Esplorazione tattile alla Certosa per non vedenti e ipovedenti - Storia e Memoria di Bologna\nEsplorazione tattile alla Certosa per non vedenti e ipovedenti\nIl cimitero monumentale, ricco di opere dalla sua fondazione nel 1801 ai giorni nostri, permette, con le sue sculture, di far ripercorrere tattilmente alla persona non vedente, con l’approccio ad opere originali d’epoca, gli sviluppi artistici che si sono succeduti fin dal neoclassicismo e consente altresì l’analisi e il confronto di diverse tecniche scultoree. Una possibilità unica verrà data dunque ai privi della vista: approcciarsi ad opere d'arte e manufatti originali d'epoca, in un contesto eccezionalmente rilevante per l'arte e la storia italiana. Lungo i portici e le sale della Certosa è infatti possibile, data la presenza di migliaia di manufatti plastici e scultorei, far percorrere al non vedente, con l’aiuto del tatto, la storia e l’arte di due secoli.\nIl percorso si svolge presso la Certosa di Bologna. A cura di Paola Sema, in collaborazione con il Museo tattile Anteros dell'Istituto dei Ciechi Francesco Cavazza di Bologna.\n1. Leoni del Chiostro Maggiore - Scultore: Giovanni Putti\nCenni Biografici: Studente all'Accademia Clementina, negli anni di fine Settecento Giovanni Putti (Bologna 1771 - Bologna 1847) si aggiudicò diverse medaglie accademiche e nel 1810, quando era ormai un artista noto ed esperto, vinse il Premio Curlandese di Scultura. La sua prima attività è legata agli apparati effimeri che, ancora ad inizio Ottocento, a Bologna si eseguivano durante la Settimana Santa o in occasione delle esequie di personaggi illustri. Trasferitosi a Milano nel 1809, modellò il tripode che, tradotto in argento, fu donato dal Regno d'Italia al Re di Roma, ebbe parte ai lavori della facciata del Duomo e alla decorazione plastica dell'Arco della Pace, realizzando le quattro Vittorie equestri poste sull'attico. Dopo il ritorno a Bologna nel 1814, pur non trascurando altri incarichi, lavorò prevalentemente ai sepolcri bolognesi. Il suo rientro in città in età di Restaurazione, la sua produzione plastica aggiornata e al contempo abbondantemente rispettosa della ricchezza materica e del virtuosismo materico di gusto barocco, ancora di gran moda a Bologna, fu molto apprezzata. Già nel 1809, su commissione comunale, aveva eseguito i due Piagnoni ancor oggi posti all'ingresso ottocentesco del cimitero. Negli anni venti gli vennero allogati i due Leoni a capoportico del Chiostro Maggiore e due Geni funebri (di cui oggi ne rimane uno solo) per i pilastri minori del cancello d'ingresso della Certosa. Alla sua esperienza si deve uno dei più significativi cataloghi di scultura neoclassica del cimitero, dato che sono a noi noti ben trentuno monumenti da lui eseguiti.\nDatazione dell’opera: 1820-1828 circa.\nCommittenza: Comune di Bologna. A partire dal 1801 il Municipio avviò alcune opere di adattamento e abbellimento dell’antico convento trasformato in cimitero. Oltre alla costruzione di chiostri e logge, vennero commissionate alcune sculture che avessero carattere simbolico ed emblematico. Lo scultore Giovanni Putti firmò nel 1809 le due terracotte colossali poste nel nuovo ingresso: i “Piagnoni”, che assursero ad emblema della nuova fase storica del complesso. Ad un momento successivo si deve la richiesta di esecuzione dei due leoni, posti al fondo del viale che, partendo dai “piagnoni”, giunge nel chiostro terzo, primo luogo dedicato alla sepoltura.\nDove: Esedra sud del Chiostro Maggiore.\nMateriali e tecniche di realizzazione: Terracotta, tutto tondo.\nSoggetto iconografico: Con l’aquila, il leone è certamente l’animale più rappresentato nell’antichità classica e nel Vicino Oriente. Esso simboleggia la forza, la nobiltà, la maestà, il coraggio e l’ardore. Nella tradizione cristiana è simbolo dell’evangelista Marco ed è compagno di alcuni santi, particolarmente di quelli del deserto. Più raramente il leone è legato alla Resurrezione di Cristo. Nell’arte medievale, come simbolo di coraggio è rappresentato ai piedi dei gisants sulle tombe di uomini potenti.\nIl leone è iconograficamente legato alla virtù cardinale della Fortitudo e nell’Iconologia di Cesare Ripa è attributo dell’Etica e del Governo di se stesso. Inoltre quando la forza è sottoposta o all’Eloquenza o alla Giustizia, Ripa sceglie sempre un leone per rappresentarla. Ma come emblema della Forza egli sceglie l’elefante. L'animale nel suo insieme e alcune parti del suo corpo, come la testa e le zampe, sono ampiamente utilizzate in molte delle arti applicate, anche nella sfera funeraria.\nNel caso specifico della Certosa, la scelta di far eseguire i due leoni ha la valenza di porre dei guardiani a protezione del recinto funebre.\nDescrizione: Le due sculture sono poste, una di fronte all’altra, ai lati del viale del chiostro e sono perfettamente speculari, differenziandosi solo per minimi dettagli. Ambedue i felini sono ritratti accucciati su un basamento rialzato, in posizione vigile, con la testa sollevata e lo sguardo l’uno rivolto verso l’altro. Seguendo il profilo superiore del leone, partendo dal muso e procedendo lungo la criniera, la schiena e la coda, ci si rende conto di come l’artista lo abbia voluto raffigurare a grandezza naturale. Durante l’esplorazione del muso, circondato da una folta e mossa criniera, si possono apprezzare la bocca semiaperta, all’interno della quale si sente anche la lingua dell’animale, il naso con le narici chiaramente percettibili e, proseguendo lungo il setto nasale, i grandi occhi, che poco hanno del felino e molto dell’umano. L’esecuzione degli occhi, in particolare, è stata molto curata e sono da rilevare le due orbite oculari, in cui, per rendere l’effetto delle pupille, lo scultore ha creato un incavo. La fronte è resa correttamente da un punto di vista naturalistico, evidenziando le masse muscolari sopra gli occhi. Anche la criniera risulta essere molto realistica e, partendo dal muso, scende in ispidi ricci lungo il collo, arrivando fino alla base della schiena e all’inizio delle zampe anteriori. Scorrendo dall’alto verso il basso, si noterà come la criniera da ispida diventi sempre meno rilevata, terminando in piccoli riccioli. Il corpo del leone è invece liscio al tatto, a dare l’idea del pelo che, in questa zona dell’animale, è corto. Partendo dalla schiena e seguendo il profilo della criniera si arriva all’attaccatura delle zampe anteriori, che terminano in grandi falangi con unghie pronunciate. Correndo invece lungo la schiena, si giunge alle due cosce delle zampe posteriori e, seguendone l’andamento e la forma, si apprezza la posizione accucciata del felino. Anche in questo caso lo scultore evidenzia falangi e unghie. La coda, appoggiata al basamento, ha un andamento sinuoso e termina con un ciuffo di peli.\nI due leoni analizzati rappresentano al meglio il gusto dell’età neoclassica che, partendo dalle tombe pontificie, scolpite da Antonio Canova a Roma, vede la presenza di questi animali sia per caratterizzare la virtù del defunto, che a protezione dell’eterno sepolcro.\n2. Monumento Bisteghi - Scultore: Enrico Barberi\nCenni Biografici: Nato e vissuto a Bologna, Enrico Barberi (1850 -1941) qui frequenta l’Accademia e si forma, ma dal 1871 al 1873 usufruisce del pensionato che gli permette un apprendistato fuori città, presso lo studio di Giovanni Duprè a Firenze. Dopo anni di insegnamento all’Istituto di Belle Arti, detiene la cattedra di scultura all’Accademia per 25 anni,, presso la quale si formano artisti famosi della generazione successiva, quali Silverio Montaguti e Giuseppe Romagnoli. Artista di indole discreta, meditativo e scrupoloso, è comunque molto attivo localmente e suoi sono diversi monumenti celebrativi a Bologna e Crevalcore. Suoi anche tre dei busti appartenenti al ciclo del Pantheon degli uomini illustri: quelli dell’amico Luigi Serra, di Francesco Rocchi e Paolo Venturini.\nIn Certosa la sua attività è testimoniata a partire dal nono decennio dell’Ottocento, ma la fase più felice dell’opera di Barberi giunge nell’ultimo decennio dell’800, con la realizzazione di monumenti di grande impatto e alta qualità esecutiva, come quelli per le famiglie Bisteghi, Cavazza e Borghi Mamo, che segnano l’aspetto tardo ottocentesco della Certosa.\nRisulta attivo anche per i cimiteri di Cesena e Imola, dove rimangono testimonianze più modeste della sua attività. Ancora tutta da chiarire la serie di rapporti che in quegli anni lo legava a diverse figure come Luigi Serra, Alfredo Tartarini ed altri. Una fitta rete di amicizie che consentiva frequenti scambi di idee, disegni, progetti, per cui spesso si possono notare non solo influenze, ma vere e proprie collaborazioni che permettevano di mettere in campo esperienze e capacità diverse per la riuscita di un unico lavoro. Significativo il rapporto di amicizia e di lavoro con il pittore Luigi Serra, tanto che questi consegna allo scultore idee per le tombe Bisteghi e Borghi Mamo. Enrico Barberi è la compiuta espressione bolognese del passaggio dalla stagione verista a quella simbolista, che poi si aprirà al liberty o floreale.\nCommittenza: famiglia Bisteghi: Il monumento viene eretto per volontà di Raffaele Bisteghi, defunto nel maggio 1881, il quale per via testamentaria obbliga gli eredi ad occuparsi della realizzazione della tomba per una cifra non inferiore alle 12.000 lire, somma all’epoca rilevante. Nel maggio 1882 il nipote Giovan Battista Comelli tiene fede alla volontà dello zio materno acquistando uno spazio prestigioso nel centro del braccio a destra della Galleria degli Angeli. Non conosciamo il momento preciso in cui l’opera viene affidata al Barberi, ma certamente l’artista vi è impegnato nel 1885.\nquando data i disegni di proprietà della Fondazione Carisbo che esaminano lo spazio destinato al monumento. Non è da escludere una commissione ravvicinata all’acquisto del sepolcro, con una realizzazione che si protrae, per motivi ancora da definire, per quasi un decennio.\nDove: Galleria degli Angeli\nMateriali e tecniche di realizzazione: marmo, tutto tondo\nSoggetto iconografico: L’ultimo respiro di Bisteghi steso sul letto, vegliato dalla moglie inginocchiata in preghiera, con dietro un angelo che chiama a sé il morente\nDescrizione: L’imponenza dell’opera non consente un’esplorazione simultanea di tutte le figure. Ponendosi di fronte al monumento e cominciando a girarci intorno verso destra, si incontra immediatamente la moglie inginocchiata, posta nell’angolo del gruppo scultoreo . Svoltando, si trova il fondo del letto, coperto da un pesante panno, su cui è adagiato il moribondo. Dall’altro lato, al centro, si erge l’angelo, con una lunga veste che ricade sul basamento. Completando il giro, c’è l’ornatissima testata del letto.