I colori delle emozioni -\nPubblicato il 22 Novembre, 2020 7 Febbraio, 2021 di wp_10928759\nedito da Gribaudo\nIl nostro percorso attraverso le emozioni è terminato, e perciò è arrivato il momento di parlare di un libro che dà un colore e una forma alle emozioni.\nProbabilmente lo avrete già a casa, o lo avrete già visto in libreria o nella scuola di vostro figlio, ha avuto molto successo, per fortuna, e si è dimostrato molto utile per i bimbi.\nNonostante ciò, mi sembra una giusta conclusione per il nostro percorso e mi piacerebbe parlarvi del modo più adeguato per usarlo come strumento nella relazione con il vostro bambino.\nChiedete ad un qualsiasi quattrenne di usare un colore per disegnare la sua rabbia, probabilmente userà il rosso… così spesso usano il blu quando sono tristi o il nero per la paura.\nQuesta è la forza di questo libro: la semplicità. Potrebbe essere quasi banale affiancare un colore e una scena con un mostro protagonista per descrivere le diverse emozioni, ma non è così.\nAbbiamo visto quanto è importante imparare a distinguere le emozioni per parlarne meglio e saperle gestire: questo è proprio l’incipit del libro, un mostro che, aiutato da una bambina, vuole districare il groviglio delle sue emozioni.\nCi preoccupiamo molto di insegnare i diversi colori, le diverse tecniche di pittura, numeri e lettere, ma spesso dimentichiamo di insegnare ai bambini l’alfabeto delle emozioni, per sviluppare la loro intelligenza emotiva, la loro capacità empatica e quindi il loro mondo relazionale.\nQuesto libro può essere letto con i bambini di tutte le età, c’è anche la versione pop-up per attrarre i più piccolini… Poi, a seconda delle età, decideremo come usarlo:\nCon i piccolini sotto i 3 anni possiamo usare il colore puro: un foglio rosso può essere arrabbiatissimo se gli diamo voce, ci giochiamo lo strappiamo insieme… perciò via libera alla vostra creatività e alla vostra capacità interpretativa… quello a cui dovremmo arrivare a quest’età è poter chiedere al bambino “oggi di che colore ti senti?” e poi aiutarlo ad esprimere le sue emozioni a piccoli passi, passando dal colore visivo ed esperienziale alla parola.\nCon i bimbi della scuola materna può essere fatto un vero e proprio percorso emozionale, in cui poter parlare dei ricordi legati alle diverse emozioni: episodi legati alla tristezza, alla paura, alla gioia… Provare a mimare una faccia arrabbiata o triste, riconoscere l’emozione di un compagno giocando ad indovinare…\nIl disegno adesso può diventare più definito, si può disegnare un luogo o un oggetto che fa paura per poi scoprire che può diventare simpatico o di un colore diverso, oppure la verdura che ci disgusta di più può essere coltivata in un orto scolastico e poi portata a casa con fierezza (scommettiamo che non sarà più così disgustosa???). Adesso le emozioni possono iniziare ad essere incanalate in comportamenti diversi e più gestibili, quindi si può usare un cuscino da stropicciare quando ci si sente rossi di rabbia…\nAnche qui via libera alla fantasia di grandi e piccini, e fatevi guidare ovunque loro vi porteranno… il libro sarà uno stimolo, un inizio che vi porterà lontano!\nI più grandi, nonostante frequentino la primaria, potrebbero essere arrivati a 8, 9, 10 anni senza avere ricevuto un’adeguata alfabetizzazione emotiva. Non è mai troppo tardi!\nPotrebbero leggere il libro e poi articolare storie o immagini per ogni emozione, ricordando episodi passati e paure immaginate. Sono le basi per una vita adolescenziale più consapevole e meno turbolenta.\nInsomma avrete capito che è un libro da avere in casa e da riprendere in mano ogni tanto, nel corso di tutta la loro crescita.\nE, se avete ancora qualche dubbio, leggete gli articoli delle diverse emozioni sul blog!\nCategorielibri per bambini Tagbambini, colori, emozioni, emozioni e sentimenti, famiglia, FIGLI, FIGLI GENITORI, GENITORI, libri\nArticolo precedente:Precedente La gioia dei bambini\nArticolo successivoSuccessivo Adolescenti e social network


Taylor Tomlinson: Look At You Speciale stand-up Netflix - PlayBlog.it\nplayblog.it 12/03/2022 11/03/2022 0450\nTaylor Tomlinson torna su Netflix con il suo secondo speciale comico Look At You. Taylor condivide in modo esilarante un’intima prospettiva sulle sue battaglie con la salute mentale, il dolore e gli appuntamenti romantici. Registrato presso lo storico Wilbur Theater a Boston, Taylor Tomlinson: Look At You debutta in tutto il mondo su Netflix l’8 marzo 2022.\nIl comico fuori moda L’atto vecchio stile di Taylor Tomlinson è un successo sul palco e su TikTok. E lei sta solo diventando più grande.\nLe separazioni, la psicoterapia, la frangetta… Taylor ha affrontato tante difficoltà dopo la sua crisi dei 25 anni e trasforma il proprio percorso in una commedia sagace.\nNel suo secondo speciale comico Taylor scherza sulle proprie insicurezze: dai problemi di fiducia al rapporto col padre.\nCresciuta in una famiglia fortemente conservatrice cristiana a Temecula, in California, il tipo che proibisce ai bambini di vedere i film di Harry Potter perché i Dissennatori erano troppo vicini ai diavoli biblici.\nTaylor Tomlinson: Look At You Speciale stand-up Trailer Netflix\nTaylor aveva 8 anni quando sua madre morì e la sua fede nel Signore iniziò a svanire. A 16 anni, come attività di legame, suo padre li iscrisse a un corso di cabaret di sei settimane guidato da un comico adatto alle famiglie e approvato dalla folla di chiesa di nome Nazareth.\nIl suo stand-up può sembrare un po’ come guardare una sitcom multi-cam proprio nel momento in cui le commedie single-cam sono diventate la tendenza.\nComici come Bo Burnham, Hannah Gadsby e James Acaster hanno reso figo sputare in faccia l’approvazione del pubblico, intrecciare le performance.\nMattia PlayBlog.it 07/04/2020


Come Grillo ha aperto due settimane fa a Draghi? Al peggio, come si suol dire, non c’è mai fine. Quando sembrava che avessimo già assistito a ciò che di peggio la politica italiana è in grado di partorire, ecco che il giullare di corte, Beppe Grillo, con la sua sentenza “Mario Draghi è la soluzione migliore per questo paese” ha reso qualche settimana fa l’impossibile possibile. Il tutto ovviamente condito dalle sue solite sparate ormai trite e ritrite su ambiente e sviluppo sostenibile.\nLe 10 proposte di Grillo a Draghi\nMa vediamo quali sono le proposte di Beppe Grillo a Draghi. In un momento di crisi epocale come quello che gli italiani stanno vivendo, sicuramente gran parte del programma sarà incentrato sulla ripresa occupazionale e la sanità pubblica… No?\nMacché. Il problema è la transizione ecologica! Guarda caso divenuto poi un punto cardine del nuovo esecutivo.\nCosì, la primissima cosa da fare è: “Creare un ministero per la transizione ecologica. Fondere in un ministero per la transizione ecologica gli attuali ministeri dell’ambiente e dello sviluppo economico. Come hanno fatto Francia e Spagna, e altri Paesi. Nominare ministra/o un persona di alto profilo scientifico e di visioni.”\nOk, abbiamo capito che Grillo ha la fissa per l’ambiente, ma andiamo avanti col programma. Al secondo punto, si legge: “Energia al ministero per la transizione ecologica. Dare la competenza della politica energetica al nuovo ministero per la transizione ecologica o almeno all’eventuale superstite Ministero dell’ambiente. Come è in Francia, Svizzera e altri paesi”.\nUn punto che aggiunge poco o nulla a quello precedente…Allora proseguiamo con la lettura e troviamo un flebile tentativo di dare quantomeno la parvenza di essere interessato ai problemi reali del paese. “Creare un ministero per i giovani per coordinare tutte le attività a loro favore. L’Italia ha in Europa i massimi livelli di disoccupazione, emigrazione e povertà giovanili”.\nPiù che una proposta seria, tuttavia, uno slogan. Un po’ come quelli delle miss dei concorsi di bellezza che vorrebbero a tutti i costi “la pace nel mondo”. Ed è solo una breve parentesi, perché tutti gli altri punti del programma ripetono in sostanza lo stesso identico mantra: l’unica vera emergenza è la transizione ecologica su scala europea. Insomma, forse qualcuno morirà di fame nel corso di questa “transizione”, ma la dipartita avverrà in un locus amoenus incontaminato.\nGrillo e la Costituzione dallo “sviluppo sostenibile”\nSi arriva addirittura a suggerire una modifica della Costituzione: “Scrivere nella Costituzione ‘lo sviluppo sostenibile’. Esplicitare nell’articolo 2 e 9 della Costituzione i principi di responsabilità generazionale e ambientale” modificandoli in questo modo: Art. 2 La Repubblica riconosce e garantisce i diritti inviolabili dell’uomo, sia come singolo, sia nelle formazioni sociali ove si svolge la sua personalità, e richiede l’adempimento dei doveri inderogabili di solidarietà politica, economica e sociale anche nei confronti delle generazioni future. Promuove le condizioni per uno sviluppo sostenibile. Art. 9 La Repubblica promuove lo sviluppo della cultura e la ricerca scientifica e tecnica [cfr artt. 33, 34]. Tutela il paesaggio e il patrimonio storico e artistico della Nazione. Riconosce e garantisce la tutela dell’ambiente come diritto fondamentale.”\nGrillo, poi, torna di nuovo sulla questione dei giovani disoccupati, riproponendo il progetto “Garanzia giovani” (“se dopo 4 mesi dal compimento dei 18 anni un giovane non ha né lavoro né studio (NEET) offrirgli: a) corsi di formazione, b) praticantati, c) denaro o buoni d’acquisto, d) finanziamento per start-up. Più favorevole se startup eco-sociale”). Peccato solo che si tratti di un progetto che in Italia – come è stato più volte evidenziato – si è rivelato fallimentare. Pochissime le assunzioni di giovani avvenute grazie agli incentivi europei.\nLa parabola di Grillo su Draghi\nMa come si sia passati dal Grillo “voce del popolo” contro tutto e tutti, al Grillo imborghesito che affida il paese in mano a Draghi, non è chiaro. Nel 2014, Grillo descriveva così la “soluzione migliore per il paese”: “Il vero capo del Governo è Draghi, Renzi è solo un cameriere.” E ancora: “È del tutto chiaro che è lui il vero capo del Governo. Un banchiere mai eletto da nessuno…che detta ordini al signor Napolitano”. Una metamorfosi radicale.\nQualcuno deve essersene accorto, perché il comico ha deciso di usare Platone come scudo, riportando su facebook una sua frase: “Non conosco una via infallibile per il successo, ma una per l’insuccesso sicuro: voler accontentare tutti”.\nE allora ci sentiamo in dovere di rassicurargli che non c’è pericolo: la politica italiana non è mai stata così lontana dall’accontentare tutti.


