne laisse place à aucune réflexion » (R. Dupont-Roc/J. Lallot ). Ainsi, la mort de Créüse n’est pas répulsive en soi pour Aristote, elle est acceptable dans un récit, même terrible, comme chez Euripide :\n« on ne distinguait plus ses yeux, la forme de son front ni de son beau visage. Du sommet de sa tête tombaient les gouttes de sang mêlé de feu. Les chairs coulaient des os comme de la résine sous les dents invisibles du poison… »\nLe travail du style - les métaphores de la résine, des dents… - rend émotionnellement acceptable l’horreur de cette mort.\nL’effet est différent si on voit Créüse se débattre sur la scène, même si le feu est « invisible ».\nCorneille veut provoquer un choc, empêcher le public de mettre à distance les faits.\nIl emprunte par exemple à Euripide l’agonie de Créon :\n« Loin de me secourir vous croissez mes tourments,\nEt ma peau qu’avec eux votre pitié m’arrache\nPour suivre votre main de mes os se détache. […]\nNe me déchirez plus, bourreaux officieux,\nFuyez… » (v.1379-85)\nCréon s’adresse à ses serviteurs, qui essaient de lui ôter ses vêtements enflammés.\nChez Euripide, c’est parce qu’il s’est pris dans la tunique de Créüse, qu’en voulant se dégager sa chair se détache des os.\nLa présence des serviteurs donne lieu à un jeu de scène :\n« Quoi, vous continuez, canailles infidèles ? […]\nMa rage pour le moins me fera faire place… » (v.1389, v.1394-95)\nEt il « les chasse à coups d’épée » (didascalie).\nChez Sénèque, dans Hercule sur l’Oeta, Hercule placé dans la même situation est aussi plein de « rage ». C’est cette fureur qui l’amène à tuer son ami Lichas, mais hors scène.\nMétamorphoses et autres éléments surnaturels sont « monstrueux » car ils provoquent une réaction non distanciée. Et aussi, parce qu’il serait impossible de croire à un fait « irrationnel ».\nPar exemple, le char magique de Médée est objet de critique à la fois chez Horace et Aristote.\nHorace : « Qu’un Dieu n’intervienne pas, à moins qu’il ne se présente un nœud digne d’un pareil libérateur » \nAristote : « le dénouement de l’histoire doit (…) résulter de l’histoire elle-même, et non d’un recours à la machine  comme dans Médée » \nDans ce cas, Horace et Aristote invoquent des raisons dramaturgiques ; le dénouement artificiel permet de dénouer l’action, mais ne procède pas de l’enchaînement des faits. L’expression et processus du deus ex machina doit être pris au seul sens figuré.\nMais plus généralement : « il ne doit y avoir rien d’irrationnel dans les faits » ; les événements irrationnels doivent être situés en dehors du drame et faire donc l’objet de récits. Exemple : la narration par Jason de la mort de Pélias, antérieure à l’action .\nIl y a là chez Aristote et Horace, une forme de radicalité ; mais ils sont théoriciens, pas dramaturges.\nQuelle est la pratique des dramaturges quant aux événements surnaturels ?\nIl n’y a pas de métamorphose dans Médée, mais d’autres sortilèges :\nle char tiré par des dragons.\nC’est déjà le cas chez Euripide, visé par Aristote, puis chez Sénèque, chez La Péruse.\nMais pour Corneille , Aristote est trop rigoureux, car Médée est une magicienne, qui a donné la preuve de ses pouvoirs ; donc « ce char volant n’est point hors de la vraisemblance ». De plus, l’apparition du char a été également préparée aussi par une réplique de Médée, chez Sénèque et dans sa propre pièce :\n« Je vous suivrai demain par un chemin nouveau » (v.1291)\nles effets de la baguette magique (Egée, Theudas) et de la robe empoisonnée. Ils ne sont pas surprenants, puisque les pouvoirs de Médée ont été déjà décrits en exposition par Jason dans le récit de la mort de Pélias]. Ils s’intègrent donc à l’action.\nLes adieux du père et de la fille, que Corneille qualifiera plus tard péjorativement de « spectacle de mourants » dans l’Examen de Médée, n’ont « pas l’effet que demande la tragédie », selon Aristote, c’est-à-dire l’émotion inspirée par « l’homme qui n’a pas mérité son malheur » – ce qui est loin d’être le cas pour Créon et Créüse. Le jugement a posteriori de Corneille sur cette scène, où les victimes « importunent plus par leurs cris et par leurs gémissements qu’ils ne font pitié par leur malheur », en dit long sur le type d’émotions qu’il voulait susciter à l’époque des premières représentations de Médée : le sursaut devant l’horrible, le « monstrueux » produit par le spectacle.\nEt pour réduire encore la distance entre le spectacle du « monstrueux » et le public, il l’invite ouvertement à la compassion, par l’intermédiaire de la suivante Cléone. Spectateur interne de la scène, elle commente les adieux du père et de la fille :\n« A ces embrassements\nQui retiendrait ses pleurs, et ses gémissements ? » (v.1439-40)\nLa réplique s’adresse au public, spectateur externe qui doit s’associer à la douleur des personnages.\nPourtant l’exhibition du « monstrueux » n’est pas gratuite : elle participe au « système des faits » puisqu’elle rend visible, dans toute son horreur, la vengeance de Médée, et son triomphe absolu sur ses persécuteurs.\nAutre scène violente : l’infanticide\nSénèque fait tuer les enfants coram populo - « en secret », « loin des regards » -, La Péruse et autres auteurs de tragédies de Médée aussi.\nDeux exceptions : Euripide, mais on entend crier les enfants en coulisses, et Corneille.\nChez Corneille, les cadavres sont visibles : v.1539, Jason : « enlevez ces deux corps » ; mais le meurtre lui-même est situé hors scène. Corneille lui substitue poignard brandi par Médée (v.1569). Le spectacle y est moins « monstrueux » que celui de Médée jetant les corps des enfants aux pieds de Jason dans la pièce de La Péruse :\n« Tiens, voilà un des fils […] Tiens, voilà l’autre fils » (Acte V, v.1190, 1197)\nLe poignard sanglant produit pourtant un effet de choc, parce qu’il fournit un support visuel pour imaginer la scène.\nUn spectacle moins cruel pour autant ?\nCorneille reproduit le même dispositif que dans l’intervention de Cléone ; cette fois le spectateur interne est Jason.\nLe dispositif emprunté à la pièce de Sénèque où Jason est le témoin impuissant du second meurtre ; lors du premier, Jason n’est pas encore entré en scène. Pour le second enfant, Jason est cette fois présent sur la scène. Médée souligne qu’il va être témoin du meurtre :\nderat hoc unum mihi/spectator iste - « il ne me manquait plus que ta présence comme spectateur » (v.992-93)\nAinsi la souffrance de Jason sera poussée à son paroxysme par le spectacle du meurtre.\nChez Corneille, l’effet est moins violent puisque ni Jason ni le public ne sont témoins du meurtre proprement dit. Mais Médée, en montrant le poignard sanglant qui représente indirectement la mort des enfants, capte le regard de Jason – et en même temps celui du public :\n« Lève les yeux, perfide, et reconnais ce bras\nEt noyer dans le sang le reste de nos flammes ». (v.1570-74)\nL’horreur est provoquée par la jouissance dans le crime.\nFrançois Lecercle  met en évidence le caractère particulièrement « monstrueux » de la mise à mort des enfants dans la pièce de Sénèque. Cette monstruosité tient à la jouissance qui envahit Médée en perpétrant le meurtre lui-même, indépendamment de celle causée par la torture morale de Jason.\n1er enfant : « Une intense volupté - voluptas magna - me pénètre malgré moi, et voici qu’elle s’accroît » (v. 991-92).\nMédée découvre en elle des instincts sadiques qu’elle ignorait jusque-là.\n2nd enfant : « Jouis avec lenteur de ton crime - lento scelere (= mot à mot « de ton crime lent »), ne te hâte pas, ô mon ressentiment - dolor » (v. 1016)\nCette fois elle prend son temps, pour profiter pleinement du supplice de Jason, et aussi pour le seul plaisir du meurtre. Plaisir contre nature, donc proprement « monstrueux », et destiné à produire dans le public une réaction d’horreur, causée par ses paroles, mais aussi par le spectacle du « crime lent » ; entre sa première réplique à Jason et le moment où elle poignarde l’enfant , 24 vers sont prononcés par les deux personnages.\nCorneille évite au spectateur la vision du « crime lent », mais sa Médée proclame à plusieurs reprises la jouissance qu’elle éprouve à faire le mal.\nElle se félicite que l’enlèvement de Créüse par Égée ait échoué : il n’aurait pas rendu sa rivale assez malheureuse pour satisfaire sa vengeance. En revanche les « invisibles feux » qu’elle destine à Créüse\n« Produiront des effets bien plus doux à [sa] haine » (v. 1045)\nQuand Égée, qu’elle vient de délivrer, lui conseille de s’enfuir avec lui, elle refuse :\n« Ma vengeance n’aurait qu’un succès imparfait,\nJe dois à mon courroux l’heur d’un si doux spectacle » (v.1283-85)\nAprès avoir appris que sa robe empoisonnée a fait son effet, elle se prépare à immoler « avec joie » ses fils (v.1349).\nOn a déjà vu que l’horreur visuelle est souvent renforcée par le dialogue.\nC’est en particulier le cas de l’ironie de Médée à l’égard de Jason au dénouement – ironie presque aussi sadique que le spectacle qui lui est infligé dans la pièce de Sénèque : ayant entendu Jason traiter ses fils de « petits ingrats » (v.1568), elle lui retourne l’expression :\n« reconnais ce bras / Qui t’a déjà vengé de ces petits ingrats. » (v.1567-68)\n« Heureux père et mari, ma fuite et leur tombeau\nLaisse la place vide à ton hymen nouveau.\nRéjouis-t-en, Jason, va posséder Créuse… » (v.1571-73)\n« Va, bienheureux amant, cajoler ta maîtresse,\nA cet objet si cher tu dois tous tes discours […]\nVa lui, va lui conter tes rares aventures… » (v.1578-82)\nD’autres répliques soulignent l’ironie tragique de certaines situations :\nHumour noir involontaire de Cléone quand elle dit que Créüse « brûle d’envie » d’essayer la robe (v. 1154) : Créuse a exigé qu’on lui remette l’instrument de sa mort.