\nLa donna che, inginocchiata al capezzale del marito, ne veglia in preghiera, a mani giunte, gli ultimi attimi di vita, ci appare rappresentata con tratti talmente veristi da risultare di immediata comprensione al primo tocco. Nel progetto iniziale il ritratto della signora era infatti in linea con la scelta verista evidenziata dal velo in testa che prelude il lutto e il volto scarno, invecchiato, segnato dal tempo. I lunghi capelli sono infatti raccolti sulla nuca in uno chignon e il volto, pur avendo dei tratti somatici individualistici, quali il naso leggermente aquilino, è stato ingentilito dall’artista, che l’ha reso più fine e giovane del reale, eliminando anche il velo. Il collo è parzialmente coperto da un colletto, da cui esce un sottile merletto. La donna indossa una corta giacchetta, molto semplice, decisamente in contrasto con la voluminosa gonna dall’abbondante strascico. Si può apprezzare la differenza tra la stoffa liscia e levigata della giacca e, invece, la profondità e complessità delle pieghe della gonna, che è ulteriormente gonfiata, a causa del cuscino che le signore, all’epoca, inserivano sotto di essa per evidenziare il fondoschiena. Le ginocchia sono appoggiate sopra un cuscino, di cui l’artista scolpisce anche la frangia sull’angolo.\nQuando si passa ai piedi del letto del marito, si riesce a comprendere la pesantezza del panno che lo copre indugiando sulle sue ampie pieghe e, al di sotto, si avvertono le punte dei piedi del morente.\nRimarchevole l’angelo, che fluttua e si libra alto, colto nell’atto di scendere per chiamare il moribondo verso la nuova vita. Le sue dimensioni sono tali, per cui non è possibile apprezzarlo per intero. E’ rappresentato in volo ed è l’unico elemento della composizione che non segue lo schema rigido delle ortogonali, l’abito aderisce al profilo sinistro del corpo ad indicare il movimento che lo pone lievemente in diagonale. La veste fluttuante della creatura celeste prosegue al di sotto dei suoi piedi, sia per dare l’effetto del volo, sia per ancorare la scultura al basamento e non farla cadere. Tra le pieghe sottili, ritmiche, si indovina il tallone di un piede, sospeso a mezz’aria, quasi a sfidare la gravità, e, proseguendo verso l’alto, si incontra il braccio sinistro, che regge la bibbia. In lui si parla già una lingua che trascende il vero e che avvicina a quel naturalismo lineare, floreale, allo stile liberty che vedremo con i monumenti realizzati dall’allievo Romagnoli. Due enormi ali svettano nel vuoto e il viso dell’angelo è rivolto in basso a destra, verso il morente, anche se la sua altezza non permette di esplorarlo tattilmente.\nNon è semplice arrivare neanche al volto del moribondo, rappresentato con vivido realismo, ormai esangue e dai tratti scavati. Le mani ossute sono incrociate sul petto. Facilmente apprezzabile è invece l’ampio cuscino dalle lunghe frange, sovrapposto ad un altro guanciale, su cui è adagiato: con esso lo scultore riesce a dare l’impressione di morbidezza, come se fosse riempito di piume. La testata del letto, ricchissima di ornamenti e intagli, denota l’alto rango sociale della famiglia. Al centro di essa si trova lo stemma e, procedendo verso il basso, si incontrano i piedi del letto, a forma di zampa leonina. Ritornando sul lato lungo del letto, dove si trova la moglie, prosegue la ricca ornamentazione, poi nascosta dalla coperta, che l’artista non tradendo la sua aderenza al vero, non manca di rappresentare incastrata sotto il materasso. Su questo lato è ancor più semplice l’esplorazione tattile del grande cuscino. Il monumento risulta talmente ricco di elementi potenzialmente esplorabili, da permettere un percorso tattile molto lungo e che può dare appaganti soddisfazioni, anche per la facilità di comprensione, dovuta alla rispettosa imitazione della realtà che l’artista mette in atto, e che mantiene fin nei minimi particolari.\nImpressiona la ripresa straziante del dolore, l’agonia del moribondo resa senza sconti, ma il vero fa da padrone anche là dove potrebbe distogliere l’attenzione: tutto, la coperta damascata del letto, le diverse stoffe degli abiti, il cuscino di seta, è reso nei dettagli.\n3. Monumento Bersani - Scultore: Carlo Monari\nCenni Biografici: Carlo Monari (Bologna, 1831 - ivi, 21 luglio 1918) è tra i protagonisti della scultura bolognese a cavallo tra Otto e Novecento. Inizia fin da giovanissimo il suo apprendistato artistico, ma nel contempo entra a far parte come volontario della Guardia del Governo provvisorio delle Romagne (1859), e partecipa alle battaglie di Bezzecca e Mentana. A tredici anni risulta presente nell'Accademia, dove segue i corsi di ornato e figura sotto Cincinnato Baruzzi e si distingue durante le premiazioni annuali. Successivamente partecipa a diverse esposizioni artistiche e nel 1867 a Bologna propone cinque opere, tra cui la Donna ginocchioni che prega per la tomba Minelli in Certosa. Del 1880 sono le quattro Sirene in marmo per il ponte sul Reno a Borgo Panigale. Nel 1881 a Milano si ammira la versione in bronzo della sua Bianca Capello, e nel 1884, all'esposizione di Torino, porta Mima romana. Per il Pantheon degli illustri bolognesi della Certosa, il Municipio gli richiede i ritratti in marmo di Massimiliano Angelelli, Antonio Bertoloni, Anna Manzolini, Carlo Berti Pichat, Gioacchino Napoleone Pepoli e Francesco Roncati.\nVasto e sempre di altissima qualità il catalogo di marmi alla Certosa, che comprende tra piccoli ritratti, busti e grandi sculture, quasi trenta opere. Uno dei suoi capolavori, il ritratto di Enea Cocchi, è databile alla fine degli anni sessanta. Presso il Cimitero bolognese è collocato l'imponente modello in gesso rappresentante un leone ferito, per un Monumento ai Martiri dell'Indipendenza (1867 ca.), originariamente pensato per commemorare la cacciata degli austriaci da parte dei bolognesi l'Otto agosto 1848. Il lavoro di Monari viene poi scartato dalla giuria e infine sostituito, a seguito di concorso, con il monumento di Pasquale Rizzoli che oggi si ammira nell'omonima piazza.\nCommittenza: famiglia Bersani\nDove: La cella della famiglia Bersani è collocata nella vasta sala coperta denominata Galleria degli Angeli. Progettata da Antonio Zannoni, viene a sostituire negli anni sessanta dell'Ottocento, attraverso una vasta demolizione, la più antica Cappella dei Suffragi completata verso il 1815. Il vasto edificio si affaccia sul chiostro più antico del cimitero, primo luogo dedicato alla sepoltura a partire dal 1801: il cinquecentesco Chiostro Grande, ora Chiostro Terzo.\nMateriali e tecniche di realizzazione: marmo di carrara, scultura a tutto tondo.\nSoggetto iconografico: I due concetti espressi dall’opera di Monari sono senza dubbio la Maternità e la Carità, attributi che vengono rappresentati nella scultura di una donna che allatta al seno un bambino e ne tiene un altro tra le ginocchia. Come sempre l'artista mostra scelte stilistiche e iconografiche del tutto autonome. Infatti, se guardiamo alla tradizione iconografica della carità, di cui in Certosa possiamo ammirare diversi esempi, solitamente viene rappresentata una donna insieme a tre fanciulli. In questo caso ci troviamo invece davanti ad una donna seduta con soli due bambini, nudi entrambi. Le Carità eseguite nel cimitero nei primi anni dell'Ottocento pudicamente eliminano nella maggior parte dei casi il seno scoperto per l'allattamento, qui invece viene con naturalezza rappresentata una madre che allatta il proprio figlio.\nDescrizione: l’opera è posta al centro della cella Bersani, su cui domina sullo sfondo una colonna con una grande croce, ed è eseguita in marmo di Carrara è grande due terzi del vero. La madre seduta, dalle forme piene, allatta un piccolo pargolo accolto tra le sue braccia e poggiato sopra le gambe. Una piccola fanciulla, in piedi, è tra le sue gambe e si rivolge con lo sguardo all'osservatore. La resa fisica del gruppo appartiene in pieno alla cultura naturalistica ormai intrisa di verismo tardo ottocentesco. Si notino a tal proposito la rappresentazione delle piccole mani del fanciullo tra le braccia della madre, che stringono il seno, oppure l'impressionante, attento realismo del corpo della bambina in piedi. Tipica dello scultore, quasi una firma, è la realizzazione della capigliatura della madre: sulla sua spalla destra scende una ciocca di capelli, mentre sulla schiena le ricade una lunga treccia. Lo scultore è attento a lavorare le superfici in maniera differente: si noti la superficie più liscia per dare l’idea della pelle, o la ruvidità dei capelli sia della madre sia della bambina, ambedue eseguiti usando ampiamente il trapano per accentuarne i volumi.\nL'opera può essere esplorata da molteplici punti di vista, essendo evidente la rottura della forma chiusa e l’avvio al movimento suggerito in tutte le parti del corpo e dai numerosi sottosquadri, assai difficili da eseguire in marmo.\n4. Monumento Arfelli - Scultore: attribuzione a Vincenzo Testoni\nDatazione: Probabilmente dopo il 1839, data della morte di Pietro Arfelli\nCommittenza: Angela Arfelli, figlia di Pietro e di Marianna Riva, muore a sedici anni, il 18 novembre 1815. L'anno successivo il padre acquista un arco e provvede a decorarlo. L'incarico viene affidato al pittore ornatista Onofrio Zanotti. Nello stesso anno viene presentato un disegno per il giudizio della commissione dell'Accademia di Belle Arti al quale vengono mossi alcuni appunti alla figura del genio. Dopo il 1839 si avrà la trasformazione da memoria dipinta a monumento in gesso e stucco.\nDove: Chiostro I\nMateriali e tecniche di realizzazione: gesso, bassorilievo.\nQuesto monumento è un esempio rappresentativo di un vasto campionario di opere eseguite nella prima metà dell'Ottocento. La scarsità e il costo dell'importazione del marmo spingono le famiglie a commissionare manufatti in gesso e stucco. Ciò avviene solo nel cimitero bolognese, dove bisognerà attendere la fine degli anni cinquanta dell'Ottocento per assistere ad un uso comune del marmo.\nSoggetto iconografico: Il monumento, in origine dipinto da un ornatista, Onofrio Zanotti, e da un pittore di figura, Giuseppe Caponeri, figlio del più celebre Gaetano, è immaginato come un cippo, coronato dal busto della defunta. Sotto di lei un bassorilievo illustra gli strumenti musicali e gli spartiti a cui in vita aveva dedicato tanta attenzione e amore. Il centro del cippo è occupato dalla lapide, sotto la quale sta il genio con una corona d'alloro. Il genio alato è nudo, nel disegno i lineamenti sono ricoperti dai lunghi capelli che gli piovono sul volto, mentre nelle incisioni sono trattenuti da una fascia che permette di scorgerne il profilo. Ai lati della lapide si trovano due faci rovesciate. Dal basamento su cui siede il genio pendono due lucerne spente.\nIn epoca successiva il monumento assunse la forma attuale in gesso e stucco. Forse la morte di Pietro Arfelli, avvenuta nel 1839, fu l'occasione per questo rinnovamento generale. Lo schema compositivo rimane aderente a quello originale. Il cippo assume una forma squadrata, coronata dal busto della defunta in abiti ottocenteschi. Il rilievo sottostante diviene una cartella con una lira coronata d'alloro tra rami e strumenti musicali. Sopra il basamento è il genio, con i fianchi avvolti in un casto panneggio, siede sullo zoccolo e tiene in mano la corona d'alloro, mantenendo la posizione rivolta verso destra. Rimangono le faci rovesciate e le lucerne.