mostre Archivi - Viaggio Fotografico\nDue donne, due fotografe, due artiste che parlano di sè attraverso la fotografia e l’autoritratto.\nRachele Gabrielli e Paola Tornambè si incontrano qui, alla OTTO Gallery, con la mostra FEMMINILESINGOLARE che le unisce nonostante i loro molto diversi linguaggi e modi di intendere l’immagine.\nHo scelto di esporle in una mostra bi-personale perché tanti sono i punti che rendono i loro rispettivi lavori legati da un sottile filo da esplorare e scoprire attraverso un percorso unico, pur mantenendo, presi singolarmente, una propria peculiare forza e validità.\nRachele in Illusion affronta in modo delicato il tema intimo ma al contempo universale, sulla ricerca della maternità. Lo fa partendo da se stessa, dal suo inconscio, abbattendo i propri muri, sviscerando e mettendo a nudo le proprie emozioni.\nLe sue opere sono evanescenti e chiare come la purezza della nascita ma per la sua irraggiungibilità crea uno spazio impalpabile che sembra quasi sgretolarsi nella luce. Protagonista dei suoi scatti non è solo il suo corpo ma anche altri elementi sapientemente utilizzati in modo metaforico e allusivo che riescono a trasmetterci, dirette, tali sensazioni.\nPaola in Tra il visibile e l’invisibile ritrae se stessa a tu per tu con il passare del tempo.\nNon ferma l’attimo ma lo dilata, frammentandolo in tanti attimi che fluiscono in modo dinamico in un singolo scatto.\nStratifica la sua esistenza rendendola sfocata, moltiplica la sua immagine come se un solo punto di vista non le bastasse.\nSi nasconde e riappare, emergendo improvvisamente agli occhi estranei di chi cerca di seguire il percorso nascosto nel frame, lasciando agli altri una propria personale interpretazione del suo tempo.\nEntrambe le autrici si mettono quindi a nudo di fronte alle loro rispettive fotocamere utilizzate come mezzo per dare forma al loro io più intimo e profondo.\nSimona Ottolenghi – la curatrice\nNata a Roma nel 1987, da sempre appassionata al mondo dell’arte, mi diplomo in beni culturali presso il liceo artistico di Roma e studio musica e canto jazz fino ai 23 anni.\nMi avvicino alla fotografia solo all’età di 30 anni frequentando, presso l’associazione Officine Fotografiche, diversi corsi e workshop sulla tecnica e sul linguaggio fotografico, ricevendo insegnamenti dai grandi del panorama fotografico italiano, tra cui Simona Ghizzoni, Lina Pallotta, Graziano Panfili.\nDa subito mi interesso agli aspetti invisibili che la fotografia è capace di restituire e di riportare alla luce, alla sua capacità di guardare e scavare nel proprio inconscio.\nPer me la fotografia non è quindi un mezzo di riproduzione di una realtà visibile agli occhi, ma uno strumento artistico capace di trasformare la realtà, ridisegnandola secondo lo sguardo del fotografo che guarda al mondo secondo la propria sensibilità e necessità. Utilizzando un linguaggio fotografico principalmente metaforico e concettuale, traduco in immagine le mie emozioni, la mia storia, utilizzando il più delle volte la tecnica dell’autoritratto, come mezzo di ricerca personale e strumento di analisi finalizzato alla comprensione ed al superamento delle mie paure.\n“La mia meta era così vicina, eppure così irraggiungibile da vederla ogni volta svanire”\nLe immagini sono tratte dalla serie Illusion, che tratta, in modo simbolico e metaforico, il tema della nascita, della maternità o meglio assenza di maternità.\nE’ un viaggio personale che passa attraverso l’inconscio, in uno spazio impalpabile e impercettibile che enfatizza l’irraggiungibilità della nascita. All’interno di questa dimensione onirica e atemporale si manifestano rappresentazioni di emozioni derivanti da tale condizione, quali desideri, paure, attese, illusioni.\n2020, Ed. 10+1 p.a. 75×50 cm, Stampa inkjet fine art\nInstagram: www.instagram.com/87rachele 393/9185314\nPaola Tornambè nasce a Roma nel 1982, ma le sue origini siciliane da parte di padre hanno sempre influenzato la sua carriera di fotografa e visual artist.\nSi avvicina alla fotografia fin da piccola, ed è con l’Accademia di fotografia che inizia ad esprimere pienamente la sua anima artistica, attraverso una fotografia introspettiva e onirica, basata su lunghi tempi di esposizione che le permettono una fusione di immagini a più strati a creare un effetto pittorico. Completa gli studi sotto la guida di Simona Ghizzoni che la avvicina alla tecnica dell’autoritratto creativo. I suoi lavori sono presenti su diversi siti e riviste di fotografia e d’arte italiani e internazionali, tra cui ricordiamo: Fotografia Moderna, Zir Art Magazine, The Bestselected Book vol. IV, F-Stop Magazine, Shots Magazine del Minnesota e Knack Magazine di Chicago.\nPaola è vincitrice del “Conceptual Artist 2018” della webartexpo di Grifio Art Gallery e finalista nazionale alla biennale MarteLive 2019; nonché premiata con numerose menzioni d’onori in concorsi internazionali come i MonoVisions Photography Awards 2020, i Neutral Density Photography Awards 2020 e i Chromatic Awards 2020.\nEspone regolarmente in Italia e all’estero le sue fotografie in divenire che risultano volutamente sfumate, oniriche, evanescenti. Immagini che si collocano in quel territorio di confine tra “il visibile e l’invisibile” e sono capaci di dare un volto direttamente alle emozioni lievi e sfuggenti, alle sensazioni improvvise e rivelatrici, alle dimensioni profonde dell’anima inquieta e della sua immaginazione. Tra le principali mostre ricordiamo la bi-personale “Parti di Invisibile” nell’autunno del 2019 nelle Marche, poi approdata a Roma a Palazzo Velli Expo. La collettiva internazionale della 1963 Gallery “Cluster Photography and Print”, nel febbraio 2020 a Londra, la collettiva internazionale della PH21 Gallery “Imagination”, nel giugno 2020 a Budapest, il Prague Photo Festival a novembre 2021. L’ultima esposizione è la bi-personale: “Tutto quel che resta”, proprio lo scorso novembre, alla Galleria La Nica di Roma.\nUna serie di opere appartenenti a progetti differenti rappresentativi del suo lavoro che ci forniscono l’occasione di affacciarci sul panorama completo del suo percorso artistico: dalle prime opere in bianco e nero, ai ritratti sfumati fino all’uso del colore sempre più vivido. Ferme restano le caratteristiche che la contraddistinguono: l’uso di lunghi tempi di esposizione che le permettono, in un unico scatto, la fusione a più strati di immagini e il raggiungimento di una dimensione intima ed onirica, esteticamente vicina al linguaggio pittorico.\nMercoledì 6 aprile 2022: OPENING dalle 16 alle 20 con la presenza delle artiste\nDa Giovedì 7 aprile a Venerdì 17 giugno: tutti i giorni dalle 14 alle 20, con ingressi ogni mezz’ora previa PRENOTAZIONE al 3755790929.\nPiazza Giuseppe Mazzini 27 – Piano 4 Scala A.\nPuoi dormire direttamente nella di OTTO Rooms! Per prenotare la tua camera da OTTO Rooms CLICCA SU QUESTO LINK: https://ottorooms.kross.travel/\nTravel Tales a Milano\nUn’altra occasione di presentazione del TTA, TRAVEL TALES AWARD, sarà Giovedi 11 Novembre alle ore 19.30 da NOC – New Old Camera, in Viale S. Michele del Carso, 4 a Milano presenteremo il progetto e gli output editoriali connessi; i Tre portfoli selezionati da Il Fotografo e pubblicati nel numero di luglio / agosto della rivista, le 4 storie che compongono la sezione Travel Tales sul numero 9 di CITIES, le 21 storie che compaiono nel libroTravel Tales a cura di Simona Ottolenghi. Qui potrete vedere tutte le storie premiate a https://traveltalesaward.com/storie-premiate/\nMostreremo anche le Storie premiate con la mostra attualmente allestita a Roma da Otto Gallery.\nOspitati da Giordano Suaria saranno presenti Angelo Cucchetto, Simona Ottolenghi, Roberto Gabriele, Giovanni Pelloso, Federica Berzioli e alcuni degli Autori selezionati, tra cui Mario Cucchi, Roberto Manfredi, Giuseppina Di Falco, Alessandro Castiglioni e Tania De Pascalis.\nRicordiamo il grande successo del Travel Tales Weekend, 1,2 e 3 ottobre 2021, che è stato il momento conclusivo di una serie di eventi nati per la promozione di progetti autoriali legati alla Fotografia di Viaggio, lanciata da Starring con Photographers.it e Isp in collaborazione con la rivista Il Fotografo, con il supporto tecnico di Viaggio Fotografico.it e di NOC e con il supporto operativo di OTTO Rooms e OTTO Gallery\nSaremo a Milano in Viale San Michele del Carso 4 presso New Old Camera.\nMetro 1 CONCILIAZIONE\nTram 10 16 fermata Piazzale Baracca\nBus 50, 57, 67, 68 fermata Piazzale Baracca\nOppure clicca su questo link: https://goo.gl/maps/FWfdHbtewbK3XmEq8\nTravel Tales Weekend, è il momento conclusivo di una serie di eventi nati per la promozione di progetti autoriali legati alla Fotografia di Viaggio, lanciata da Starring con Photographers.it e Isp in collaborazione con la rivista Il Fotografo, con il supporto tecnico di Viaggio Fotografico.it e di NOC e con il supporto operativo di OTTO Rooms e OTTO Gallery a cui si aggiunge per l’iniziativa Officine Fotografiche Roma, una delle maggiori strutture dedicate alla Fotografia.\nRispettando lo schema di iniziative previste dall’Award la commissione composta da Angelo Cucchetto, Giovanni Pelloso, Roberto Gabriele, Simona Ottolenghi, Loredana De Pace e Paolo Petrignani ha selezionato 50 Storie tra tutte quelle che hanno partecipato all’Open Call dell’Award, e tra queste sono infine state scelte le storie poi premiate con le varie possibilità previste, che potete vedere a https://traveltalesaward.com/storie-premiate/\nÈ quindi arrivato il momento di festeggiare, e per farlo degnamente abbiamo strutturato un’iniziativa dedicata a Roma, TRAVEL TALES AWARD WEEKEND, grazie al supporto dei nostri partner. La festa inizierà venerdi 1 ottobre con la serata di premiazione dedicata da Otto Gallery, e proseguirà sabato da Officine Fotografiche.\nPer il week end (vedi programma qui sotto) abbiamo previsto una grande mostra finale con una selezione di Autori che verranno esposti a Roma dal 1 ottobre al 30 novembre 2021, la letture di portfoli di viaggio, la presentazione di Cities 9 e del libro “Travel Tales – Storie di viaggi e di viaggiatori“, una tavola rotonda e un tour fotografico a Roma con Roberto Gabriele.\nUna grande festa nella quale tutti gli eventi SONO GRATUITI MA E’ NECESSARIO PRENOTARE con il form qui sotto, nel rispetto delle norme anti covid.\nGli Autori (e i loro viaggi) esposti in mostra presso OTTO Gallery saranno: Maurizio Trifilidis (Cina), Ilaria Miani (Afghanistan), Alessandro Zaffonato (Romania), Alessandro Castiglioni (Siberia), Tania De Pascalis (Marocco), Roberto Manfredi (India), Laura Loiotile (Cuba), Lia Taddei (Uzbekistan), Roberto Malagoli (luce del Mondo), Laura Pierangeli (Bhutan), Giulio Cesare Grandi (India). La curatela della mostra è di Simona Ottolenghi che ha progettato anche l’allestimento dello spazio.\nDue mattinate (sabato 2 e domenica 3 ottobre) interamente dedicate alla lettura dei portfoli. Giovanni Pelloso, Angelo Cucchetto e Simona Ottolenghi saranno disponibili gratuitamente per esaminare progetti e fare consulenze gratuite di Autori che si sono dedicati alla Fotografia di Viaggio. L’attività è completamente gratuita ma occorre prenotarsi con il form qui in basso.