\nC’est Créon qui donne à Médée le temps de préparer sa vengeance : Corneille lui fait prendre l’initiative de lui donner un jour de délai ; chez Euripide, Sénèque et La Péruse, c’est sur la demande de Médée qu’il le lui accorde. La Médée de Corneille insiste sur cette imprudence fatale :\n« Enfin je n’ai pas mal employé la journée\nQue la bonté du Roi de grâce m’a donnée ». (v.1601-1602)\nCréon supplicié par ses serviteurs, « bourreaux officieux » qui le torturent en voulant le secourir.\nSi Corneille cherche tous les moyens de susciter la crainte et de l’exacerber jusqu’à l’horreur, il veut aussi que l’on ait pitié de Médée : il crée un personnage beaucoup plus ambivalent et complexe que les héroïnes de ses prédécesseurs.\nDans les pièces antérieures, après le divorce, il ne reste plus rien de la passion qui avait poussé Médée à quitter son royaume et à perpétrer ses crimes.\nChez Corneille, au début de l’acte II, elle croit que Jason l’aime encore et peut lui revenir, et elle lui « conserve » un « immuable amour » (v. 352-367). Elle le lui avoue même à l’acte III (v. 919-930) :\n« Je t’aime encor, Jason, malgré ta lâcheté,\nJe ne m’offense plus de ta légèreté,\nJe sens à tes regards décroître ma colère… »\nC’est seulement quand elle a perdu toute illusion qu’elle décide de punir Jason dans son amour paternel.\nElle aussi aime ses fils, comme l’héroïne d’Euripide et, à un moindre degré, celle de Sénèque, même si cet amour n’est peut-être que l’avatar de sa passion pour Jason, dont ils sont les « petits portraits » (v. 928).\nCelle de La Péruse, au contraire, ne manifeste aucune tendresse pour eux. C’est pourquoi Corneille imite Sénèque dans le monologue délibératif desvers 1342-1376, où juste avant le meurtre des enfants, les « cruels élans de l’épouse abandonnée » se trouvent « balancés par l’amour maternel » :\n« Mais quoi ! j’ai beau contre eux [les enfants] animer mon audace,\nJ’adore les projets qui me faisaient horreur,\nDes sentiments de femme aux tendresses de mère. » (v.1357-62).\nCorneille veut aussi que le public « excuse [la] vengeance [de Médée], après l’indigne traitement qu’elle a reçu de Créon et de son mari, afin qu’elle inspire « plus de compassion du désespoir où ils l’ont réduite, que de tout ce qu’elle leur fait souffrir » .\nPour la faire plaindre, il noircit systématiquement tous ses adversaires.\nQuand il s’adresse à elle, Créon se montre aussi ironique et insultant que le personnage de Sénèque.\nA partir de quelques vers de Sénèque (v.255-257) faisant allusion aux représailles dont Acaste menace Jason, Corneille construit une intrigue politique dans laquelle Créon négocie avec Acaste une paix déshonorante en échange du bannissement de Médée.\nOn pourrait donc croire qu’il agit en souverain machiavélique - il sacrifie l’intérêt de l’individu à celui de l’Etat - mais avisé. Imprudent cependant quand il sous-estime les pouvoirs de Médée malgré les avertissements de Pollux , il l’est tout autant en politique : en annulant le mariage diplomatique entre sa fille et Égée, il se prive d’un allié puissant qui, une fois délivré par Médée, envisage d’assiéger Corinthe.\nL’infidélité de Jason, son ingratitude, s’expliquent dans la tradition par sa situation de paria ; il veut y échapper par un mariage princier qui lui garantira la protection de Créon.\nCorneille aggrave son cas : il fait de lui un aventurier cynique, un séducteur volage. Il emprunte par exemple à Ovide et à Apollonios de Rhodes l’allusion à Hypsipile séduite et abandonnée . On doute de la sincérité de ses sentiments pour Créüse. Pour la venger, il va même jusqu’à envisager lui aussi de tuer ses fils, tentation qu’aucun dramaturge n’avait encore osé lui attribuer :\n« Indignes rejetons de mes amours passées,\n[…] C’est vous petits ingrats, que malgré la nature,\nIl me faut immoler dessus leur sépulture… » (v.1558, v.1561-62)\nEt non seulement il se lance à la poursuite de Médée, comme dans la pièce de Sénèque, il veut également la faire torturer :\n« Préparez seulement des gênes, des bourreaux,\nDevenez inventifs en supplices nouveaux » (v.1543-44)\nCréüse n’apparaît pas sur la scène dans les autres tragédies. Corneille fait d’elle un personnage à part entière, qui est loin d’être une innocente victime : elle est dure et manipulatrice. Elle éconduit Égée, qui l’aime, avec cruauté et désinvolture. Alors que, dans les autres pièces, c’est Médée qui prend l’initiative de lui offrir la robe empoisonnée, chez Corneille c’est Créüse qui la réclame : elle s’acharne sur l’épouse répudiée, en voulant la dépouiller du dernier vestige de sa grandeur passée, sa robe princière. Et pour l’obtenir, elle la négocie avec Jason contre la grâce de ses enfants. De plus, elle le manipule, en refusant d’abord de lui dire ce qu’elle veut obtenir : il conclut le marché sans se méfier  et elle ne lui en révèle la teneur exacte que quand il ne peut plus se dédire . Aime-t-elle vraiment Jason ? Elle lui avoue qu’elle a presque autant « envie » de la robe que de lui… (v. 584)\nPour présenter Médée comme une victime totalement isolée et sans appui, Corneille va jusqu’à transformer le personnage stéréotypé de la confidente, traditionnellement dévouée à l’héroïne et qui lui porte souvent une affection sincère. Nérine, elle, craint Médée : sa solidarité avec elle n’est qu’une façade. Elle « lui prête à regret un silence complice » (v. 718), et va même jusqu’à servir d’intermédiaire à Jason qui n’ose réclamer lui-même la robe. Sa duplicité contribue à faire plaindre Médée : celle à qui elle devrait pouvoir se fier la trahit.\nBref, Médée est entourée de personnages « dont les mœurs [sont] plus mauvaises que bonnes » . Faire de tous ces personnages des médiocres, uniquement motivés par des sentiments bas, fait ressortir par contraste la grandeur de Médée.\nDescendante du Soleil, elle évoque avec fierté sa grandeur passée. Dépouillée de tout, elle veut redevenir l’ancienne Médée. Elle s’oppose au destin, dans un effort de volonté qu’elle doit beaucoup au stoïcisme de l’héroïne sénéquienne. Corneille reprend toutes les répliques de la pièce latine où cette volonté s’exprime, par exemple quand Nérine lui demande :\n« Dans un si grand revers que vous reste-t-il ? »\nMédée répond :\nMoi dis-je, et c’est assez » (v.316-17)\nElle se coupe volontairement du monde médiocre qui la rejette, pour retrouver sa grandeur et même la surpasser en réalisant un « chef d’œuvre » (v.249) qui outrepassera tous ses exploits criminels antérieurs, un forfait inouï qui va l’exclure de l’humanité, mais par lequel elle s’accomplira totalement.\nDans le premier discours, Corneille cite Médée parmi les personnages qui intéressent par « le caractère brillant et élevé » de leurs mœurs, qu’elles soient vertueuses ou criminelles. C’est le cas de Cléopâtre dans Rodogune, autre héroïne « fière et indomptable » qui ne recule pas devant l’infanticide ; « mais tous ses crimes sont accompagnés d’une grandeur d’âme qui a quelque chose de si haut, qu’en même temps qu’on déteste ses actions, on admire la source dont elles partent ». Autrement dit, les actions de Médée sont inhumaines, mais aussi surhumaines, parce qu’elles révèlent une énergie, une volonté de se dépasser qui est le propre de l’héroïsme, même s’il s’agit d’un héroïsme du mal.\nEn 1639, Corneille affirme que le spectacle du crime triomphant est censé plaire au public. Plus tard, il qualifie sa Médée de « vieille et nouvelle tout à la fois » , c’est-à-dire différente de celles d’Euripide et de Sénèque, car « offerte aux Français », donc adaptée à leurs goûts. Or le public de cette époque est habitué aux spectacles sanglants de la tragédie irrégulière, notamment les pièces de Hardy.\nMédée est décrite, puis montrée, sous l’aspect d’une sorcière penchée sur son chaudron. « Sorcière » est d’ailleurs le terme employé par Jason à la fin de la pièce (v.1563). Ces représentations de magie noire font appel à la crainte de la sorcellerie, alors que l’affaire des possédées de Loudun , qui a fasciné l’opinion, vient juste de se terminer (v.1632-34).\nMédée comporte donc tous les ingrédients pour avoir du succès en 1634.\nSi l’on en croit Corneille, elle a été bien reçue du public à sa création : au dédicataire anonyme de l’édition de 1639, sans doute fictif et représentant le public de 1635, les actions de la tragédie lui « ont agréé autrefois sur le théâtre ». En 1648, il affirme qu’ « une nombreuse assemblée l’a reçue avec un murmure favorable » (vers à M de Zuylichem).\nLa pièce aurait donc eu du succès en 1635, mais après ?\nCe doute semble confirmé par le jugement de Voltaire  évoque un « succès médiocre ».\nEn tout cas, le succès critique est beaucoup plus mitigé. Si pour Racan , Médée est l’une des quatre tragédies qu’il juge « les plus belles qui soient venues à [sa] connaissance, du temps passé et du présent », la prétendue immoralité de la pièce choque Georges de Scudéry et les autres doctes . Par exemple, dès 1640, La Mesnardière écrit que si le principal personnage est « absolument vicieux », il doit « recevoir un châtiment qui lui donne beaucoup de terreur ». Il donne pour exemple Médée, « où le héros est perfide et l’héroïne meurtrière, non seulement du sang royal, mais de ses propres enfants », sans qu’elle « soit punie d’une cruauté si horrible » .\nLe goût a évolué : les émotions violentes passent de mode. Le spectacle de l’horreur ne plaît plus.\nCorneille en est conscient, ce que prouvent les coupures effectuées dans les éditions postérieures de la pièce. Il abrège le « spectacle de mourants » : les adieux de Créon et Créüse sont raccourcis, ainsi que les lamentations de Jason sur le cadavre de la jeune fille ; la réplique de Cléone apostrophant le public pour l’associer davantage au drame est supprimée.