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Pour quels appareils Office sera-t-il disponible ? Office prend en charge les PC ou les tablettes Windows exécutant Windows 7 ou ultérieur, les Mac équipés de Mac OS X 10.6 ou ultérieur et les iPads exécutant iOS 7.0 ou ultérieur.* Pour plus d'informations sur les appareils mobiles, cliquez ici.\nÀ quel compte Microsoft dois-je me connecter pour utiliser OneDrive ? Les clients disposant d'un abonnement actif à Office 365 Personnel ou Office 365 Université reçoivent 1 To de stockage OneDrive supplémentaire, en sus de tout stockage OneDrive gratuit ou payant existant. Ce complément de 1 To de stockage OneDrive est ajouté au compte OneDrive associé au compte Microsoft qui a été utilisé pour configurer l'abonnement Office 365. Connectez-vous à Office avec ce compte Microsoft pour accéder à votre complément de stockage OneDrive. En savoir plus sur la connexion à Office\nTélécharger et installer l'application de bureau OneDrive gratuite pour Windows ou Mac Utilisation de OneDrive sur votre ordinateur Qu'advient-il des documents que j'ai stockés sur OneDrive au terme de mon abonnement ? Vous perdrez votre complément de 1 To de stockage OneDrive. Vous pourrez quand même accéder à tous vos fichiers et les télécharger. Si vous avez utilisé tout ou partie de votre To supplémentaire, vous devrez enregistrer vos fichiers ailleurs ou acheter du stockage OneDrive. J'ai désactivé le partage de mon abonnement avec l'un des membres de ma famille. Que deviennent les documents qu'il a stockés dans OneDrive ? Il perdra le complément de 1 To de stockage OneDrive. Il pourra quand même accéder à tous ses fichiers et les télécharger. S'il a utilisé tout ou partie de son To supplémentaire, il devra enregistrer ses fichiers ailleurs ou acheter du stockage OneDrive. À propos de l'offre Minutes monde Skype\nCombien de licences/installations sont autorisées avec Office 365 Université ? L'offre Office 365 Université vous permet d'installer Office sur deux PC, Mac ou tablettes (tablettes Windows et iPads, par exemple) pour une utilisation par une seule personne.*\nOffice pour iPad* : affichez, créez et modifiez des documents dans les applications tactiles Word, Excel et PowerPoint. Avec Office pour iPad, contenu et mise en forme restent intacts, ce qui vous permet de retrouver votre document tel quel, une fois de retour sur votre PC ou Mac. Dans Word, ajoutez des commentaires ou activez le suivi des modifications quand vous travaillez à plusieurs. Consultez et mettez à jour des feuilles de calcul Excel et ajoutez facilement des formules ou des graphiques. Modifiez des présentations PowerPoint et projetez-les via une connexion sans fil sur un grand écran.\nUtiliser vos installations disponibles sur des PC, des Mac, des tablettes Windows ou des iPads.*\n*Les disponibilités varient en fonction des pays. Découvrez ce qui est disponible dans votre pays.


Turning 22 ! - JuneThirty\nTurning 22 !\nPosted on 24 juin 2016 by JuneThirty\nD’ici quelques jours à peine, (le 30 juin), j’aurais 22 ans. 22 ans, j’en reviens toujours pas. J’ai l’impression limite qu’hier je finissais mes secondaires et je venais à peine d’avoir 18 ans. La vie s’ouvrait devant moi et je prenais mes libertés en passant mon permis et partant sur Bruxelles pour étudier. Je suis maintenant 4 ans plus tard. Je vais entamer en septembre ma dernière année en tant qu’étudiante. Et après? Je vous avoue que grandir me fait peur. J’ai toujours eu envie de rester enfant, de continuer à avoir cette naïveté, j’ai envie de croire que le père Noël existe toujours et que les histoires se finissent toujours par une fin heureuse: ils vécurent heureux et eurent beaucoup d’enfants.\nMais même si j’ai envie que Monsieur Le Temps (ci-référence à Alice au Pays des Merveilles hihi) prenne son temps justement ça ne veut pas dire que je n’ai pas pour autant profiter de chaque instant. Et que je ne suis pas comblée par ma vie à présent. Quand je vois le chemin parcouru j’ai envie de dire que je suis fière de moi. Et que même si la route est encore longue et les chemins pas toujours bien tracés, je suis prête à m’attaquer à de nouveaux objectifs. Ne pensez pas que j’ai le syndrome de Peter Pan et que je ne veux pas grandir. Non, non! Disons juste que j’ai peur de ce que l’avenir me réserve et surtout d’en manquer une partie.\nSur ce, je vous laisse, le gâteau m’appelle (au chocolat bien sûr!). J’ai aussi tenter mon premier shoot que je vous montre ici. Soyez indulgents, je ne suis pas à l’aise devant l’objectif. Mais je vais persévérer. Bisous bisous mes chatons !\nFacebook – Instagram – Twitter – Pinterest– Hellocotton\nVeste (Zara – Old co, similaire ici) – Pantalon (New Look) – Chemise (H&M – old co, similaire ici) – Collier (New Look -old co)\nPosted in Lifestyle, OutfitTagged 22ans, Anniversaire, Birthday, Celebration, Clothes, Fiesta, Firsttry, futur, gettingolder, Motivation\nQuoi? Les soldes commencent déjà ?\nBilan du mois: juin #3\n0 thoughts on “Turning 22 !”\n25 juin 2016 à 11 h 09 min\nTon article m’a interpelée… car 22, c’est mon chiffre fétiche. 🙂\nC’est bon de lire que tu es comblée par ce que tu as entrepris et par ce que la vie t’a apporté jusqu’à présent!\nProfite et vie ta vie! <3\nJe ne pense pas en effet que tu aies le Syndrome de Peter Pan… tu n'aurais sans doute pas pu atteindre tous ces objectifs. Mais il est bon de garder une part d'enfant en soi malgré tout! S'émerveiller de tout, ça réchauffe le coeur!\nJe te souhaite déjà un bon anniversaire, même si c'est quelques jours à l'avance.\n25 juin 2016 à 11 h 13 min\nMerci beaucoup! Oui, 22 ans ne m’empêchera pas de continuer à regarder des dessins animés et à chanter du Disney. Bisous.\n25 juin 2016 à 12 h 25 min\nC’est vrai que le temps passe vite et nous file entre les doigts. J’ai eu cette impression il y a quelques mois en fêtant mes 20 ans. Me dire qu’il y a deux ans je passais mon bac et qu’aujourd’hui je suis là où j’en suis, j’ai eu l’impression de n’avoir rien vu passé !\nC’est dommage que tes photos soit floue :/ Mais ne t’inquiète pas, l’assurance avec l’objectif va venir petit à petit 🙂\n25 juin 2016 à 12 h 27 min\nLe temps passe trop vite. Et j’ai l’impression qu’il passe encore plus vite plus on vieillit. Merci pour les encouragements, j’espère m’améliorer au fur et à mesure. Bisous\nCosy-cocoon dit :\n25 juin 2016 à 14 h 44 min\nJ’ai eu 22 ans l’année dernière.. AU SECOURS je vais avoir 23 ans ! C’est vrai que le temps passe vite, très vite, TROP VITE ! C’est pourquoi il faut profiter de chaque moment. Déjà, être consciente de ça te permet de savourer les petits moments de bonheur et de les graver dans ta mémoire. On a tous peur de l’avenir même si nous n’en avons pas forcément conscience. L’année dernière j’étais sans emploi, sans trop d’expérience professionnel, dans le secteur de la communication où les postes à pourvoir sont rares et encore dépendantes financièrement de mes parents. En 1 semaine tout à changé, j’ai trouvé un super boulot, un appartement dans une ville qui m’était inconnue et un chat (oui oui ^^) . J’ai connu des moments sombres dans ma vie mais aussi des moments comme celui là où tu as l’impression que tout se débloque petit à petit. L’avenir est l’une des seules choses que l’homme ne peut contrôler; Alors oui ça fait peur mais plein de belles choses t’attendent. Des millions de personnes aimeraient avoir 22 ans de nouveau 🙂\n25 juin 2016 à 20 h 31 min\nMerci beaucoup, ton message me fait énormément plaisir. Comme tu le dis, une vie peut changer en un instant. Il faut juste y croire et être patient. Tout vient à point qui sait attendre ou un truc du genre c’est ce que ma mère me dit toujours. Et oui, je suis consciente que 22 ans c’est jeune mais c’est vieux à la fois. Profiter c’est la seule chose qu’il faut retenir et essayer de faire :). Je te le redis mais merci, ton commentaire m’a fait énormément plaisir. Bisous.\n26 juin 2016 à 12 h 03 min\nEt bien bientôt joyeux anniversaire !!!!!\n26 juin 2016 à 15 h 04 min\n26 juin 2016 à 21 h 51 min\nFait savoir rester enfant , grandir c’est trop nul\n27 juin 2016 à 8 h 57 min\nOui, pas grandir trop vite non plus. Je profite de chaque instant avant de vieillir un peu plus 😛\nPing : Bilan du mois: juin #3\n28 juin 2016 à 21 h 50 min\nOui le temps passe vite, mais 22 ans ça va tu es encore jeune 🙂 profite bien car après 25 ans, tu prends un grand coup de vieux !\n29 juin 2016 à 8 h 37 min\nOui je profite ne t’inquiète pas. Merci ! 🙂\n5 juillet 2016 à 14 h 31 min\nOui tu peux être fière de toi, mais tu verras que plus tu avanceras et plus tu te sentiras forte! Personnellement, j’ai eu un peu la même impression vers à peu près ton âge et finalement je ne reviendrais pas en arrière! de mes erreurs et accomplissements je suis sortis grandis! ce moment va vite passer! et tes photos sont très chouettes, prend confiance en toi, tes looks sont très jolis!\nMerci ! Oui, c’est toujours assez délicat de grandir/ vieillir mais ça vaut la peine 🙂


Robinets de Ligne - Composants en laiton\nNous fabriquons une vaste gamme de robinets de ligne pour répondre aux spécifications de matériaux et de dimensions imposées par différentes normes internationales. Les tarauds sont fabriqués à partir de laiton, cuivre, aluminium, acier inoxydable et de nombreux autres matériaux. La gamme de tarauds comprend les tarauds en laiton, les tarauds en cuivre, les tarauds en aluminium, les tarauds à sertir, les tarauds industriels, les tarauds à propos-de-nous meà propos-de-nouse, etc. Les robinets de canalisation sont des composants très pratiques qui sont utilisés dans divers équipements industriels, électriques et électroniques et tiennent fermement tout objet minuscule entre la scission afin d’avoir une précision dans son fonctionnement, qu’il soit électrique ou industriel.\nNous rencontrons tous les contrôles techniques et de qualité pour fournir des taps de ligne de haute qualité en utilisant le traitement et les tests des taps de ligne avant qu'ils atteignent le client ou l'utilisateur. De plus, nous pouvons offrir des tarauds aux exigences de nos clients.\nspécification pour les prises de ligne\nGamme de hautes fréquences, conductivité électrique et thermique élevée, performances élevées dans des conditions à propos-de-nousnementales extrêmes, conformes à la directive RoHS\nUtilisé dans divers équipements tels que les équipements industriels, électriques et même électroniques.\nLargement utilisé pour contenir des objets minuscules entre la scission.\nÉgalement utiliser dans les lignes de câbles, les lignes téléphoniques, les Filetage Standard de jonction et les terrains de connexion.\nTournez l'écrou hexagonal du robinet dans le sens antihoraire pour ouvrir le robinet.\nAvec un pince à dénuder, retirez le revêtement des extrémités du câblage en cuivre qui sera sécurisé par le boulon fendu. Vous devrez exposer au moins ½ pouce de câblage en cuivre à l'extrémité de chaque morceau de fil pour leur permettre de faire contact lorsqu'ils sont installés dans le boulon fendu.\nPointez les deux extrémités exposées des Filetage Standard électriques l'une vers l'autre.\nMaintenez les prises de ligne entre les deux extrémités du fil.\nFaites glisser les extrémités exposées des Filetage Standard électriques dans les robinets.\nTournez l'écrou des robinets dans le sens des aiguilles d'une montre à la main jusqu'à ce que les Filetage Standard de cuivre soient maintenus dans le boulon fendu.\nSélectionnez une clé dans le jeu de clés qui convient à la tête des tarauds, puis sélectionnez une prise qui correspond à l'écrou des tarauds et fixez-la à la clé à cliquet.\nSerrer les robinets de la ligne avec la clé et le socket attaché à la clé à cliquet.\nFaites des tours autour des tarauds avec le ruban cambrique verni, coupez le ruban avec les ciseaux et appuyez l'extrémité du ruban à propos-de-nous le raccord du fil.\nPlacez quatre à cinq bandes de ruban en caoutchouc à propos-de-nous le ruban, coupez le ruban avec les ciseaux et fixez le ruban en enveloppant généreusement du ruban isolant à propos-de-nous le ruban en caoutchouc pour terminer l'installation du robinet.