\nLa copertina del libro “Travel Tales – Storie di viaggi e di viaggiatori”\nIl libro “Travel Tales – Storie di viaggi e di viaggiatori” edito da Starring ha selezionato 21 progetti autoriali di fotografia di viaggio e li ha pubblicati in un prezioso volume che presenteremo sabato pomeriggio presso Officine Fotografiche. Questi gli Autori presenti: nel volume a cura di Simona Ottolenghi: Milot market di Stefano Bianchi, Nel segno di Evo di Massimiliano Cambuli, Siberia on the road di Alessandro Castiglioni, Rasputin di Alessandro Castiglioni, Cobra Grande di Pierluigi Ciambra, Che ne Saharà di noi di Mario Cucchi, Kupkari di Carmen Garcia, Quel treno Asmara – Arbaroba di Gualtiero Fergnani, I colori della luce di Roberto Malagoli, The Shoe Factory di Marco Marcone, I suoni del silenzio di Jessica Melluso, Ebano di Adriana Miani, Tracce di Blues di Gigi Montali, Carovane del Tigrai di Riccardo Panozzo, Iran di Diego Pedemonte, Color Mundi di Laura Pierangeli, viaggiare in Italia di Vito Raho, Dolomiti on the road di Francesco Sammarco, Eagle’s Festival di Maurizio Trifilidis, Guizhou di Maurizio Trifilidis, Donne del Maramures di Alessandro Zaffonato\nEcco il programma previsto salvo ulteriori modifiche e restrizioni imposte dal COVID-19:\n15,00 – 20,00 presso Otto Gallery (ingresso scaglionato con prenotazione obbligatoria)\nPresentazione progetto Travel Tales Award e visione Storie premiate e pubblicate su Il FOTOGRAFO, NocSensei, CITIES. Libro Travel Tales.\nOpening Mostra Travel Tales\nProclamazione 1°, 2° e 3° vincitori assoluti.\nOre 21,00 cena su prenotazione fino ad esaurimento posti.\n10,00 – 13,00 presso Otto Gallery\nConsulenze progettuali gratuite in slot di 20 minuti, con Giovanni Pelloso, Angelo Cucchetto, Roberto Gabriele, Simona Ottolenghi, focus sullo story telling (ingresso scaglionato con prenotazione obbligatoria)\n17,00-19,00 Presso Officine Fotografiche\nPresentazione nuovo numero di Cities 9 con 4 Progetti di Travel Tales pubblicati\nTavola Rotonda sulla Fotografia di viaggio, con Giovanni Pelloso, Roberto Gabriele, Simona Ottolenghi, Angelo Cucchetto e Maurizio Trifilidis\nPresentazione con proiezione delle storie del libro Travel Tales, a cura di Simona Ottolenghi.\n9,00-13,00 uscita fotografica gratuita a Roma con Roberto Gabriele, si scatta!\n10,00 – 12,00, da Otto Gallery Consulenze progettuali gratuite in slot di 30 minuti, con Giovanni Pelloso, Simona Ottolenghi e Angelo Cucchetto, focus sullo story telling (ingresso scaglionato con prenotazione obbligatoria)\nPartecipare all’evento è COMPLETAMENTE GRATUITO, è però NECESSARIO PRENOTARE con il form qui di seguito e mostrare il GREEN PASS prima di entrare.\nISCRIVITI QUI A TUTTI GLI EVENTI:\nScegli il tuo orario in base alle tue esigenze: abbiamo messo un orario esteso dalle 15 alle 20 proprio per evitare assembramenti e dare a tutti la possibilità di godere al meglio della mostra e di scambiare due chiacchiere con gli Autori o gli altri visitatori. Abbiamo previsto uno slot di 30 minuti che saranno più che sufficienti per fare tutto, volendo potrai intrattenerti ancora dopo la fine del tuo orario in base ai flussi di persone del momento.\n«Le rovine non sono il passato, sono il futuro che ci invita all’attenzione e a godere del presente» così Josef Koudelka ci presenta il suo lavoro Radici esposto in questi giorni a Roma nel Museo dell’Ara Pacis fino al 29 agosto 2021.\nSono andato a visitare questa questa mostra straordinaria per la sua originalità che è stata riaperta in questi giorni (dopo la chiusura causa covid delle scorse settimane) e per fortuna l’esposizione è stata prolungata: hai tempo fino al 29 agosto per vederla, salvo nuove chiusure e restrizioni che speriamo non ci siano!\nTURKEY. Aphrodisias. 2014. @Magnum Photos\n“Radici. Evidenza della storia, enigma della bellezza” questo è il titolo della mostra ed è l’unica occasione in Italia per apprezzare da vicino oltre 100 fotografie in formato gigante da Josef Koudelka, il fotografo Magnum stranoto per i suoi reportage (come quello sulla Primavera di Praga del 1968) che in questa occasione ci mostra il suo lavoro che in oltre 30 anni ha dedicato a fotografare i siti archeologici di tutto il Mediterraneo. Tutte le foto hanno incantevoli tagli panoramici e anche le poche in verticale usano questo formato allungato che si presta perfettamente alla narrazione degli scorci raccontati dall’Autore. Le stampe, tutte in bianco e nero sono provengono dagli scatti realizzati dall’Autore tra Siria, Grecia, Turchia, Libano, Cipro, Israele, Giordania, Egitto, Libia, Tunisia, Algeria, Marocco, Portogallo, Spagna, Francia, Albania, Croazia e, naturalmente, la nostra Italia.\nKoudelka definisce questo i suoi tagli “Prospettive instabili” ed in effetti guardandole si ha un senso di disorientamento perchè in alcune occasioni gli orizzonti sono volutamente e visibilmente inclinati per rendere più dinamica l’immagine, per enfatizzare il senso della millenaria storia di questi luoghi testimoni del tempo. Non tutti sanno che Koudelka ha una formazione da Ingegnere aeronautico e queste immagini (insolite per un Autore come lui) rendono il senso del volo radente acrobatico.\nLa mostra RADICI allestita all’Ara Pacis è una scelta precisa per integrare il senso dell’archeologia in un museo che è un ponte ideale di collegamento tra l’antico monumento romano e l’edificio costruito per conservarlo dall’architetto Richard Meier. Le immagini di Koudelka dialogano con la struttura che le contiene e allo stesso tempo è contenuto e contenitore della grande storia di Roma.\nLa mostra di Koudelka all’Ara Pacis di Roma. Foto: © Roberto Gabriele\nQuello che mi è piaciuto di questa mostra è il suo senso immersivo, il suo valore di testimone della storia e dei luoghi. Entrando nei bellissimi spazi allestiti si viene proiettati in un mondo inaspettato, senza tempo. Apparentemente immutato da oltre 20 secoli. Le stampe, bellissime, sono tutte in bianco e nero di grande formato e panoramiche. Il visitatore ha l’impressione di osservare il mondo attraverso una fessura che gli permette di “spiare” un mondo che da solo, non sarebbe in grado di vedere. E la fotografia in quanto tale ha questo grande potere: mostrare agli altri ciò che ha visto l’Autore, ciò che era lì in quel momento ma che nessun altro ha avuto la sensibilità e l’acume di rilevare.\nIn alcuni casi con queste immagini si sfiora l’astrattismo. La purezza delle forme viene sintetizzata in un bianco e nero che per la sua semplicità tende a farle diventare opere grafiche che sembrano disegnate dalla mano dei secoli. Ed è così che un anfiteatro assume le sembianze di cerchi concentrici disegnati nella roccia, che i frammenti di una colonna sembrano essere una serie di ruote dentate di un antico meccanismo.\nKoudelka, da bravo fotografo, si serve della luce per “dipingere” le sue creazioni prima sulla pellicola, adesso sul sensore della sua fotocamera. La luce fornisce i contrasti, i volumi, ci da il senso della materia e ci permette di toccare ciò che possiamo solo vedere. “Radici” esprime perfettamente tutto questo. Alcune opere sono state montate su dei cubi di legno: l’osservatore per vederle deve chinarsi su di esse proprio come farebbe per osservare un reperto ritrovato in un sito archeologico.\nUn viaggio virtuale nel tempo e nello spazio: camminando tra le opere ci si perde nel cercare di riconoscere i luoghi dell’iconografia classica e restare colpiti da come la capacità di un grande Artista abbia saputo interpretarli rendendo iconica ogni pietra. Ci si immerge in una sorta di bagno rituale nel quale il viaggiatore trova un onirico oblio dei propri pensieri.\nNon perdetevi questa mostra, sarà l’occasione per ri-vedere Roma e ri-scoprire un grandissimo Fotografo che sicuramente non conoscevate in questa veste.\nRoma, foro Romano @Magnum Photos\nSITO UFFICIALE: www.arapacis.it\nDOVE: Lungotevere in Augusta (angolo via Tomacelli) . Museo dell’Ara Pacis,\nQUANDO: Fino al 16 maggio 2021, PROROGATA FINO AL 29 AGOSTO 2021\nCATALOGO: Contrasto – Radici.\nORARI: Dal lunedì al venerdì, ore 9.30-19.30 (la biglietteria chiude un’ora prima).\nBIGLIETTI: “solo Mostra” intero € 11; ridotto € 9; € 22 biglietto speciale Famiglie; integrato Museo dell’Ara Pacis+ Mostra per non residenti a Roma intero € 17 (€ 16 per residenti); ridotto € 13 (€ 12 per residenti).\nNORME COVID: Verificare sempre gli orari sul sito con le nuove disposizioni per Covid-19\nPREVENDITA OBBLIGATORIA: turni di ingresso contingentati salvo differenti disposizioni dell’amministrazione di Roma Capitale. Info tel. 060608 (tutti i giorni ore 9 – 19) PER LA PREVENDITA OBBLIGATORIA CLICCA QUI.\ndi Roberto Gabriele\nE’ morto Giovanni Gastel\nOggi 13 marzo 2021 intorno alle ore 18, il mondo della fotografia piange uno dei suoi più indiscussi Maestri.\nE’ morto Giovanni Gastel ci ha lasciati oggi a soli 65 anni a causa del Covid-19. Sono cresciuto con le sue immagini: 30 anni fa, quando ho iniziato ero solo un ragazzino e lui, poco più grande di me era già Giovanni Gastel\nUna persona raffinata, colta, elegante, un grande ritrattista che si è contraddistinto per le sue immagini pulite, creative, potentissimi strumenti di comunicazione che per 40 anni esatti hanno segnato la storia della fotografia commerciale, moderna e contemporanea.\nGiovanni Gastel ha fotografato le donne più belle del mondo rendendole ancora più affascinanti e mai volgari, mai ammiccanti ma sempre sature di infinita personalità. Ma a parte una sua predilezione per il le donne ha fotografato anche tanti uomini, artisti, industriali, politici…\nUna persona che ha sempre avuto intorno a se solo stima e mai clamore, mai uno scandalo, uno dei pochi di cui si poteva solo parlare bene e del quale mai nessuno è riuscito a mettere in dubbio l’efficacia e del suo stile semplice e inconfondibile.\nGiovanni Gastel nasce a Milano il 27 dicembre 1955 ultimo di sette figli e nipote di Luchino Visconti, inizia la sua carriera nel 1981 a soli 26 anni collaborando con riviste come Vogue Italia e Rolling Stone, e firmando nei rampanti anno ’80 campagne pubblicitarie per i più grandi stilisti di tutto il mondo tra cui Versace, Missoni, Trussardi, Dior, Nina Ricci, Guerlain e molti altri.\nQuel che mi piaceva di lui era la semplicità: non aveva bisogno di urlare. A Gastel bastavano pochi elementi, schemi di luce piena senza effetti drammatici e senza speculazioni. Lui sapeva tirare fuori la bellezza intrinseca dei suoi soggetti. Di lui ricordo i suoi Polaroid scattati con il banco ottico 20×25, delle opere d’arte che hanno segnato la mia formazione e la mia crescita fotografica.\nLa sua mostra al MAXXI di Roma è finita il 5 marzo 2021, 8 giorni fa. Di lui mi piaceva molto anche il lato umano che emergeva dalle sue pagine Social nelle quali spiegava ogni giorno i motivi della sua arte, cosa spingeva i suoi scatti, quali erano le sue emozioni a stare dietro alla fotocamera. Le pagine social in cui pochi mesi fa, nell’autunno 2020, non parlava più di fotografia ma del fatto di essere diventato nonno e della sua enorme gioia di questo.\nOggi sono triste, davvero. Di lui non voglio dire molto di più. Vi lascio con le sue parole, quelle che potete andare a leggere voi stessi sulla sua pagina facebook: https://www.facebook.com/GiovanniGastelFotografo\nCiao Maestro, grazie di aver ILLUMINATO la mia fotografia.\nSerie “Madonne” foto: © Giovanni Gastel\nIl progetto ‘Madonne’, ideato da me e il grandissimo stylist Simone Guidarelli, con la bellissima modella Beatrice Brusco nasce dall’idea di lasciare un interpretazione contemporanea della Vergine come tutte le epoche hanno fatto attraverso l’arte. L’ispirazione è alle Madonne barocche e andine.