\nCes concessions ne semblent pas suffire à assurer à Médée un franc succès, et surtout un succès durable.\nCertes, la pièce est reprise par l’Hôtel de Bourgogne en 1646-47, puis par la Comédie Française en 1677. Mais elle sort du répertoire après la mort de Corneille (1684).\nAprès 1713 jusqu’à Révolution, une seule tragédie de Médée est répertoriée : celle de Jean-Bernard Clément (1779).\nAu XIXe siècle et début du XXe, on citera les pièces d’Ernest Legouvé (1854), Hippolyte Lucas (1885), Catulle Mendès (1903), tragédie en 3 actes jouée en 1898 par S. Bernhardt (Affiche de Mucha).\nLa préface de Voltaire renseigne sur les raisons pour lesquelles la pièce de Corneille « n’a pu rester au théâtre », au XVIIe siècle et au-delà. Plus généralement, elle explique pourquoi l’intérêt pour le personnage de cette mère infanticide fléchit au XVIIIe siècle.\nVoltaire admire Corneille, mais avec des réserves, notamment sur Médée. Il lui reproche entre autres, et surtout, qu’« on ne s’intéresse à aucun personnage. Médée est une méchante femme qui se venge d’un malhonnête homme. La manière dont Corneille a traité ce sujet nous révolte aujourd’hui ».\nCette méchanceté de l’héroïne, qui du point de vue de Corneille était censée plaire en 1639, est précisément ce qui « révolte » en 1764.\n« Le parricide qu’elle commet presque de sang-froid sur ses deux enfants […] et l’envie que Jason a de son côté de tuer ces mêmes enfants pour se venger de sa femme, forme un amas de monstres dégoûtants. »\nPourtant en 1694, Médée inspire Longepierre (un émule de Racine), mais au prix d’aménagements qui tendent à atténuer l’horreur de ses crimes : la mort des enfants n’est pas visible. L’accent est porté sur l’amour maternel de Médée - elle sacrifie ses fils surtout pour les soustraire au mauvais sort qui les attend -, qui exprime longuement son déchirement et ses remords. Ce rôle est très valorisant pour les tragédiennes. Tout cela explique que, d’abord accueillie froidement, après sa reprise en 1728, la pièce reste très longtemps au répertoire.\nVoltaire ne tolère pas non plus le spectacle de la magie, car il est invraisemblable.\nComme Horace, il n’y croit pas :\n« Un homme sensé […] a bien de la peine à supporter Médée traversant les airs dans un char traîné par des dragons ».\n« une magicienne ne nous paraît pas un sujet propre à la tragédie régulière, ni convenable à un peuple dont le goût s’est perfectionné ».\nLe contexte historique a changé : les Français ne sont plus fascinés par la sorcellerie ; la magie n’est plus acceptée dans la tragédie.\nAu XVIIe siècle, elle l’était toujours dans les pièces à machines (ex : La Toison d’Or P. Corneille, 1660), et aussi dans l’opéra. La persistance du personnage de Médée sur la scène lyrique s’explique par les mêmes raisons qui l’excluent de la scène tragique : les sortilèges spectaculaires conviennent à l’opéra qui est « le symétrique inversé de la tragédie parlée ».\nCinq opéras de 1675 à 1713, dont :\n1693 : « tragédie en musique » de M.-A. Charpentier, livret de Thomas Corneille :\nScène de la grotte magique : Médée est aidée dans ses sortilèges par une « troupe de démons », puis elle fait apparaître des « monstres » sur lesquels elle essaie le poison.\nAvec cette foule d’êtres surnaturels qui envahit le plateau, on cherche moins à susciter l’horreur que le plaisir de l’œil.\nAbbé Simon-Joseph Pellegrin (livret) /Joseph-François Salomon (musique).\nLa reprise de cet opéra, en 1727, est un indice de son succès.\nCherubini, livret de François-Benoît Hoffmann.\n1e version en 1797 en France, 2e en 1802, à Vienne. Pas de char volant dans la scène finale ; à la place, Médée se rend aux enfers où elle est entraînée par les Euménides : elle disparaît dans une trappe qui s’ouvre sous le plateau ; des flammes en sortent et se communiquent au palais et au temple, qui s’écroulent : « tout le théâtre est en feu ». Cette vision de destruction totale consacre le triomphe de Médée, mais sa descente aux enfers signe la condamnation de ses crimes.\nAprès cette longue éclipse dans le théâtre parlé, aux XXe/XXIe siècles, Médée ressurgit, sur la scène et aussi à l’écran, parfois dans d’autres genres.\nLes représentations de la Médée d’Euripide sont les plus fréquentes ; c’est peut-être la pièce de cet auteur la plus jouée et adaptée aujourd’hui.\nOn s’intéresse essentiellement à Médée en tant que femme persécutée et malheureuse.\nI Huppert, dans une mise en scène de J. Lassalleau Festival Avignon, en 2000 ; puis au Théâtre de l’Odéon, en 2001 \nThéâtre du Nord-Ouest, mise en scène de Nathalie Hamel (2017) [ [Exploitation possible de l’affiche du spectacle ]]\nMax Rouquette traduit et adapte Médée en occitan puis en français (1992). Médée y apparaît comme l’archétype de l’étrangère, dans un campement de bohémiens .\nDans la production du Théâtre des Amandiers de Nanterre (en 2003, puis en 2009), J.-L. Martinelli situe l’action en Afrique .\nOn a affaire à une réécriture, qui transpose le drame dans le monde contemporain, en même temps qu’elle le délocalise. C’est le cas d’autres réécritures.\nMédée d’Anouilh, pièce publiée avec les Nouvelles pièces noires en 1946, créée en 1948 à Hambourg, puis à Paris en 1953 au Théâtre de l’Atelier. Médée est déjà présentée dans une roulotte. L’action est concentrée sur la désagrégation du couple. Anouilh donne une importance particulière au personnage de la nourrice qui ancre l’action dans le quotidien .\nDario Fo, 2006 : Ariane Ascaride en Médée ménagère, dans sa cuisine .\nModerniser le mythe permet de lui attribuer une dimension politique contemporaine.\nMédée Matériau, texte de Heiner Müller publié en 1982 : dans ce quasi monologue de Médée, la Grèce est présentée comme une puissance colonisatrice des « barbares » de Colchide. \nChrista Wolf, dans le roman Voix (1996). Des personnages racontent les événements dont ils ont été témoins, dans une série de longs monologues. Il s’agit encore de confronter deux mondes ; mais derrière la Colchide, société matriarcale, égalitaire, et Corinthe, société patriarcale vivant dans l’abondance, transparaît l’image de l’Allemagne des années 1945-1989, déchirée entre l’est et l’ouest. \nDes réécritures où l’action ne se réduit pas à l’épisode de Corinthe.\nDans le film de Pasolini Médée (1969), avec Maria Callas dans le rôle-titre , décors et costumes ne sont pas modernisés. L’épisode de Corinthe est moins exploité que les aventures en Colchide, présentée encore comme un pays barbare, opposé à la civilisation grecque. En allant parfois jusqu’à l’horreur, Pasolini met l’accent sur la cruauté du mythe, et sur les pouvoirs surnaturels de Médée .\nMamma Medea, du belge Tom Lanoye, est écrite d’abord en flamand ; sa version française est mise en scène par Christophe Sermet en 2011  .\nDans Médée Kali, pièce de Laurent Gaudé (2008), l’action se situe longtemps après l’infanticide. Médée est revenue dans les ruines de Corinthe ; elle va exhumer ses enfants pour les ensevelir en Inde. Trois figures féminines sont fusionnées dans le personnage principal : Médée, Méduse, et Kali (déesse du temps, de la mort, de la renaissance et de la délivrance). Médée, seule actrice visible, monologue pendant toute la pièce, avec le chœur des enfants morts en voix off [ [Laurent Gaudé parle de Médée Kali sur le site Classiques & Contemporains ; sur le site de Laurent Gaudé : http://www.laurent-gaude.com/laurent-gaude-3/theatre/medee-kali/] ]\nAutres transpositions génériques\nBande dessinée : 3 albums de Blandine Le Callet (texte) et Nancy Peña (dessins) racontent toute la vie de Médée  .\nBallet d’A. Prejolcaj, Le songe de Médée, à l’opéra de Paris en 2007 .\nRetour récent, à la scène ou à l’écran, de la Médée de Corneille.\nMise en scène et lectures de Brigitte Jaques-Wajemann, 2006. \nDes yeux à lire dans mon âme, film de Cornélia Geiser et Bertrand Brouder (2014) : sélection des seules scènes où apparaît Médée, l’unique comédienne y interprétant tous les rôles. Le film a été tourné dans le Paris moderne du quartier de Beaugrenelle, en costumes contemporains.\n2013 : Théâtre de la Tempête, Cartoucherie de Vincennes, mise en scène de Paulo Correia et Gaëlle Boghossian. Inspirée de l’« heroic fantasy », la mise en scène recourt à de nombreux effets numériques, ce qui lui a valu d’être qualifiée de « Médée au multiplex » par un critique .\nCorneille a conçu sa Médée pour satisfaire les attentes d’un public friand de drames horrifiques et d’actions spectaculaires, et obsédé par la sorcellerie. La pièce combine ces trois éléments : Médée est l’archétype de la sorcière ; les effets de sa magie, et en particulier le double meurtre de Créon et de Créüse, sont montrés sur la scène.\nMême s’il est censé se produire en coulisses, l’infanticide reste impressionnant, grâce au couteau symbolique qui focalise les regards de Jason comme du public. Et quand le dialogue seul fait référence aux crimes de Médée, c’est en termes assez évocateurs pour mettre en branle l’imagination de l’auditeur.\nMais paradoxalement, Médée reste un personnage que l’on peut plaindre et même admirer, en raison même de la grandeur de ses crimes.\nAvec l’émergence du goût classique, l’horreur n’est plus acceptée dans la tragédie, les sortilèges non plus, et la pièce de Corneille connaît une désaffection de trois siècles.\nLa vogue persistante de la figure mythique de Médée, sous divers avatars, s’explique par la plasticité de ce personnage, qui peut s’adapter à la sensibilité de chaque époque. L’attirance de la nôtre pour le fantastique et les spectacles gore, pour la figure du serial killer qui n’est pas sans rappeler les crimes multiples de Médée, montre qu’à nouveau l’horreur fascine.