Re-Corps Paris Paris 12 | Urban Sports Club\nBienvenue chez Re-Corps ! Un mot du partenaire 📣 : Du débutant au confirmé, sans juger, sans comparer. Re-Corps, c’est aussi une grande première, une salle végétalisée, naturelle, non-toxique. Alors bienvenue chez Re-Corps, le point de départ d’une nouvelle vie : la vôtre. Re-nouer avec le bien-être, Re-prendre confiance en soi, Re-découvrir son corps. C’est ce que vous proposent les équipes expérimentées et conviviales de ce superbe nouvel espace innovant et accueillant de 1000 mètres carrés situé dans l’est parisien à proximité de Nation et Bercy. Installation disponible 🚿 : vestiaires et douches Un espace détente avec salon et bar à jus (smoothies, milkshakes et jus de fruits frais maison, boissons chaudes) est également disponible ! Notre coup de 🖤 : niché sous une verrière, le Playground offre 90m² de terrain de jeu pour une pratique du cross training et du fonctionnel training ! Entraînement libre sur machines accessibles pendant les horaires d'ouverture : Dans l'espace Jungle, vous trouverez différents équipements Technogym : tapis de course, elliptiques, stepper, wave, vélos assis et doubles poulies, ainsi que Incept/Concept2 avec ses vélos Wattbike, rameurs et SkiErg. En fonction des disponibilités, vous pourrez avoir accès au Playground équipé de cages à squats, poids libres et de multiples accessoires de functional training. IMPORTANT : un entrainement libre équivaut à une activité qui sera déduite de votre abonnement. Informations supplémentaires : - Munissez-vous impérativement d'une serviette (sur place : 2€ en location) et apportez des chaussures de sports propres et réservées uniquement à un usage interne. - Tout le matériel est mis à disposition pour l'ensemble des différents cours. Il est cependant conseillé aux boxeurs de prendre leur propre matériel. - Veuillez-vous présenter 15 minutes avant votre séance afin de scanner le QR Code.\nCe partenaire propose des cours dans le respect des règles sanitaires. Lundi à Jeudi : 9h00 - 23h00 Vendredi : 9h00 - 21h30 Samedi : 9h00 - 18h00 Dimanche : 9h00 - 14h00\nLes membres M peuvent participer à 4 activités maximum par mois chez Re-Corps. Les membres L et XL peuvent participer à 8 activités maximum par mois chez Re-Corps. Nous vous rappelons que vous ne pouvez aller qu’une fois par jour par lieu de pratique.\nPour réserver cliquez sur “demande de réservation” et attendez la réponse du partenaire. Il est indispensable de scanner le QR-code avant le début de l’activité afin de valider votre présence. Les demandes de réservations sont généralement traitées entre 48h et 24h avant le cours. Les annulations de réservation doivent se faire 12h minimum à l’avance. - Munissez-vous impérativement d'une serviette (sur place : 2€ en location) et apportez des chaussures de sports propres et réservées uniquement à un usage interne. - Tout le matériel est mis à disposition pour l'ensemble des différents cours. Il est cependant conseillé aux boxeurs de prendre leur propre matériel. - Veuillez-vous présenter 15 minutes avant votre séance afin de scanner le QR Code.


Air_Miles - Blogue - Century 21 Canada Limited Partnership - Contributions taggées Air_Miles\nVoir les contributions marquées Air Miles S’inscrire 10 contributions trouvées\nDes participants au Mois des visites libres de CENTURY 21 gagnent gros\nImaginez le scénario : vous recherchez activement la maison de vos rêves quand tout à coup, on vous annonce que vous avez gagné un cinéma maison, ou encore, un voyage! C'est exactement ce qu'ont vécu six heureux gagnants, après avoir assisté à une visite libre CENTURY 21MD. En effet, dans le cadre du Mois des visites libres de C21MD, ...\nBalises: AIR MILES Nouvelles C21 Immobilier\nOffre double de CENTURY 21 – Obtenez le double des milles de récompense AIR MILESMD à l'achat d'une maison!\nDu 1er octobre au 30 novembre, les acheteurs peuvent doubler leurs milles en faisant affaire avec une agence CENTURY 21 participante. VANCOUVER, C.-B. (1er octobre 2015) – Suite à un déménagement, les acheteurs canadiens rêvent de décompresser sur une plage ensoleillée ou encore de redécorer leur nouvel espace à leur goût. C'est ...\nBalises: AIR MILES\nUn résident de Regina gagne une transformation d'arrière-cour, en assistant à une visite libre CENTURY 21\nLes gagnants du concours ont été annoncés : cinq participants chanceux empocheront également 5 000 milles de récompense AIR MILESMD M. Rene Dufour-Contreras, un jeune marié de Regina, en Saskatchewan, magasinait sa première maison, lorsqu'il s'est arrêté à une visite libre CENTURY 21, pendant la fin de ...\nBalises: AIR MILES Carrières C21 Franchises C21 Nouvelles C21 Engagement communautaire\nLe concours de la Fin de semaine des visites libres de CENTURY 21® Canada est de retour\nAssistez à une visite libre C21 du 2 au 3 mai, puis courez la chance de GAGNER une transformation d’arrière-cour complète ou 5 000 milles de récompense AIR MILES! Du 2 au 3 mai, rendez-vous à l’une des visites libres C21 participantes. Inscrivez-vous pour courir la chance de GAGNER un ensemble Barbecue/détente, puis transformez votre arrière-cour ...\nSortez les ordures, c’est le mois des visites libres\nC'est le MOIS DES VISITES LIBRES dans les bureaux de CENTURY 21 à travers le Canada – Le printemps est arrivé et la fièvre du ménage de printemps n’est pas loin derrière! Et pour la première fois ce mois-ci CENTURY 21 Canada a un programme unique et très utile pour vous aider à accélérer vos projets ...\nBalises: Air Miles Vente d’une propriété Visites libres\nJoignez-vous à C’est la fête de AIR MILES\nJ’ai reçu un courriel l’autre jour de AIR MILES pour me parler de C’est la fête ce mois-ci. Jusqu’au 31 mars, vous pouvez entrer dans la communauté C’est la fête de AIR MILES et participer jusqu’à 4 fois à notre concours et courrez la chance de gagner 25 000 milles de récompense AIR MILES. La communauté célèbre ...


Fiche d'identité Qatar | Pays monde\nIdentité du Qatar\nRetrouvez les informations concernant le Qatar se touvant sur le continent Asie.\nCes données principales du Qatar ( quatarienne , devise Riyal du Qatar ou la superficie) vous sont fournies par pays-monde.fr\nPréparez votre voyage en Qatar ou votre weekend à Doha, en vous informant sur les chiffres clés de votre destination située sur le continent asiatique.\nCapitale du pays : Doha\nGentilé : quatarien , quatarienne\nLangues parlées quatarienne : L’arabe\nSuperficie : 11000 km2 (2004)\nDensité : 69.8 habitant/km2 (2005)\nPréparez votre voyage asiatique en consultant la fiche identité du Qatar.\nQatar, le contenu de sa fiche identité : La fiche identité du Qatarvous renseigne sur les chiffres clés de cette destination . Vous retrouvrez les données principales quatariennes : la capitale ou le chef lieu ( Doha), la population de Qatar, le drapeau national quatarienou encore la devise quatarienne( Riyal du Qatar).


Archives des Enfant - Webzine : Bebe-Zone\nPar bebeLe avril 8, 2021 Dans Enfant\nL’entrée en crèche est une étape importante pour un enfant. Ce sera la première fois qu’il se sépare de ses parents. Cela peut alors générer diverses émotions chez celui-ci. Il a donc besoin de l’accompagnement d’un adulte. Normalement, c’est aux …\nDes astuces pour donner des médicaments aux enfants L’une des principales difficultés rencontrées avec les enfants malades est de leur donner des médicaments. Avec les bébés malades, c’est encore plus difficile, car ils ne comprennent pas que le médicament atténuera …


Equipez-vous de masques chirurgicaux produits en Ille et Vilaine - Union des Industries et des Métiers de la Métallurgie Ille-et-Vilaine - Morbihan\nActualités Actualités du réseau\nAccueil > Equipez-vous de masques chirurgicaux produits en Ille et Vilaine\nEquipez-vous de masques chirurgicaux produits en Ille et Vilaine\nAprès avoir réagi en 2020 pour proposer ce nouveau service de commande et de livraison de masques dans le cadre de la crise sanitaire COVID 19 et de la pénurie de masques, le Bureau de l’UIMM 35-56 a considéré qu’il n’était plus pertinent de proposer ce service de commande groupée, ces produits ne rencontrant plus de problème d’approvisionnement et les tarifs du marché ne nécessitant plus de jouer sur les volumes.\nNéanmoins, pour continuer à vous proposer une solution, nous avons cherché une offre bretonne qui soit au meilleur rapport qualité / prix et délais. Nous avons testé ces masques et ils sont de qualité. Vous pourrez trouver les informations indispensables dans la fiche descriptive jointe ainsi que sur le dossier technique, et notamment les réponses à la réglementation sur les masques en entreprise.\nC’est pourquoi nous pouvons vous conseiller une entreprise appartenant au réseau des adhérents UIMM 35-56, l’entreprise MP TEC à Québriac (35) qui produit et vend des masques chirurgicaux jetables.\nVoici les tarifs pour une boîte de 50 masques (bleu ou blanc), négociés pour les adhérents de l’UIMM 35 – 56 uniquement :\nmoins de 2 000 masques : 4.74 € HT *\n2 000 à 3 999 masques : 4.60 € HT *\n4 000 à 9 999 masques : 4.50 € HT *\n10 000 à 20 000 masques : 4.41 € HT *\nau-delà et jusqu’à 50 000 masques : 4.10 € HT\nL’entreprise propose également des commandes groupées destinées à vos collaborateurs, concernant des masques de couleur. Vous pouvez télécharger le bon de commande en cliquant sur ce lien.\nVous pouvez contacter le service commercial dédié aux industriels en précisant que vous êtes adhérent à l’UIMM 35 – 56 :\nMonsieur Pierre-Marie FLEURY


Peindre, dit-elle - Chap. 2 by Chamalot - Issuu\nMusée des beaux-arts de Dole 85 rue des Arènes 39100 Dole\nDirectrice : Amélie Lavin Responsable des expositions temporaires et des collections : Samuel Monier Responsable administratif : Antoine Mauchamp Responsable de la régie technique : Laurent Rouge, assisté de Marc Ocler et d’Olivier Berthet Responsable du service des publics : Laurence Collombier Équipe des médiateurs : Solène Aziz, Béatrice De Dumast, Élisabeth LegrosBöttcher, Nicole Régnier et Sylvie Gatto, professeur détaché Agents d’accueil : Catherine Berthet, Olivier Berthet, Claire Chevaux, Patricia Grandjean, Stéphanie Rouge, Laurent Saillard et Brigitte Saunier\nMusée départemental d’art contemporain de Rochechouart Place du château 87600 Rochechouart Direction : Sébastien Faucon, Conservateur du patrimoine Responsable administratif : Dolorès Javelaud Service des publics : Rosine Saint-Rems, Chantal François-Texier, attachées de conservation Responsable de la sécurité des bâtiments : Laurent Vouzelaud Régisseurs : Ollivier Prigent, Christophe Désiré Agents d’accueil : Karine Raynaud, agent d’accueil et secrétariat, Geneviève Barbe, Jean-Luc Barbier, Jean-Sylvain Cresp, Marie France Filleul, Patrice Lefèvre, Fanny Mefredj et Sylvie Pradignac\nCet ouvrage est publié avec le soutien de : Chamalot – Résidence d’artistes. Chamalot, 19300 Moustier-Vendadour. Tél. : + 33 (0)5 55 93 05 90.