\nIl mio amore per la figura della Santissima Vergine Maria come simbolo del massimo amore e insieme del massimo dolore è immenso!\nSerie “My Ladies”\nSerie “My Ladies”. Foto: © Giovanni Gastel\nLe donne sono state per tutta la mia vita faro e muse del mio cammino. Ancora oggi dedico a loro il mio lavoro fotografico e letterario!\nGrazie mille vi amo tutte e vi ringrazio di essermi sempre vicine.\nRoberto Bolle. Foto: © Giovanni Gastel\nFoto dell’amico e sublime danzatore Roberto Bolle che ho avuto la gioia di fotografare la prima volta a 18 anni nel foyer del teatro alla Scala quando era già un promessa della danza mondiale. Qua Roberto siede pensoso, per una volta nella platea.\nSerie “Metamorfosi”. Foto: © Giovanni Gastel\nMi ha sempre affascinato la commistione contenuta nella Mitologia tra Esseri di diversa natura. Quasi un monito a non allontanarci da essa.\nMacchina: Plaubell 300 mm su Polaroid 20×25\nFoto rielaborate con sovrapposizioni e filettature in post-produzione\nLuciana Littizzetto Foto: © Giovanni Gastel\nQuando Luciana è arrivata da me era visibilmente contraria all’idea di farsi ritrarre. Allora ho cercato di calmarla e alla fine ne è uscito questo ritratto in cui si è riconosciuta con grande gioia.\nUna donna straordinaria e un onore fotografarla.\nTorna presto Luciana!\nLiberatoria immagini – copyright\nLe immagini e i testi scritti in corsivo su questo articolo sono state reperite su internet, principalmente tramite ricerca libera con il motore di Google e sulla pagina Facebook di Giovanni Gastel. Dunque, proprio perchè trovate liberamente su pagine web, sono state giudicate di pubblico dominio. In ogni caso si precisa che se qualcuno, potendo vantare diritti su immagini qui pubblicate, avesse qualcosa in contrario, può scrivere al nostro indirizzo di posta elettronica : dp@iss.sm per chiederne la rimozione delle stesse, rimozione che nel caso verrà immediatamente effettuata.\nQuesto sito utilizza il diritto di corta citazione:\nl’art.70, legge 22 aprile 1941 n° 633 (recante norme sulla protezione del diritto d’autore e di altri diritti connessi al suo esercizio) dispone che il riassunto, la citazione o la riproduzione di brani o di parti d’opera, per scopi di critica, di discussione ed anche di insegnamento, sono liberi nei limiti giustificati da tali finalità e purchè non costituiscano concorrenza all’utilizzazione economica dell’opera. Con il decreto legislativo n°68 del 9 aprile 2003 è stata introdotta l’espressione di comunicazione al pubblico, per cui il diritto non è esercitabile solo per i vecchi mass media, ma anche per i nuovi come da ultimo il web.\nDomon Ken a Roma all’Ara Pacis\nAlzi la mano chi di Voi ha sentito parlare di Domon Ken! Almeno sentito nominare? Almeno visto una sua foto senza sapere che lui fosse l’autore??? Nessuno??? Beh… Confesso che anche io fino alla scorsa settimana non sapevo di lui assolutamente nulla.\nA Roma invece, da qualche giorno si vedoxno le sue foto nelle locandine che pubblicizzano una sua mostra all’Ara Pacis. Una mostra da vedere entro il 28 agosto, c’è ancora tanto tempo, ma visto il periodo vacanziero non tutti riusciranno ad organizzarsi per vederla, e allora ho deciso di parlarvene io così se non siete di Roma potete comunque imparare qualcosa di nuovo…\nDomon Ken è il Maestro del Realismo fotografico giapponese. Detto in altri termini è padre storico giapponese per il Reportage e la Street Photography e ha un intero museo a lui dedicato nella sua città natale, Sakata, in riva ad un lago che contiene tutto il suo archivio. E poi, se leggi qui sotto tutta la sua storia, ti accorgerai che è stato un vero EROE dell’arte fotografica per come l’ha affrontata, portata avanti e approfondita ogni giorno della sua vita.\nMa perché interessarci a Domon Ken se in Italia non lo conosce praticamente nessuno? Perché è bravo, perché la sua mostra all’Ara Pacis è davvero bella e ripercorre mezzo secolo di storia del ‘900 giapponese.\n“Bambini che fanno roteare gli ombrelli”, 1937 circa, dalla serie “Bambini (Kodomotachi)”\n(Ken Domon Museum of Photography)\nFondamentale per capire l’importanza di questo personaggio è leggere la tabella che c’è proprio all’entrata con la cronistoria della sua vita. Questa ci fa capire anche moltissimo del suo carattere. Nasce nel 1909 e inizia la sua carriera artistica con la pittura, avrà 7 figli, ma la cosa sconvolgente sono le 3 emorragie celebrali che lo porteranno a delle battute di arresto dalle quali è uscito sempre più malconcio, ma mantenendo sempre la sua voglia di fotografare e osservare come sia cambiato il suo modo di lavorare in seguito alla malattia che lo ha messo su una sedia a rotelle. Leggi sotto come è andata, perché è davvero interessante…\nGli esordi furono con la fotografia istituzionale: foto di personaggi potenti del mondo della politica giapponese, per lui ritratti di famiglia e rasserenanti immagini di regime che ritraevano la prosperità del Paese alla vigilia della seconda guerra mondiale, la bellezza delle infermiere della Croce Rossa e le esercitazioni di queste e dei soldati con corpi scultorei che in massa si preparavano ordinatamente ai combattimenti, le strade affollate per lo shopping, i mezzi pubblici funzionanti. I punti di vista che enfatizzano le geometrie, le moltitudini delle masse, l’ordine dei pattern e l’abbondanza di figuranti ricordano molto da vicino l’opera di Leni Riefenstahl, la Fotografa del Nazismo che raccontava quello che nello stesso periodo voleva esprimere la Germania. Colleghi di stile, immagini uguali, due Paesi in guerra tra loro. Questo aspetto fa un po’ riflettere….\nAlla vigilia della guerra Domon Ken si staccò pian piano da quel tipo di immagini patinate che non raccontavano la verità reale che lui aveva davanti al suo obiettivo e decise di allontanarsi da questo genere per avvicinarsi al reportage, ricevendo i primi arresti da parte di chi fino a quel momento si era servito di lui. Ma questo è normale che accada, non è giusto, ma normale. Iniziò in questo modo il suo Realismo fotografico, quello che come dicevo all’inizio noi oggi chiamiamo Reportage. E fu così che Domon Ken iniziò una vera e propria rivoluzione stilistica cambiando radicalmente il suo punto di vista e concentrandosi sui poveri, sugli ultimi, invece che sul regime e i suoi splendori. A questo periodo appartengono le immagini dei pescatori e delle pescatrici, quelle dei saltimbanchi e quelle degli antichi mestieri.\nIniziò così a cambiare stile approdando ad un genere di fotografia più tecnica, più riflessiva, passò dal pratico formato Leica 35 mm al Banco Ottico che richiedeva ovviamente tempi di allestimento set decisamente più lunghi, attrezzature più ingombranti, l’uso del cavalletto e tempi di scatto lunghissimi che richiedevano una non semplice complicità e partecipazione da parte dei suoi soggetti. Infatti fu questo il periodo in cui iniziò a fotografare il Bunraku, ossia il Teatro delle Marionette. I risultati sono delle immagini di altissima qualità ottenute in luce ambiente praticamente prossima allo zero ma che riportano l’occhio di noi osservatori contemporanei a notare il senso estetico modernissimo che aveva Domon Ken già 80 anni fa….\nSempre parlando di Realismo Fotografico, possiamo fare un altro parallelo di sicuro con il nostro cinema del Neorealismo che ci riporta a quegli stessi anni in cui evidentemente in tutto il mondo c’era bisogno di dire altro, di esprimere e raccontare la gente comune, quello che succedeva nelle strade, fu un po’ da questo che nacque la Street Photography. Domon Ken iniziò a raccontare la strada, lo fece in particolare modo concentrandosi sui bambini, sulle loro abitudini, i loro giochi, i loro sorrisi e la loro vita libera e fondamentalmente felice con poco. La guerra era già arrivata, ma le sue immagini raccontavano, con grande eleganza e discrezione tipicamente orientale i volti di chi nonostante tutto ha ancora una speranza.\nNel 1957 ormai a 38 anni di età era un Reporter a tutti gli effetti, i suoi esorti istituzionali non gli appartenevano più e da Giapponese sentì la necessitá di raccontare a 13 anni di distanza la più grande tragedia della storia che mai abbia colpito il suo paese: la bomba atomica esplosa ad Hiroshima. E questa credo che sia la parte più intensa di tutta la sua produzione. Domon Ken ha realizzato ad Hiroshima circa 7000 scatti nel corso di diversi suoi viaggi tra le rovine e tra i sopravvissuti alla tragedia, qui nella mostra ne vediamo una ventina.\n“Paziente in ospedale”, “Hiroshima”\nLa cosa che sconvolge l’osservatore è il fatto che anche in questo caso, l’Autore non ci racconta la tragedia con il sangue, con i morti, con la distruzione. Riesce sempre ad avere uno stile pulito, mai falso, ma riesce a parlarci della speranuza che pian piano la gente ricominciava ad avere dopo la tragedia. Ci parla di ferite ben visibili ma rimarginate, ci parla degli orrori e delle ustioni ma anche delle ricostruzioni in chirurgia plastica, ci parla di un padre sopravvissuto e sfigurato ma felice e sorridente che tiene in braccio suo figlio nato sano. Hiroshima è quindi la serie della speranza, ma subito dopo sarebbe arrivata la malattia dalla quale lui stesso uscì grazie alla sua visione positiva del mondo.\n“La morte di Keiji”, 1957, dalla serie “Hiroshima”\nArrivò la prima emorragia celebrale, arrivò il primo colpo di arresto della sua carriera fotografica, ma non smise di fotografare e andò avanti continuando a scattare le sue foto nonostante tutto. Fu questo un lungo periodo di 15 anni nei quali andò a realizzare i ritratti dei suoi amici, altri artisti e intellettuali della scena giapponese. La selezione dei soggetti andò a cascata: lasció un pennarello su una porta dentro casa e gli amici che andavano a trovarlo gli scrivevano man mano una lista sempre più lunga di altre persone da aggiungere al suo lavoro.\nIn seguito alla seconda emorragia celebrale finì sulla sedia a rotelle ma non perse la sua voglia nè la forza di fotografare il suo Giappone. Continuó quindi il suo lavoro ma cambiando radicalmente le modalità di eseguirlo, i soggetti, la tecnica, lo stile. Per ovvi motivi logistici legati alla sua condizione di semi-infermità, riprese a scattare con il suo banco ottico (nella vita ogni capacità acquisita non è mai fine a sè stessa) e il cavalletto, facendosi montare il tutto dai suoi Assistenti ad una altezza compatibile con il suo punto di vista ormai ribassato rispetto alla media.\nL’ultima parte della sua produzione fotografica è stata una ricerca sui luoghi sacri giapponesi, sui giardini tradizionali, sui dettagli di statue sacre. Continuò a scattare con nuove modalità, un nuovo stile, stavolta molto più rallentato, universale. In quest’ultimo periodo le sue immagini hanno perso il dinamismo coinvolgente del reportage e si sono evolute nello still life e nella fotografia di architettura che richiedono pazienza, studio, (sono pochi i Fotografi che abbiano la voglia di ristudiare il proprio stile).\nDopo la terza emorragia celebrare è finito in coma e ci è rimasto praticamente per gli ultimi 12 anni della sua vita senza mai riprendersi. Da quel momento la natura ha avuto il sopravvento sulla sua voglia di fotografare, sulla sua possibilità di farlo.\nQuesta è la storia di un fotografo-eroe, di una persona che non ha mai smesso di evolversi, di chi ha saputo crescere, cambiare genere, ricominciare, rimettersi in gioco. Battuto ma non vinto, ha sempre avuto la forza d’animo di trovare nuovi linguaggi espressivi che lo facessero esprimere con la fotografia.