\n Vous pouvez consulter le programme de la journée placé en annexe.\n Sources principales : Apollonios de Rhodes Argonautiques ; Ovide, Métamorphoses, VII\n Aristote Poétique, 14 ; l’infanticide mais aussi le meurtre d’Absyrte\n Aristote, Poétique, 14\n Aristote Poétique, 4\n Note de l’éditeur en ligne : nous renvoyons à l’article de Barthes « L’Ancienne rhétorique - Aide mémoire », Communications, 1970, 16, p.17-223\n Texte publié par Jean de la Taille en dédicace à la Princesse de Clèves en avant-propos à la tragédie Saül le Furieux - document publié en ligne sur Gallica-BnF - https://gallica.bnf.fr/ark :/12148/bpt6k71364q\n Edition en ligne sur Théâtre Classique, document pdf p.4 - http://www.theatre-classique.fr/pages/pdf/CORNEILLEP_MEDEE39.pdf\n Guillot Catherine, « Richelieu et le théâtre », Transversalités, 2011/1 (N° 117), p. 85-102. DOI : 10.3917/trans.117.0085. URL : https://www.cairn.info/revue-transversalites-2011-1-page-85.htm\n Note de l’éditeur en ligne - Nous renvoyons à cet article de synthèse sur la question : Civardi Jean-Marc, « Quelques critiques adressées au Cid de Corneille en 1637-1638 et les réponses apportées », L’information littéraire, 2002/1 (Vol. 54), p. 12-26. URL : https://www.cairn.info/revue-l-information-litteraire-2002-1-page-12.htm\n Lire le théâtre de Sénèque : http://remacle.org/bloodwolf/philosophes/seneque/table.htm\n Jalousie de Déjanire\n Corneille Médée Acte I\n Le Mémoire de Mahelot constitue la principale source d’information sur la scénographie pratiquée sur la scène publique en France au XVIIe siècle. C’était un registre de travail à l’usage du décorateur et des comédiens de la Troupe Royale établie à l’Hôtel de Bourgogne depuis 1629, où se trouvait consignée la liste des pièces inscrites au répertoire de la troupe et les notices techniques (parfois accompagnées de croquis scénographiques) nécessaires à la représentation de ces œuvres. Vous pouvez en consulter un exemplaire sous forme de document microfilm sur le site Gallica-Bnf : https://gallica.bnf.fr/ark :/12148/btv1b90631697/f4.image.r=m%C3%A9moire%20de%20mahelot.\n acte I, sc.1\n Acte I, sc.1, v. 154\n Note de l’éditeur en ligne - Nous vous renvoyons à la communication de Pierre Pasquier « La scénographie baroque en France », Séance publique du 4 octobre 2010, Académie des Sciences et Lettres de Montpellier\n Horace Art poétique, 183-88\n « Épuration » est le sens donné à catharsis dans la traduction Dupont-Roc/Lallot)\n Art poétique, 191-92\n La « machine » est une grue servant aux apparitions de dieux\n Acte I, sc. 1, v. 55-88\n Troisième discours Discours des trois unités\n Corneille Examen de Médée 1660\n Acte IV, sc. 2\n Acte I, sc.1, v. 9-11\n CorneilleMédée dédicace 1639\n Lettre à M. de Zuylichem\n Cf. L’affaire des possédées de Loudun, émission France-Culture, les chemins de la philosophie 02-09-2016\n Préface à l’édition de Médée dans le Théâtre de Corneille, 1764\n Lettre à Ménage, 17 octobre 1654\n Civardi Jean-Marc, « Quelques critiques adressées au Cid de Corneille en 1637-1638 et les réponses apportées », L’information littéraire, 2002/1 (Vol. 54), p. 12-26. URL : https://www.cairn.info/revue-l-information-litteraire-2002-1-page-12.htm\n Sommaville Poétique, 1640, p. 21\n Notice du théâtre de l’Odéon - Article sur Isabelle Huppert dans ce rôle dans Le Parisien\n Présentation sur le site de Max Rouquette\n Consulter l’article sur théâtre on line\n Disponible dans les enregistrements BnF Collection sonore - Titre : Médée / Jean Anouilh, aut. ; Jean Anouilh, voix\n Consulter le dossier du Théâtre de la Commune\n Consulter la présentation sur le site du Théâtre Contemporain ; entretien avec Heine Müller ; dossier] ]\nLa pièce est mise en musique par Pascal Dusapin en 1992, puis chorégraphiée en 2007. [[Article à consulter : Florence Baillet, « La « survivance » du mythe de Médée dans Médée-matériau de Heiner Müller », Sken&agraphie [En ligne], 4 | Automne 2016, mis en ligne le 05 juillet 2017, consulté le 17 mai 2019. URL : http://journals.openedition.org/skenegraphie/1290 ; DOI : 10.4000/skenegraphie.1290\n Consulter le dossier sur le site de l’ens-lyon http://cle.ens-lyon.fr/allemand/litterature/rda-et-rfa/wendeliteratur/medea-stimmen-dossier\n Dossier France-Inter sur Maria Callas à l’occasion de la sortie de la version restaurée de Médée\n Un article pour compléter la réflexion : Luca Caproni, « Médée de Pier Paolo Pasolini : le sacré et le barbare », Cahiers d’études romanes [En ligne], 27 | 2013, mis en ligne le 25 juin 2014, consulté le 17 mai 2019. URL : http://journals.openedition.org/etudesromanes/4075 ; DOI : 10.4000/etudesromanes.4075\n Exploitation de l’affiche à partir du site Théâtre on line : https://www.theatreonline.com/Spectacle/Mamma-Medea/38760 ; lien donnant accès à quelques documents iconographiques : https://artsrtlettres.ning.com/profiles/blogs/mamma-medea-de-tom-lanoye-et-christophe-sermet-par-le-th-tre-du\n Découvrir les albums, avoir accès à la première de couverture, écouter une interview de Nancy Peña sur Planete BD\n Sur fresques-ina, en scène\n Consulter cet entretien de Brigitte Jacques-Wajemann sur Carres-classiques\n Dossier artistique sur le site du Théâtre de la Tempête\nFlyer-Journée « Actualités Corneille »Télécharger\n8 juin 2019 - PDF - 1.5 Mo


Les éditeurs de logiciels français sur la touche ? - EasyBourse\n8 Juin 2022 18:48:20\n(Easybourse.com) Entre incertitudes liées à la conjoncture économique mondiale et acquisitions de plus en plus nombreuses par des fonds américains, le secteur français des éditeurs de logiciels doit faire face à d'importantes évolutions. En a-t-il les moyens ?\nA en croire le dernier palmarès établi par le fonds d'investissement Truffle Capital, les 100 premiers éditeurs européens ont profité de l'année 2010 pour essuyer les pertes des débuts de la crise, et notamment le trou d'air de 2009. Reste qu'à ce jour, les nouveaux doutes sur l'évolution de la conjoncture économique mondiale et l'apparition de nouveaux business models jettent un voile opaque sur l'avenir d'un secteur en profonde mutation.\nSecteur trop "atomisé"\nL'étude menée par Truffle Capital démontre la bonne santé du secteur en France qui atteint la troisième place du podium derrière l'Allemagne et le Royaume-Uni. Mais comme le diable se dissimule toujours dans les détails, l'analyse des chiffres met également en lumière la fragilité intrinsèque du paysage français des éditeurs de logiciels.\nEn France, le secteur est très atomisé\nEn effet, les 18 éditeurs hexagonaux faisant parti du classement enregistrent 11,2% du CA total Truffle 100 Europe en 2010, contre 50,3% pour les sociétés allemandes. Dans le détail toujours, Dassault Systèmes représente 5% du chiffre d'affaires européen et près de la moitié du CA de la France (1,56 milliard sur 3,4 milliards pour tous les éditeurs hexagonaux). Quant à Axway Software (Sopra), second au classement, il enregistre 354,7 millions d'euros de revenus soit près de 1% du marché européen.\nOr comme le souligne Nicolas Royot, analyste de Portzamparc, "en France, le secteur est très atomisé", ce qui n'est bien évidemment pas sans conséquence sur le développement des entreprises françaises du secteur.\nAu-delà de l'attentisme des clients, consécutifs aux doutes sur l'évolution de l'économie mondiale comme le relève l'Association française des éditeurs de logiciels (AFDEL), le problème est en effet lié au fait qu'"en dehors de Dassault Systèmes, les éditeurs français de logiciels sont de faible taille" et pour ceux qui sont valorisés en bourse, "le niveau de capitalisation reste très faible ce qui a tendance à attirer les prédateurs" observe l'analyste.\nEn dehors de Dassault Systèmes, les éditeurs français de logiciels sont de faible taille\nPour mémoire, Dassault Systèmes dispose d'une capitalisation boursière de près de 6 milliards d'euros, quand Axway Software ne pèse que 293 millions d'euros environ. En-dessous, plus d'une trentaine de sociétés françaises se retrouvent cotées sur Eurolist et Alternext avec des capitalisations inférieures à 100 millions d'euros.\nConséquence, les éditeurs et fonds d'investissement américains qui disposent de beaucoup de cash n'hésitent pas à faire leur marché en France, à l'instar de Francisco Partners qui a racheté Emailvision et tente aujourd'hui de mettre la main sur Efront, ou de Carlyle qui a récupéré Metrologic Group.\nBusiness model en mutation\nCar les pépites hexagonales ne manquent pas, certains éditeurs français ayant même pris au bon moment le train de la mutation du business model du secteur. Effet ou mouvement accéléré par la crise, "ce qui ressort de la fin 2010 et du début 2011, c'est le fort développement du SaaS [Logiciel à la demande ou Software as a Service]" comme le souligne Nicolas Royot.\nDenis Bley, directeur administratif et financier de Linedata Services témoigne de même: "nos clients ont commencé à réduire leurs budgets, ce qui a poussé la demande vers un mode beaucoup plus locatif [licence "payer à tempérament" soit chaque mois, trimestre ou année ; soit de façon plus sophistiquée avec hébergement chez l'éditeur en mode ASP ou SaaS]. Cette transformation s'est donc mécaniquement traduite par un peu moins de chiffre d'affaires "Licences" mais davantage de récurrence dans le CA".\nCe qui ressort de la fin 2010 et du début 2011, c'est le fort développement du SaaS\nL'analyste le confirme, "l'avantage de ce modèle est qu'il autorise une plus grande flexibilité pour le client, et pour l'éditeur, cela améliore la récurrence de son chiffre d'affaires", ce qui reste très intéressant en période difficile.