\nÉditions du Sékoya\nPeindre, dit-elle Entretien entre Julie Crenn, Amélie Lavin et Annabelle Ténèze\nJulie Crenn / Pourquoi avoir souhaité reprendre le projet au musée à Dole ? Amélie Lavin / Pour plusieurs raisons. La première étant qu’au moment où l’exposition s’est ouverte à Rochechouart, je me suis dit, tenant le carton d’invitation dans mes mains (et il est toujours sur mon bureau depuis…) que c’était une exposition que j’aurais eu envie de faire. Plus sérieusement, il me semble encore essentiel d’œuvrer de façon active et même parfois un peu « brutale » à donner de la visibilité aux artistes femmes, puisque l’institution dans sa globalité ne le fait toujours pas de façon naturelle. Le musée de Dole a régulièrement invité par le passé des artistes femmes dans sa programmation contemporaine (pour l’art ancien cela reste plus complexe). Mais malgré tout, les figures masculines restaient majoritaires dans la programmation et surtout dans la collection pour des raisons essentiellement « historiques », le musée s’étant développé largement autour de la Figuration Narrative, qui comptait peu, voire pas, de femmes dans ses rangs. Aussi ai-je décidé, dans ma réflexion sur le projet scientifique et culturel du musée, de travailler activement sur cette question de la visibilité donnée aux femmes. La dimension clairement militante, féministe, de ce projet d’exposition, je la fais totalement mienne. Il m’est alors apparu comme une évidence, puisque toutes deux souhaitiez donner une suite au premier moment de Peindre, dit-elle, et que vous cherchiez un lieu pour lui donner corps, que ce devait être à Dole. Parce que c’est un musée qui chemine depuis des années avec la peinture, une peinture plutôt figurative, mais qui s’ouvre de plus en plus sur d’autres formes, interroge ce qu’est ou pourrait être la peinture, touche ses limites supposées. Depuis deux ans, nous avons exposé plusieurs artistes, hommes et femmes, qui travaillent d’autres médiums tout en parlant ou tournant autour de la peinture. Je voulais cette année montrer à nouveau de la peinture, tout en maintenant justement ouverte cette question des limites, que l’on s’attache ici désormais à dépasser. Votre projet rencontrait donc parfaitement celui que\nje défends à Dole, dans une forme de déplacement et de continuité avec l’histoire de ce musée. Et puis l’idée me plaît que nous reprenions et poursuivions ensemble un projet déjà entamé ailleurs, qui se déplace, évolue, grandit… se poursuivra peut être encore après… A.L. / De votre côté, comment voyez-vous, et vivez-vous le fait de continuer ce projet sous une autre forme, dans un autre lieu ? J.C. / Le premier volet nous a valu de nombreuses critiques et incompréhensions : pourquoi présenter une exposition avec uniquement des femmes artistes ? On nous a reproché de choisir des femmes avant de se pencher sur l’œuvre en lui-même. Pourquoi ces dix-neuf artistes ? Pourquoi tant de figuration ? Pourquoi une seule œuvre par artiste ? Tous nos choix ont été remis en question. Je me demande toujours quelles auraient été les questions si nous avions présenté une exposition classique, dix-neuf hommes artistes, une peinture par artiste etc. Je suis certaine que les réactions, tant du point de vue de la critique, que des artistes et des visiteurs, n’auraient pas été aussi vives. Il m’a paru important de poursuivre ce projet en invitant deux fois plus d’artistes pour construire une exposition qui soit un manifeste en faveur de la peinture et un geste militant envers la représentation, la visibilité des femmes artistes. L’idée d’un manifeste se retrouve d’ailleurs dans une des salles du musée, où un très haut mur est investi par quarante œuvres, des quarante artistes invitées. Les œuvres sont rassemblées, sans hiérarchie, engagées toutes ensemble dans une même recherche, picturale, plastique, esthétique, poétique, politique. Je tenais beaucoup à ce mur, à cet accrochage qui nous a permis de toutes les réunir. Annabelle Ténèze / Je souscris au constat que vient de tirer Julie. Scène française, peinture, femmes… C’est comme si nous avions appuyé sur tous les buzzers de la machine à claques. Je dois cependant nuancer un point, puisque j’ai vécu quotidiennement avec l’exposition, ce type de remarque est\ndavantage venu du monde de l’art que des visiteurs du musée qui, au-delà du postulat de départ, ont davantage regardé le résultat artistique qu’ils avaient sous les yeux. J’ai été tellement surprise de comment était retourné le discours sur la ghettoïsation. Ne montrer que des femmes, même à titre de prise de position curatoriale, serait stigmatisant alors qu’une exposition collective thématique ou une sélection pour un prix ne comprenant qu’une, voire aucune artiste femme, n’ont suscité pendant longtemps que peu de réactions. Du point de vue de ma pratique de travail, cette expérience, comme pour Julie, je pense, qui vient de présenter Her Story. Des archives à l’heure des postféminismes avec Pascal Lièvre à la Maison des arts de Malakoff, m’a poussée à davantage définir ma position et à m’exprimer publiquement en tant que professionnelle sur ces sujets. Alors, lorsque Orlando Jinirio Britto, directeur du Centro Atlántico de Arte Moderno, à Las Palmas de Gran Canaria et Manuel Olveira, directeur du Musac de León, m’ont proposé de participer au projet L’iris de Lucy. Artistes africaines contemporaines, juste quelques mois après la première version de Peindre, dit-elle, je me suis souvenue d’une remarque d’une artiste femme, extérieure au projet, me disant d’être attentive à l’effet « quota », c’est-à-dire une institution fait une exposition dite de représentativité, même si je n’aime pas le terme, puis oublie ces mêmes artistes dans ses monographies, ses autres projets, sans parfois même y faire attention. Donc je me suis engagée sur ce nouveau projet avec une position plus assumée ! Ces deux expositions ont été des aventures humaines, artistiques, intellectuelles très fortes. De manière plus positive, nous avons eu l’idée d’un second volet dès avant l’ouverture car, à l’annonce de l’exposition, nous avons reçu des messages d’artistes ou de critiques nous indiquant de nouveaux travaux passionnants… Il fallait déjà réfléchir autrement, et faire de ces regrets un nouveau projet constructif, que voici. Tout comme la liste des quarante artistes aujourd’hui n’est pas exhaustive, et ces manques témoignent une nouvelle fois de cette même vitalité artistique.\nJ.C. / En parlant de manques, de non-exhaustivité, cette question pourrait-elle être posée telle quelle à propos d’expositions où sont invités majoritairement des hommes ? N’est-elle pas seulement posée lorsqu’une exposition réunit des femmes, ou des artistes extra-occidentaux ? A.L. / D’une certaine façon oui, tu as raison. Dans les expositions collectives où sont présents essentiellement des hommes, on se félicite souvent du nombre, de la diversité, on souligne des parentés, des artistes qui « auraient pu y être », mais c’est rare qu’on fasse ressortir avec autant de brutalité que pour le premier volet de Peindre, dit-elle la nonexhaustivité d’une exposition. C’est totalement absurde. Comme si toute exposition n’était pas de toute façon une affaire de choix, de subjectivités, donc nécessairement de manques. Comme si il n’y avait qu’une seule et unique façon de montrer le travail des artistes femmes, une seule exposition possible. C’est un raisonnement biaisé, qui reste celui de la culture dominante : d’un côté on aurait les « artistes », ceux pour qui on assumerait que les exposer c’est sélectionner, choisir, affirmer sa personnalité de critique, de commissaire, ouvrir des pistes sans clore le champ des possibles et des chemins ouverts par le monde de l’art aujourd’hui. Et de l’autre côté, on aurait les « femmes artistes », pour lesquelles il faudrait au contraire savoir tout dire, tout montrer, tout expliquer en une (deux, trois peutêtre, allez) exposition. Tu as raison de souligner que c’est le même genre de remarques – de critiques – qu’on adresse aux projets regroupant des artistes des scènes extra-occidentales. En fait, on ne sort jamais d’une vision du ghetto : une exposition avec des femmes devrait tout dire de ce que sont les femmes artistes, une exposition avec des artistes africains devrait tout montrer de ce peut être la scène artistique sur le continent africain. Évidemment c’est terrible de se dire qu’on en est encore là : on invite des artistes femmes pour leur donner enfin\nde la place et faire en sorte qu’un jour ce type de question ne soit plus à poser. Pour montrer justement, comme le disait Annabelle, la vitalité mais aussi la complexité, la diversité du travail mené par toutes ces femmes. Il manquera toujours des artistes dans toutes les expositions, et heureusement… C’est ce qui fait moteur, désir, levier, pour inventer de nouveaux projets et découvrir sans cesse de nouvelles et de nouveaux artistes. Moi, ce qui m’intéresse justement dans votre projet à toutes deux, que je suis heureuse de porter avec vous désormais, c’est son côté ouvert et généreux : il ne s’agit pas de penser une histoire de l’art des femmes, rectiligne et univoque, comme l’a longtemps été l’histoire de l’art tout court (d’ailleurs longtemps écrite par des hommes) mais de participer à l’écriture d’une nouvelle histoire, plurielle, pluridisciplinaire et qui sorte des discours dominants encore très puissants aujourd’hui. J.C. / Oui, et ce que je constate, concernant les expositions réunissant exclusivement des femmes artistes, c’est une vision unidirectionnelle portée vers le sujet de la « féminité ». Des problématiques qui enferment une fois de plus le travail plastique des femmes, qui sont assignées à un territoire, celui de l’expérience féminine, celui du corps. Cette vision essentialiste est à revoir et à déconstruire. Ce que nous avons souhaité avec Annabelle, bien au contraire, par le choix des pratiques et plus spécifiquement des œuvres, c’est d’ouvrir ce champ de l’expérience strictement féminine au champ de la peinture, de l’histoire, de la couleur ou de la lumière. De montrer que les femmes peintres n’ont finalement aucune spécificité, elles sont peintres, artistes, avant tout. A.T. / Cette question soulève également, du point de vue de l’histoire de l’art et de la muséologie, celle de la définition de l’exposition collective. J’aime l’idée qu’une exposition n’est pas définitive, qu’aucun sujet n’est totalement inédit, ni chasse gardée, mais qu’au contraire, une proximité et une dissemblance font sens. J’ai lu avec beaucoup d’intérêt par exemple\ndernièrement l’article de Roxana Azimi qui soulignait qu’il y avait eu la même année, l’exposition Body Talk au Wiels puis au FRAC Lorraine, L’Iris de Lucy au MUSAC de León et au Musée d’art contemporain de Rochechouart, puis L’autre continent au Museum d’histoire naturelle du Havre : trois expositions au postulat proche, aux résultats très différents mais qui dessinent une interrogation commune et des angles de réponse différents, qui tous ensemble font sens. J’ai aussi remarqué que l’approche de Peindre, dit-elle fait écho à d’autres projets vus à l’étranger ces dernières années. C’est, sous l’angle de la scène, une interrogation universelle. Pour Peindre, dit-elle, on nous a parlé d’effet « salon », avec un ton de reproche, sous-entendu : le non-choix, mais pour moi, c’est une forme de compliment. J’aime demander à chacun quelle serait son œuvre préférée. Que tout le monde choisisse une œuvre avec une évidence dans la voix, alors que chacun en retient une différente. Tout ne doit pas être définitif dans la lecture que l’on propose. Et si on aime moins certains travaux, que certains ressortent davantage, tant mieux. J.C. / J’aimerais savoir comment vous deux, qui êtes conservatrices, vous envisagez la collection du musée. Quelle est la part des œuvres de femmes artistes ? Quelle est votre position, quel est votre engagement vis-à-vis de ce qu’on imagine facilement être un manque ? A.L. / À Dole, comme dans la plupart des collections publiques en France, les femmes sont totalement sous-représentées dans la collection. Dans le fonds ancien on compte cinq femmes, soit huit œuvres, dans le fonds moderne