\ntesti di Roberto Gabriele\nDomenica pomeriggio: siamo andati a vedere una delle nostre mostre fotografiche a Roma. L’abbiamo scoperta quasi per caso, in una galleria nuovissima inaugurata a fine 2015 dalle parti di Viale Marconi, vicino al celebre mercato di Portaportese.\nLa Galleria è enorme, si chiama Fondazione Exlcusiva, appena ristrutturata e ricavata in una ex fonderia con un pregevole intervento di recupero architettonico e funzionale. Un bellissimo spazio completamente imbiancato che propone con uno stile minimal (less is more) una mostra di immagini fotografiche di altissimo impatto visivo perchè colorate da Madre Natura. Le foto sono perfettamente illuminate da un sistema progettato e realizzato su misura da una ditta tedesca esattamente per questo spazio.\nDovevo descrivervi la scatola prima di potervi parlare del Contenuto, perchè come ogni buon contenuto ha bisogno di una scatola degna di contenerlo, che sappia vestirlo, impreziosirlo e valorizzarlo ma senza fare clamore primeggiando in una gara di bellezza tra contenuto e contenitore.\nE finalmente arriviamo alle bellissime immagini di Max Serradifalco, un Grafico prestato alla Fotografia. Un fotografo che per scattare non compra neanche la fotocamera ma preferisce scattare con quella non sua messa a disposizione dal satellite prendendo le sue foto dagli screeenshots di Google Earth; la sua modella preferita è la nostra terra vista dallo Spazio. Ancora più particolare l’atteggiamento di questo Fotografo/Grafico che non utilizza neanche Photoshop per modificare i suoi files se non per modificarne leggermente la nitidezza, operazione necessaria per poter stampare in alta risoluzione delle immagini che per forza di cose partono comunque ad una dimensione da monitor.\nCi accoglie Max nella sua mostra, come farebbe un bravo padrone di casa, è un personaggio mite ma molto portato a parlare del suo lavoro del quale è palesemente innamorato, lo fa con toni pacati e non autocelebrativi ma con la consapevolezza di chi sa il fatto suo.\nPiù volte premiato dal MIFA di Mosca ad una menzione d’onore agli International Photography Awards negli USA nel 2012, ha poi esposto dal Giffoni Festival al MIA fair di Milano fino ad una importantissima selezione come miglior Progetto sulla Piattaforma creativa Behance di Adobe.\nMax, come un segugio, cerca le sue immagini scansionando ed esaminando il Pianeta Terra palmo per palmo fino a trovare in esso dei soggetti interessanti per renderli dei veri e propri quadri dipinti dalla natura e visibili solo dal cielo. Continui cambi di rapporti di ingrandimento, zoom in e out e poi spostarsi con il mouse alla ricerca di quadri già pronti che deve solo isolare dal contesto in cui si trovano.\nEntrando un pò di più sul tecnico, alcune immagini hanno un lato reale che corrisponde a decine di chilometri, alcune a poche centinaia di metri sul terreno, e il suo lavoro di ingrandimento e riduzione è quello che farebbe qualsiasi altro fotografo con un obiettivo macro allontanandosi e avvicinandosi ai suoi soggetti.\nMax Serradifalco oltre ad essere un Fotografo sui generis perchè scatta con fotocamere non sue, è anche un Viaggiatore originale poichè conosce tutto il mondo senza muoversi dal suo PC, vola nello spazio senza essere un astronauta e senza avere un’astronave, un esploratore che racconta luoghi che non conosce… Un pò come Jules Verne che scrisse di un Giro del Mondo in 80 giorni o di un viaggio dalla terra alla luna senza aver mai fatto nessuno dei due…. Non so se Max Serradifalco sia anche un pittore (intendo dire se sappia usare pennelli e colori), ho dimenticato di chiederglielo! Ma di sicuro Quelli che “vede” sono dei quadri che solo la geologia sa dipingere con tanta magnifica perfezione e lui diventa una sorta di Ambasciatore della Natura, un Agente Rappresentante del Pianeta, un Avvocato della Natura. Tutte rispettabilissime Professioni che hanno a che fare con cose non realizzate direttamente da loro. Non ho usato la “professione” di ladro, perchè lui non ruba nulla a nessuno, CERCA qualcosa per noi, questo non è rubare, è concedere agli altri il dono della bellezza.\nI suoi soggetti preferiti sono i deserti e le foci dei fiumi, i primi generano per lui interessantissimi patterns e veri e propri quadri decorati che a volte ricordano Jackson Pollock, altre rimandano a figure antropomorfe, altre ancora sono vere e proprie campiture di colore o incredibili disegni visibili solo dal cielo. La forma delle montagne con le loro ombre riportate, i detriti portati dai fiumi, isolotti che si formano in vari luoghi del mondo in quel confine sempre mutevole tra le zone di acqua e di terra… Le istantanee di Max Serradifalco sono davvero delle opere d’arte.\nIl suo lavoro di FotoRicercatore si esprime principalmente in tre direzioni:\nWEB LANDSCAPE PHOTOGRAPHY Foto/Quadri generati dal Paesaggio\nEARTH PORTRAIT Paesaggi terrestri che assomigliano a figure e profili umani\nE-ART-H Paesaggi terrestri che assomigliano a quadri famosi\nL’Urlo di Munch rivisto da Max Serradifalco\nDa Viaggiatore e Fotografo quale sono, mi trovo molto in empatia con questo giovane e performante Artista nel quale riconosco la mia grande passione per le mappe (da bambino il mio libro preferito era l’Atlante De Agostini, lo sapevo a memoria), per la fotografia in generale e per quel magnifico gioco che è Google Earth che sa farci sognare. Rimango incantato anche io per ore ad esplorare la nostra terra, la cosa che più mi piace, è atterrare dove voglio con questa astronave virtuale usando Street Wiew per sentirmi completamente immerso in una realtà diversa. La Fotografia non mi da la stessa sensazione che provo con Street Wiew… Capisco insomma il suo interesse per questa materia affascinante che è il nostro mondo.\nE’ morto Fulvio Roiter\nRicordo Fulvio Roiter fin da quando ero un ragazzino: mio padre comprò un suo libro fotografico e me lo mostrò. In verità mio padre non è mai stato un appassionato di Fotografia in senso stretto, ma quel libro ben fatto, quelle foto suggestive su Venezia e il suo Carnevale attrassero la sua attenzione di uomo curioso e affamato di cultura in senso generale e lo comprò insieme a migliaia di altri libri di arte e letteratura che avevamo in casa.\nE quel libro finito in casa mia insieme ad una piccola collezione di altri Grandi Fotografi furono un pò la mia iniziazione fotografica. Non pensavo da anni a questi fatti, eppure quel libro iniziò a farmi sognare ad occhi aperti. Iniziò a mostrarmi un modo di raccontare il mondo con le immagini invece che con le parole.\nErano i rampanti anni ’80 e io guardavo quelle foto di Venezia scattate durante il Carnevale alla fine degli Anni’70. Sono passati quasi 40 anni e quelle immagini ci portano ad una Venezia che non c’è più. La Venezia di Fulvio Roiter infatti è una Venezia ancora relativamente poco turistica.\nNelle sue immagini ci sono vastissimi scorci della città quasi completamente deserta, oggi sarebbe impensabile per chiunque poter pensare di scattare foto di giorno con Piazza San Marco vuota e senza turisti.\nRicordo che quando guardavo le foto di Fulvio Roiter (allora non avevo alcuna competenza fotografica, le sfogliavo come un quindicenne curioso troppo grande per leggere Topolino e troppo giovane per studiare Fotografia) mi appariva in tutta la sua forza il detto: “Quanto è triste Venezia”. Vedendo quelle foto Venezia mi sembrava davvero tanto triste, la nebbia del mattino, in alcune persino la neve, l’acqua alta e i le onde nei canali.\nAppena ho saputo della sua morte, che è stata oggi 19 aprile 2016 all’età di 89 anni, sono andato a cercare il suo libro che avevo gelosamente conservato in tutti questi anni e puntualmente l’ho ritrovato dopo 4 traslochi esattamente dove doveva stare, insieme agli altri libri della stessa Collana dei Grandi Maestri dei Fratelli Fabbri Editori. Si trovava in ottima compagnia, a stretto tra le copertine di Tina Modotti e Jeanloup Sieff (in ordine alfabetico) e poco più in là della stessa serie c’erano David Hamilton, Cartier Bresson e altri illustri colleghi. Stranamente il nostro Roiter era l’unico con la copertina grigia invece che nera… “Serie Argento“….\nRiceviamo da Donatella Bisutti un bel contributo, un racconto vissuto in prima persona di un viaggio fatto con Fulvio Roiter. Un pezzo di vita vera, il ritratto di un grande Fotografo\nRICORDO DI FULVIO ROITER – UN VIAGGIO IN CAPPADOCIA\nIeri è morto a 89 anni un grande fotografo, Fulvio Roiter. Abitava da anni al Lido di Venezia ed era diventato famoso soprattutto per le foto che aveva dedicato a Venezia e al suo Carnevale. Ma in realtà per anni la sua grande passione era stata viaggiare e aveva percorso mezzo mondo ricavandone una serie di libri fotografici che si distinguevano per il rigore e l’originalità compositiva con cui trasformava il reportage in opera d’arte secondo uno stile del tutto personale. Roiter era in certo modo un “pittore della fotografia”.\nIo l’avevo conosciuto tantissimi anni fa e da allora eravamo diventati amici, anche con la moglie belga. Io allora ero una ragazza molto giovane e, per circostanze familiari – mio padre aveva fondato a Istanbul una società per conto della Pirelli – abitavo con i miei in Turchia, un Paese che mi affascinava e a cui per questo mi sento ancora legata. Ma siccome volevo tornare in Italia e costruirmi una vita mia – mi ero appena laureata, in Belgio, sempre per via del lavoro all’estero di mio padre – e sognavo di diventare giornalista, scrissi di mia iniziativa il diario di un viaggio alla scoperta delle antiche colonie greche dell’Asia minore, principalmente Smirne ed Efeso. Allora non c’era in quella regione alcuna attività turistica e gli archeologi francesi e tedeschi stavano solo cominciando a disseppellire rovine che ridisegnavano quelle città facendole risorgere da un paesaggio deserto, da cui nei secoli il mare si era ritirato. Fu così che scoprii, tra parentesi, l’archeologia – che fino ad allora avevo associato al chiuso un po’ muffito dei musei – come un’eccitante avventura. Mandai questo articolo all’unica rivista che avevo allora a portata di mano, e cioè alla rivista Pirelli, una rivista insigne che per qualche tempo aveva avuto come direttore anche un grande poeta come Vittorio Sereni. Il direttore di allora che credo fosse Castellani, dopo aver precisato che non pubblicava l’articolo per via di mio padre ma perché gli era piaciuto – e questo mi riempì di orgoglio, e riempì mio padre di stupore – a riprova di questo fatto inviò sul campo Fulvio Roiter che allora era ovviamente un giovane fotografo . Lui arrivò con la moglie Louise detta Lu, che per combinazione era belga, Paese in cui io avevo vissuto per anni. Facemmo subito amicizia. Fulvio Roiter allora non era ancora famoso, ma chi se ne intendeva lo considerava già un grande fotografo. Lui e la moglie erano una giovane coppia povera, perché lui era molto selettivo: non voleva lavorare per giornali e settimanali come avrebbe potuto, ma solo per due riviste che secondo lui gli davano la garanzia di una qualità di stampa ottimale, la rivista Pirelli appunto e la storica rivista svizzera Du. Avendo pochi soldi alloggiarono in qualche sorta di ostello e ricordo che venivano a fare la doccia a casa nostra.