\nLe problème est que "certains acteurs du secteur ont entamé cette transformation il y a 3-4 ans, alors que d'autres le font seulement maintenant, ce qui créé déjà un écart". Un mouvement qui débute tout juste en Europe selon les experts, mais qui a déjà bien démarré aux Etats-Unis.\nLa plupart des éditeurs ont bien saisi l'importance de l'enjeu, et à en croire une étude menée par l'AFDEL, 50% des entrepreneurs interrogés considèrent même "ce modèle de distribution comme prioritaire ou très prioritaire". Avec une croissance du SaaS comprise entre 15 et 30% selon les segments étudiés, les chiffres leur donnent sans doute raison...\nSi comme le souligne le baromètre marché de l'édition de logiciels en France "Cockpit" réalisé par l'AFDEL avec Pierre Audoin Consultants et Le CXP sur le 1er semestre 2011, la sortie de crise pour l'industrie du logiciel est bel et bien là depuis le second semestre 2010, il semble que l'accentuation des incertitudes économiques va probablement peser sur le second semestre de l'exercice.\nD'abord estimé à 4%, la croissance du marché des logiciels en 2011 devrait finalement connaître une correction de 1 point pour tourner autour des 3%.\nParmi les convictions fortes de l'analyste de Portzamparc, on retiendra Esker et Acteos\nDans ces conditions, comment définir ses choix d'investissement ? Pour Nicolas Royot, il est important de choisir un acteur "capable de résister pendant la crise", donc qui a "une forte récurrence de son CA". C'est d'ailleurs ce qui explique que les éditeurs se dirigent de plus en plus vers des modèles de licences récurrentes et non plus vers des licences acheter en une fois.\nDès lors, juge-t-il, "il apparait de ce fait plus judicieux de se concentrer sur des acteurs qui sont déjà en avance sur cette évolution et qui ont donc déjà une rentabilité bien établie". Il serait également intéressant de se tourner vers des sociétés "qui sont exposées ailleurs que sur le marché européen, puisque l'on sent bien que les pays émergents vont davantage tirer la croissance mondiale qu'un pays comme l'Angleterre qui, malgré son importance, offre peu de visibilité" ajoute Nicolas Royot.\nParmi les convictions fortes de l'analyste de Portzamparc, on retiendra Esker (cliquer ici pour voir la note de l'analyste) et Acteos (cliquer ici pour voir la note de l'analyste), tout en gardant un œil appuyé sur Linedata Services.


décembre | 2018 | Ecole maternelle – Ernolsheim sur Bruche | Page 2\nJoana a 4 ans !\nPublié le 13 décembre 2018 par dir\nCe jeudi 13 décembre, Joana fête avec une journée de retard son anniversaire. Le gâteau au chocolat garni de chouquettes et de framboises a fait son effet ! Les gourmands ont apprécié ! Malheureusement, Joana n’est pas très en forme. Nous lui souhaitons un bon rétablissement pour fêter son anniversaire comme il se doit !\nNoël approche, activons-nous !\nPublié le 11 décembre 2018 par enseignant\nOn avance dans le calendrier de l’Avent: au revoir Saint Nicolas, bonjour Père Noël, le sapin, les lutins… A l’heure du goûter, on vide la pochette du calendrier et 2 ou 3 enfants « gagnent » la sucette. Dès l’accueil et pendant les ateliers, les enfants préparent un bel objet de décoration, apprennent à tracer des sapins, décorent un bonnet pour les grands « mannele », font des boules en pâte à modeler … Un festival de couleurs, de formes et de paillettes !\nLe « vrai » sapin, offert par la commune, est arrivé hier. Sitôt installé, le roi de la forêt a été décoré par les petites mains actives des volontaires. Et aujourd’hui, tous les enfants présents ont pris la pose devant lui. Voici les photos de la décoration du sapin et des élèves un peu déguisés…\nLéane a 4 ans !\nPublié le 11 décembre 2018 par dir\nGrand jour pour Léane: ce 11 décembre, c’est son anniversaire! Le magnifique gâteau au chocolat a été très apprécié par les enfants présents. Léane est parvenue à souffler toutes les bougies.\nBon anniversaire, Léane !\nMoment détente sportive!\nHier après-midi, les moyens et les grands ont fait une sortie sportive à l’Ileoloustiks à l’espace Atrium de Mutzig. Voici quelques photos complémentaires:\nphoto stagiaire et sortie jeux 053\nphoto stagiaire et sortie jeux 049\nphoto stagiaire et sortie jeux 047\nphoto stagiaire et sortie jeux 046\nphoto stagiaire et sortie jeux 045\nphoto stagiaire et sortie jeux 043\nphoto stagiaire et sortie jeux 042\nphoto stagiaire et sortie jeux 040\nphoto stagiaire et sortie jeux 039\nphoto stagiaire et sortie jeux 038\nphoto stagiaire et sortie jeux 037\nphoto stagiaire et sortie jeux 036\nphoto stagiaire et sortie jeux 031\nphoto stagiaire et sortie jeux 030\nphoto stagiaire et sortie jeux 027\nphoto stagiaire et sortie jeux 026\nphoto stagiaire et sortie jeux 025\nphoto stagiaire et sortie jeux 024\nphoto stagiaire et sortie jeux 023\nphoto stagiaire et sortie jeux 022\nphoto stagiaire et sortie jeux 021\nphoto stagiaire et sortie jeux 020\nphoto stagiaire et sortie jeux 019\nphoto stagiaire et sortie jeux 017\nphoto stagiaire et sortie jeux 016\nphoto stagiaire et sortie jeux 015\nphoto stagiaire et sortie jeux 013\nphoto stagiaire et sortie jeux 012\nphoto stagiaire et sortie jeux 011\nphoto stagiaire et sortie jeux 010\nphoto stagiaire et sortie jeux 054\nBougeons à « L’île ô Loustiks » !\nCet après-midi, les moyens et les grands ont pris le bus pour se rendre à « L’île aux Loustiks », un complexe de jeux à Mutzig. Ce fut une belle occasion de partager des expériences corporelles, de pratiquer des activités physiques dans un grand espace, en toute sécurité, tout en essayant de prendre des risques mesurés. La salle nous était réservée et les enfants ont bien profité de tous les jeux: toboggans,piscines à balles, trampoline, tour à grimper, terrain de foot, tyrolienne… Quelques enfants ont même suivi la maîtresse, la mamans de Sacha et les deux stagiaires Léa et Lilou, sur la patinoire synthétique…Une belle après-midi pleine d’actions et d’amusements !\nLéa a 5 ans !\nPublié le 7 décembre 2018 par enseignant\nLe jour de la Saint Nicolas, c’est aussi l’anniversaire de Léa :une deuxième fête était donc au programme du 6 décembre. Enfin 5 bougies pour cette grande fille très sociable, volontaire et serviable ! Elle s’est entourée de ses fidèles « petites » copines: Eva et Lucie, qui l’ont entraînée dans leur trépidante danse sur la « reine des neiges »… Bon anniversaire, Léa !\nDeux actions de soutien\nPublié le 6 décembre 2018 par enseignant\nLe marché de l’Avent qui a eu lieu le week- end dernier est la première action de l’année scolaire menée par les parents élus au conseil d’école pour soutenir financièrement les projets des deux classes. L’heure du premier bilan a sonné : un bénéfice de plus de 400 euros, une belle participation des familles à la réalisation d’objets et à la tenue du stand. Les objets restants sont mis en vente dans l’entrée de l’école (merci Emeline pour l’installation et la baisse des prix !). Alors avis à tous ceux qui n’ont pas pu se rendre au marché, il est encore temps de faire un geste pour l’école !\nL’heure des remerciements a aussi sonné, un grand merci aux personnes suivantes: Sophie (ATSEM), Floris, Elodie, la mamie de Justin, Jérôme Q., Lydie, Laura, Claudia, Angélique, Pierrick, Aurélie, Hélène, Emeline, Valentine, Virginie, Elodie D. et Adeline.\nUne deuxième action est lancée par ailleurs, dirigée par la famille de Lucie. Sophie a pris les photos qui ont ensuite été « travaillées »par Pierre-Alexandre pour aboutir à un calendrier et une photo de classe. Un exemplaire est affiché dans le hall d’entrée et les commandes seront prises jusqu’au 14 décembre. Nous espérons que ce projet plaira à l’ensemble des familles et comptons donc sur votre participation.\nQui passe dans la nuit du 5 au 6 décembre ?\nLe grand Saint Nicolas a bien vu nos ânes sur les rebords des fenêtres et les a garnis de friandises. Il nous a aussi fait déposer des « mannele » en brioche pour le goûter. Sacha s’est occupé du comptage et Stella de la distribution. Merci, Saint Nicolas, et essayons de rester sage jusqu’à la prochaine fête…\nPublié le 6 décembre 2018 par dir\nSi Saint Nicolas a été si généreux, c’est pour remercier les enfants d’avoir réalisé un grand travail en son honneur !\nEn effet, chacun a colorié puis orné de divers graphismes 5 mannele. chaque enfant les a ensuite collés comme il le souhaitait sur sa feuille, a rajouté des traits pour les « faire bouger », un peu comme Keith Haring. Sophie a rajouté le vernis colle pailleté pour donner un air de fête.\nLe deuxième travail fut le plus long: il a fallu décorer de graphismes les vêtements de monsieur et madame Mannele, mettre en couleur ces deux personnages et leur donner un visage. Sophie s’est chargée de tout assembler autour d’une boite que les enfants ont orné de paillettes. Et c’est ce beau travail que Saint Nicolas a distingué en y déposant les sachets de friandises.\nEnfin, les enfants ont peint la tête de saint Nicolas après avoir mis en couleur les différentes parties de son visage et de sa mitre. Ils ont collé le coton sur sa barbe. Les enfants ont aussi dessiné différents graphismes sur les sucettes que l’homme en violet tient dans ses mains. Bravo à tous !\nphoto St Nico 006\nphoto St Nico 005\nphoto St Nico 004\nphoto St Nico 003\nphoto St Nico 002\nphoto St Nico 001\nphoto St Nico 007