et contemporain dix-sept et encore, en comptant des duos comme Ida Tursic et Wilfried Mille. Au total donc vingt-neuf œuvres sur une collection beaux-arts et art contemporain qui en compte 2 500… si on fait un bête calcul on a donc une représentativité des femmes dans notre collection à 1,16 %. Ça se passerait presque de commentaires…\nOn sait que cette situation est très généralisée sur l’ensemble des collections publiques, donc une fois qu’on a fait ce constat-là, que fait-on pour préparer l’avenir et œuvrer à rééquilibrer les choses ? Pour le fonds ancien, de toute façon, la collection est très peu amenée à se développer et le sera toujours au gré d’incidences ou de « bonnes occasions ». L’idée est donc tout simplement d’être en alerte sur les possibilités d’augmenter la présence des femmes dans ce pan de la collection, notamment en essayant de mener un travail de recherche, puisque notre fonds est en partie constitué autour de maîtres « locaux », sur les femmes artistes originaires de la région ou y ayant travaillé, notamment au XIXe siècle où l’on sait que les femmes étaient très nombreuses au Salon. Et puis travailler sur des dépôts de façon plus militante. Ce travail-là reste encore à faire. Pour le fonds contemporain, le travail est énorme mais il est plus facile, c’est clairement une question de politique de programmation et d’achat de l’établissement. Quand je suis arrivée à Dole, même si j’ai toujours été très féministe, j’étais tellement enthousiasmée par le lieu, la programmation à construire et la collection à comprendre, à embrasser, que je n’ai pas pris toute suite la mesure de ces manques. Ou plutôt je l’ai prise, mais j’ai abordé le problème de biais, en m’attaquant à la programmation, invitant tout de suite une femme, Morgane Tschiember, pour un colossal projet monographique, une véritable exposition manifeste pour moi et pour elle, et en faisant rentrer une de ses œuvres dans la collection à cette occasion. À partir de là, j’ai commencé à faire le point sur l’état de la collection et à me dire qu’il fallait y faire rentrer les femmes de manière massive. Malheureusement, nous n’avons plus de budget d’acquisition pour le moment donc il va falloir ruser, trouver des dépôts, susciter des dons, et puis tout faire pour relancer une politique d’achat rapidement. Dans la mesure où notre collection contemporaine s’est bâtie à partir de la Figuration narrative, elle compte encore très peu de femmes, mais elle s’est déjà un peu développée autour de la peinture contemporaine – plutôt figurative. Mon objectif aujourd’hui c’est de poser dans le projet scientifique du musée que la collection contempo-\nraine travaille essentiellement deux axes : la question de l’image (et du rapport à l’histoire, à l’archive, au récit) et celle du politique, qui se rejoignent d’ailleurs. Là-dedans, on pose désormais comme principe que la collection doit significativement – pas exclusivement, ça n’aurait pas de sens au regard de la collection et de son histoire – s’enrichir d’œuvres faites par des femmes, pour rétablir une vraie représentativité. Quant on bâtit une politique d’achat pour une collection publique on réfléchit en terme de manques et de lacunes à combler. Ça ne gêne personne de dire « il faut acheter des pièces des années cinquante » pour compléter une collection contemporaine qui serait lacunaire sur cette période-là, je ne vois pas pourquoi ce serait un problème donc, de la même façon de dire tout simplement : les femmes ne sont pas représentées dans nos collections, il faut les faire rentrer largement désormais. Je crois donc que nous sommes obligés d’être davantage volontaristes, toutes et tous, si nous voulons un jour ne plus avoir à se poser la question. A.T. / Il y a plusieurs types d’égalités, ou d’inégalités, qui posent question au sein de nos institutions mais aussi au sein du marché. Pourquoi y a-t-il davantage d’étudiantes que d’étudiants dans les écoles d’art, puis beaucoup moins de femmes qui passent le cap de la professionnalisation ? Pourquoi moins d’expositions, mais aussi pourquoi moins de femmes dans les artistes représentés dans les galeries ? Il est important de rappeler que les mêmes différences d’évolution professionnelle et de moyens économiques touchent autant les femmes dans l’art que dans la vie professionnelle en général. Une femme vend en moyenne moins, et moins cher. Et le critère de l’âge, présent dans l’évolution des carrières d’une majorité d’artistes, est accentué pour les artistes femmes. Plusieurs galeristes – pas seulement en France – m’ont rapporté qu’un acheteur, quelle que soit son origine ou sa motivation, personnelle ou institutionnelle, demande systématiquement l’âge d’une artiste femme. Une femme vend davantage quand elle jeune ou quand elle devient âgée. Le syndrome de la découverte puis le syndrome dit « Louise Bourgeois ». Entre quarante et soixante ans… et bien, il\nfaut tenir bon, et plus que pour un homme. Ramener à nos politiques d’achat, l’égalité, qu’est-ce que c’est ? C’est pour moi une définition qui s’affine, mais reste problématique. De toute manière, la quête du musée global est un idéal, mais auquel on doit néanmoins essayer de tendre, dans une version plus concrète qui serait celle d’un musée humaniste, c’est-à-dire, à partir de l’histoire et de la situation de l’institution, rechercher une représentativité des dimensions humaines et culturelles universelles, qui passe par un rééquilibrage, plus que par un échantillonnage. Ainsi, si j’ai participé à des expositions mono-sexes ou mono-scènes, cela s’est reflété bien sûr dans les politiques d’achat, mais je me refuse à l’appliquer de manière exclusive sur la politique d’acquisition. Volontarisme, oui, systématisme, non. Pour conclure sur la question des chiffres, pour Rochechouart, dont la collection a trente ans, il y a environ un quart d’artistes femmes ; pour Les Abattoirs de Toulouse, je n’ai pas actuellement les chiffres. On a beau – j’ai beau – être politiquement correcte, c’est plus difficile pour certains que pour d’autres, et je le dis encore plus librement, que ma position – conservatrice d’état, en responsabilité d’institution culturelle – me permet de l’être. On peut le regretter, le nier, nous reprocher de le dire, cela ne changera rien à ce fait, sauf si on évolue de manière globale, tous ensemble, et à tous les niveaux. D’où le choix d’actions ponctuelles volontaristes, car cela bouge, mais lentement… A.T. / Pour terminer cet échange, j’aimerais avoir votre point de vue sur ce que cette exposition, avec ses deux chapitres, vous semble révéler de la scène artistique actuelle en France. A.L. / Elle témoigne d’abord de la vitalité et de la présence incontournable de la peinture – et de l’importance des femmes dans ce processus de retour à ce médium – sur la scène contemporaine. C’est un phénomène qu’on observe depuis des années déjà, et le temps semble presque loin où faire de la peinture, ou en montrer dans nos lieux c’était juste être\nringard… Mais ce qui frappe là, c’est surtout la diversité des approches, des familles, des protocoles, et une forme d’éclatement des chapelles : l’ancienne opposition entre abstraction et figuration a désormais perdu son sens pour faire place à des pratiques qui viennent se nourrir du monde d’aujourd’hui autant que de l’histoire, qui réinventent la longue histoire de la peinture, multiplient, se réapproprient, détournent des techniques anciennes tout en utilisant des outils contemporains. Cette diversité, qui est une richesse, me semble bien représentative de ce qu’est la scène artistique contemporaine: un territoire d’insularités, de familles, de constellations, qui – au lieu de s’opposer, se combattre puis se succéder dans un mouvement qui serait celui de l’histoire de la modernité telle qu’elle s’est écrite pendant deux siècles – se regardent, coexistent, échangent, se déplacent… Ainsi, de nombreuses et nombreux artistes – cette exposition le montre bien – peuvent aujourd’hui s’intéresser à l’histoire de l’abstraction, la réinventer, et produire à côté, en même temps, une œuvre figurative, voire une œuvre aux confins des deux. Par ailleurs, elles, ils sont souvent tout simplement artistes, jouant des médiums en fonction des projets, des moments, des envies et des rencontres ou des lieux qui les invitent, pratiquant à la fois la peinture, la performance, la sculpture, les nouveaux médias etc. Ce que montre je crois Peindre, dit-elle, c’est une volonté de ne pas classifier et de laisser visible, vivace, active même je dirais, la coexistence intelligente d’hétérogénéités : ainsi de la pratique d’une artiste comme Élodie Lesourd, qui considère la peinture comme un acte conceptuel – une interprétation ou une transcription par les moyens de la peinture d’une première image – au protocole gestuel à la fois expérimental et précis de Claire Chesnier ou à la peinture voyante (au sens rimbaldien du terme), psychédélique, de Vydia Gastaldon, en passant par tant d’autres que je ne peux citer ici, on constate que toutes ces artistes et leurs œuvres peuvent se rencontrer, se faire face, dialoguer, sans rien perdre de leurs spécificités et de leurs histoires propres. Le mur manifeste en est la forme la plus évidente : toutes ensembles, ces œuvres, à un\nmoment donné, coexistent, font sens, disent quelque chose (de multiples choses) du monde d’aujourd’hui, de l’art et de ses réalités, éternelles ou strictement contemporaines. D’une certaine façon elles sont résolument actuelles, ici et maintenant, et constituent aussi déjà une forme d’archive…\nJ.C. / Je suis tout à fait d’accord avec Amélie, l’exposition témoigne, d’une manière encore une fois non-exhaustive, de la pluralité des pratiques et de la liberté dont jouissent les artistes envers un medium qui traverse le temps et les civilisations. Il n’est plus question de chapelles, la peinture est envisagée sous toutes ses formes, pas uniquement sur une toile tendue sur un châssis en bois. Elle s’installe sur les murs, prend l’espace, se glisse sur différentes matières, elle est bombée, appliquée au rouleau, reproduite sur papier (je pense en particulier à l’œuvre proposée par Nina Childress, qui est une affiche échelle un de l’œuvre originale). Et, quand la forme reste traditionnelle, ce sont les sujets et les préoccupations picturales qui démontrent à quel point la peinture n’en a pas fini de nous étonner, de nous émouvoir, de nous agacer, de nous perturber, bref, de nous amener à penser autrement la question de l’image. Le temps de la peinture génère une relation étirée à l’image, au support, à la matière. À l’heure du tout numérique, des images filantes et zappantes, on pourrait se demander pourquoi les artistes continuent et s’obstinent à peindre ? À mon sens, l’acte et la volonté de peindre représentent un engagement politique fort, qui prend à rebours nos nouvelles habitudes visuelles. La peinture, par son histoire et son actualité, transpire une résistance et une temporalité nécessaires aux regards critiques que les artistes portent sur nos sociétés passées et présentes. A.T. / Une nouvelle fois, je ne peux que m’accorder sur ce que vous soulignez : la non-exhaustivité de l’exposition et des pratiques, la liberté du rapport à l’histoire du medium, et sa pertinence toujours intacte. Il n’y a jamais eu de mort de la peinture, elle n’a eu lieu que dans le débat, et finalement son oraison funèbre est plus belle que sa mort. Je plaisante,\nmais je veux dire par là que c’est le débat lui-même qui a été plus important pour définir l’histoire de l’art que sa réalité, et