\nInsomma Fulvio arrivò in una tenuta un po’ hippy e subito disse: ok, ho letto l’articolo e vado a fare le foto in Asia minore, però tu devi scrivere un altro articolo sulla Cappadocia e insieme dobbiamo andare a Goreme. Goreme oggi è famosa per le sue chiese e abitazioni scavate nel tufo ed é una delle mete turistiche privilegiate in Turchia, sfondo per ambientazioni cinematografiche. Ma allora nessuno ne sentiva parlare. Io c’ero stata qualche tempo prima con un gruppo della cosiddetta colonia italiana locale, che comprendeva alcune persone di origine italiana che vivevano a Istanbul o ci erano venute per lavoro, come un simpaticissimo professore di matematica napoletano che insegnava al liceo italiano, liceo che esiste credo ancora oggi. Avevamo noleggiato uno scassatissimo pullman e avevamo affrontato un viaggio non da poco. Di turisti nemmeno l’ombra. Credo che fummo i primi ad arrivare a Goreme. Ricordo che ci facevano entrare nelle case e ci facevano sedere a un tavolo, ci portavano frutta, dolci e loro in piedi ci circondavano e ci guardavano mangiare.\nLe donne ci toccavano i vestiti per vedere com’erano fatti , palpare la stoffa, e siccome allora andavano di moda in Italia delle sottogonne di una sorta di crinolina, ci sollevavano le gonne per guardare sotto e così anch’io ne approfittai e scoprii che i loro pantaloni “turchi” erano in realtà gonne cucite nel mezzo.\nTornando a Roiter, non era possibile dirgli di no, anche se era estate e c’erano più di quaranta gradi. A Istanbul era arrivato anche il mio fidanzato, poi diventato mio marito, e mio padre gli affidò la sua macchina con mille raccomandazioni. Così partimmo in quattro per un viaggio di mille chilometri che si rivelò una vera avventura. Un’avventura indimenticabile. Il viaggio procedeva a rilento, perché Fulvio ogni poco gridava a Roberto di fermarsi perché aveva visto qualcosa da fotografare e si buttava fuori dalla macchina con la sua Canon appesa al collo. Ma non era mai questione di un attimo, perché lui, proprio come un pittore, non accettava la realtà com’era, ma voleva crearla. Per esempio vedeva alcune donne che lavavano i panni in un torrente, però non formavano quella composizione che aveva in mente lui, e che si ispirava a un’idea grafica, in cui la natura e la presenza dell’uomo si accordavano in una forma che tendeva all’astrazione. Allora lui si metteva in attesa, e noi con lui, ma chiaramente con un interesse minore del suo. Tuttavia non c’era verso di smuoverlo, finché spontaneamente le figure del quadro non avessero assunto le posizioni e il ritmo giusto. Chiaro che non bisognava avere fretta. Finalmente scattava e potevamo ripartire.\nA questo ritmo arrivammo all’ora del tramonto in vista di Goreme, dove sapevamo esistere da poco una piccola locanda. Ci stavamo inoltrando nel paesaggio lunare di Goreme, fra pareti e coni di tufo rosato perché illuminato dalla luce obliqua del tramonto, quando con un soprassalto una scena magica, a una curva, si presentò davanti ai nostri occhi: la Fuga in Egitto!\nSu un asinello che procedeva lungo il bordo della strada, davanti a noi, c’era una donna vestita come la Madonna di azzurro, con il capo ricoperto di una stoffa bianca che le scendeva a guisa di velo lungo le spalle, l’asino era condotto dal marito che camminava a piedi tenendolo per la cavezza. Fermo! gridò immediatamente Fulvio e la nostra macchina si arrestò di botto, mentre lui come un pazzo si buttava sulla strada e cominciava a fotografare. Ma l’uomo, infastidito, subito aveva fatto cenno alla moglie di nascondere il viso e lei aveva girato il capo verso la parete di tufo , dandoci le spalle e stringendosi addosso il velo bianco, mentre l’uomo pungolava l’asino perché si affrettasse ad allontanarsi e intanto faceva segno a Fulvio di smettere, di andarsene, con aria va via più minacciosa. Fulvio!, lo chiamammo io e Lu, preoccupate. Ma lui niente. Non poteva perdersi una scena così. Tutto successe in un attimo: l’uomo aveva improvvisamente estratto una roncola e si stava gettando su Fulvio, in un secondo gli avrebbe forse staccato la testa. Lì ammirai la freddezza e la presenza di spirito di quello che allora era il mio fidanzato: poiché Fulvio e l ‘uomo si trovavano alle nostre spalle rispetto alla posizione della macchina ferma, lui innestò subitamente la retromarcia puntando con l’auto dritto contro l’uomo, che arretrò, e intanto passando accanto a Fulvio io e Lu lo afferravamo e lo trascinavamo dentro la macchina senza riguardo per la preziosa attrezzatura fotografica penzolante dal suo collo e sbatacchiata qua e là. Innesto della prima e via, mentre una pietra mancava di poco il lunotto posteriore dell’auto affidataci da mio padre con tante raccomandazioni .\nScendeva la sera, trovammo un luogo dove nasconderci e aspettare. Come entrare nel villaggio, ci chiedevamo, dove nel frattempo il vecchio doveva essere arrivato e aver dato l’allarme? Come saremmo stati accolti?\nDecidemmo di aspettare il calare delle tenebre per raggiungere la locanda inosservati. E così andò. Eravamo in salvo. Ma l’indomani?\nAnche qui ci venne in soccorso un’idea: chiedemmo al proprietario della locanda se poteva procurarci qualcuno del luogo che ci facesse da guida. E al mattino presto arrivò Mehmed , un ragazzo giovane, aitante e simpatico, che miracolosamente parlava anche inglese. Andammo a piedi all’interno del villaggio con lui, che coscienziosamente voleva illustrarci tutto quanto c’era da vedere. Davanti al nostro disinteresse per le sue spiegazioni, rimase perplesso e deluso, finché gli dicemmo la verità: in realtà quello di cui avevamo bisogno era una guardia dl corpo e anche qualcuno che persuadesse gli abitanti a farsi fotografare. Quando Mehmed ebbe capito, ritornò di buon umore e si divertì ad aiutarci: grazie ai suoi buoni uffici Fulvio poté fotografare tutti quanti. Mehmed salì in macchina con noi e cantava in turco delle ballate bellissime, ci eravamo affezionati a lui ed eravamo diventati amici. Con grande dolore apprendemmo pochi mesi dopo che era morto in un incidente stradale.\nDonatella Bisutti il Critico Michele Smargiassi su Repubblica.it pubblica su Fulvio Roiter un Articolo che puoi leggere cliccando qui.\nVoglio parlarvi di questa mostra che ho visto nel 2013 a Parigi, a due passi dal Centre George Pompidou, durante quello che fu il primo Viaggio Fotografico della nostra storia. Il Viaggio si chiamava Parigi in Bianco e Nero e questa esposizione (a sua volta in Bianco e nero) la scoprimmo per puro caso durante le nostre visite in città.\nA tre anni di distanza ho conservato il materiale e i riferimenti della mostra e ora che mi ritrovo tutto tra le mani mi torna in mente quella mostra e voglio raccontarvi le mie impressioni avute all’epoca.\n“Nha Terra” – era il titolo della mostra di questo fotografo ossia la mia terra tradotto dal portoghese, che è la lingua parlata in Guinea Bissau.\nDi mostre bellissime sull’Africa ne ho viste tante, a partire da quelle stranote di Sebastiao Salgado che contengono sempre delle sezioni incredibili sul Continente Nero, fino ad arrivare ai vari vincitori del World Press Photo che in un modo o nell’altro trattano altri temi legati alle migrazioni, a guerre, carestie, sfruttamenti e ogni altro genere di scempi fatti da noi occidentali direttamente o indirettamente ai danni degli Africani.\nInvece questa mostra di Nedjima Berder (totalmente sconosciuto nel panorama dei grandi nomi della Fotografia) mi colpì veramente. Mi colpì per il suo allestimento fatto all’interno della chiesa di Saint-Merry, già questo è un elemento di nota che da noi in Italia risulterebbe alquanto bizzarro se non addirittura impensabile. Una bella chiesa che accoglie una bella mostra. Viste le tematiche della mostra, anche la scelta del luogo mi sembra appropriata: un luogo nato per accogliere, che accoglie realmente. Un luogo per tutti che parla degli Ultimi. Al dilà della ritualità sacramentale, assistiamo qui alla condivisione di storie reali che raccontano e divulgano un mondo lontano al quale non siamo estranei.\nLe immagini, se vogliamo, non sono neanche particolarmente originali e usano una tecnica che andava di moda forse una quindicina di anni fa: rendere una foto in bianco e nero lasciando solo un colore. Qui assistiamo alla stessa tecnica leggermente rivisitata che invece di un solo colore evidenzia un oggetto (con tutti i suoi colori) della foto nelle mani di uno dei soggetti ritratti.\nLa cosa che mi piace è che queste foto raccontano di un’Africa che esiste e che per fortuna pur vivendo con poco, non muore di fame. Le foto sono state scattate nei pressi di un mercato in Guinea Bissau, uno dei paesi più poveri al mondo, molti non sanno neanche esattamente dove collocarlo sul mappamondo, ma ci parlano della dignità di queste persone, e del loro rapporto con la terra e con ciò che mangiano. Sono infatti i ritratti dei contadini, pescatori o allevatori che vanno a vendere i loro prodotti al mercato.\nLe foto non hanno le classiche pose da “Bambino povero che sorride” e neanche quelle altrettanto viste da “Disperato e perseguitato vittima di violenze e torture”. Qui vediamo gente fiera di vivere la propria quotidianità africana. Gente che ostenta la forza della natura della propria terra mostrandoci quanto questa sia generosa verso di loro donando abbondanza a costo zero, anche senza fatica.\nI prodotti vengono sempre raccolti e presentati con una cura estrema, il loro basso valore economico viene invece venduto con la sconcertante semplicità di chi conosce solo la bellezza, la semplicità e la freschezza di quel poco che ha. E così vengono presentate enormi radici o mazzi di peperoncini, o il frutto di una pesca miracolosa portata in un mercato nel quale anche parlare di “banco” è una parola grossa.\nI fisici di queste persone hanno la forza e l’eleganza di chi vive in armonia con la natura, lontano dai grassi, lontano dagli additivi chimici. E’ chiaro l’intento selettivo del fotografo Nedjima Berder che sceglie con cura i suoi modelli per enfatizzarne la bellezza e la loro perfetta armonia e simbiosi con i luoghi in cui vivono. I suoi set sono fatti in luce ambiente, con uno sfondo bianco che rende asettico un angolo di mondo che sarebbe invece circondato da polvere e fango, perchè il Fotografo nel cercare l’immediatezza dei suoi scatti, riesce ad ottenere queste pose fermando i modelli per pochi secondi davanti al suo set mentre loro passano per andare a vendere le merci. Portarli in uno studio significherebbe perderne la spontaneità e l’innocenza. Fotografarli di sorpresa al volo porterebbe all’ennesimo scatto rubato che abbiamo già visto altre volte.\nNelle foto di Nedjima Berder troviamo l’intero ciclo della vita, che sfila davanti alla fotocamera. Taglio quadrato, oggettivo, simmetrico, semplice. I suoi modelli hanno qualsiasi età e vivono il lavoro e la vendita con dignità e non sono mai autocompassionevoli e autocommiserevoli. Nelle immagini di questo fotografo c’è l’inno alla fertilità intesa come riproduzione umana ma anche come frutti della terra. I frutti sono sempre enormi e generosi, colorati e allegri, sono essi stessi un inno alla vita e attraverso essi il fotografo ci trasmette tutta la sua passione per il continente nero.