Comment ne pas utiliser le grec et l'hébreu pour l'exégèse biblique... - Bible & Co\nComment ne pas utiliser le grec et l’hébreu pour l’exégèse biblique…\npar Timothée Minard | Classé dans : Bible &tude, Comment étudier la Bible ?, Réflexions autour de la Bible... | 0\nSylvain Romerowski a livré un bel ouvrage intitulé « Les sciences du langage et l’étude de la Bible » (Excelsis, 2011). Ce travail reste peu connu, peut-être à cause de son prix (52 €) ou de sa taille (626 p.). Toutefois, il est, à ma connaissance, sans équivalent en français, sur la question de la linguistique en rapport à l’étude de la Bible.\nEn guise d’introduction, l’auteur livre une illustration qui me paraît particulièrement pertinente pour souligner les mauvais usages que l’on peut faire du grec ou de l’hébreu pour interpréter un texte biblique. Je me permet de la reproduire ici :\n« À titre d’illustration du présent propos, nous reprendrons maintenant un exemple donné par M. Silva, en l’adaptant au français.\nImaginons que nous nous trouvions aux environs de l’an 2840. Le plus puissant des États se trouve désormais situé sur un très large territoire d’Afrique centrale. La vieille Europe et les États-Unis n’existent plus depuis des siècles, détruits par une catastrophe majeure en 2122. Plus personne ne parle le français, et il ne subsiste plus grand-chose de la riche littérature produite en cette langue. Des archéologues fouillant le territoire français viennent de découvrir un petit texte, bien préservé, que l’on peut dater, avec un bon degré de certitude, de la fin du XXe siècle. En voici le contenu :\nSylviane, qui en avait assez de l’image charmeuse qu’elle donnait d’elle-même, s’embarqua dans un nouveau projet. Elle désirait désormais se cultiver, améliorer ses performances en termes de prise de parole, et se conformer à certaines règles de l’étiquette. Par-dessus tout, elle voulait se consacrer à des causes charitables. C’est pourquoi elle offrit ses services au centre hospitalier local qui recherchait des volontaires pour apporter du réconfort aux patients en phase terminale, parmi lesquels un bon nombre souffraient considérablement depuis longtemps. Les semaines passaient à toute vitesse. Un jour, alors qu’elle était assise à la cafétéria en train de parler avec son chef de service, un inconnu l’aborda et lui dit : « C’est vous qui étiez là hier. N’avez-vous pas vu mon parapluie ? » Elle répondit : « Non ce n’est pas moi ; je ne suis pas venue hier, c’était mon jour de congé. » Son supérieur l’interrogea alors : « Qu’étiez-vous en train de faire hier à cette heure-ci ? » Elle lui dit : « Hier ? J‘ai repeint ma cuisine ».\nLes archéologues connaissent juste assez de français pour se rendre compte qu’ils ont fait là une découverte importante qui mérite de faire l’objet d’une étude sérieuse et approfondie. Ils confient donc ce texte à l’un des plus grands spécialistes de la littérature européenne dans leur pays. Celui-ci rédige alors un article pour l’une des grandes revues spécialisées, dans lequel il fait l’exégèse de ce texte dans les termes suivants :\nNous ignorons si ce texte est un extrait d’un roman, ou bien d’une biographie historique. Il est clair cependant qu’il a été rédigé dans un contexte religieux, au vu de certains des termes qu’on y rencontre : ‘se consacrer’, ‘offrir’ (de même famille que le mot `offrande’), ‘charitable’, et ‘hospitalier’ (qui s’appliquait anciennement aux ordres religieux accueillant des voyageurs ou des indigents).Le nom de la jeune femme dont il est question est hautement significatif. ‘Sylviane’ vient du latin silva qui signifiait « forêt ». Nulle doute [sic], si l’on a affaire à un texte biographique, que les parents de Sylviane avaient choisi ce prénom parce qu’ils aimaient particulièrement les forêts. Ils ont donc dû souvent emmener leur fille en promenade en forêt. Ou bien, si l’on a affaire à un roman, son auteur devait lui-même affectionner les forêts et les promenades dans les bois devaient occuper ses loisirs.\nLe texte montre la puissance évocatrice du français de la fin du XXe siècle. Le mot charmeuse vient du latin carmen qui désignait un chant magique, d’où en français le sens « formule magique » pour le nom `charme’, et, pour notre adjectif, « qui exerce une action magique ». Le mot évoque ici le pouvoir de séduction de Sylviane qu’elle exerçait comme un pouvoir magique. Peut-être même son aspect charmeur avait-il été obtenu par quelque pratique occulte. Le substantif était aussi utilisé dans l’expression : se porter comme un charme, pour dire « jouir d’une excellente santé ». Il est clair, d’après le reste du texte, que Sylviane devait être en excellente santé. Le verbe ’embarquer’ évoque le départ pour une croisière en paquebot sur la mer, avec l’idée de quelque chose de nouveau et d’exaltant qui correspond au contexte dans lequel Sylviane voulait débuter une nouvelle activité ; à moins qu’il s’agisse d’une embarcation comme une barque ou un canoë, dans lequel on doit ramer, ce qui suggérerait l’idée de gros efforts, soutenus et persévérants : il en fallait effectivement à Sylviane pour apporter son aide aux malades en fin de vie. Le verbe ‘aborder’, au sens riche, confirme la présence dans le texte d’une métaphore maritime. Il s’utilisait pour le fait d’accrocher un vaisseau pour le prendre à l’abordage, ce qui suggère que Sylviane a ressenti la démarche de l’inconnu comme une agression. Le verbe s’employait aussi pour le navire qui atteint le rivage, l’inconnu étant alors comparé à un navire et Sylviane à un rivage, un lieu d’arrêt : l’inconnu s’est sans doute arrêté un long moment auprès de Sylviane. Le choix du verbe ‘cultiver’ peut dénoter un intérêt de la part de Sylviane pour la botanique. Le mot ‘performance’ était utilisé dans le cadre sportif. Son usage dans ce texte indique que Sylviane considérait son activité auprès des malades comme une compétition sportive et donc qu’elle cherchait à être plus efficace que ses collègues pour apporter du réconfort aux malades.\nLa mention de la vitesse reflète la culture française de la fin du XXe siècle. Les Français portaient en effet un grand intérêt à la vitesse. Ils avaient réalisé un avion supersonique appelé le Concorde qui était l’avion de transport de passagers le plus rapide au monde. De même, le Train à Grande Vitesse (TGV), lui aussi le plus rapide au monde, constituait le fleuron de la technologie ferroviaire française. Dans notre texte, les semaines sont probablement comparées au Concorde, ou au TGV.\nLe mot ‘patient’ est lui aussi riche de signification. Il désignait celui qui sait attendre, ce qui indique que les malades devaient attendre longtemps pour être soignés dans les hôpitaux. De plus, le mot apparenté ‘patience’ désignait la vertu de celui qui sait supporter les désagréments. Ce qui indique que les malades étaient alors mis à rude épreuve : non seulement ils devaient supporter les souffrances entraînées par leur état de santé, mais aussi ils supportaient la médiocrité des services médicaux qui les prenaient en charge, et ils supportaient encore le montant des prélèvements sociaux élevés destinés à financer la sécurité sociale, qui, à ce que l’on sait par d’autres textes, était toujours déficitaire.\nLe mot ‘chef’, du latin caput « tête », qui désigne ici celui qui assurait la direction du service dans lequel Sylviane oeuvrait, indique une comparaison avec la tête qui dirige le corps humain.\nIl est intéressant de porter attention aux temps verbaux employés dans ce texte. Le passé simple a des fonctions diverses : elle s’embarqua indique clairement la détermination de Sylviane, tandis que elle offrit montre qu’elle l’a fait une fois pour toutes et de manière définitive. Le changement de temps verbal à la fin du récit est significatif. Le chef de service utilise l’expression être en train de faire qui s’emploie pour une action qui est en cours, qui est inachevée et qui dure un certain temps : cela suggère qu’il considérait Sylviane comme une personne lente dans son activité, peut-être même paresseuse. Piquée au vif, celle-ci réplique avec un passé composé (j’ai repeint) qui vise à souligner l’achèvement de sa tâche.\nLe lecteur reconnaîtra que la présentation ci-dessus, tout en étant caricaturale, correspond à des manières de commenter les textes bibliques que l’on rencontre dans des commentaires et des prédications. Le problème fondamental, dans ce type d’analyse exégétique, c’est qu’elle méconnaît la manière dont le langage ordinaire fonctionne.\nNotre connaissance et notre pratique de la langue française nous fait voir que ce type d’analyse importe dans le texte, par des biais divers, de multiples significations qui n’y figurent aucunement, ou encore qu’elle fait preuve de subtilité excessive en établissant des distinctions illusoires sur la base de la grammaire. Et c’est notre manque de familiarité avec l’hébreu et le grec bibliques qui induisent la tentation de faire de l’exégèse comme dans l’exemple ci-dessus : si nous parlions ces langues couramment, ce genre d’élucubrations ne nous viendrait pas à l’esprit.\nDe plus, comme le note Silva, lorsqu’on considère le commentaire ci-dessus, on est frappé de constater qu’en réalité, il n’aide en rien à la compréhension du texte. En fait, dans la situation imaginée, une bonne traduction en swahili du XXIXe siècle aurait suffit [sic] à rendre le sens du texte de manière bien plus efficace.\nOr, on est d’autant plus enclin au type de démarche illustré ci-dessus que l’on a dans l’idée que, puisque la Bible est inspirée, les textes qui la composent doivent véhiculer une richesse de signification extraordinaire. Il ne s’agit pas ici de dire que les mots de la Bible n’ont pas d’importance, ou qu’on puisse faire l’économie d’une exégèse visant à déterminer quelle est la contribution de chaque mot. Mais Dieu a utilisé, pour se révéler, le langage et la langue des personnes auxquelles il s’est révélé. Il a parlé de manière compréhensible, et, pour ce faire, a utilisé les langues de la manière dont ceux à qui il parlait les utilisaient. Nous ne nions pas non plus que le contenu de l’Écriture est très riche. Mais lorsqu’un discours est riche, on n’a pas besoin d’emprunter le type de démarche ci-dessus pour en dégager la richesse : c’est autrement que celle-ci s’exprime. De même, pour communiquer un contenu très riche, Dieu s’est servi du langage en respectant son fonctionnement normal. C’est pourquoi, au lieu de se lancer dans le genre de considérations dont nous venons de donner des exemples, il faut s’interroger sur la manière dont le langage ordinaire fonctionne, sur la façon dont les mots se combinent entre eux pour donner du sens. C’est le rôle de la linguistique générale, qui observe les phénomènes de langage, de nous apprendre comment le langage fonctionne d’ordinaire (ou de nous en faire prendre conscience). Comme l’a écrit E. Nida : « c’est uniquement en considérant comment on utilise ordinairement le langage dans les contextes d’aujourd’hui que l’on peut pleinement déterminer la portée de l’usage biblique correspondant. »\n Moisés SILVA, God, Language and Scripture, Grand Rapids, Zondervan, 1990, p. 11ss.\n Eugene A. NIDA, « Implications of Contemporary Linguistics for Biblical Scholarship », JBL 91/1, 1972, p. 73.\nSylvain Romerowski, Les sciences du langage et l’étude de la Bible, Charols, Excelsis, p. 17-21.\n[Ces pages sont disponibles en PDF à partir du site de l’éditeur, en cliquant ici].