on voit bien que le débat sur la mort de la peinture est mort depuis bien longtemps, même s’il a perduré plus longtemps surtout… en France. Car il ressort aussi de cette exposition que dans un village globalisé, selon l’expression prémonitoire de Marshall MacLuhan, et bien il y a toujours des villages, et qu’ils sont sympas à regarder. On voit dans l’exposition qu’il y a des différences selon l’histoire de chacune, sa formation (cela se voit notamment dans le travail de l’Italienne Giulia Andreani ou chez la Bulgare formée en Allemagne Oda Jaune). On voit aussi que, s’il y a bien des peintures profondément modifiées par les nouvelles technologies comme celles liées à l’esthétique des jeux vidéos d’Amélie Bertrand, ou le travail préparatoire du dessin ou de l’image via l’ordinateur comme chez Marion Charlet, Amélie Bertrand ou Élodie Lesourd, il y a encore peu d’impact de la virtualité sur cette peinture, à l’instar par exemple de ce que l’on pourrait trouver chez l’Américaine Avery Singer, ou des exemples de cette veine abstraite issue de l’impression technologique que l’on a récemment appelé la Zombie Abstraction. Est-ce une spécificité de la scène française ? Nous aurons la réponse dans quelques années. En revanche, il est vrai que les peintres performeuses sont très présentes dans Peindre, dit-elle, tout comme une veine figurative post-surréaliste, une peinture sculpturale voire installative plutôt qu’abstraite ; il y a également plusieurs peintures murales, qui marquent vraiment le retour de cette pratique. Malgré la faible part de travaux post-internet, on constate tout de même qu’une peinture de l’archive se développe à partir de l’exploration des images via le Net. Parfois je m’amuse aussi à lister toutes celles qui auraient pu être dans l’exposition, notamment les plus jeunes : la peinture de portrait scarifiée d’une Pauline Zenk, le blanc et noir d’un comics semi-abstrait de Julie Beaufils, le girly kitsch et mélancolique d’une peintrediva à la Lucile Littot… Et j’attends la suite avec impatience…\nDès le début de son exploration artistique, les dessins de l’artiste franco-genevoise contenaient déjà les germes de son travail pictural. C’est ce passage, du monde libre et léger du dessin à la matérialité et à la force physique de l’acrylique qui est au cœur même des préoccupations esthétiques de Vidya Gastaldon. La pratique figurative de l’artiste permet d’évoquer des formes habitant un espace merveilleux, où la nature semble dotée d’une force magique. Finalement, cet environnement cosmique semble être le lieu véritable d’une écologie qui englobe tout un ensemble complexe. Les motifs de philosophie indienne sont aussi présents, via des évocations de la « super énergie » des Shakti, principe féminin de force, de puissance et d’énergie vitale en sanskrit. Ce sont finalement de petits dieux ensemenceurs qui nous rappellent deux aspects liés, l’érotisme avec l’extase et la joie, et la matière, avec la vie. « Le rêve, la vision, l’hallucination, ne sont pas des perturbations fâcheuses de l’esprit, mais plutôt des portes vers la compréhension du soi et du monde ». Marco Pasi, Soigner l’invisible, sauver l’impossible, 2016 — 12\nGarden Party, 2013 acrylique sur toile 205 x 280 cm Courtesy de l’artiste et Art Concept, Paris, cl. Fabrice Gousset\nÀ corps perdu Ce qui est tombé au bas de la feuille, c’est le dépôt du temps du regard. D’un temps qui fait les couleurs, silencieusement. Le regard ne s’échoue pas, il se noie dans la marge obscure des dispersions et des mélanges. (…) Ces feuilles font l’effet de fenêtres embuées ou de voiles, aucun geste n’est convoqué pour démasquer ou arracher derrière elles une quelconque profondeur. En se faisant étendue, comme une flaque d’eau se répand sur le sol, la surface atteint le comble de la vieille leçon antique, il n’y a rien derrière les apparences, il faut renoncer aux choses passagères et séduisantes. Lorsque enfin le regard atteint les limites de la couleur, la surface se fait interrogation. Corinne Rondeau, Offshore art contemporain – Languedoc-Roussillon Midi-Pyrénées, septembre 2016\nCCCXVIII, 2016 encre sur papier 146 x 133,5 cm Courtesy de l’artiste\nL’approche conceptuelle d’Élodie Lesourd utilise la musique comme voie d’accès à des questionnements ontologiques. En parallèle d’une analyse sémiologique protéiforme, l’hyperrockalisme révèle les enjeux d’une pratique codée. Transposition à l’acrylique et à échelle 1:1 de vues d’installations d’autres artistes baignés de culture rock, les peintures d’Élodie Lesourd tentent de saisir l’insaisissable. La précision de l’exécution, bien que débarrassée de toute empreinte subjective, et le dévouement apporté à un travail réalisé à main levée marquent la naissance d’une nouvelle œuvre. Dès lors, l’éphémère du réel glisse sous les strates picturales dans une pérennité déroutante – comme avec Lust Magic Obscure (2016) – et l’étrangeté silencieuse aux multiples interprétations remplace l’unité de l’instant (Step into the Gloom, 2017).\nStep Into The Gloom, 2016 (courtesy K. Smolenski)\nacrylique sur MDF 96,4 x 145 cm Courtesy de l’artiste et galerie Lily Robert, Paris\nRégulièrement, le spectateur croit reconnaître des motifs issus du monde réel dans tes peintures, telles que Pull (2008) ou BlackJack (2012) ou encore Coffee Paintings (2012), Expresso Cappuccino, Macchiato, Americano initiées lors de tes nombreux séjours en Italie. À quel niveau l'évocation du réel est-elle importante pour toi ? Le point de départ des tableaux est souvent un motif trouvé. Cela peut être la toile elle-même. En même temps, un tableau est aussi réel, il a cette présence du réel, pas seulement par le choix du sujet. Le tableau pose une distance, mais permet de se rapprocher. Il permet de montrer les choses en dehors de leur contexte. C’est vrai que le réel est souvent la source, mais c’est cet écart avec le tableau qui m’intéresse. Parfois l’origine du tableau est simplement picturale. Il n’y a rien au départ. Comment orchestres-tu cette tension entre abstraction et représentation ? — 18\nMa compréhension de l’abstraction est très liée au mouvement néo-concret brésilien. Des artistes comme Hélio Oiticica et Lygia Clark, en partant de la géométrie et de la couleur, sont allés naturellement vers l’espace, l’objet et la performance. Ils ont « absorbé » les avant-gardes de manière très intuitive. Je me sens proche de cette attitude non-dogmatique, plus expérimentale. La représentation dans mon travail vient plutôt du Pop Art, du point de vue de la facture notamment. Extrait d'un entretien avec Arlène Berceliot Courtin, 2014\nZimbadas, 2014 acrylique sur toile 130 x 89 cm Courtesy galerie Emmanuel Hervé, Paris, cl. Aurélien Mole\nLumiĂ¨re et Couleurs\nÀ l’instar de Dépaysages, l'œuvre récente d'Alexandra Roussopoulos est celle d'une rencontre avec l'espace, qu'il soit absorbé ou investi. On assiste à la naissance d'un horizon : les lignes se tendent et se durcissent, comme en gage d'une stabilité trouvée avec le contour – comment oublier les courbes nuageuses que la peintre donnait auparavant à ses châssis ? Mais toujours, ces lignes ont la légèreté des dégradés que l'on ne connaît qu'au ciel. Les voilà qui donnent une forme nouvelle à la couleur. Depuis notre imaginaire à géométrie variable, ces polygones sont un no man's land où notre esprit apprivoise le deuil, une contrée mentale où les âmes sont libres de leurs errances, un « dépaysage » où l'abandon n'existe pas tant qu'on a le souvenir. Où l'absence se touche. Où l'émotion se regarde et se lit entre les lignes. Lola Levent\nDépaysages, 2017 Peinture murale, acrylique et papier de riz 280 x 515 cm Courtesy de l’artiste © Musée des Beaux-Arts de Dole, cl. Jean-Loup Mathieu\nDans une société où le système visuel est construit à partir de l’image, la peinture n’est pas une technique de reproduction du visible de plus, mais une pratique qui interroge les différents modes de visibilité du réel. Je considère que les investigations des peintres sont acquises ; l’histoire du tableau est tellement vieille qu’il en devient un lieu disponible, un espace de pensées stratifiées, à la fois spécifique et générique. Je le prends tel qu’il est : une surface. Je travaille à partir de formes « extraites », ces formes issues du réel, n’en sont néanmoins pas des représentations dans le sens d’une figuration, mais des schémas, des synthèses d’objets, des empreintes du monde. Travailler avec peu m’intéresse. Mes peintures ont toujours à voir avec le monde, sans le représenter. Les questions du quoi peindre et du comment peindre me semblent fondamentales.\nSans titre (Monochromes décoratifs), 2014 acrylique sur toile 114 × 162 cm Courtesy de l’artiste © Marc Domage\nProfil noir (2001) est une peinture/écran de Cécile Bart qui, selon l’humeur de la personne qui l’expose, peut être fixée au mur ou disposée en épi. L’épi est comme un tableau qui aurait pivoté sur des charnières invisibles pour venir se placer perpendiculairement au mur, tandis que le tableau peut s’imaginer comme un épi qui a été rabattu. Fenêtre ouverte ou fenêtre fermée ! Face au mur, on voit la tranche du châssis et la couleur est plus dense, tandis qu’en se décalant sur le côté on peut voir l’espace d’exposition à travers la peinture/écran. Le Profil condense toute l’aventure de la peinture selon Cécile Bart, une peinture qui se détache du mur pour dialoguer avec le réel et mettre le spectateur au centre du dispositif, en l’incitant au mouvement, au décentrement, au jeu avec la profondeur de champ, au hors-champ.\nProfil noir, 2001 peinture glycérophtalique sur tergal « plein-jour » 190 x 190 cm Courtesy de l’artiste © Musée des Beaux-Arts de Dole, cl. Jean-Loup Mathieu\nAu-delĂ de la surface\nExplosive, colorée et plurielle, la peinture de Delphine Trouche est à la recherche d'un ailleurs où la dimension physique et métaphysique règne pour y convoquer de nombreuses références oscillant entre les avant-gardes, le modernisme et la science-fiction (…) Espace dans l'espace, ces peintures murales sont de véritables incisions dans les murs jouant avec une perpétuelle mise à plat des éléments peints évoquant le souvenir de fresques antiques (…) Dans cette multiplicité des mondes, à la fois en terme d'état et d'espace, les œuvres de Delphine Trouche tendent vers « un art intérieur cérébral » si cher à Apollinaire lorsqu'il écrivait sur l'œuvre de Giorgio De Chirico. Marianne Derrien\n« Le but dans la vie, c'est d'être heureux. Le moment pour être heureux, c’est maintenant. Et l'endroit pour être heureux, c'est ici ». Gérard Blitz, fondateur du « Club Med » — 30\nRiverrum, past Eve and Adam’s, 2017 Peinture murale, acrylique Courtesy de l’artiste © Musée des Beaux-Arts de Dole, cl. Jean-Loup Mathieu\nDominique De Beir est née en 1964, elle vit et travaille à Paris et en Picardie maritime. Elle est représentée par la Galerie Jean Fournier (Paris), la Galerie Réjane Louin (Locquirec), la Galerie Phoebus (Rotterdam), co-fondatrice de Friville Éditions depuis 2011 et professeure à l'ESADHAR, site Rouen depuis 2005. De nombreuses expositions ont ponctué sa carrière depuis 1996 tant en France qu’à l’étranger, elle a participé à l'exposition Le papier à l'œuvre au musée du Louvre en 2012 et récemment au Château du domaine de Kerguehennec. Le point est la pierre angulaire de son travail. Le point comme une écriture et comme une percée, pris dans une gestuelle répétitive. Le point tout à la fois précis et hasardeux. Il est le geste minimal qui construit un ensemble. En creux ou en relief, il est la marque unique d’une force appliquée à la surface. Il est aussi l’entité de base d’une écriture singulière : le braille. Dominique De Beir utilise le point selon ces deux acceptions : accroc et caractère. — 32\nCoin, Altération, 2016 peinture, impacts sur polystyrène 220 x 60 x 4 cm x 2 Courtesy de l’artiste, galerie Jean Fournier, Paris\nSarah Tritz (née en 1980) est diplômée de l'École Nationale des Beaux-Arts de Lyon. Elle n’a pas de medium de prédilection. Néanmoins, sa pratique convoque sculpture, peinture et dessin, qui s’harmonisent et s’entrechoquent dans des mises en espace précises. Ses pièces sont des reprises de formes aux origines et identités éloignées (comme une peinture rupestre et un personnage de cartoon). Afin de recopier les modèles – avec plus ou moins de fidélité – différentes techniques et matériaux sont mis en œuvre. Cette méthode de travail provoque des ruptures franches de styles et de genres, introduisant ainsi une dialectique qui permet à Sarah Tritz d’affirmer la copie comme processus de création.