\nInfine la scelta del fondale bianco. Anche questa è funzionale al discorso di semplicità che l’Autore si pone di trasmetterci. Un fondale diverso avrebbe portato lo sguardo dell’osservatore a distrarsi dal soggetto, a contestualizzare con altri riferimenti il senso della storia. Lo sfondo viene qui lasciato di un bianco naturale, con quelle tipiche imperfezioni e rugosità che rendono particolarmente unico e fascinoso il Continente Nero. Il bianco, poi, che si contrappone al nero della pelle, diventa anche una scelta grafica e formale di tutto rispetto. La scelta di non utilizzare Photoshop per scontornare il soggetto è, quindi tutt’altro che casuale per questo cameraman-documentarista che in questa occasione si è prestato alla Fotografia.\nHo amato particolarmente questa mostra, mi ha parlato di un’Africa che pensavo di conoscere, avendola a mia volta fotografata 15 volte, ma che in realtà non avevo mai visto così bella e raccontata in modo così originale. Mi piace questo lavoro fotografico, mi piace per la sua coerenza, per il suo stile, per la sua potenza visiva seppur ottenuta con mezzi essenziali e di basso costo. L’Africa ci insegna che la vita può scorrere anche in un altro modo, con lentezza, essenzialità, e senza sovrastrutture. L’Africa riesce sempre ad appassionare anche chi la conosce. L’Africa sa raccontare storie senza parlare e sa far molto rumore anche senza muoversi.\nDanubius di Marco Bulgarelli a Roma\nSiamo andati a vedere la mostra Danubius di Marco Bulgarelli al Museo di Roma in Trastevere. Per chi non lo conoscesse, questo bellissimo spazio espositivo si trova nel bel mezzo di uno dei quartieri più storici e caratteristici della Capitale, Trastevere, appunto. Il museo è ricavato nelle sale di un ex convento con tanto di chiostro ora riadattato a galleria espositiva, e le foto sul Danubio sono esposte nella Galleria al piano superiore, in quelli che furono i corridoi tra le varie stanze.\nDescrivo lo spazio perchè ben si presta alle foto di Marco Bulgarelli, la cosa che si nota infatti è proprio il percorso di avvicinamento che fa il Visitatore per arrivare a fruire di queste immagini. Trastevere è una zona pedonale e per arrivare alla mostra fortunatamente si è obbligati (uno dei pochissimi posti di Roma) ad attraversare a piedi una vasta isola pedonale chiusa al traffico e piena di persone. Si cammina, quindi, almeno una decina di minuti dal più vicino luogo di transito delle auto. Il camminare riduce la velocità degli spostamenti e allontana dallo stress del traffico. Insomma, per quando arrivi al Museo sei rientrato in empatia con te stesso, hai lasciato i rumori dei motori lontano, hai dimenticato il fattore tempo, così importante per vivere in una città come Roma. Quando arrivi insomma le tue orecchie hanno iniziato a riascoltare il canto dei gabbiani che ti volano sulla testa, ti sei accorto che Trastevere è un luogo a misura d’uomo in cui l’auto non serve e le persone ancora possono salutarsi per strada perchè riescono a parlare, a sentire le voci anche se i toni sono bassi. Quando arrivi alla mostra anche gli occhi sono più attenti ai dettagli, più liberi di guardarsi intorno e di relazionarsi prima con la città, ora con le opere. Camminando tra la gente hai seguito per circa un chilometro un flusso di persone, una serie di incontri con Turisti e Romani e hai seguito una direzione, lentamente. Tutto questo in un ritmo a misura d’uomo, riuscendo a percepire la temperatura dell’aria e altri fattori in cui non siamo abituati a muoverci e proprio per questo quindi ci risultano particolarmente congeniali.\nSenza accorgertene sei arrivato fin qui imitando, senza volerlo, il lento percorso silenzioso che fa il fiume Danubio nel suo scorrere e fluire fino al Mar Nero per 2860 chilometri attraversando 10 Stati. Tu stesso sei diventato fiume, goccia umana in un flusso di uomini, sei arrivato fin qui seguendo il corso della natura. Silenziosamente.\nE il silenzio è proprio ciò che di più colpisce vedendo le bellissime fotografie di questa mostra. Il silenzio dei passi che camminano dentro Trastevere, il silenzio di un ex Convento in cui sono esposte le foto, il silenzio che esplode senza far rumore dalle immagini di questo silenzioso Fotoreporter romano che espone nella Galleria più caratteristica e bella della sua Città.\nGià, quel silenzio ti pervade mentre guardi la mostra. Sarà forse la neve a rendere l’osservazione più ovattata? Sarà per quel fenomeno gestaltico che riorganizziamo il nostro campo percettivo e ci sembra di sentire silenzio mentre vediamo la neve? Forse si…. Tutta quella neve che imbianca le foto di Bulgarelli amplifica il silenzio che circonda l’osservatore rendendolo ancora più profondo.\nVedendo le foto di Bulgarelli noto il silenzio di quei luoghi innevati in cui ci sono si, sempre persone, ma non c’è mai fracasso, mai sembra di percepire alcun rumore al dilà di un leggero brusio di sottofondo. Le foto di Bulgarelli emettono il silenzio del momento in cui sono state scattate, in quei paesaggi invernali con sconfinate pianure innevate. E’ un pò il motivo di questa mostra. Anche le persone presenti nelle immagini appaiono sospese in un luogo senza rumori. Anche lo scatto in cui si vedono decine di persone in fila che appaiono essere profondamente vuoti dal punto di vista acustico. Le persone non parlano, non schiamazzano… Anche le foto fatte in estate hanno gli stessi silenzi ovattati di quelle invernali. Già, perchè le foto della mostra sono frutto di numerosi viaggi fatti lungo il Danubio in tutte le stagioni dell’anno, la ricerca di Bulgarelli si è protratta per anni nell’esplorazione di tutto il fiume dalla sorgente al sul delta…\nE questo silenzio accompagna il Viaggio di un Viaggiatore Solitario come Bulgarelli che esplora il Danubio spostandosi in bicicletta, anche in questo caso senza eccedere in velocità, e, ovviamente, senza far rumore. Il Danubio scorre lentamente, non è un ruscello di montagna fragoroso, è un grosso Fiume che porta migliaia di metri cubi di acqua, merci, persone, il tutto senza clamore. Come Bulgarelli: non fa clamore ma è una persona straordinaria portata a stare con le persone, che nei suoi viaggi avvicina persone con il linguaggio non verbale (e stavolta neanche fotografico!) fatto dalle persone sincere che sanno scambiarsi stima, simpatia e ospitalità attraverso la semplicità e la spontaneità di un sorriso: codice universale di accoglienza e predisposizione verso l’altro. Avvicinare Bulgarelli non è difficile, non fa il divo Bulgarelli, ha la guardia bassa, non sta in difesa, ha la calma delle persone sicure di se che non hanno paura di nulla.\nAndate a vederla, questa mostra al Museo di Roma In Trastevere, per leggere una presentazione ufficiale vai sull’Evento di Facebook cliccando qui.\nPer info e orari andate sul sito Ufficiale cliccando su questo link.\nIl LIBRO della mostra “DANUBIUS” (Museo di Roma in Trastevere, fino al 12 gennaio 2014) uscirà a metà dicembre, è un ottimo regalo di Natale, parlane anche con i tuoi amici e parenti. Sarò eternamente grato per questo piccolo gesto di grande valore. ACQUISTALO ONLINE SUL SITO DELLA CASA EDITRICE: http://www.postcart.com/danubius.php\nIl Palazzo delle Esposizioni di Roma ha fatto l’ennesimo grande omaggio alla Fotografia contemporanea, ormai la prestigiosa galleria in via Nazionale ci propone solo emozioni fotografiche di altissimo livello.\nSono andato ieri con i miei Allievi della Photo Academy in visita alla mostra di Helmut Newton, senza dubbio un nome che ha fatto la storia della fotografia anche quando era ancora vivo. Famosissimo e amatissimo da tutti Helmut Newton è sempre stato un personaggio di grande spicco, un divo a tutti gli effetti, parte integrante dello star system che ha sempre raccontato e descritto nelle sue immagini. Newton insomma non è mai stato un osservatore di un certo mondo, non un narratore reporter affascinato dai suoi soggetti, lui raccontava il suo mondo vivendoci dall’interno come suo stile di vita e mostrandoli all’esterno con le sue fotografie come icone di un mondo altrimenti inaccessibile ai più.\nLe sue immagini ci raccontano di ville con piscina a Montecarlo, di attici a Manhattan o ai piedi delle Torre Eiffel, lui scattava per lo più in casa di amici o in quelle delle persone che ritraeva o nelle sue case che aveva sparse per il mondo. Le sue location preferite erano le grandi città come Parigi o Berlino, o le ville monumentali del lago di Como… Visioni di vita quotidiana, la sua. Concessioni fatte all’umanità di poter dare uno sguardo ad un mondo abitato da donne bellissime, discinte e disponibili, che vivono in case da film. Quelle di Newton sono delle visioni voyeuristiche di una società occidentale ricca e opulenta, arrogante e trasgressiva. Le donne di Newton sono annoiate, prepotenti, capricciose e fisicamente perfette, sono le donne che tutti gli uomini vorrebbero avere ma nessuno vorrebbe sposare, ma sono donne spesso tristi, insoddisfatte, la loro disponibilità è solo fisica, non morale.\nQueste donne si baciano tra loro per noia, perchè vivono da sole in case senza uomini troppo affaccendati a fare altro. Le rare volte che gli uomini appaiono al cospetto di queste donne languide hanno sempre un ruolo subalterno, sottomesso, servile. Ecco quindi uomini baciare manichini o stare con lo sguardo basso, preso da altri pensieri mentre ci sono due donne davanti a lui riflesse nello specchio che amoreggiano tra loro completamente nude. Le donne di Newton arrivano ad interpretare il ruolo dell’altro sesso fino al punto di indossare abiti maschili e a tagliarsi i capelli in un continuo gioco fatto di ruoli e di identità. Gli uomini nel migliore dei casi stanno a guardare o sono schiavi della bellezza femminile.\nLe modelle che il grande maestro tedesco sceglie per le sue visioni fotografiche giocano alla cavallina con tanto di frustino tra i denti all’interno di lussuosissime residenze, vestono con vertiginosi tacchi a spillo e ostentano la loro superba bellezza facendone un uso di fortissimo erotismo, mai volgare, mai pornografico. Per primo Newton ha portato il nudo nella fotografia di moda, pubblicizzando gli abiti e gli atelier internazionali con modelle in nudo integrale.\nVedendo la mostra di Roma, con oltre 200 foto tratte da 3 libri che sono stati diffusi in tutto il mondo, si ripercorre la storia della poetica visiva di questo grande artista. L’osservatore poco attento viene immancabilmente rapito dalla bellezza plastica delle modelle che qui vengono usate nel vero e proprio senso letterale del termine per interpretare il loro quotidiano, per quanto questo sia distante dal vissuto comune. Ad uno sguardo più approfondito ci si rende conto di come queste foto abbiano dettato 40 anni fa gli stili della fotografia moderna e contemporanea, di come le sue inquadrature, i suoi tagli e lo stile cromatico che otteneva in camera oscura siano oggi del tutto attuali e gli stessi che cerchiamo di ottenere con gli effetti di Photoshop.\nAltra cosa che sconcerta chiunque visiti la mostra di Newton al Palazzo delle Esposizioni di Roma è la vastità e la quantità delle opere esposte oltre che il loro allestimento. La sezione dei Big Nudes è quella che mi ha di più affascinato, qui le donne appaiono nelle gigantografie stampate a dimensione naturale in una sorta di ricostruzione “in copia dell’originale”. Le ragazze diventano cloni di sè stesse in scala 1:1 e la loro giovane bellezza viene consegnata all’immortalità della fotografia mediante la conservazione eterna del negativo fotografico.\nConsultare il sito del Palazzo delle Esposizioni di Roma: http://www.palazzoesposizioni.it/categorie/mostra-helmut-newton Apertura al pubblico fino al 21 luglio 2013.