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Tricheries dans Koh-Lanta, La Légende : Alix brise le silence et défend l'émission - Voici\npar Elisa Gerlinger Crédits photos : Instagram / @alixkohlanta\nDepuis la tricherie de Teheiura dans Koh-Lanta, La Légende, d'autres cas ont été dénoncés. Depuis, les internautes s'en prennent violemment aux candidats. Et s'ils sont nombreux à avoir déjà réagi à cette affaire, c'est désormais aussi le cas d'Alix qui est sortie du silence sur Instagram ce vendredi 10 décembre 2021.\nÇa a été un coup dur pour Koh-Lanta. Le 9 novembre dernier dans l'édition La Légende, Teheiura a été éliminé de l'émission par la production de TF1. En effet, après avoir été convoqué par Denis Brogniart, le candidat a avoué avoir triché deux fois durant la saison. Il s'était fait apporter de la nourriture par des pêcheurs. Depuis, d'autres cas de tricheries ont été dénoncés dans le jeu. Un coup de massue pour les fans du show. Les internautes se sont emparés de l'affaire et s'en sont violemment pris aux candidats.\nDepuis, plusieurs candidats ont réagit face à cette histoire. C'est notamment le cas récemment de Laurent. "Ça me fait rire quand je vois toutes ces rumeurs disant que j’ai triché en mangeant en dehors du jeu parce que c’est moi qui ai perdu le plus poids et je l’ai bien senti" , a-t-il confié à TV Mag le 9 décembre 2021. Coumba s'est également exprimée sur le sujet dans TPMP le 8 décembre dernier. "Pour info : je n'ai pas mangé sur Koh-Lanta !!! Cette histoire s'est passée après ma sortie à la réunification. Eux aussi, ils ont m*rdé dans l'histoire (la production de l'émission, ndlr). Il fallait mettre plus de surveillance, en vérité. On va tenter, on va chercher, on va trouver" , a-t-elle affirmé.\nEt ce vendredi 10 décembre 2021, Alix a également brisé le silence sur cette affaire de tricherie. Elle a tenu à défendre l'émission ainsi que ses camarades. "Aujourd'hui on parle beaucoup de la déroute avouée mais parle-t-on du dépassement de soi provoqué par cette AVENTURE ? J'ai l'impression que les lecteurs on besoin de se rassurer en lisant qu'on mange à notre faim et qu'on dort dans des hôtels." , a-t-elle expliqué sur son compte Instagram. Et malgré tout ça, la candidate ne regrette pas d'avoir participé à Koh-Lanta, au contraire: "Sachez aujourd'hui qu'il n'y a pas d'aventure plus palpitante que celle-ci à mes yeux et pour ça MERCI."\nArticle suivant : Tricherie dans Koh-Lanta, La Légende : Teheiura sort du silence et livre sa version des faits


Mort de Ronnie Spector, chanteuse du groupe The Ronettes - Sortiraparis.com\nPar Caroline J.\t· Publié le 13 janvier 2022 à 08h35\nRonnie Spector, leader du groupe américain The Ronettes et célèbre voix du hit planétaire "Be My baby", est décédée le mercredi 12 janvier 2022. Elle était âgée de 78 ans.\nC’est une voix connue à travers le monde entier qui vient de disparaître. Ronnie Spector, célèbre chanteuse du groupe américain les Ronettes, est décédée le mercredi 12 janvier 2022 à l’âge de 78 ans des suites d’un cancer. C’est ce qu’a annoncé sa famille dans un communiqué. « Notre ange bien aimée, Ronnie, a paisiblement quitté ce monde aujourd'hui après une brève bataille contre le cancer » ont expliqué ses proches. « Ronnie a vécu sa vie avec une étincelle dans l'œil, une attitude pleine d'entrain, un sens de l'humour féroce et un sourire sur son visage », a ajouté sa famille dans ce communiqué.\nNée à New York le 10 août 1943, c’est en 1957 que Ronnie Spector, de son vrai nom Veronica Yvette Bennett, forme The Ronettes avec sa soeur, Estelle Bennett et leur cousine Nedra Talley. Mais c’est en 1963 que le trio féminin décolle véritablement, lorsqu'il signe avec l’incontournable producteur de disques de l'époque, j'ai nommé Phil Spector. Ronnie et Phil se sont ensuite mariés en 1968.\nDès lors, les succès s’enchaînent et la voix de Ronnie déferle sur les ondes : « Be My Baby » (1963), « Baby, I Love You » (1963), « The Best Part of Breakin' Up » (1964) ou encore « Walking in the rain » (1964)... autant de chansons qui restent encore à ce jour des tubes incontournables.\nPreuve de sa renommée, Ronnie Spector a été intronisée au Rock and Roll Hall of Fame en tant que membre des Ronettes en 2007. Le groupe avait également assuré la première partie des Beatles en 1966.\nAprès la séparation des Ronettes, Ronnie Spector se lance dans une carrière solo. Le dernier opus studio solo de l'artiste, "English Heart", remonte à 2016. Auparavant, la chanteuse américaine avait publié l'album “The last of the Rock Stars”, incluant notamment des collaborations avec Keith Richards, Patti Smith, Joey Ramone, ou encore Nick Zinner des Yeah Yeah Yeahs.\nMots-clé : cause décès, cause mort, Ronnie Spector, Ronnie Spector mort, Ronnie Spector décès, les Ronettes, Phil Spector, âge Ronnie Spector, carrière Ronnie Spector, succès Ronnie Spector, disques Ronnie Spector, albums Ronnie Spector, Be My Baby, Baby I Love You


Immatriculations de voitures neuves en baisse de 4,66% en novembre, selon le CCFA - Capital.fr\nLes immatriculations de voitures neuves en France ont diminué de 4,66% en novembre, a annoncé samedi le CCFA. /Photo d'archives/REUTERS/Fabian Bimmer Thomson Reuters\nPublié le 01/12/2018 à 10h15\nPARIS (Reuters) - Les immatriculations de voitures neuves en France ont diminué de 4,66% en novembre, a annoncé samedi le CCFA.\nIl s'est immatriculé 171.615 voitures particulières neuves le mois dernier dans l'Hexagone, selon le Comité des constructeurs français d'automobiles.\nEn septembre et en octobre, le marché avait rechuté respectivement de 12,8% et 1,52%, après un bond d'environ 40% en août, les nouvelles normes d'homologation WLTP ayant faussé le cycle traditionnel des ventes, avec des remises généreuses avant l'introduction des normes, et des perturbations dans les livraisons après.\nLe quatrième trimestre s'annonce toujours incertain - Valeo a signé depuis l'été deux avertissements sur ses résultats 2018 - mais sauf rechute imprévue, le marché automobile français reste parti pour connaître en 2018 une quatrième année consécutive de croissance et retrouver son niveau d'avant-crise, à 2,2 millions d'unités environ.\nSur onze mois, les immatriculations ressortent en hausse de 4,73%.\nLa plupart des prévisions annuelles ont été revues à la hausse: le CCFA anticipe ainsi une progression d'environ 5% du marché français en 2018, l'Observatoire Cetelem de l'automobile des immatriculations en croissance de 5,2% et Renault, le 23 octobre, a relevé de +2% à plus de +4% sa prévision pour le marché français.\nEn 2017, la croissance des immatriculations en France a atteint 4,7%, tirée par l'embellie des perspectives économiques et l'engouement pour les nouveaux SUV. En 2016, le marché avait progressé de 5,1% après +6,8% en 2015. Cette série faste était venue interrompre cinq années de stagnation ou de baisse imputable notamment au contrecoup de la fin des primes à la casse, instaurées face à la crise de 2008-2009.\nEn novembre, les immatriculations du groupe PSA, qui regroupe désormais les marques Peugeot, Citroën, DS, Opel et Vauxhall, ont augmenté de 1,9% par rapport au même mois de 2017.\nLes ventes des marques du groupe Renault (Renault, Dacia et Alpine pour le marché français), au coeur d'une crise de gouvernance avec Nissan depuis l'arrestation de son PDG Carlos Ghosn au Japon le 19 novembre dernier, ont enregistré une baisse de 12,34%.\nImmatriculations de voitures neuves en baisse de 4,66% en novembre, se...\nFrance : les ventes de voitures neuves ont bondi\nImmatriculations de voitures neuves en hausse de 39,97% en août, selon le CCFA\nFrance: bond de 10,9% des immatriculations de voitures neuves en juillet\nLa part du diesel dans les voitures neuves recule\nLes immatriculations de voitures neuves en hausse en avril


peut on augmenter la luminosite de l'écran lcd de la bbox? - Résolue\nQuestion: « peut on augmenter la luminosite de l'écran lcd de la bbox? »\npeut on augmenter la luminosite de l'écran lcd de la bbox?\nL'affichag sur l ecran lcd de la bbox est quasiment illisible\nbonjour et bien malheureusement non ont ne peut augmenter la luminosité\nVous indiquez avoir un soucis avec votre affichage du décodeur, en revanche, je vois sur votre dossier une demande d’échange de ce matériel en attente.\nJe vous renvoie le SMS afin de procéder à cet échange.