\nDescrizione: L'altorilievo in gesso posto sulla parte inferiore del cippo rappresenta un Genio funebre seduto di profilo su un gradino. L'iconografia ricalca fedelmente quella classica: un giovane alato vestito con un semplice drappo che ricopre solo le gambe. Lo scultore rappresenta il Genio mentre tristemente reclina il capo appoggiandolo sulla mano sinistra, mentre il gomito dello stesso braccio è puntato sulla gamba. Il braccio destro scende ripiegato e regge una corona funebre di foglie di alloro, allusiva alle qualità intellettuali della defunta. I piedi nudi sono incrociati. I capelli lisci, appena rilevati sul capo, terminano in piccoli boccoli, con un effetto volumetrico molto meno rilevato e mosso rispetto a quelli della Carità di Carlo Monari. L'attributo che lo contraddistingue da un Angelo, la torcia rovesciata, non è tra le sue mani, ma rappresentata due volte sulla parete del cippo, ai lati della scultura. La torcia capovolta è metafora del termine dell'esistenza, tanto che viene soffocata la fiamma simboleggiante la vita. Ancora più sotto, sullo zoccolo, alle due estremità, si trovano le due lucerne, delle quali non è semplice l’esplorazione tattile, data la forma complessa, non perfettamente fedele ai modelli romani.\n5. Monumento Bersani - Scultore: Giacomo De Maria\nCenni Biografici: Giacomo De Maria (Bologna, 1762 – ivi, 1838) si formò a Bologna, presso l’Accademia Clementina, dove seguì le lezioni di Domenico Piò, uno scultore ancora di gusto barocco. Il suo talento naturale lo portò immediatamente a distinguersi tra gli altri studenti, facendogli conquistare in breve tempo numerosi premi.\nNel 1787 De Maria si trasferì a Roma per un breve soggiorno di studio che gli permise di prendere diretta visione delle opere conservate nelle più importanti raccolte gentilizie di antichità e di visitare i siti archeologici. In questo periodo ebbe modo di conoscere Antonio Canova che emergeva già nell’ambiente romano come uno degli scultori più dotati. La frequentazione dell’ambiente romano ebbe anche il merito di introdurre De Maria nei segreti della scultura in marmo, un materiale poco usato a Bologna e la cui lavorazione era comunque limitata a piccoli blocchi, di più facile trasporto.\nRichiamato a Bologna per l’aggregazione all’Accademia Clementina lo scultore ritorna da Roma preceduto da un’aura di celebrità che lo definisce immediatamente come allievo di Canova. La fine del Settecento lo vede impegnato in diversi cantieri dove si esprime in un linguaggio misto di novità neoclassiche e persistenze barocche. Il passaggio più deciso al neoclassicismo si avrà nell’impegnativa impresa di palazzo Hercolani, dove a De Maria sono affidate numerose decorazioni.\nNel 1804 viene nominato professore di scultura della Accademia di Belle Arti che con l’avvento di Napoleone aveva sostituito la Clementina, posizione che gli permetterà di formare varie generazioni di artisti.\nL’età napoleonica vede De Maria particolarmente attivo, a Bologna e altrove. Partecipa alla ristrutturazione del palazzo comunale eseguendo statue e bassorilievi (1797-8), il S. Mattia per il duomo di Milano (1811) e il gruppo marmoreo della Morte di Virginia, oggi al Museo di Liverpool. Tra il 1811 e il 1816 esegue a Bologna, nel frontone della villa di Antonio Aldini sul colle dell’Osservanza, l’Olimpo, poi ripreso con il motivo di Apollo e le muse per il teatro municipale di Ancona.\nDal 1804 è anche attivo presso il cimitero comunale della Certosa dove realizza numerose tombe di diverso materiale e formato. La più significativa è quella Caprara, scolpita in marmo, rara eccezione nel panorama bolognese di questi anni in cui prevalgono i materiali plasmabili, come lo stucco e la terracotta.\nLa sua esperienza di “scultore della memoria” lo porterà a realizzare tombe anche per la Certosa di Ferrara e per il Tempio Maletestiano di Rimini, oltre che monumenti commemorativi all’interno di Palazzo Poggi, a Bologna, o dell’Accademia di Belle Arti di Bologna. A lui si devono molti dei numerosi busti in marmo di bolognesi illustri per il pantheon della Certosa. Muore a Bologna nel 1838 ed è sepolto alla Certosa, nel Chiostro Maggiore.\nMateriali e tecniche di realizzazione: monumento in stucco (gesso), ritratto del defunto in marmo; le sculture in primo piano sono realizzate a tutto tondo; dietro si trovano la stele con la lapide e i bassorilievi.\nSoggetto iconografico: Sopra un alto basamento, in primo piano, sono posti a sinistra Minerva-Atena in piedi e a destra un leone disteso. Dietro queste figure campeggia la stele su cui si trovano la lapide con l’epigrafe dedicatoria e il ritratto di profilo del defunto tra due piccoli geni funerari, il tutto sormontato da una classica cimasa. Dietro il leone sulla destra vi è una grande torcia.\nDescrizione: Vista la posizione e la dimensione del monumento, l’esplorazione tattile dovrà limitarsi al leone, che sarà portato come utile paragone rispetto ai due leoni realizzati da Giovanni Putti. Come prima osservazione si noti che quest’opera è eseguita in stucco anziché terracotta e le sue dimensioni sono inferiori al vero. Anche la postura è differente: infatti i due leoni di Putti sono seduti in posa vigile, mentre Il nostro è accovacciato a terra, col muso poggiato sulle zampe anteriori. Abbracciandone il contorno, si può notare la forma chiusa della scultura.\nPartendo dalla zampa anteriore, realisticamente rappresentata con forme corrette dal punto di vista anatomico, si individua immediatamente il muso dell’animale: la bocca è chiusa, ma, ai lati, il labbro si apre leggermente in una rappresentazione oltremodo aderente al vero. Tutto il muso è curato fin nei particolari, come nei leoni di Putti, ma con maggiore naturalismo, tanto che gli occhi hanno tratti meno umanizzati. La resa della criniera è invece leggermente diversa: qui è meno arruffata, tanto che scende in lunghe ciocche, coprendo in parte la zampa anteriore. I peli sono più ricci in corrispondenza del collo e sotto la pancia. Seguendo la linea della schiena si incontra la coda, purtroppo in parte mutilata, che, per un tratto, non è visibile perché infilata sotto la zampa posteriore; riappare solo alla fine il ciuffo. Dalla zampa posteriore si può comprendere la postura accovacciata del leone, somigliante a quella di un gatto.\nE’ possibile proseguire l’esplorazione su altri elementi del monumento, ma non sarà apprezzabile una visione d’insieme. Nel caso della Minerva, ad esempio, si possono toccare i piedi calzati da sandali, parte della veste, a sinistra l’asta della lancia e, dietro, lo scudo.\n6. Cippo Mandini - Scultore: Anonimo\nDatazione: 1885 ca.\nCommittenza: Enea Mandini acquista il sepolcro per accogliere le spoglie di Teresa Trebbi e Virginia Mandini. L’epigrafe recita “Dorme in placido sonno Teresa Trebbi vedova Mandini, ottima sposa e provvida madre che di anni 69 mancò alla vita il 26 giugno 1882. Qui sono le spoglie di Virginia Mandini dopo solo un anno di vita tornata al cielo il dì 25 marzo 1878. “\nMateriali e tecniche di realizzazione: Marmo\nSoggetto iconografico: Su un basamento di forma quadrata, che ha una croce greca sul davanti, è posto un obelisco sostenuto agli angoli da quattro sfere, sulla cui sommità è poggiata un’urna cineraria. Sul lato anteriore dell’obelisco, al centro, c’è il ritratto a mezzo busto in alto rilievo della piccola Virginia Mandini. Sotto di esso è incisa l’epigrafe dedicata a lei e alla madre. Sul lato destro sono state aggiunte nel tempo altre foto ed epigrafi.\nLe proporzioni complessive del monumento non rispettano fedelmente quelle classiche, tanto che l’obelisco ha una forma piuttosto tozza, corta e piramidale; tale sproporzione è dovuta al fatto che l’opera è stata eseguita nel tardo 800, 50 anni dopo la fine del classicismo. Per la stessa ragione, anche la posizione del ritratto è incongrua ai canoni classici, non rispettati nemmeno nell’eccessivo rilievo e nel verismo descrittivo.\nDescrizione: Il forte verismo del ritratto consente una facile comprensione del tutto e dei particolari durante l‘esplorazione tattile.\nL’anonimo scultore ritrae, entro un ovale con una cornice rilevata, la piccola Virginia posta frontalmente e sotto il busto, tagliato all’altezza del petto, vi sono dei fiori, con una rosa e quattro foglie al centro. Mentre il fiore centrale è aperto, a destra troviamo una rosa in bocciolo e, proseguendo, la capsula chiusa del papavero, simbolo del sonno, dell’oblio e, per esteso, della morte.\nLa fanciulla indossa una leggera vestaglia a maniche corte, orlata da un raffinato merletto al collo, con frangette sul bordo delle maniche. I capelli sono coperti da una cuffietta molto arricciata, anch’essa ornata da ricchi merletti e legata con un nastro che parte dalla testa e si chiude sotto il mento sulla sinistra con un fiocco. Il volto, che dovrebbe appartenere ad una bimba di un anno circa, ha le guance paffute, il naso piccolo, la bocca minuta e carnosa.\nQuesto ritratto è un gradevole risultato artistico che ben esemplifica l’accuratezza verista del periodo storico in cui lo scultore opera.\n7. Stele Spadacini - Scultore: Giuseppe Pacchioni\nCenni Biografici: Giuseppe Pacchioni, scultore e litografo, nasce a Bologna nel 1819 da Pietro, negoziante di granaglie. Nonostante si specializzi nell'incisione, non tralascerà mai la scultura. La sua formazione artistica avviene all'interno dell’Accademia di Belle Arti della sua città, dove vince diversi premi per la scultura.\nA 23 anni viene invitato dal console greco a recarsi a Corfù per esercitare le arti plastiche. Lì conosce molti esuli mazziniani italiani, che segneranno la sua futura vita politica: tra essi i fratelli Attilio ed Emilio Bandiera e Domenico Moro, con i quali parte, nel giugno del 1844, alla volta della Calabria, per un’ipotetica insurrezione mazziniana, che in realtà non si concretizzerà. I partecipanti alla spedizione vengono arrestati e fucilati.\nTre di loro, all’ultimo momento sono inaspettatamente graziati: tra questi il Pacchioni. L'artista passa gran parte degli anni successivi in carcere, sino alla liberazione di Bologna dagli austriaci e dal governo pontificio nel 1859.\nVivrà in seguito molto semplicemente, lavorando per commissioni che gli vengono soprattutto dalla Certosa di Bologna, ove si contano decine di opere, sia di piccolo formato che di carattere monumentale.\nEsegue poi numerose opere ispirate ai suoi ideali politici, come le litografie dei “Ritratti dei Fratelli Bandiera e loro compagni”. Queste e altre litografie hanno vasta diffusione anche perché egli le aveva tratte da disegni eseguiti durante la permanenza in carcere.