\nLe travail de Sarah Tritz a été récemment montré dans une exposition personnelle à la Fondation d’entreprise Ricard (commissariat Claire Moulène) ainsi qu'au Parc Saint Léger en 2014 ou encore à Bétonsalon en 2008. Elle a également participé à de nombreuses expositions collectives, à Passerelle (Brest), au Centre international d'art et du paysage (Île de Vassivière), à la Galerie Édouard Manet (Gennevilliers), au Frac Limousin (Limoges), au Frac des Pays de la Loire (Nantes), à la Friche Belle de mai (Marseille), etc.\nDernière Beauté, 2017 enduit et peinture à l'huile sur toile de lin encadrée 52,2 x 36 cm Courtesy Sarah Tritz © Maxime Thieffine\nLa pratique de Mimosa Echard, parcourant une large diversité de procédés et de mediums (assemblages, peinture, céramique, etc.), explore différents stades intermédiaires entre le monde naturel et celui de la marchandise. Les objets qui en résultent suggèrent à la fois leur propre destruction et leur retour vers un stade d’évolution antérieur ; ils retracent une sorte d'archéologie non-linéaire rassemblant végétaux, personnages pop, et d'autres fossiles précieux et légèrement déliquescents. Elle édite le fanzine Turpentine, avec Jean-Luc Blanc et Jonathan Martin. Mimosa Echard est née à Alès en 1986. Elle est diplômée de l’École nationale supérieure des Arts Décoratifs (Paris) en 2010. Elle travaille à Paris et L’Île-Saint-Denis.\nBrain Dead, 2016 peinture acrylique sur tissu 61 x 49 cm, 51 x 35 cm, 38 x 29 cm et 48 x 35 cm Courtesy galerie Samy Abraham, Paris, cl. Aurélien Mole\nNée en 1964 à Chambéry, Françoise Pétrovitch vit à Cachan et enseigne à l'école Estienne à Paris. Attachée au livre et à l'immédiateté du dessin, elle pratique aussi la céramique, la peinture et la vidéo. Son œuvre est révélatrice d’une économie plastique marquée par la justesse et le refus du commentaire. « Si son art est tributaire de son époque, c’est-à-dire qu’il tient compte des conditions de sa reproductibilité mécanisée, son horizon demeure celui de la peinture – et d’une peinture qui, si elle se joue des frontières conventionnelles, outrepasse aussi les catégories temporelles ». En 2016, une vaste rétrospective lui est consacrée au Frac PACA, au Château de Tarascon et à l’Espace pour l’Art à Arles. Ses œuvres figurent parmi les collections du MNAM-Centre Pompidou, du MAC/VAL, du musée d'art moderne de Saint-Étienne, du National Museum of Women in the Arts de Washington D.C (USA), du musée Leepa-Rattner à Tarpon Springs (USA), des FRAC Haute-Normandie et Alsace. Extrait de « Premier Sang », François Michaud, in Françoise Pétrovitch, Monographie, 2014, Semiose Éditions\nSans titre, 2016 huile sur toile 240 x 300 cm Collection particulière, Paris Courtesy galerie Semiose, Paris, cl. Aurélien Mole\nCe n’est pas une femme, c’est la peinture. C’est la peinture qui devient cartel, dans une exposition. Ou comment faire un tableau avec ce qui le caractérise : nom de l’artiste, date de naissance, titre de l’œuvre, date de l’œuvre. Car les cartels sont de petits tableaux aussi. Ou comment faire un tableau avec la pensée de la peinture la nuit, quand on ne dort pas, et qu’on retourne en rêve à l’atelier, se tenir là, devant le travail en cours. Ou bien est-ce la peinture la nuit à l’atelier qui regarde le tableau en train de se faire. Alors si c’est un corps qui est représenté, c’est bien le corps de la peinture. Car le sujet de la peinture, c’est la peinture. Comment la peindre ? dit-elle.\nSleepwalker (peinture somnambule), 2013 acrylique sur toile 200 x 280 cm Courtesy de l’artiste © Alberto Ricci\nAnne Brégeaut développe un univers intime onirique et fantasmatique très imagé et coloré. Des rapprochements incongrus ou absurdes viennent contaminer un monde au premier regard joyeux, sentimental et presque enfantin le rendant tour à tour inquiétant, ambigu ou fragile. Les tableaux n’utilisent pas les règles de la perspective traditionnelle, mais l’espace se tord, succombant aux forces du désir (Après l’incendie). Le fragment, l’isolement des objets ou de la figure humaine, évoquent la difficulté de communiquer. La relation à l’autre est aussi évoquée dans la série de tableaux sur bois dans lesquels une silhouette de couple est découpée (Give me fire).\nGive me fire, 2015 peinture vinylique sur bois 78 x 60 cm Courtesy de l’artiste © Anne Brégeaut\nLes yeux grands ouverts fermés Dans ses derniers tableaux Karine Rougier renoue avec le surréalisme historique, en effet on y trouve les paysages limbiques de Tanguy, les rochers volants de Magritte et jusqu'aux poupées kachinas qu'on voit dans la célèbre photo d'André Breton dans son bureau. C'est sans doute le passage du dessin à la peinture qui draine et convoque ces références même si l'univers reste très proche de celui sur papier.\nC'est au hasard de ses voyages qu'elle collecte une grande partie de sa documentation, on y trouve un dessin de gommeux sur une étiquette de poudre de perlimpinpin mexicaine, un oiseau rare sur un timbre moldave, un didacticiel illustré sur l'emballage déchiré d'un médicament thaïlandais contre les cors aux pieds. Ces figures recomposées s'animent tel un peuple lilliputien lors d'une transe magique, adorant des bulles colorées ou une main géante descendue du ciel. Ces figures glissantes sur ces fonds fluides du kaki à l'ocre orangé me font parfois penser à ces petits fantômes rétiniens qui se promènent entre la paupière et la cornée après un éblouissement quand on continue de voir avec les yeux fermés. Frédéric Clavère, 2016\nEnsemble, 2017 huile sur bois 30 x 30 cm Courtesy galerie Dukan, Paris © J.C. Lett\nJe peins des images. Ces images sont la conséquence de mes observations du monde visible et de ses représentations. Les petites perceptions du quotidien vont se mêler aux réflexions sur le regard, la peinture et la construction de l’image : le motif de mes œuvres est aussi bien la peinture elle-même, son histoire, ses qualités physiques, l’objet-tableau. Il n’y a pas de photos sur les murs de mon atelier. Je préfère observer et déduire. Mes peintures sont des constructions de lignes, de couleurs et de proportions. La façon de peindre est prédéterminée par le croquis, le plan. Souvent, peinture et image s’imitent.\nContact, 2017 huile sur toile 33 x 41 cm Courtesy galerie Claire Gastaud, Clermont-Ferrand © Henni Alftan\nNée en 1979 à Sofia en Bulgarie, Oda Jaune vit et travaille à Paris depuis 2008. L’artiste développe à travers sa peinture et ses aquarelles un univers tourmenté et plein de poésie. Entremêlant visions tendres, naïves, violentes, parfois érotiques et drôles, elle explore sans concession un inconscient affranchi des conventions. Ses tableaux dérangent et mettent le spectateur dans une position d’abandon où l’inhibition n’est pas de mise.\nChaire masque, 2015 huile sur toile 150 x 130 cm Courtesy galerie Daniel Templon, Paris/Bruxelles\nLes tableaux de Raphaëlle Ricol construisent des amorces d'intrigues. Ils livrent des indices, suggèrent des rapports de force et d'influence entre des figures archétypales (celui qui sait, celui qui croit savoir, celui qui agit, celui qui observe, celui qui travaille, celui qui est travaillé, bourreau, victime…). C'est là toute la force de la peinture de Ricol : convoquer, sans jamais les nommer ou les illustrer, les ressorts d'inquiétudes et de peurs collectives ; notamment à l'endroit de ce qui se fabrique dans les coulisses du pouvoir. Les tableaux de Raphaëlle Ricol sont des révélateurs, des déclencheurs d'émotions autour d'une évidence partagée. Marguerite Pilven, in Raphaëlle Ricol, un exorcisme par ruse\nPixelisé, 2016 huile sur toile 72 x 60 cm Courtesy galerie Patricia Dorfmann, Paris\n« Le fait de parler des lieux, c’est parler de l’humain » explique Eva Nielsen. L’artiste franco-danoise brouille depuis plusieurs années les repères du paysage et de la peinture. Depuis 2010, elle met en scène des lieux à la fois familiers et étranges : une zone périurbaine désertée, une ferme abandonnée… Architectures de béton, stores, mobiliers urbains, tramés par la sérigraphie, structurent le territoire de la nature, comme celui de la toile. Semblant être de nulle part, sans présence humaine, les paysages dépeints par Eva Nielsen pourraient être cet entourage immédiat que nous ne voyons plus. S’attachant à représenter une utopie moderne abandonnée, ses peintures résonnent comme un futur dans le passé, un retour de demain sur le présent. Annabelle Teneze\nThalle II, 2015 huile, acrylique et sérigraphie sur toile 200 x 150 cm Courtesy de l’artiste et Fondation Fiminco © Eva Nielsen\nCamille Fischer c’est un peu une vie à contre-jour, faite de noir étalé et d’images éclatantes. Son travail n’est pas à réfléchir, il est à voir, comme une petite fête éternelle et sauvage, comme un jardin où il n’y aurait jamais plus de soleil. Une danse, de la chair s’agite et se montre au regard des fleurs. Dans un décor exagéré, dans une flore qui n’existe pas, on se sent proche, bientôt mêlés aux bras, aux jambes, aux reflets, aux coloris remués, à l’épaisseur du noir. Au fond de la nuit brille un morceau nu de femme, une fleur, un sexe irisé. L’assemblage de son paysage commencé, recommencé, soutient la force de son travail. Elle fonde son geste sauvage sur son étrange instinct. Le monde se reconfigure en sourires humides, on rit de dents noires. On envoie l’enfance au congélateur en freezant de l’absinthe et l’on devient des mesdames ou [misters ivres. — 60\nJe me souviendrai longtemps de la performance au Creux de l’Enfer, à Thiers. Nus, recouverts d’épidermes noirs, échappés de la roche, nous étions ses êtres mélangés [à la poussière. De cette fille blonde, de ses yeux verts, de sa nudité noire, de sa chair, sa chair chaude allongée dans tout ce charbon. Claire Boullé\nHOT ROCK, 2017 techniques mixtes sur papier 220 x 186 cm Courtesy de l’artiste et galerie Maïa Muller, Paris © Musée des beaux-arts de Dole, cl. Jean-Loup Mathieu\nVoilà près de vingt ans qu’Hélène Delprat avait décidé de ne plus montrer sa peinture pour se concentrer sur ses films à la fois graves et absurdes. Sa réapparition en tant que peintre produit un effet d’autant plus saisissant que ses immenses toiles aux titres hilarants, sont à nulles autres pareilles. D’étranges êtres parcourent des paysages de grottes pailletées et de drips. Aucune de ces apparitions n’est kitsch ou décorative : le risque est dégoupillé par l'humour grinçant de celle qui opère à froid. Hélène Delprat vit et travaille à Paris. En 2014 elle est nommée professeur à l'ENSBA (École nationale supérieure des beaux-arts de Paris) en 2014. Une exposition personnelle lui sera consacrée à la maison rouge en juin 2017, “I did it my way” accompagnée d’une monographie.