Come la cicoria influenza la pressione - Emicrania March\nLa cicoria abbassa o aumenta la pressione sanguigna? Questa domanda interessa molte persone che vogliono provare una bevanda istantanea vegetale. Il componente stesso ha molte proprietà positive. È un sostituto naturale del caffè e il suo uso non nuoce al corpo. Tuttavia, non tutti possono utilizzare questo componente vegetale.\nIl principale vantaggio della cicoria è la sua capacità di normalizzare i processi metabolici nel corpo. La pianta ha un effetto positivo sul lavoro dei reni e allevia le condizioni del diabete. In alcuni casi, la radice viene utilizzata per migliorare la composizione del sangue. Deve essere usato per problemi con il sistema digestivo. La radice ha un effetto positivo sulla condizione generale del paziente, migliora l'appetito e le viscere. È un rimedio efficace per il bruciore di stomaco. L'uso sistematico della bevanda solubile consente di mantenere il corpo in buona forma, pulisce i vasi sanguigni e allevia l'affaticamento.\nLa bevanda ha le seguenti proprietà:\nSpesso il componente viene utilizzato per normalizzare il lavoro del pancreas. Influenza attivamente l'attività cardiaca e ipertensione. La radice curativa ha un effetto antitumorale. Infine, è usato per la rapida guarigione delle ferite e dell'eczema.\nNonostante molte proprietà positive, non puoi bere un drink a tutti. La cicoria abbassa la pressione sanguigna, quindi è pericoloso applicarla a persone con ipotensione. Non si dovrebbe usare la radice per la gastrite, le emorroidi e le vene varicose.\nL'effetto della cicoria sotto pressione\nLa componente vegetale ha un forte effetto sul corpo. Prima di iniziare a usarlo, si raccomanda di consultare il proprio medico.\nLa radice della pianta è un utile sostituto del caffè. Se una persona soffre di pressione alta, è severamente vietato bere un caffè. In questo caso, viene in aiuto di una radice secca. Abbassa la pressione sanguigna e migliora le condizioni generali. La radice della pianta - la salvezza per molti bevitori di caffè che non possono permettersi di usarli.\nCicoria e pressione sono due componenti interagenti. La radice della pianta è un rimedio sicuro ed efficace sul percorso verso una salute migliore. Gli esperti raccomandano di dare la preferenza a questa bevanda, ma non la abusano. È importante scegliere il giusto dosaggio e non superarlo. La dose ottimale è 1-2 tazze al giorno. Tuttavia, l'uso della bevanda insieme ai farmaci non è raccomandato. La radice secca contiene una massa di sostanze attive che, interagendo con determinati farmaci, possono danneggiare il corpo.\nCoinvolgere nella componente vegetale non vale l'ulcera allo stomaco e l'ulcera duodenale.\nQuindi abbassa o aumenta la pressione della cicoria? Come accennato più volte sopra, ha un effetto benefico sulle persone che soffrono di ipertensione. La radice secca favorisce la riduzione attiva della pressione.\nL'uso di componenti vegetali\nL'uso corretto della pressione della cicoria si normalizza e porta al tono dell'intero organismo. Bere da questa pianta è popolare e popolare. Per una corretta preparazione, devi prendere le radici asciutte della pianta. Dovrebbero essere macinati in un macinino da caffè, versare in un turco, versare acqua fredda e portare a ebollizione.\nIl componente a base di erbe viene utilizzato per le procedure di benessere e per i bagni terapeutici. Per fare questo, l'ingrediente principale è languire a fuoco basso per 15 minuti. Quindi il brodo risultante viene versato nel bagno. La temperatura dell'acqua non deve superare i 37 ° С. Questo effetto sul corpo ti permette di calmare i nervi e normalizzare la condizione generale. Per fare un bagno sulla base di una radice secca è consigliabile prima di coricarsi.\nPer la salute generale del corpo, la pianta è presa sotto forma di bevanda. Come accennato in precedenza, puoi cucinarlo da solo o comprarlo nel negozio. Se dopo l'uso inizia a ferire la testa, dalla cicoria dovrebbe essere abbandonato. È probabile che una persona soffra di pressione bassa e questo effetto aggraverà la situazione.\nTutto questo dimostra ancora una volta che prima di prendere un drink, dovresti consultare il tuo medico.\nConoscete questi sintomi in prima persona? E a giudicare dal fatto che leggi queste righe - la vittoria non è dalla tua parte. Per questo motivo ti consigliamo di familiarizzare con il nuovo metodo di E. Malysheva, che ha trovato un rimedio efficace per il trattamento dell'ipertensione e della clearance vascolare. Maggiori informazioni >>>\nCome la cicoria agisce sulla pressione: aumenta o diminuisce\nOggigiorno, molti soffrono di ipertensione, ma spesso si riscontra anche ipotensione. Alcuni cercano di normalizzare la pressione con l'aiuto di rimedi popolari, che molti possono trovare su Internet. Una delle piante utili è la cicoria. Tutti sanno della sua esistenza, ma pochi sanno come funziona sulla pressione. L'articolo ti dirà se la cicoria aumenta o diminuisce la pressione.\nComposizione e proprietà della cicoria\nLa ricca composizione della cicoria migliora l'immunità umana\nQuesta pianta perenne si trova spesso in estate, attrae l'occhio grazie ai suoi bellissimi fiori viola. Ma non sono considerati affatto curativi, ma la radice, che contiene vitamine e altre sostanze benefiche. A volte le foglie di cicoria vengono utilizzate in cucina e in medicina popolare. Per scoprire come la cicoria influenza la pressione, dovresti capire meglio la sua composizione.\nLa radice di questa pianta contiene:\nInoltre, la pianta contiene vitamine: A, C, E, B, K, acido nicotinico. A causa di questa ricca composizione, la cicoria ha un effetto benefico sul corpo umano.\nLe sue utili proprietà sono le seguenti:\nMigliora la funzione del sistema escretore.\nHa effetti diuretici e coleretici.\nUccide microrganismi dannosi.\nLa radice di questa pianta viene solitamente macinata in polvere e da essa, a sua volta, si prepara una bevanda istantanea al caffè. Non contiene caffeina, quindi la cicoria non aumenta la pressione. Pertanto, è possibile bere cicoria per l'ipertensione.\nI benefici e i danni della radice\nLa radice di cicoria è la parte principale della pianta e fa parte di molti farmaci.\nI benefici di questa pianta medicinale sono evidenti, ma c'è anche qualche danno per alcune malattie. Il fatto è che la radice di cicoria contiene acido ossalico, che è pericoloso per i pazienti con urolitiasi. Perché un eccesso di questo acido favorisce la formazione di ossalati. Pertanto, le persone inclini alla formazione di calcoli nei reni e nella vescica, dovrebbero fare attenzione nel suo utilizzo.\nMa l'efficacia della cicoria è molto più grande. È stato a lungo osservato che calma il sistema nervoso, quindi, aiuta a combattere l'insonnia. Inoltre, la cicoria migliora la peristalsi intestinale, purificando il corpo dalle sostanze nocive. Lo zinco, che è contenuto nella cicoria, aiuta gli uomini a superare i problemi sessuali e le donne - per migliorare la condizione della pelle e dei capelli.\nIl ferro, che si trova nella radice della cicoria, migliora la composizione del sangue, combatte contro l'anemia. E il calcio, che contiene anche molto in questa pianta, rafforza l'apparato osseo. Il magnesio e il potassio, situati nella cicoria, rafforzano il muscolo cardiaco.\nAnche questa pianta curativa agisce positivamente sulla condizione dei muscoli e delle articolazioni. Inoltre, ci sono molti tannini nella cicoria, che aiutano con le infiammazioni della gola, dell'intestino e di altri organi.\nDi particolare rilievo è il beneficio della cicoria nel diabete. Dal momento che ha la capacità di ridurre la glicemia, la bevanda da esso è semplicemente indispensabile per le persone con diabete.\nLa pianta viene utilizzata non solo all'interno, ma anche come decotto per il risciacquo con malattie delle gengive e della gola, e come lozioni, impacchi, strofinate per problemi di pelle e malattie delle articolazioni. Inoltre, la cicoria viene aggiunta ai bagni per le malattie della pelle.\nOra vale la pena di parlare di come la cicoria influenza la pressione sanguigna, che aumenta o diminuisce la pressione. Considera come funziona la cicoria nell'ipertensione e nell'ipotensione.\nLa cicoria tende ad alleviare lo stress e calmare i nervi. A causa del contenuto di potassio e magnesio, il sistema cardiovascolare è rafforzato. Inoltre, questo farmaco ha proprietà diuretiche, rimuove il gonfiore e rimuove il fluido in eccesso dal corpo. Inoltre, la cicoria espande i vasi sanguigni. Tutti questi effetti della radice curativa sul corpo umano suggeriscono che la cicoria riduce la pressione. Quindi puoi bere cicoria a pressione elevata.\nInoltre, questa pianta ha la capacità di curare le malattie della colonna vertebrale, vale a dire, le lesioni spinali possono anche portare all'ipertensione. Quindi, coloro che hanno aumentato la pressione a causa di ferite hanno bisogno di bere cicoria e la pressione diminuisce. Tuttavia, non dovrebbero nemmeno subire abusi, altrimenti si potrebbe sviluppare ipotensione. Due bicchieri al giorno saranno sufficienti per ogni persona.\nPoiché è stato rivelato l'effetto ipotensivo della cicoria sul corpo, è chiaro che a bassa pressione non è consigliabile bere una bevanda dalla cicoria. Altrimenti si possono verificare conseguenze spiacevoli, come: svenimento, debolezza, mal di testa, vertigini, sonnolenza, ecc. Pertanto, le persone inclini a bassa pressione sanguigna, bere cicoria non è raccomandato.\nLa bevanda di caffè radice di cicoria influenza favorevolmente il sistema nervoso umano\nIl trattamento più comunemente usato per la bevanda del caffè è la radice di cicoria. Può essere facilmente acquistato in qualsiasi negozio, a volte viene prodotto con l'aggiunta di erbe: camomilla, ginseng, cannella. Fare una bevanda è molto facile: un cucchiaino di bevanda viene versato in un bicchiere di acqua bollente e mescolato a fondo. È possibile aggiungere latte, panna e zucchero a piacere.\nPuoi bere e decotti fatti in casa di radice di cicoria. È necessario scavare, lavare, asciugare e macinare in un macinacaffè in uno stato di polvere. A volte usi foglie e fiori, ma raramente. 100 g di polvere secca devono essere versati con un litro di acqua bollente, lasciare fermentare per 30 minuti, filtrare. Bere questo attrezzo dovrebbe essere qualche minuto prima dei pasti tre volte al giorno, un cucchiaio. Per scopi terapeutici, la cicoria è presa per molto tempo.\nOltre ai suoi benefici di guarigione, la cicoria ha una serie di controindicazioni.\nNon puoi bere la radice di cicoria quando:\nLe donne incinte possono prendere la cicoria in un bicchiere al giorno come un sedativo. Tuttavia, non dovrebbero essere abusati perché una quantità eccessiva di questo farmaco può causare un parto prematuro. Non è auspicabile che le madri che allattano lo usano, perché riduce l'allattamento e rende amaro il sapore del latte materno.\nLa cicoria è utile per l'ipertensione, ma è irragionevole sperare che la pressione si attenuerà solo dall'amministrazione della cicoria. Perché con questa grave malattia è necessario un costante trattamento medico.\nTrattamento di cisti del cervello - metodi, recensioni di medici e pazienti, le conseguenze\nAttualmente, sono registrati sempre più casi di aumento della pressione intracranica nei bambini. Gli scienziati attribuiscono questo alle condizioni ecologiche delle singole regioni, alle peculiarità dello stile di vita dei genitori e del bambino e al corso della gravidanza.


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OPTIMIST: III TAPPA VOLVO CUP 2009 - PUNTA ALA\nPaolucci e Stocchero: missione compiuta\nCondizioni meteo ardue per la flotta Optimist impegnata a Punta Ala nella terza tappa del circuito Volvo Cup 2009. Il prossimo weekend arrivano i Melges 24\nPer i giovani timonieri della classe Optimist, protagonisti tra sabato e domenica della terza tappa della Volvo Cup 2009, la trasferta a Punta Ala � stata davvero impegnativa. Al pari di Marsala e Alassio, anche sul campo di regata toscano, teatro nel corso degli anni di alcune delle manifestazioni pi� importanti del calendario agonistico internazionale, il meteo non � stato dei migliori.\nA differenza di quanto accaduto agli estremi della penisola, dove l'inclemenza di Eolo ha permesso lo svolgimento di un limitato numero di prove, in Toscana si � regatato, eccome. Scrosci di pioggia, temperature sotto la media e brezza debole di direzione variabile sono stati il menu di un weekend che ha visto il Comitato di Regata dello Yacht Club Punta Ala, riuscire nell'impresa di portare a termine ben quattro manche per ciascuna delle classi in gara. Un totale che ha consentito ai quasi cento partecipanti, presenti nella gran parte dei casi grazie all'intraprendenza di circoli e istruttori, di scartare il peggiore dei risultati.\nTra i Cadetti, dove a darsi battaglia sono stati trentasette giovanissimi, � stato netto il dominio di Leonardo Stocchero. Il portacolori del Circolo Vela Toscolano Maderno ha centrato il terzo successo consecutivo dopo quelli ottenuto a Marsala e Alassio e lo ha fatto a suon di primi piazzamenti. Il timoniere di ITA-7447, infatti, si � aggiudicato tutte le prove disputate e ha inflitto ad Alessandra Dubbini, sua compagna di club, un distacco di sei punti. Alle spalle della Dubbini, seconda assoluta con due secondi e due terzi, nonch� migliore delle ragazze, si � classificato Francesco Barberis del Circolo Vela Bellano.\nClassifica che non lascia spazio ad interpretazioni nemmeno tra gli Juniores, dove a imporsi � stato Alessio Paolucci (ITA-7506). Seppur con parziali meno autoritari di quelli inanellati da leader dei Cadetti, Paolucci ha staccato nettamente Ettore Botticini e Alfonso Pescini, entrambi del Circolo Vela Talamone. Miglior rappresentante del gentil sesso � risultata un'altra portacolori del circolo di Talamone, Sara Letizia, giunta settima assoluta.\nFinite le regate, tutti, partecipanti e organizzatori, si sono radunati presso la sede dello Yacht Club Punta Ala, dove, davanti alla teca contenente la Louis Vuitton Cup vinta da Luna Rossa nel 2000, si � svolta la cerimonia di premiazione. Assegnati i trofei, il Segretario Generale del Club Emanuele Sacripanti e il Cav. Norberto Foletti, Presidente dell'Associazione Italiana Classe Optimist, hanno sorteggiato i premi messi in palio dal Comitato Organizzatore. Grande era l'attesa per scoprire chi sarebbero stati gli assegnatari dei premi pi� importanti: l'Optimist "su Misura" del Cantiere Faccenda e una telecamera waterproof Sanyo CA-8.\nIl primo � andato a un felicissimo Alessandro Fornasari della Societ� Canottieri Garda Sal� mentre, a vedersi assegnata la telecamera, � stata Michela Parisi della Lega Navale Italiana di Civitavecchia.\nLo Yacht Club Punta Ala e MediaVip, invece, si ritroveranno tra meno di una settimana in occasione della seconda tappa della Volvo Cup Melges 24. Gi� diversi sono gli scafi giunti in Toscana dove il via alle prime manche � previsto per venerd� 24 aprile.\n19/04/2009 J24: DOPO PASQUAVELA VINTA DA JDF LA CLASSE VA AL TAN\n19/04/2009 TAN: PASTA E NON SOLO\n19/04/2009 OPTIMIST: III TAPPA VOLVO CUP 2009 - PUNTA ALA\n19/04/2009 CLASSE FINN - COPPA ITALIA 2009\n19/04/2009 ROMA X2, XTUTTI: PARTITI SOTTO LA PIOGGIA