\nRealizza inoltre il Monumento ai “Caduti del 1844” di Cosenza, Commissione non casuale, poiché il nostro aveva partecipato alla spedizione mazziniana in prima persona.\nEsegue su commissione del Comune di Bologna i ritratti marmorei di Antonio Silvani, Luigi Galvani e Antonio Zanolini (1861), i quali vengono collocati nel Pantheon della Certosa, sala dedicata alla memoria dei bolognesi illustri.\nMuore il 13 gennaio 1887 e il Comune, per poterlo degnamente commemorare, gli concede un sepolcro alla Certosa, con un semplice ritratto marmoreo. Il testo inciso recita: GIUSEPPE PACCHIONI SCULTORE / NACQUE IN BOLOGNA NEL MARZO 1819 E VI MORI' NEL GENNAIO 1887 / IL PAPATO IL BORBONE L'AUSTRIA NEMICI DELLA PATRIA / LO EBBERO NEMICO IMPLACABILE / LEGO' IL NOME ALLA SPEDIZIONE BANDIERA / REPUBBLICANO E LIBERO MURATORE CONFERMO' COI FATTI I SUOI IDEALI / SU QUESTO SEPOLCRO / GLI AMICI FECERO PORRE IL BUSTO / LI 8 AGOSTO 1887 GLORIOSO ANNIVERSARIO\nCommittenza: Massimiliano Giovanardi dedica il monumento alla memoria della moglie, Teresa Spadacini\nMateriali e tecniche di realizzazione: marmo, altorilievo\nSoggetto iconografico: Il monumento si presenta come un’alta stele poggiata su uno zoccolo e terminante con una cimasa mistilinea. La stele centrale è divisa in due parti: al di sotto l’epigrafe e sopra un ovale con all’interno i ritratti a mezzo busto dei due coniugi. Come nel caso del Cippo Mandini, nell’insieme le proporzioni classiche non vengono rispettate: i ritratti sono infatti molto in rilievo e la cimasa soprastante ha un’ornamentazione esuberante, che termina al centro con un cartiglio contenente due stemmi di famiglia.\nL’epigrafe riporta il seguente testo “A teresa Spadacini di Reggio dell’Emilia, fiore di gentilezza e d’ogni amabile virtù, ingegnosa caritatevole pia, d’anni 42 per subito morbo affranta, chiuse qui in Bologna gli occhi al terreno esilio, per riaprirli nella patria celeste il 22 giugno 1880. Massimiliano Giovanardi piange inconsolabile l’ottima sposa ahi! Troppo presto perduta”\nAnche il testo è figlio della cultura romantica verista dell’epoca, in quanto viene usato l’italiano al posto del latino e, dal punto di vista stilistico, si può apprezzare l’afflato sentimentale che lo pervade.\nDescrizione: L’ovale che contiene i ritratti è racchiuso da un semplice profilo, contornato da una corona di fiori chiusa, nella parte superiore, da due nastri annodati al centro e arricciati ai lati. Dal nodo centrale scendono lungo il bordo dell’ovale due steli che, in basso, si aprono in una ricca composizione floreale. In questa parte decorativa il verismo è talmente accentuato e i dettagli così fitti, che l’esplorazione risulta difficoltosa, per la ricchezza della rappresentazione.\nEntro l’ovale lo scultore ha rappresentato marito e moglie a mezzo busto: sulla sinistra Teresa Spadacini e a destra, leggermente in diagonale dietro di lei, Massimiliano Giovanardi. Il verismo dei ritratti è tale che consente una facile comprensione al tatto di tutti gli elementi.\nLa moglie volge lo sguardo a destra verso il marito; i capelli sono raccolti sulla testa in alto, terminando in voluminose ciocche, che sulla fronte diventano invece più piccole e arricciate. I lineamenti del viso sono fortemente individualizzati fin nei particolari: l’artista evidenzia addirittura un neo sul labbro. L’abito, come usavano le signore borghesi di fine 800, è composto da una giacca aperta, sotto la quale vi è una camicia, arricchita da una sciarpetta che passa sotto il colletto e termina con un merletto e delle frange.\nDella camicia sono rappresentati i minimi dettagli, compresi i bottoni.\nIl marito si impone per i due enormi baffi e la folta barba, che contrastano con l’ampia stempiatura. Lo sguardo è rivolto a sinistra verso la moglie. I dettagli del volto denotano un’età leggermente più avanzata rispetto alla donna, evidente nelle rughe della fronte e del contorno occhi, nelle sopracciglia appesantite e negli occhi più stretti e infossati. Gli zigomi e il naso sono più pronunciati. Massimiliano indossa una giacca dai larghi risvolti, sotto cui si intravvede una camicia, coperta da un gillet. Il colletto è chiuso e vi è annodato un papillon.\nI ritratti della stele Spadacini rappresentano al meglio quel “rapporto di amorosi sensi” che trova nei cimiteri monumentali la massima espressione, fatta propria dalla nascente borghesia mercantile ed industriale quale mezzo per rappresentare i nuovi valori di questo ceto emergente, in netta contrapposizione con il classicismo, divenuto a queste date una tarda espressione di conservatorismo della nobiltà.\n8. Stele Fazio - Scultore: Luciano Minguzzi\nCenni Biografici: Luciano Minguzzi (Bologna 1911 - Milano 2004) fu uno scultore molto apprezzato internazionalmente e ospitato nei principali Musei di arte moderna e contemporanea. Sotto la sapiente guida del padre, anch'egli scultore attivo in Certosa, compie le prime esperienze; continua gli studi presso l'Accademia di Bologna e grazie ad una borsa di studio, soggiorna a Parigi ed a Londra.\nInizia ad esporre nel 1933 e da allora ottiene numerosi premi, a partire dalla Quadriennale romana del 1943. Nel dopoguerra realizza per la sua città natale il monumento ai partigiani, composto da due figure umane, un uomo ed una donna. L'opera è collocata presso Porta Lame avvenne una battaglia tra nazisti e partigiani. Vince il concorso bandito nel 1950 per la "Quinta Porta" del Duomo di Milano.\nNel 1970 gli viene conferito l’incarico per la realizzazione della "Porta del bene e del male" della basilica di San Pietro in Vaticano: vi lavorerà con vigore e passione per sette anni.\nLa forza del suo realismo iniziale nasce da una capacità naturale di rivivere con spirito nuovo scene di vita e figure familiari.\nInflussi di cultura antica e moderna, si aggiungono al realismo, contemperando tendenze proprie dell'espressionismo e del cubismo.\nLuciano Minguzzi esegue poche ma significative opere per il cimitero bolognese. Le avanguardie del novecento che portano verso l’astrazione non trovano un apprezzamento da parte della committenza locale. Diversamente il nostro scultore rappresenta un’abile mediazione tra verismo descrittivo e simbologie astratte,.\nCommittenza: Giovanna Giannoni\nDove: chiostro della Chiesa\nMateriali e tecniche di realizzazione: bronzo, altorilievo\nSoggetto iconografico: Lo scultore rappresenta la madonna addolorata col Cristo tra le braccia. L’altorilievo bronzeo è posto al centro della parete, rivestita da lastre di marmo liscio. In alto, a intarsio, è riportata l’intestazione della famiglia.\nDescrizione: l’esplorazione tattile risulta in questo caso difficoltosa per lo stile della composizione, che tende verso l’astratto e la semplificazione delle masse e dei dettagli. Partendo dal basso si incontrano, incastrati nella roccia, i piedi di Cristo: lo scultore ha voluto porre in evidenza nel piede sinistro il buco prodotto dal chiodo della crocifissione. Proseguendo lungo le gambe, la coscia sinistra è coperta da una corta tunica, raccolta sui fianchi, all’altezza del pube. Seguendo il busto, Sotto il petto a sinistra si trova la ferita inferta dalla lancia che il soldato romano aveva utilizzato per appurare la sua morte. La testa è infossata tra le spalle ed è visibile solo il suo braccio destro, che pende sulla nostra sinistra. L’autore incide la propria firma sul bordo della roccia posta sotto la mano destra di Cristo. Sulla destra si trova la figura della vergine, quasi incomprensibile perché tutta coperta dal velo e schematicamente rappresentata . All’altezza del petto e sulla testa di Cristo, letteralmente affiorano le mani nervose della madre.\nL’esplorazione dei volti può risultare difficoltosa a causa dell’altezza complessiva del bronzo. Anch’essi vengono rappresentati in maniera molto schematica e quasi brutale: l’artista accentua così il dolore della madre e le sofferenze subite dal figlio.\nSulla destra, in corrispondenza della spalla della Madonna, ancora una volta compare una mano: quella sinistra del Cristo morto.\n9. Monumento Weber - Scultore: Venanzio Baccilieri; architetto: Augusto Panighi\nCenni Biografici: L’architetto Augusto Panighi (Bologna, 1908 - ivi, 1979) si diplomò all’Accademia di Belle Arti di Bologna, come tanti altri architetti locali, con i quali avviò un’intensa collaborazione. Il suo contributo è tale da portarlo a diventare una presenza rilevante nel panorama cittadino. Come abile e raffinato disegnatore, era spesso chiamato per rappresentazioni prospettiche dei progetti, per le quali adottava la classica tecnica dell’acquerello; ma veniva altresì impegnato nello sviluppo di particolari costruttivi degli edifici, mediante puntuali disegni tecnici di dettaglio. Nelle sue opere pulizia e sobrietà compositiva mantengono un costante livello di controllo del progetto.\nAlla Certosa Panighi lavorò in diverse occasioni, con interventi anche di ragguardevole rilievo. La Tomba Weber (1954/57), dove Panighi sviluppa la parte architettonica e Venanzio Baccilieri esegue quella scultorea, è un monumento tra i meglio riusciti del Novecento. Sul sarcofago ellittico, disposto al centro dell’aula, si sviluppa la rappresentazione di scene di lavoro della fabbrica meccanica Weber.\nNel 1959 Panighi progetta la tomba dell’architetto Legnani, col quale lavorò a lungo e in sintonia stilistica, e nello stesso periodo si dedica alla Cappella Filicori, nel Campo degli Ospedali, un luogo ricco di testimonianze nel panorama novecentesco della Certosa. In epoca più recente, e di nuovo nel Campo degli Ospedali, Panighi è l’autore del sepolcro ipogeo della famiglia Morini. Il valore del progetto va letto nella capacità di dare un senso architettonico di forte rilievo ad una costruzione fatta di pochi ed asciutti elementi.\nVenanzio Baccilieri, scultore e incisore, nato in località S. Prospero di Galliera nel 1909 e morto a Bologna nel 1984, concentrò la sua attività in particolare dal 1940 agli anni '60, con la produzione di numerose opere, monumenti, decorazioni scultoree votive, interventi di restauro, ritratti in terracotta e altro. Partecipò a rassegne e premi ed ebbe per maestri e amici i più importanti artisti del Novecento bolognese. In Certosa ha eseguito diverse opere, alcune impegnative anche per la difficoltà dei materiali utilizzati. Certamente il monumento Weber è il suo capolavoro, ma degno di menzione è anche il sepolcro Fava, datato 1951, in cui si celebra l'esaltazione del lavoro agricolo.