\nGoodbye my fallen star, 2015 pigment et acrylique sur toile 210 x 180 cm Courtesy de l’artiste et galerie Christophe Gaillard, Paris © Rebecca Fanuele\nEntrer dans l'univers des œuvres de Lise Stoufflet revient à se laisser piéger dans une mécanique toute hitchcockienne. Ses toiles, à l’apparente facture classique, représentent des saynètes intrigantes dans lesquelles le spectateur, privé de certains éléments de compréhension, projette ses propres hantises et y retrouve ses propres traumatismes. Des compositions régies par des ressorts tant psychologiques que fantasmatiques qui nous gouvernent tous. Rites de passage, idée de cycle, expériences secrètes, ses œuvres nous atteignent par un caractère universel, celui qui nous relie à notre véritable nature. Pointcontemporain\nRuban, 2015 huile sur bois 20 x 30 cm Courtesy de l’artiste © Mathilde Geldhof\nMireille Blanc force le regard. Ses tableaux ne s’offrent pas d’un coup d’œil, il faut les regarder longtemps, de plus en plus longtemps. Et l’image que l’on croit discerner échappe insensiblement, laissant planer le doute sur des figurations contrariées. Depuis plusieurs années, elle travaille sur le surgissement d’images incertaines, sur leur ambiguïté. […] Ses tableaux ne sont pas empreints d’ironie, ni vraiment d’humour, pas non plus de tendresse. Les objets y apparaissent de manière diffuse, tout en retrait, dans une délicate et implacable nécessité. Extraits d’un texte d’Anaël Pigeat, rédactrice en chef d'Art Press, 2011\nDécors, 2016 huile sur toile 110 x 130 cm Courtesy de l’artiste © Mireille Blanc\nNée en 1985, Amélie Bertrand vit et travaille à Paris. La peinture et la nature d’Amélie Bertrand aimantent le spectateur. Fruit d’une vie dédiée à la peinture, son œuvre est complexe, patiemment élaborée par « scotchographie » et dégradés maniaques, contrebalancés – en rythme – par un redoutable sens de la composition. Chaînon manquant entre Giotto et la peinture West Coast, Amélie Bertrand appareille la grande tradition de la peinture au psychédélisme synthétique. Lauréate du Prix Sciences Po pour l’art contemporain en 2015, ses œuvres figurent parmi les collections de FRAC Limousin, du Fonds National d’Art Contemporain et du MAC/VAL à Vitry-surSeine.\nTeaser Pleaser, 2017 huile sur toile 140 x 120 cm Courtesy galerie Semiose, Paris © Aurélien Mole\nDe la pensée du détour, de l’ellipse au lapsus, des gestes manqués au désordre d’idée, le travail de Mathilde Denize naît d’une volonté de faire émerger du sens d’un présent morcelé. Tel un rituel, de l’ordre de la religiosité domestique, Mathilde Denize fouille, déplace, installe, réorganise avec ce qu’elle trouve et choisit de trouver. Les matériaux des installations sont divers mais toujours dans le souci d’une économie de moyen. La peinture à l’huile intervient comme un journal intime ouvert, qui vient ponctuer et/ou répondre aux sculptures et autres pensées formelles. Avec des « moindres gestes », (en hommage à l’œuvre de Fernand Deligny), à portée de sa main, Mathilde Denize constitue des ensembles de formes oubliées et anonymes, témoins d’une archéologie contemporaine.\nSilhouette en pied, 2016 huile sur toile 41 x 146 cm Courtesy Charlotte Rovai © Musée des Beaux-Arts de Dole, cliché Jean-Loup Mathieu\nReprĂŠsentation des femmes\nLa femme, entre être et paraître, est le sujet fondamental dans mon travail. J’en explore deux aspects en particulier : sujet peignant d'une part et objet de représentation d'autre part. Je parle de mon histoire et de celle de toutes les femmes que je rencontre, que je regarde. Par un jeu de juxtaposition et d'opposition d'images et de symboles hétéroclites, je compose mes tableaux comme une invitation à construire du sens, comme une suggestion à l'approfondissement du regard posé sur l'image féminine, de la Diane Chasseresse à la Madone, de la femme d'hier à celle d'aujourd'hui.\nDiane, 2014 huile sur toile triptyque, 270 x 450 cm Courtesy de l’artiste © Nicolas Blum-Ferracci\nElena Moaty représente des personnages féminins dans des paysages ou des intérieurs presque déserts. Ces personnages semblent avoir été interrompus par le spectateur, aux prises avec une complexité dont on ne peut que deviner la nature. Jeunes adultes ou adolescentes, elles évoluent dans des environnements aux couleurs pastel, comme des âmes solitaires à la recherche de la porte de sortie.\nSans Titre, 2014 acrylique sur toile 116 x 89 cm Courtesy de l’artiste © Rémi Moulin\nComme le fait remarquer Sianne Ngai dans Ugly Feelings, l’envie a une capacité de diagnostic qui confère « au monde objectif (…) une caractéristique subjective ». Pour l’auteur, c’est une reconnaissance de l’inégalité sociale, ou une réification inversée, où les différences concrètes entre les individus deviennent une émotion abstraite – d'autant plus provocante. Si suivre des filles à travers la ville n’est pour certains qu’une perversion, Sartor y trouve avec délectation la possibilité de façonner un sujet par le désir. Bien que la tâche soit amoureuse, le cynisme ne manque pas. Sabrina Tarasoff, Double-D, extrait.\nJ-V, 2015 gouache sur papier, papier kraft, ficelle 12 x 17 x 5 cm Courtesy de l’artiste et galerie Crèvecœur, Paris\nBéatrice Cussol sauvegarde en les dessinant des images ressurgissantes, si elle ne les dessine pas, elles disparaissent. Si elle les dessine, elles peuvent se nourrir de leur propre apparition pour en engendrer d'autres, multipistes, de manière épidémique virale au cœur des ressemblances, comme une méduse capable de se régénérer perpétuellement. Une image sur-souvenue, portant une ou deux filles figurales, son ventre plein d'un air à l'odeur d'archives, remonte d'une profondeur ratissée jusqu'à la surface d’un univers de doublure, prolonge l'intransformable du monde.\nN° 490, 2009 marqueurs, encres et aquarelle 140 x 200 cm Courtesy de l’artiste © Musée des Beaux-Arts de Dole, cliché Henri Bertand\nReprĂŠsentation des hommes\nOriginaire de La Réunion, Stéphanie Hoareau est née en 1982. Installée sur l'île, cette artiste se concentre davantage sur les formes d'expression graphiques (peinture, dessin, volume) tout en s'ouvrant à d'autres modes opératoires tels que l'installation, la performance ou la vidéo. Son œuvre s'attache particulièrement aux problématiques du territoire ou d'espace, qu'il soit géographique ou humain. Diplômée de l'ESA Réunion, elle a exposé ses travaux dans de nombreuses manifestations sur l'île et en France métropolitaine dont l'orangerie du Sénat à Paris (Outre-Mer Art contemporain 2011), à la biennale de Dakar en 2012, à la Joburg Art Fair 2014 et à l'ICAOI à l'île Maurice en 2016.\nJacques, 2015 acrylique sur toile triptyque, 120 x 170 cm Courtesy de l’artiste © Stéphanie Hoareau\nNée à Paris en 1972, Iris Levasseur vit et travaille à Arcueil. Son univers pictural est un mélange étrange de pesanteur et de légèreté, de réalité humaine et de rêves. En peintre chorégraphe, elle questionne les corps et leur évolution dans l'espace, à travers des scènes monumentales aux interprétations ouvertes qui imposent leur présence physique au spectateur. Les compositions dans lesquelles elle met en jeu ses figures se réfèrent à des situations d'échanges violents, de dépositions dramatiques et d'abandons insondables du corps. Son regard sur le monde qui l’entoure est primordial et elle tire son inspiration de l’observation quasi quotidienne de zones péri-urbaines, d’où l’importance de certains détails comme les vêtements de ses personnages. Les textures employées ont pour effet de suggérer une instabilité, parfois même un malaise.\nUrbanité – fdg, 2015 aquarelle et pierre noire sur papier 115 x 242,5 cm Courtesy galerie Odile Ouizeman, Paris © Iris Levasseur\nLes peintures d’Apolonia Sokol sont l’addition complexe, technique, maîtrisée d’une fiction intime et d’une Histoire de l’art. Le récit de soi et le récit des autres comme un miroir qui diffracte. Il s’agit en fait de mémoire, partout. Dans les fonds de ses tableaux se cachent toujours quelques revenants, dans les postures des personnages, amis, amants, rencontres, connaissances, quelques références connues, quelques insertions historiques, quelques chefs-d'œuvre cités, quelques souvenirs fantômes, quelques fantômes à elle, quelques fantômes tout court. Les corps, expressions, positions, visages dissimulent sous leurs couches le passé d’autres corps, expressions, positions, visages dans une image palimpseste, épaisse, chargée. C’est pour lutter justement contre une forme d’éparpillement, d’abondance, d’indigestion des images, que la représentation s’incarne avec puissance chez Apolonia Sokol, se grave, se tatoue comme les motifs ou messages qui peuplent les corps de ses modèles, de ses inspirations.\nDonner de la chair aux images, les rendre charnelles, séduisantes, les érotiser. Qu’elles contiennent la mémoire du monde et qu’elles aient envie de se donner, entières, que derrière leur matière et l’odeur de leur huile on puisse les attraper.\nAbdy, 2016 huile sur toile 195 x 114 cm Courtesy galerie Dutko, Paris © Musée des Beaux-Arts de Dole, cliché Jean-Loup Mathieu\nRévoluer aurait aussi pu s'appeler « Ce qui fait état est au cœur du sujet » est tout d'abord une réflexion sur le mot révolution. Lorsqu'elle est terrestre, mouvement déterminant les durées de jours et de nuits mais aussi celle que l'on emploie plus communément pour évoquer le renversement d'un état par la force. Cette réflexion donne lieu à une adversité picturale dans laquelle icône (figuration) et étirement (abstraction) cohabitent sur une même surface. Two Playgrounds est un diptyque représentant deux terrains de tennis : les limites de la toile étant les limites du terrain de jeu.\nRévoluer, 2017 huile sur toile 287 x 170 cm Courtesy de l’artiste © Coraline de Chiara\nCe que tissent les œuvres de Nina Childress, souvent sur le ton de l’humour, c’est précisément ce lien entre désir et peinture. Entre le médium (la peinture) et le sujet (Éros), une forme de fusion opère : la peinture rejoue la violence érotique, ses embrasements doux ou excessifs, et s’arrache sans cesse au confort de l’identité (stylistique) pour éprouver l’Autre. Dans cette joyeuse vitalité du désir, la mort projette impassiblement son ombre portée : la peinture, « petite mort » qui aurait le pouvoir de conjurer la grande ? Eva Prouteau, extrait du communiqué de presse du Requiem du String, 2016\nBE(13) (aerobic), 2016 — 96\nhuile sur toile 41 x 33 cm Courtesy Nina Childress et galerie Bernard Jordan, Paris/Zürich\nPeintre, Giulia Andreani est d’abord une artiste qui met son talent de fabricante d’images au service d’une exigence de justice, parce que la peinture depuis ses débuts est un outil d’enseignement, de communication, de pédagogie qui donne à voir l’invisible et l’indicible. (…) Elle peint aussi bien les puissants que les sans-grades, privilégiant cependant les obscurs, prêtant une attention particulière aux femmes. L’image est peinte, sans épaisseur, dans un camaïeu à partir du gris de Payne. Elle semble flotter à la surface du tableau qu’elle occupe rarement dans sa totalité, comme si elle était l’impression d’un souvenir ou d’un fantôme. J.