Librairie Mollat Bordeaux - La représentation du favori dans l'Espagne de Philippe III et de Philippe IV\nPage générée le : 14/10/2019 13:33:37\nDès le début du XVIIe siècle, en Espagne, un personnage apparaît, proche du monarque, il s'agit du favori, le privado ou valido. Il parvient à s'imposer dans une monarchie absolue de droit divin et est représenté par le duc de Lerma et le comte-duc d'Olivares. Ce volume étudie les systèmes de représentation littéraires et iconographiques des favoris sous Philippe III et Philippe IV. ©Electre 2019\nLa représentation du favori dans l'Espagne de Philippe III et de Philippe IV Au début du XVIIe siècle, en Espagne comme dans d'autres cours européennes, un nouveau et puissant personnage apparaît aux côtés du monarque qui lui délègue nombre de tâches de gouvernement : le favori, appelé privado ou valido. Sous les règnes de Philippe III (1598-1621) et de Philippe IV (1621-1665) en particulier, deux grandes figures de favoris se distinguent à la tête de la très puissante monarchie espagnole : le duc de Lerma et le comte-duc d'Olivares. Ils inaugurent un système politique à deux têtes composé du roi et de son ministre. Comment donc un personnage de second rang parvint-il à s'imposer au sommet de l'État dans une monarchie dite absolue et de droit divin ? Comment fut négocié, pensé et représenté ce partage du pouvoir ? Et lorsque ces favoris, en particulier Lerma et ses affidés, confondant affaires publiques et privées, commencèrent à susciter certaines oppositions dans « l'opinion publique » naissante, quels moyens mirent-ils en oeuvre pour tenter de se maintenir au pouvoir ? Quelles relations s'instituèrent entre ces favoris et les artistes ou les écrivains chargés de les représenter ? Quelles images du privado trouve-t-on notamment dans les oeuvres politiques et les pamphlets du célèbre écrivain Francisco de Quevedo ? Quelles images enfin en offrent les peintures et gravures de l'époque ? Telles sont les questions traitées par les auteurs du présent volume, consacré à l'élude des systèmes de représentation littéraires et iconographiques des favoris sous Philippe III et Philippe IV. Les études ici réunies, par la richesse et la diversité des angles d'approche retenus, passionneront toute personne intéressée par cette première période du règne des favoris espagnols, une des pages les plus paradoxales de l'Histoire des Habsbourg d'Espagne, tout à la fois de déclin sur l'échiquier politique international et d'apogée sur le plan artistique et littéraire.\nISBN : 2-87854-498-6\nEAN13 : 9782878544985


On peut avoir fait un geste fort dans la fédération ennemie durant les Monday Night Wars et entrer logiquement dans le Hall of Fame de la WWE. C’est le cas d’Alundra Blayze, une vrai casse-cou des rings.\nLes femmes dans le Hall of Fame de la WWE c’est un phénomène encore récent, la preuve avec Alundra Blayze qui n’est que la huitième à y faire son entrée. L’Italienne a construit pas à pas sa carrière, toujours avec fracas.\nDebrah Miceli a uniquement lutté sous l’identité d’Alundra Blayze durant son passage de trois ans à la WWF entre 1993 et 1995. Mais elle s’est aussi faite un nom et une réputation sous le nom de Madusa. Très vite à la fin des années 80 elle impressionne et croise le fer avec les plus grandes telles Wendy Richter, Sherri Martel, Luna Vachon. Sa réputation est ainsi déjà faite après 5 années de carrière à l’AWA marquées aussi par le management de Curt Hennig.\nElle voulait tout essayer au niveau de la lutte et c’est ainsi qu’elle va passer deux années au Japon au début des années 90 pour agrandir sa palette technique, la plus riche jamais vue de la part d’une catcheuse non japonaise. Elle a construit ainsi son style déjà explosif par de la technique avec notamment ces Suplex dont elle s’est faite une spécialité. Et elle a été aussi une pionnière dans le catch aérien aux Etats-Unis avec le fameux Dive.\nMadusa sur les rings japonais dans les années 90\nCette avancée technique, elle ne l’a pas tout de suite montrée à son retour du Japon car avant d’aller à la WWF elle fait un premier arrêt à la WCW et se joint au groupe de Paul Heyman contre qui elle va se rebeller et qu’elle battra. Avec le retour du titre féminin à la WWF en 1993 après des années d’absence, Miceli débarque ainsi avec le nom d’Alundra Blayze. Elle devient vite une favorite des foules et compile trois titres en l’espace de trois années. Ces trois années seront riches avec des affrontements épiques avec sa meilleure rivale japonaise Bull Nakano. Elle aura aussi des rivalités avec des adversaires plus lourdes et décroche un beau succès à Wrestlemania 10 sur Leilani Kai.\nElle s’absente le temps de se faire des implants et un nouveau nez pour finir ainsi par représenter une image parfaite de pionnière du catch féminin de l’époque moderne. Preuve de son impact à la WWF, le titre féminin est arrivé avec elle et repart avec elle l’espace de trois années quand elle part pour la WCW en pleins Monday Night Wars. Le 18 décembre 1995, elle redevient Madusa et marque les esprits par cette image symbolique de la ceinture de championne féminine de la WWF jetée à la poubelle.\n[youtube id= »o6UWUolS6Z0″ width= »620″ height= »360″]\nAu plus fort de la guerre, elle retrouve sa rivale Bull Nakano pour de nouveaux duels épiques et provoque même la création d’une ceinture féminine de la WCW. Paradoxe, elle ne la remportera jamais. A la place elle est la première femme à remporter le titre Cruiserweight de la WCW. Très portée sur le in ring, elle va mettre fin à sa carrière en 2001 quand la WCW disparait et qu’elle ne veut pas remettre les pieds à la WWE.\nFemme d’action, vraie boule d’énergie, l’après catch se fait dans les compétitions de… Monster Truck, ainsi cette vraie liane des rings s’illustre à bord de ces camions massifs qui se rentrent dedans. Mais en 2015 avec son introduction au Hall of Fame, il est rappelé que son nom est bien fameux dans le catch et n’est pas forcément à associer à l’acte polémique de la ceinture à la poubelle mais plutôt à un statut de pionnière de l’ère moderne du catch féminin qu’on connait aujourd’hui avec AJ comme digne héritière.


"la glorieuse visite, ne laissa aucun mauvais souvenir !" - THE SUN SHINES,THE SKY IS BLUE\n<< Annie Lacroix-Riz et Roger... Y a t'il des vrais politiciens... >>\n"la glorieuse visite, ne laissa aucun mauvais souvenir !"\nLa maladie d’Alzheimer est devenue une cause nationale en France. Je dis bravo ! C’est grand, c’est noble, c’est beau. La maladie… Qu’est-ce que je disais déjà ? Ah oui, je disais bravo ! Mais pourquoi ? Ah oui, je disais, bravo la maladie. Non, je ne pouvais pas dire ça ! Donc, rien ne poussait sur cette étendue désertique… Mais de quoi, je parle là ? Ah oui, ça me revient. La France a attrapé la maladie d’Alzheimer.