\nCommittenza: la moglie di Edoardo Weber dedica il sepolcro al marito. Nato a Torino nel 1989, questi aveva ereditato dal nonno, modellista, e dal padre, la passione della meccanica. Era stato operaio alla FIAT, facendosi apprezzare per la sua competenza, tanto da ottenere la promozione a collaudatore di motori ed auto. Trasferito alla filiale di Bologna come capo officina, nel 1923 aveva fondato insieme a tre soci la Fabbrica Italiana Carburatori Weber. Gli inizi erano stati problematici, ma la ditta prese slancio e iniziò anche una collaborazione con gli ambienti delle competizioni automobilistiche: i carburatori della ditta bolognese saranno utilizzati dai piloti più affermati. Nel 1937, in seguito alla decisione della FIAT di montare sulle sue auto di serie i carburatori Weber, si era resa necessaria la costruzione di un nuovo grande stabilimento, con moderni attrezzatissimi reparti nel quale avevano trovato lavoro circa 400 operai. La guerra aveva però condizionato pesantemente l’attività produttiva, di fatto militarizzata ed impegnata da commesse militari; Seguì poi l’occupazione tedesca della fabbrica, con il conseguente trasferimento di lavoratori ed impianti; infine, tragico epilogo, dopo la liberazione di Bologna, la scomparsa di Edoardo Weber in circostanze mai appurate il 17 maggio 1947.\nDove: Sala Weber\nMateriali e tecniche di realizzazione: marmo, bassorilievo\nSoggetto iconografico: Il sepolcro è grande ed articolato: su una piattaforma marmorea sono posti il cippo con il ritratto del defunto e, dietro, il sarcofago di forma ellittica. Questa soluzione si deve all’architetto, che ha voluto sfruttare al massimo la luce naturale proveniente dai due ingressi della sala, corrispondenti ai lati corti del monumento.\nSui lati lunghi del sarcofago si svolge un bassorilievo con tre scene per ogni lato. Mentre il lato destro è totalmente verista, a sinistra la scena centrale è affiancata da due allegorie.\nDescrizione: La qualità esecutiva altissima dell’opera è rilevabile persino nelle superfici non scolpite: la levigatezza della parte superiore a contrasto con la scabrosità dello zoccolo. Lo stile, che alla vista appare fortemente fedele al vero, al tatto viceversa può causare delle difficoltà nella comprensione dei contenuti, in quanto le forme sono semplificate e ricondotte a un leggero schematismo.\nEntrando nella sala, l’esplorazione tattile inizia dal lato lungo a destra del sarcofago. La prima scena che si incontra raffigura un operaio al lavoro sul tornio meccanico. L’uomo è in piedi, girato di tre quarti verso l’interno, il volto di profilo ed indossa una tuta da lavoro. Il braccio destro è posato sulla base di lavoro del tornio, che , nel complesso, al tatto appare come un elemento verticale, arricchito da numerosi piccoli dettagli di non facile rilevabilità.\nLa scena centrale coglie il momento dell’esame dei progetti: quattro tecnici, vestiti con giacche e pantaloni, e un operaio in tuta. Nell’ordine, da sinistra, si incontra un tecnico in piedi di tre quarti verso l’esterno, che allunga il braccio sinistro e indica con un dito un particolare del foglio appoggiato su un tavolo al centro della scena. Il secondo tecnico è seduto di profilo su uno sgabello e indica anch’egli col braccio destro un altro punto del disegno. Al centro, il terzo tecnico, in posizione frontale, sta dietro la scrivania e guarda verso il piano di lavoro. Il quarto uomo è l’operaio, rappresentato quasi di profilo, rivolto verso sinistra, con le braccia appoggiate al tavolo. Infine, l’ultimo tecnico a destra, in piedi e quasi frontale, guarda verso gli altri e regge nella mano sinistra un foglio.\nLa terza scena rappresenta un altro momento della progettazione: due uomini in piedi stanno esaminando un progetto su un tecnigrafo, il cui piano è posto quasi in verticale. Ambedue sono visti di spalle e si guardano l’un l’altro , coi volti di profilo. Il tecnico a sinistra è vestito con giacca e pantaloni e incrocia le braccia dietro la schiena. L’uomo a destra indossa una specie di soprabito che scende fino alle ginocchia; La mano sinistra è in tasca, mentre il braccio destro, piegato con la mano verso l’alto, indica un particolare del progetto.\nSul lato corto del sarcofago opposto al ritratto, è inciso un versetto tratto dal vangelo di Matteo, legato al destino occorso a Edoardo Weber: “Non temete coloro che uccidono il corpo, ma non possono uccidere l’anima”.\nSul lato lungo a sinistra, la prima scena è una delle allegorie: una donna in piedi, frontale, coperta da un velo. Il braccio sinistro è ripiegato sul ventre mentre quello destro sul petto. La postura e l’abbigliamento riprendono fedelmente la tipologia dei ritratti femminili della prima età imperiale romana. Al suo fianco è rappresentato uno strumento antico di uso scientifico, sormontato da un cartiglio verticale, su cui è incisa una formula matematica che spiega il funzionamento del carburatore Weber. Questa allegoria, come del resto l’altra, è di dubbia interpretazione.\nNella scena centrale il carburatore viene testato. Compaiono nuovamente cinque uomini, quattro tecnici e un operaio, in piedi attorno ad un alto tavolo su cui è poggiato un motore e, in primo piano, c’è il carburatore. L’operaio è la prima figura a sinistra, quasi frontale, col braccio destro impugna una chiave inglese; il volto è di profilo e guarda verso il carburatore. La figura è per metà coperta da un tecnico, che sta davanti a lui, in una posa piuttosto complessa: infatti anch’egli volge lo sguardo a destra ed è rappresentato quasi di fronte, ma il braccio destro è su un fianco, mentre il sinistro è poggiato col gomito sul piano del tavolo e la mano, piegata in avanti, posta sul carburatore. La gamba sinistra è piegata e poggiata su un basso sgabello. La terza figura è di ancor più difficile comprensione in quanto si trova dietro il tavolo e se ne può cogliere solo il volto frontale, la spalla destra e la parte bassa del corpo sotto il piano del tavolo. Le gambe e parte della giacca sono rappresentati a bassissimo rilievo, e solo le scarpe aggettano. Il quarto uomo, un tecnico, è di tre quarti, rivolto verso l’osservatore; la gamba sinistra tesa contrasta con quella destra, piegata in avanti; il braccio sinistro è anch’esso piegato in avanti e la mano stringe il piano del tavolo. Il braccio destro, teso in avanti verso l’alto, impugna un sottile cacciavite con cui sta regolando il carburatore. L’ultimo personaggio è parzialmente coperto dal precedente ed è colto in atteggiamento pensoso, in quanto il braccio sinistro, piegato sul ventre verso destra, serve da appoggio al gomito del braccio destro, che regge il capo poggiando la mano sotto il mento.\nIl rilievo termina con la seconda allegoria femminile, anch’essa in abiti classici, ma senza velo e con le braccia scoperte. Posta frontalmente, guarda verso sinistra col volto girato di profilo. Lo sguardo è diretto su un leggio, sul quale è posta una tavola; con la mano destra regge un pennino, che incide qualcosa sulla tavola. Il suo braccio sinistro, piegato ad angolo retto verso l’alto, tiene una corda che, tendendosi, aziona un meccanismo posto dietro di lei.\nSul lato corto del sarcofago sono apposte iscrizioni relative ai familiari defunti di Edoardo Weber, mentre sul cippo, sotto il ritratto, c’è l’epigrafe che recita: “Edoardo Weber, Cavaliere del Lavoro, Cavaliere della Corona d’Italia. Il suo ingegno fervido creò ed organizzò un’opera che ha valicato i confini dell’Italia, suscitando ammirazione in tutto il mondo. La moglie affranta pose per ricordarlo a chi veramente lo amò.”\n10. Sarcofago Avrone - Scultore: Mario Sarto\nCenni Biografici: Negli anni ormai prossimi al Novecento, il proliferare di committenze consente una vasta e variegata produzione, spaziando dai consueti ritratti fino ai grandi gruppi in marmo. Il bronzo comincia a fare la sua apparizione e gli artisti sono chiamati a soddisfare una clientela sempre più vasta. Il tessuto produttivo che si viene a formare intorno alla Certosa assume dimensioni rilevanti, tanto da spingere artisti forestieri quali il ferrarese Mario Sarto (Codigoro, 1885 - Bologna, 1955) a farne stabilmente la propria sede lavorativa.\nla prolifica produzione cimiteriale di Sarto si colloca tra stile floreale e novecentista; egli concepisce una interpretazione imprenditoriale dell’attività artistica, tanto da divenire direttore della ditta di marmisti Davide Venturi di Bologna prima di lavorare in proprio. La sua discreta attività espositiva accompagna le commissioni cimiteriali, dove una costante adesione agli stilemi liberty lascia spazio negli anni Quaranta all’esaltazione retorica dell’eroe cara all’era fascista.\nAbile nel lavorare il marmo, Sarto realizza nel 1912 le tombe Fantini e Sabbioni e, come altri, utilizza con fini decorativi e cromatici vari materiali come nel monumento del 1924 a Maria Beatrice Comi dove, Con una essenziale grazia liberty, l’artista non rinuncia alla leggerezza propria di questo stile, anche se tende ad appiattire e irrigidire alcuni dettagli compositivi rivelando accenni déco.\nNegli stessi anni, stando a “Il Resto del Carlino”, Sarto realizza il gruppo allegorico posto a decoro della sepoltura Marangoni, nel quale si allinea al nuovo linguaggio novecentista attraverso un modellato compatto e fortemente plastico, dimostrando una versatilità artistica piegata alle esigenze della committenza.\nCon le sue opere egli sarà appunto in grado di monopolizzare gran parte della committenza funeraria bolognese, almeno sino agli anni Quaranta,e diverrà il punto di riferimento per la borghesia cittadina alla ricerca di autocelebrazione\nCommittenza: famiglia Avrone\nSoggetto iconografico: Nel complesso il grande sarcofago in marmo bianco, appoggiato alla parete della sala, riprende tipologie greco romane, semplificate e aggiornate al gusto classicista di metà Novecento. Nelle tre pareti lo scultore esegue quattro riquadri figurati, due nel lato frontale più lungo e uno per ogni lato corto. Qui recupera iconografie del primo rinascimento di metà Quattrocento per la rappresentazione sulla parte frontale dell'Annunciazione (a sinistra) e dell'Incoronazione della Vergine (a destra). Nei lati corti, simmetrici e speculari, sono rappresentati due angeli che reggono un cartiglio su cui è incisa un'iscrizione. In quest'ultimo caso Mario Sarto interpreta con fedeltà una iconografia derivata dai sarcofagi dell'antica Roma, in particolare di quelli paleocristiani, databili tra terzo e quinto secolo dopo Cristo.\nDescrizione: Si ritiene opportuno concentrarsi esclusivamente sui quattro riquadri in bassorilievo, che offrono una interessante interpretazione scultorea di modelli pittorici. Nelle due scene laterali vengono rappresentati due angioletti che sorreggono un cartiglio, per cui si spiegano i tagli verticali e i bordi incurvati del foglio scritto. Le due creature celestiali sono raffigurate in piedi, mentre sorreggono con le braccia il cartiglio. Su quello di sinistra è inciso: AVE MARIA GRATIA PLENA DOMINVS TECVM. In quello di destra: SALVE REGINA MATER MISERICORDIAE. Entrambi si riferiscono alle due scene rappresentate sul davanti.