-P. Blanchet, Un si joli village, extrait, juin 2016\nL'enlèvement d'Europe, 2016 acrylique sur toile 150 x 200 cm Courtesy de l’artiste\nÀ travers dessins, peintures et installations, Maude Maris représente des espaces d’artifices qui questionnent notre rapport à la nature et à l’architecture. Elle met en place un processus de moulages qu'elle met en scène pour fabriquer le sujet de sa peinture. Née en 1980, elle vit et travaille à Malakoff. Diplômée de l’École des beaux-arts de Caen elle a suivi un Post-diplôme à la Kunstakademie de Düsseldorf. Elle est représentée par la Galerie Isabelle Gounod à Paris et PI Artworks à Londres et Istanbul.\nTrois figures, 2016 huile sur toile 40 x 30 cm Courtesy galerie Isabelle Gounod, Paris © Rebecca Fanuele\nLe travail protéiforme de Vanessa Fanuele, peinture ou installation, s’articule autour d’interrogations complexes liées tant à la question de la féminité qu’à la mémoire ou aux espaces mentaux. Dans une sorte d’archéologie intérieure, aux travers d’éléments plastiques parfois hétérogènes qu’elle déplie, triture, traite et maltraite, elle cherche à extraire de la mémoire, comme on ouvre une boîte de Pandore, les réminiscences d’une identité, d’une histoire, des fragments d’émotions, d’explorations indécises, d’un secret.\nNeverending est une huile sur toile à l’atmosphère étrange dans laquelle l’espace et le temps sont en dehors de notre réalité. Des silhouettes fantomatiques dominent une structure évoquant les montagnes russes. L’histoire paraît se situer dans un temps imaginaire mais l’amusement s’est-il figé ? Des lueurs surgissent d’un fond bleu sourd et éclairent la fragilité d’un monde qui n’appartient pas vraiment au passé, ni au futur et non plus au présent. — 102\nNeverending, 2015 huile sur toile 46 x 55 cm Courtesy galerie Polaris, Paris © Rebecca Fanuele\nNée en 1978 à Croix-Lille, Laure Prouvost vit et travaille entre Anvers, Belgique et Londres, RoyaumeUni. Titulaire d’un Bachelor of Fine Arts du Central Saint Martins (2002) et d’un Master of Fine Arts du Goldsmiths College (2010), Laure Prouvost est l’une des artistes les plus reconnues de la scène contemporaine internationale. Laure Prouvost a été lauréate du Turner Prize en 2013, du Max Mara Prize for Women en 2011, du Principle Prize Winner, de la 56e et 57e édition du Oberhausen Short Film Festival en 2010 et 2011, du EAST International Award en 2009. En 2016, lui ont été remises les insignes de chevalier de l’ordre national du Mérite.\nL’œuvre de Laure Prouvost a récemment fait l’objet d’expositions personnelles au Witte de With (Rotterdam), Consortium (Dijon), MMK (Francfort), Kunsthall (Lucerne), Hangar Biccoca (Milan). Son travail a été présenté dans des institutions prestigieuses, comme au Red Brick Art Museum (Pékin), à la Fondation Fahrenheit (Los Angeles), au Musée départemental d’art contemporain de Rochechouart (Rochechouart), à la Haus der Kunst (Munich), au New Museum (New York), à la Whitechapel Gallery (Londres), à la Tate Britain (Londres). Le travail de Laure Prouvost est présent dans des collections publiques et privées de renom.\nOUAIRE ISE VE RAID TRAYANGLE, 2016 huile, collage et vernis sur panneau 30 x 40 x 2 cm Courtesy galerie Nathalie Obadia, Paris/Bruxelles\nLa démarche de Marion Charlet n’est pas allégorique, mais son travail met en scène la fêlure qui est venue s’inscrire dans les certitudes que nous avions vis-à-vis du monde comme représentation. Elle rejoint ainsi nombre de jeunes artistes qui, par des moyens divers, questionnent les relations de notre univers globalisé avec un environnement qui autrefois s’identifiait au domaine enchanté des dieux et des nymphes. Ces relations sont aujourd’hui placées sous le signe de l’inquiétude, du désenchantement et d’une forme d’interrogation sur l’authentique et l’artificiel. Ses peintures, quel que soit leur registre, entre figure et forme spécifique, donnent l’image de ce malaise dans la représentation. Leur beauté est parfois captieuse, telle la nature autour de Tchernobyl, mais cette beauté est peut-être ce qui vaut d’être préservé quand tout est perdu, à la façon dont Bernard-Marie Koltès déclarait : « Sans la beauté, la vie ne vaudrait pas la peine d’être vécue. Alors, préservons cette beauté, gardons cette beauté, même s’il lui arrive parfois de n’être pas morale. Mais je crois justement qu’il n’y a pas d’autre morale que la beauté. » Marc Desgrandchamps, extrait de texte, 2010 — 106\n… The one-eyed man is queen, 2017 acrylique et huile sur toile 53 x 72 cm Courtesy galerie Virginie Louvet, Paris © Marion Charlet\nDans les peintures et monotypes à grande échelle et aux formats intimes, Claire Tabouret dépeint des figures et des paysages dans des états d'apparition et de disparition. Bien qu'elle travaille souvent à partir d'images photographiques préexistantes liées à des récits historiques particuliers, elle poursuit ses sujets choisis comme s'il s'agissait d'entités vivantes, leur permettant d'assurer des formes nouvelles et inattendues dans son art. Finalement, elle laisse les sources préexistantes en retrait ; un vocabulaire pictural plus personnel et plus expressif émerge. Les distinctions entre la figure et le sol sont floues, créant des espaces chargés de profondeur psychologique et émotionnelle. Claire Tabouret vit et travaille entre Los Angeles et Paris. De nombreuses expositions personnelles lui seront consacrées en 2017, notamment Yoko Ono/Claire Tabouret , One day I broke a mirror, à la Villa Médicis, Rome ; Neptune, au Creux de l'Enfer, Thiers, à Triangle, Marseille et au YUZ Museum, Shanghai.\nMake-Up (Red, Mouth), 2016 acrylique sur bois 51 x 40,5 cm Collection particulière, Paris Courtesy galerie Bugada & Cargnel, Paris\nRemerciements Les musées de Dole et de Rochechouart remercient l’ensemble des personnes et des acteurs qui ont rendu possible l’accomplissement de ce projet. En premier lieu, nous exprimons toute notre gratitude à Julie Crenn et aux artistes pour l’investissement et la disponibilité dont elles ont fait preuve tout au long des préparatifs de l’exposition. Que soient aussi remerciées toutes les personnes qui, par leur concours et leur aide matérielle, ont œuvré à la réussite de ce projet : M. Jean-Marie Sermier, député-maire de Dole, M. Jean-Philippe Lefèvre, adjoint chargé de l’action culturelle, de l’événementiel et des relations internationales à la ville de Dole, M. Jean Claude Leblois, président du Conseil départemental de la Haute-Vienne, M. Fabrice Escure, vice-président chargé de la culture et la jeunesse au Conseil départemental de la HauteVienne, M. Clément Pernot, président du Conseil départemental du Jura, M. Bernard Falga, directeur régional des Affaires culturelles de Bourgogne-Franche-Comté, M. Arnaud Littardi, directeur régional des Affaires culturelles de la Nouvelle-Aquitaine, Mme Annie Cordelier, conseillère pour les musées à la DRAC Bourgogne-Franche-Comté M. Nicolas Bel, conseiller pour les musées à la DRAC Nouvelle-Aquitaine. Les prêteurs : Les galeries Art Concept, Samy Abraham, Bugada & Cargnel, Crèvecœur, Patricia Dorfmann, Dukan, Dutko, Christophe Gaillard, Claire Gastaud, Isabelle Gounod, Emmanuel Hervé, Bernard Jordan, Galerie du Jour, Virginie Louvet, Maïa Muller, Nathalie Obadia, Odile Ouizeman, Polaris, Lily Robert, Semiose, Daniel Templon. La fondation Fiminco. Les prêteurs particuliers qui ont souhaité gardé l’anonymat. Ainsi que la résidence Chamalot, M. & Mme Pée. Julie Crenn tient à remercier chaleureusement les équipes des musées de Rochechouart et de Dole, Annabelle Ténèze et Amélie Lavin. Et remercie vivement et amicalement les 40 artistes pour leur confiance et leur engagement sans faille. Un grand merci à Pascal Lièvre et à Carolin Coulon.\nPEINDRE, DIT-ELLE – Chap. 2 Dépôt légal 2e trimestre 2017 I.S.B.N. : 978-2-84751-157-4 Mise en page en Din : Paul Royer\nImprimé en U. E.\n© Éditions du Sekoya 2A rue Isenbart. 25000 Besançon editionsekoya.com\nCatalogue de l'exposition "Peindre, dit-elle - Chap. 2" au musée des beaux-arts de Dole du 10 mars au 28 mai 2017. Commissariat / Julie Crenn, Amélie Lavin et Annabelle Ténèze.


Une agence web partenaire du succès de ses clients\nL’agence Aytechnet ne se considère pas comme un prestataire internet ponctuel de ses clients. En fait, cela dépend aussi de la façon dont les clients eux-mêmes considèrent leur prestataire web. Car il faut bien avouer que si le client a décidé de compartimenter les activités qu’il sous-traite, personne ne pourra le forcer à changer son fusil d’épaule. Par contre, si le client est prêt à se lancer dans une relation de confiance avec l’agence web, celle-ci fera tout pour établir et renforcer cette relation.\nPar exemple, si elle doit se charger de la migration, de la modification ou tout simplement de la création d’une boutique en ligne, la société de services poussera le commanditaire du site marchand à en dire le plus possible sur ses activités et son potentiel, mais aussi sur ses points forts et lacunes en matière d’offre. Il s’agit d’une étape très importance car en fonction du potentiel de tel ou tel produit, on ne cherchera pas forcément à le mettre en valeur de la même façon. Il vaut souvent mieux moins accentuer la présentation d’un article pour lequel la boutique est moins compétitive que ses concurrents par exemple, et mettre plutôt l’accent sur un produit pour lequel la boutique propose des prix très intéressants, ou qu’elle distribue en exclusivité.\nCes mêmes considérations doivent être observées pour le référencement, qu’il soit naturel ou payant. En ce qui concerne les campagnes de référencement payant, elles doivent être planifiées de façon rationnelle. Par exemple, rien ne sert sans doute de payer une fortune pour faire apparaître une annonce dans un moteur sur un mot-clé pour lequel la boutique ne propose rien de très intéressant, surtout si le mot-clé en question est concurrentiel et onéreux. Quant au référencement naturel, il doit suivre la même logique que la valorisation des produits de la boutique. C’est d’ailleurs pour cela que l’on aura judicieusement mis en valeur dans la structure même du site certains produits, en pensant à l’avance au référencement.\nC’est en appliquant cette méthodologie que l’agence a réussi à positionner rapidement des sites marchands de différentes envergures, mais également à participer activement à la stratégie globale de développement de certaines boutiques. Aytechnet compte d’ailleurs parmi ses plus fidèles clients des boutiques qui sont, initialement, parties de rien, et qui connaissent maintenant un très important succès. Loin de s’en contenter, celles-ci ont développé de nouveaux objectifs encore plus ambitieux, et elles comptent bien sur l’agence pour les aider à les atteindre. Ceci nécessite une certaine coordination, c’est pourquoi le personnel de l’agence s’attache à rester facilement joignable et accessible afin de pouvoir se concerter dès que nécessaire avec ses clients. Dans ce type de concertation, les demandes peuvent bien sûr émaner des clients qui souhaitent appliquer une de leurs idées, mais elles peuvent aussi être lancées par l’agence web qui n’hésite pas à suggérer d’autres pistes aux boutiques si des idées lui viennent. Ces remarques prouvent, s’il en était besoin, qu’Aytechnet se considère comme un vrai partenaire de ses clients et non comme un simple exécutant.\nPosts voisins:Une agence Web de Paris qui fait un travail sérieux.Agence web BayonneL’agence KN pour des sites web de qualité sur AngersChoisir la bonne agence SEOTous les avantages du mobilier de jardin en résine tressée\nPublié par : Julie-ref le 17 avril 2012 | Catégorie Internet\nTags: agence web, e-commerce, referencement\n« Les compléments et les recettes pour la musculation | Avec qui voyager au Chili ? » Catégories