\nSulla sinistra troviamo l'Annunciazione. Lo sfondo è trattato in maniera leggermente scabrosa ed ai lati della scena, in alto, spuntano dei rami d'albero, mentre una siepe corre orizzontale come sfondo. In primo piano l'angelo di profilo con una lunga veste mossa che lascia scoperto il braccio, è appena sceso a terra e si sta rivolgendo alla Vergine Maria. Il braccio sinistro è appoggiato al petto, mentre con quello destro la sta indicando. Alla sua destra troviamo la Vergine, leggermente di tre quarti, seduta su un semplice sgabello e coperta da una lunga veste con mantello che lascia scoperte solo le mani e la punta del piede sinistro. Col capo chino e le mani giunte al petto sta pregando, rivolta verso l'angelo che le annuncia l'evento miracoloso. Tutte le figure, comprese quelle dell'Incoronazione analizzata più sotto, hanno intorno al capo un'aureola, simbolo di santità, qui rappresentata come un disco perfettamente circolare. Tra la Vergine e l’angelo, al centro, lo scultore colloca un semplice vaso in cui cresce un giglio, simbolo di purezza. Tre fiori sono ancora chiusi, altri tre invece sono completamente sbocciati.\nNel bassorilievo di destra è rappresentata l'Incoronazione di Maria, che dopo la morte viene accolta in paradiso dal figlio Gesù Cristo. Le due figure sedute su delle nuvole si trovano al centro. La Vergine, coperta e con le mani giunte, volge la testa verso il figlio alla sua destra che, leggermente di tre quarti, con le braccia alzate, sta per porre una corona sulla testa della madre. Gesù è ritratto con una ampia veste con mantello e con la corona. Anche in questo caso lo scultore tratta in maniera irregolare lo sfondo e nei due angoli superiori sono rappresentati tre cherubini per ogni lato, creature angeliche composte soltanto da una testa di fanciullo con due ali sotto il collo.\nL’autore pone la sua firma sul gradino sul quale è poggiato il sarcofago, nell’angolo a destra.\nAccessibilità per non vedenti e ipovedenti della Certosa di Bologna\nTipo: PDF Dimensione: 122.40 Kb\nRealizzato grazie al Comune di Bologna - Dipartimento e Promozione della Città in collaborazione con l'Istituzione Bologna Musei e l'Istituto dei ciechi Francesco Cavazza di Bologna.\nAccessibilità per disabilità motorie nella Certosa di Bologna\nTipo: PDF Dimensione: 125.34 Kb\nRealizzato grazie al Comune di Bologna - Dipartimento e Promozione della Città in collaborazione con l'Istituzione Bologna Musei e Cooperativa sociale Accaparlante di Bologna.\nAccessibilità per non udenti della Certosa di Bologna\nTipo: PDF Dimensione: 95.78 Kb\nRealizzato grazie al Comune di Bologna - Dipartimento e Promozione della Città in collaborazione con l'Istituzione Bologna Musei e la Fondazione Gualandi a favore dei Sordi di Bologna.


Hotel a Marshall Best Western Executive Inn - prenota le tariffe più economiche\nGalleria foto : tutte le immagini Camere Servizi Esterno interno Ristorante Gli hotel di Marshall, Texas, sono apprezzati per la tipica ospitalità del sud degli Stati Uniti, ma tu meriti ancora di più per il tuo viaggio, come una fantastica piscina all'aperto per rigenerarti. Vuoi portare con te il tuo amico a quattro zampe per una vacanza con tutta la famiglia? Con un supplemento minimo, presso il nostro hotel di Marshall tutta la famiglia è benvenuta, anche gli animali domestici, poiché sappiamo che non è una vera vacanza se manca qualcuno. Un corridoio esterno agevola gli ospiti. Che tu abbia in programma di praticare sport acquatici al lago Caddo o sia in città per affari con le compagnie petrolifere, ti meriti di soggiornare in un hotel confortevole. Questo hotel BEST WESTERN di Marshall, Texas, ha tutto quel che serve per un viaggio indimenticabile. Inizia con il scegliere un hotel dall'ottima posizione e sarai già sulla strada giusta. La nostra struttura si trova vicino al tribunale di Marshall e alla East Texas Baptist University. Che tu debba lavorare presso il tribunale o partecipare a un evento speciale all'università, soggiornando nel nostro hotel potrai spostarti in tutta comodità. Gli hotel di Marshall, Texas, offrono un servizio eccellente, ma noi a questo abbiniamo anche un'ottima posizione. L'evento Wonderland of Lights è una manifestazione da non perdere, soprattutto per le famiglie. Soggiornando negli hotel di Marshall, Texas, gli ospiti si trovano a breve distanza da tutte le principali attrazioni. Sei qui per un evento importante al centro amministrativo di Marshall? Siamo la scelta ideale per i gruppi e ci troviamo vicino al centro. In ogni caso, non vorrai più lasciare i confort della tua camera spaziosa. Tutte le camere dispongono di televisore a schermo piatto da 40 pollici e letti con imbottitura a cuscino, per offrirti il massimo del confort. Sono disponibili camere per fumatori e per non fumatori, oltre all'accesso Wi-Fi a Internet e microonde e frigorifero in tutte le camere. Ci troviamo a breve distanza a piedi da negozi e ristoranti, per cui sarà facile assaggiare le famose specialità alla griglia texane. Ci occuperemo noi del pasto più importante della giornata. Serviamo ogni giorno una colazione continentale gratuita. Prenota oggi stesso al BEST WESTERN Executive Inn per fare un ottimo affare!\nPulizia Posizione Stanze Servizio Qualità del sonno Qualità/prezzo Best Western Executive Inn,Marshall\n·Da: tutte le direzioni. Il BEST WESTERN Executive Inn è situato sulla carreggiata ovest dell'autostrada 59, 900 metri circa a sud dell'incrocio con l'Interstate 20.


CICLO DELL’ACQUA ED ECONOMIA CIRCOLARE - SWater\nCICLO DELL’ACQUA ED ECONOMIA CIRCOLARE\n6 Giugno 2021 6 Giugno 2021 Giovanni MappaTemi di Eco-InnovazioneNessun commento\nMario Beccari, già Università di Roma La Sapienza\nEnrico Rolle, già Università di Roma La Sapienza\nGianni Squitieri, Fondazione Sviluppo Sostenibile\nAttilio Toscano, Università di Bologna\nFabio Trezzini, Gruppo 183\nLa scarsità d’acqua costituisce già oggi un problema grave per alcuni Stati dell’Unione Europea; secondo la Commissione Europea, almeno l’11% della popolazione europea e il 17% del suo territorio sono stati colpiti da scarsità d’acqua. Durante la stagione estiva, oltre la metà della popolazione della regione mediterranea è colpita dallo stress idrico.\nA incidere pesantemente sulla disponibilità dell’acqua, secondo i dati diffusi dallo GIEC (Gruppo Intergovernativo degli Esperti sul Cambiamento Climatico), saranno poi i cambiamenti climatici. All’aumento di un grado della temperatura terrestre corrisponde,\ninfatti, secondo gli scienziati, una riduzione del 20% della disponibilità delle risorse idriche.\nCiò significa che, in assenza di misure decise e risolutive, al 2030 la disponibilità di acqua a livello globale potrebbe ridursi del 40% rispetto ad oggi.\nGestire la risorsa idrica in ottica circolare richiede interventi nelle diverse fasi del ciclo.\nLa prima linea di difesa contro la scarsità di acqua dovrebbe essere una strategia di gestione della domanda globale (a scopo idropotabile, irriguo, industriale ed energetico) che promuova stili di vita e processi produttivi sostenibili e crei incentivi concreti per il risparmio, la conservazione (contrastando la dispersione nelle reti di distribuzione) e la resilienza delle fonti e delle relative infrastrutture idriche di derivazione e trasporto.\nUn secondo aspetto, ancora poco approfondito, riguarda la valorizzazione e l’utilizzo di risorse idriche non convenzionali (prevalentemente acque reflue urbane depurate).\nLa gestione delle acque reflue in ottica di economia circolare si traduce nel riutilizzo dell’acqua depurata, prevalentemente in agricoltura, e nel recupero sostenibile delle risorse materiali ed energetiche contenute nelle acque reflue, trasformando così i depuratori in impianti di bio-raffinazione che convertono sostanze di scarto in prodotti utili, quali biogas e biometano, fertilizzanti (azoto, fosforo), sostanze organiche (cellulosa, poliidrossialcanoati usati nella produzione di bioplastiche).\nciclo dell'acqua / Commissione Europea / economia circolare / gestione delle acque reflue / risorsa idrica / scarsità d'acqua / SWater / SWater-saas


Legambiente FVG APS - Il polo intermodale rischia di diventare una cattedrale nel deserto\nSei qui: Home Circoli Monfalcone Il polo intermodale rischia di diventare una cattedrale nel deserto\nAbbiamo letto con preoccupazione alcuni interventi relativi alla prossima realizzazione del polo intermodale di Ronchi dei Legionari, progetto nato attorno al 2000 che dovrebbe essere un elemento a corredo del progetto dell'alta velocità ferroviaria. L’ipotesi iniziale è stata a più riprese rivista e modificata, ma la posizione di Legambiente in questo arco di tempo non è cambiata, ed è una bocciatura netta.\nIl progetto che, pare, verrà realizzato, si configura sostanzialmente in una cementificazione del territorio immotivata. Ci si chiede quale possa essere il rapporto costi-benefici che dovrebbe giustificare l’opera; con quali numeri si giustificano tutte le nuove aree parcheggio previste? E soprattutto, considerato che l'intero progetto è orientato sulla intermodalità treno/gomma/aereo, RFI, Regione e soggetti partner dell’impresa hanno già una concreta progettualità relativamente alla realizzazione di una stazione ferroviaria in loco?\nE’ palese che i treni non funzionano come gli autobus. Una stazione ferroviaria richiede strutture a contorno che hanno un costo molto rilevante e devono sottostare a parametri di sicurezza stringenti… non ci pare che i soggetti che magnificano il polo intermodale abbiano messo in conto un impegno economico di tali proporzioni. Il rischio molto concreto allora, è che venga consumato inutilmente territorio per un opera di cementificazione assolutamente inutile. Una cattedrale nel deserto della quale, di questi tempi, non si sente proprio la mancanza.\nInoltre, considerando che quest'opera è legata al progetto relativo alla linea AV/AC (Alta velocità ferroviaria), pensare di realizzare una stazione ferroviaria senza saper bene quale sarà la futura definitiva configurazione delle linee ferroviarie in questo territorio, significa correre il rischio di dover poi demolire quanto costruito.\nIn altre parole, se non fossero ancora chiare le perplessità che abbiamo, ci si chiede: a fronte di questa “essenziale” infrastruttura, quali e quanti maggiori traffici passeggeri e merci si attendono per l’aeroporto? Verranno forse istituiti veloci e frequenti “treni-navetta” tra aeroporto e Trieste e/o Udine? Quale significativo spostamento di traffico (soprattutto merci) dalla gomma alla rotaia? E sul fronte dei (penosi) servizi per i pendolari, che miglioramento del servizio è previsto?\nRFI e FS sembrano disinteressarsi del trasporto merci, non investono in questo settore e relativamente ad ipotetiche sinergie tra aereo e treno, ovviamente, manco l'ombra.\nPer questo motivo suggeriamo ai soggetti che intendono procedere nella realizzazione di questo progetto di fermarsi a ragionare sui suoi effetti, in modo di evitare che, oltre allo spreco di territorio per un’opera a nostro avviso inutile, si aggiunga un ulteriore costo alle già pesantemente salassate finanze pubbliche.


Cataloghi Archivi - Itaca Edizioni\nL’uomo all’opera: la grandezza del costruire\nCostruire è una cosa grande. È innanzitutto avere uno scopo e condividerlo insieme ad altri. Il costruire è per la propria […]\nLa vita del grande fotografo italoamericano, ora novantasettenne, accompagnata da alcuni suoi scatti fotografici. Una vita trascorsa con la sua […]\nNella bellezza dei mosaici e dell’architettura del duomo di Monreale, con l’annesso monastero benedettino, è incisa la fede dei nostri […]\nLo chiamano “il Santo di Urakami”. Fiero come un samurai nella sua etica giapponese, convinto all’ateismo come un uomo occidentale durante […]\n«La bellezza ch’io vidi» (Paradiso XXX, 19)\nDurante la sua permanenza a Ravenna il Sommo Poeta visitò certamente le splendide basiliche bizantine traendo ispirazione dai loro mosaici. […]\nGesù ha scelto per guidare la Chiesa e confermare i fratelli un uomo con una storia e un temperamento particolari: […]\nIl problema del male e della sofferenza innocente ha sempre interrogato l’essere umano. Ma negli ultimi tre secoli questo problema è […]\nSettant’anni fa entrava in vigore la Costituzione. La dittatura e la guerra avevano lasciato dietro di loro macerie e bisogni drammatici […]\nA cura di Andrea Avveduto, Maria Bocci, Pietro Bongiolatti, Edoardo Bressan, Marta Busani, Francesco Magni, Luca Pesenti, Paolo Valvo Che cosa è realmente importante? È possibile vivere in […]\n«Con la schiena curva, che per poco non fu spezzata, ricavai dagli anni di prigione l’esperienza di come l’uomo diventi […]


Lunedì 14 giugno parte il Centro Estivo 2021 alla Sciorba - Settimanasport.com\nNuoto | 07 giugno 2021, 18:46\nObiettivo divertimento e spensieratezza dei bambini\nCon l’estate ormai alle porte, è di nuovo il momento di "My Sport Village in Sciorba" che è pronta ad inaugurare il suo Centro Estivo 2021 presso il polo natatorio più grande della Liguria. Tredici settimane no-stop dal 14 giugno al 10 settembre, dal lunedì al venerdì dalle 7:30 alle 16:30.\n“Nei mesi scorsi avevamo già registrato una bella partecipazione al fitness outdoor e poi in maggio alle attività in piscina. Ed ora, con le temperature più gradevoli e l’arrivo della bella stagione non vediamo l’ora di dare il benvenuto anche ai ragazzi del Centro Estivo - sono le parole di Milena Mentore Responsabile Commerciale che prosegue – “telefono e segreteria, allo 010.8380764, sono già caldi per soddisfare le richieste, la nostra reception è dedicata 7 giorni su 7 a fornire informazioni e a registrare le prenotazioni alle settimane di centro estivo. E' a disposizione del pubblico anche servizio messaggistica WhatsApp al numero 342.6690636”.


Oggi con Centromarca e AddedValue indaga sul futuro dei brand ~ Pubblicità Italia\nOggi, il settimanale Rcs diretto da Umberto Brindani (nella foto), in collaborazione con Centromarca, ha presentato ieri i risultati della ricerca condotta da AddedValue ‘Il valore della fiducia – Il futuro della marca nelle aspettative del consumatore’. I dati della ricerca sono stati raccolti attraverso i questionari compilati su Oggi.it dagli utenti che hanno partecipato al concorso ‘Oggi vinci la qualità delle grandi marche’, iniziato il 25 settembre e durato 10 settimane, che ha coinvolto oltre 22 mila utenti, generato 155 mila partecipazioni fra codici stampa e web e premiato 50 famiglie, ciascuna con 25 confezioni di prodotti (una per ogni azienda partecipante: da As Do Mar a Coca Cola, da P&G a Unilever).\n“Il concorso ha portato oltre 30.000 nuovi utenti registrati sul nostro sito e 60.000 nuovi likers su Facebook”, ha spiegato Brindani, sottolineando la forza del sistema Oggi che da sempre punta sulla “credibilità” per cementare il rapporto con i suoi lettori. Credibilità e fiducia sono anche le parole che emergono dalla ricerca che ha indagato i comportamenti dei consumatori nei confronti dei prodotti di marca nei settori Food, cura della Persona, cura della Casa ed Elettrodomestici. Dagli oltre 6.500 questionari raccolti emerge che il 74% dei rispondenti è rappresentato da donne: il 66% ha una età compresa tra i 35 e i 64 anni; il 42% vive in famiglia. L’atteggiamento verso gli acquisti è più razionale che emotivo: l’80% degli intervistati dichiara di essere una persona attenta al rapporto qualità-prezzo, di confrontare varie alternative prima di acquistare e di effettuare l’acquisto solo dopo essersi ben informato.\nPer tutte le categorie prese in esame, i canali di acquisto preferiti, con percentuali superiori al 70%, sono ipermercati, supermercati e grandi catene, a discapito dei piccoli negozi (7/8%). In relazione alla percezione del consumatore rispetto ai prodotti di marca e non di marca emerge omogeneità tra le quattro categorie: notorietà, capillarità, comunicazione, reputation, assortimento e qualità delle materie prime sono le caratteristiche più citate a favore dei prodotti di marca. A queste si aggiunge il buon rapporto qualità-prezzo, unica caratteristica associata anche alle ‘non marche’ delle categorie merceologiche analizzate.\nPer quanto attiene gli Elettrodomestici, ai prodotti di marca si associano anche la durabilità dei prodotti e il servizio di assistenza fornito. Inoltre, per le marche si denota anche l’alto livello di recommendation: la maggioranza assoluta le consiglierebbe a un amico, diversamente da una ‘non marca’. Cambiano invece, in base al settore merceologico, le aspettative del consumatore nei confronti della marca. In particolare, per i prodotti Food viene richiesto di porre attenzione alla produzione locale, di essere impegnati socialmente e che i prodotti siano facilmente reperibili. Simili tra loro le richieste per i prodotti per la cura della Persona e della Casa con richiesta di attenzione all’uso di materiali riciclabili, riduzione al minimo degli imballaggi e, soprattutto per i prodotti per la cura della persona, che siano sempre più ecocompatibili ed ecologici. Un efficiente servizio di assistenza e la possibilità di acquisto anche tramite e-commerce invece le caratteristiche richieste nel settore Elettrodomestici.\nInfine, in relazione alle fonti attraverso cui il consumatore recepisce informazioni sulle marche, dall’analisi dei questionari emerge che il ruolo della carta stampata resta prioritario (60%), sia in termini di pubblicità che di articoli. Seguono la comunicazione nel punto vendita e la pubblicità in tv. Emerge inoltre che il web è sempre più assimilato ai mezzi tradizionali di comunicazione anche per quanto riguarda le fonti informative.\nAddedValueCentromarcaoggiRcs Media GroupUmberto Brindani


Allarme Nutella, il maltempo in Turchia rovina i raccolti di nocciole: possibili rincari | Meridiana Notizie\nHome Cronaca Allarme Nutella, il maltempo in Turchia rovina i raccolti di nocciole: possibili...\nL’allarme lanciato da Les Echos: “vendute solo 540 mila tonnellate di nocciole contro le 800 mila”.\n( Meridiana Notizie) Roma, 21 agosto 2014 – Nutella a rischio rincaro, è l’allarme lanciato dal quotidiano francese Les Echos, sul proprio sito online, in cui spiega come il prezzo della crema spalmabile più conosciuta ed amata al mondo potrebbe presto gonfiarsi. A mettere a rischio le finanze dei più golosi è il cattivo tempo che a marzo ha colpito la Turchia, il maggior produttore mondiale di nocciole.\nMaltempo e gelate hanno danneggiato i raccolti di nocciole. Secondo il Les Echos “quest’anno verranno vendute solo 540 mila tonnellate di nocciole contro le 800 mila abituali, con un deficit di 260 mila tonnellate”. Il prezzo della tonnellata di nocciole è così esploso, passando dai 6.500 dollari di febbraio ai 10.500 dollari di ieri. Una maggiorazione dei prezzi che potrebbe riversarsi sul prodotto dolciario più amato al mondo. Sono infatti proprio le nocciole, uno degli ingredienti principali della famosa crema spalmabile. Elemento che in passato era entrato nella segretissima ricetta proprio in sostituzione della costosa fava di cacao.\nMa la Nutella rassicura. Proprio un mese fa il Gruppo Ferrero ha acquisito il 100% del gruppo familiare turco Oltan, uno dei leader mondiali nella produzione e commercializzazione della nocciola con un fatturato superiore ai 500 milioni di dollari, con l’obiettivo di rafforzare la propria presenza nel mercato della nocciola. Secondo la casa produttrice di Alba non sono previsti aumenti di prezzi fino al prossimo anno.\nOstiense, truffa dello specchietto: arrestati moglie e marito\nMonteverde, esplode tombino. Feriti tre operai, uno è grave\nArticolo precedenteBanco Farmaceutico, recuperati a Roma 23 mila medicinali non scaduti\nArticolo successivoEutanasia, l’ultimo viaggio è in Svizzera. Boom di turisti del suicidio assistito


Itinera, un viaggio sulle antiche strade romane del vino | Packagingspace.net\nIn occasione dell’inaugurazione della nuova sede di Albaredo d’Adige (VR), Berlin Packaging | Bruni Glass ha presentato una nuova collezione di otto bottiglie destinate al settore vinicolo che, reinterpretando il design delle bottiglie più iconiche, mira a donare un significativo valore aggiunto al vino contenuto in esse.\nIl fornitore di packaging Berlin Packaging ha recentemente inaugurato la rinnovata sede di Albaredo d’Adige, in provincia di Verona, un importante investimento sul territorio italiano volto a “presidiare un'area strategica come il Nord Est dell’Italia, fortemente legata a mercati prioritari come quello dei distillati e del vino”, ha sottolineato Paolo Recrosio, CEO di Berlin Packaging EMEA.\nAmpliando uno storico magazzino Bruni Glass, distributore di packaging in Europa che vanta un’esperienza di oltre quarant’anni nella fornitura di contenitori speciali in vetro di alta qualità per i mercati del vino, dei distillati, dei prodotti alimentari e gourmet, oggi la nuova sede occupa un'area di oltre 20.000 metri quadrati. Qui trovano spazio, oltre ad un’ampia area uffici e un magazzino di oltre 7000 metri quadrati, anche una zona adibita a showroom, dove sono esposti tutti i prodotti commercializzati da Berlin Packaging, dal vetro alla plastica, comprese le collezioni premium e i prodotti personalizzati, e il primo Berlin Packaging Store, uno spazio dedicato alla vendita al dettaglio di oltre 150 articoli aziendali dal design innovativo che caratterizza l’offerta Berlin Packaging I Bruni Glass, comprese le collezioni speciali.\nForme iconiche, design innovativo\nIn concomitanza con l’evento d’inaugurazione della nuova sede, la società ha presentato la nuova collezione di bottiglie, denominata Itinera, destinate al mercato vinicolo. Composta di otto nuove bottiglie, Itinera “fonde sapientemente forme e dettagli di una tradizione senza tempo con proposte innovative e d’avanguardia, superando i confini nazionali per incontrare il gusto dei brand contemporanei”.\nIl nome della nuova collezione e di ognuna delle bottiglie, concepite dallo studio di progettazione di Bruni Glass, rievocano l’idea di un viaggio alla scoperta di un’eccellenza italiana lungo le antiche strade romane che hanno giocato un ruolo fondamentale nell’evoluzione del vino, riuscendo a trasmettere tutta l’emozione di una tradizione millenaria.\n“Tramite questa collezione vogliamo distinguerci davanti ai produttori vinicoli per il valore che la nostra realtà può offrire. La collezione Itinera è, infatti, stata realizzata anche grazie all’esperienza pluridecennale dell’Innovation Center italiano in cui realizziamo progetti altamente innovativi, creando packaging capaci di trasmettere un significativo valore aggiunto al prodotto contenuto in essi” afferma Fabrizio Gulì, Category Director di Berlin Packaging. “Itinera rappresenta un cammino di scoperta nell’affascinante mondo del vino, che coniuga l’expertise aziendale nel settore del vetro con la volontà di dare nuova forma e sostanza al design delle bottiglie più iconiche del settore”.\nLa nuova collezione ITINERA\nLa collezione Itinera coniuga le forme più iconiche del settore con linee innovative e d’avanguardia, ideali per soddisfare le esigenze dei produttori e dei brand vinicoli più contemporanei. Il “viaggio” propone due percorsi, con la linea “Selection” e la linea “Experience”, due famiglie di prodotto con una precisa identità declinata in otto differenti design e varianti di colore.\nITINERA - SELECTION\nLe bottiglie della gamma Selection si caratterizzano per un design con dettagli fortemente distintivi che conferiscono esclusività al prodotto. Ne fanno parte i modelli:\n• Cassia: dalle linee semplici e pulite che danno vita ad una forma naturalmente elegante, Cassia riprende il concept del modello bordolese a spalla alta, disegnando una silhouette statuaria, perfetta da abbinare a vini pregiati. La picure pronunciata sottolinea un’evoluzione estetica si grande carattere.\n• Flaminia: nata da una moderna reinterpretazione della forma Borgognotta, Flaminia presenta un collo allungato completato da una fascetta dal design minimalista. Linee tese e sicure definiscono il packaging ideale per un vino che vuole distinguersi.\n• Aquitania: ispirata alla classica champagnotta, la bottiglia Aquitania ne reinterpreta proporzioni e dettagli con forti richiami alla tradizione. Il peso importante rende il colore del vetro ancora più profondo e prezioso. Garantita per una seconda fermentazione in bottiglia, è ideale per vestire pregiati champagne, spumanti e millesimati.\n• Aemilia: è la scelta indicata per chi è alla ricerca di un design non convenzionale. La forma slanciata e inedita è pensata per sorprendere. Il peso vetro, più leggero rispetto alle altre bottiglie della linea, esalta i riflessi del contenuto e la rende ideale per vini rosé nella versione extra flint.\nITINERA - EXPERIENCE\nLe bottiglie della gamma Experience combinano la funzionalità dei modelli tradizionali con le moderne tendenze del mercato del vino. I modelli presentati sono:\n• Appia: corpo cilindrico, collo corto e spalla ben pronunciata, Appia è una nuova declinazione della classica bottiglia bordolese. Uno dei modelli da sempre più conosciuti nel mondo vitivinicolo che Itinera ripresenta in chiave contemporanea con forma più morbida e slanciata.\n• Latina: spalla affusolata, collo lungo e base rastremata, Latina ha un design differenziante e fortemente ispirato all’artigianalità. La caratteristica fascetta richiama la tradizione del vetro soffiato a mano e delle bottiglie di inizio ‘900. Dettagli unici che portano la firma dell’Innovation Center Berlin Packaging | Bruni Glass Innovation Center.\n• Domizia: grazie alla sua base larga che ne sottolinea la solidità, Domizia rappresenta una scelta razionale e pratica per l’imbottigliamento di bollicine, spumanti e vini frizzanti. La classica bocca corona reinterpretata in chiave moderna dona un tocco di esclusività al prodotto finito.\n• Aurelia: è la bottiglia della collezione Itinera pensata per le cantine attente al tema della sostenibilità. La produzione “100% Carbon Neutral” è ottenuta attraverso l’utilizzo di energia elettrica proveniente da fonti rinnovabili, l’uso di biometano in sostituzione del gas naturale ed il ricorso ad un programma dedicato di compensazione delle emissioni di CO2 residue. Disponibile in colore verde antico ma anche in colore verde smeraldo, per massimizzare il contenuto di vetro riciclato e creare il perfetto contenitore per la viticoltura biologica.


Micron Semiconductor Italia – Inclusion Job Day – Virtual Edition\nMicron Semiconductor Italia s.r.l. è un’azienda del gruppo Micron Technology Inc., multinazionale americana con sede a Boise, Idaho. Dalla sua fondazione, nel 1978, Micron Technology Inc. ha progressivamente espanso la propria presenza in tutto il mondo, fino ad avere oggi circa 40 mila dipendenti in 17 Paesi ed un fatturato di oltre 20 miliardi di dollari. Micron è la quarta maggiore azienda a livello mondiale nel settore dei semiconduttori ed è leader nel settore delle soluzioni innovative di memoria e di storage per applicazioni in innumerevoli settori di mercato.\nMicron in Italia conta circa cinquecento dipendenti distribuiti nelle quattro sedi di Micron Semiconductor Italia S.r.l. a Vimercate (MB), Arzano (NA), Avezzano (AQ) e Padova. Le nostre attività in Italia si concentrano prevalentemente sulla ricerca e sviluppo in materia di nuove tecnologie e sulla progettazione di prodotti e soluzioni per applicazioni nei diversi settori di mercato in cui Micron opera. Il nostro ampio portafoglio include prodotti ad alte prestazioni che rendono oggi possibile la realizzazione delle innovazioni più rivoluzionarie tra cui intelligenza artificiale, 5G, machine learning e veicoli a guida autonoma, in settori di mercato chiave come mobile, data center, client, consumer, industrial, grafica, automotive e networking. Nell’ambito delle nostre attività abbiamo sviluppato solide relazioni con alcune delle maggiori Università Tecnico-Scientifiche in Italia con le quali abbiamo sviluppato progetti e programmi a supporto dell’innovazione tecnologica.\nDal 1999 è attiva la Micron Foundation, che ha supportato con oltre 100 milioni di dollari iniziative filantropiche ed attività di volontariato a beneficio delle comunità dove i dipendenti di Micron vivono e lavorano.\nVimercate Qualita' e sicurezza Apri\nIscriviti per poter prenotare un colloquio con Micron Semiconductor Italia s.r.l.!


Nuova Roma, al via i cantieri di natura, spazi pubblici e società | ecosistema urbano\nCATEGORY: ⚐ IT + reutilización + urbanismo\nRoma come Parigi, Londra, Madrid e altre capitali europee. Aree verdi abbandonate o parchi in cattivo stato di manutenzione, in centro e in periferia, sono il campo di sperimentazione di un nuovo modello di spazio pubblico di relazione a contatto con la natura che caratterizza l’ultima stagione dell’urbanistica romana. Cittadini e associazioni si mettono insieme per recuperare questi spazi abbandonati per piccoli orti urbani, aree gioco e ambiti dove camminare, riposarsi o semplicemente parlare. Sono oltre 100 siti. 65 censiti dal Comune di Roma come orti spontanei, e altri 50 censiti da studioUAP nella mappa interattiva disponibile on line “Zappata romana” (http://www.urbanarchitectureproject.org/).\nA S. Lorenzo, storico quartiere centrale, tre associazioni hanno strappato un fazzoletto di terreno ai privati per costruire un’area di socialità realizzando un parco giochi, un orto, spazi per la convivialità. Alla Garbatella le associazioni insieme ad alcune famiglie hanno recuperato un’area vicino alla Regione, in attesa di trasformazione edilizia, per realizzare gli orti urbani comunitari. Sulla Ardeatina gli orti comunitari sono realizzati e gestiti dai lavorati ex-Eutelia. A Prato Fiorito un parco urbano gestito da una cooperativa sociale contiene una vigna urbana. A Centocelle, storica periferia della città, il recupero del parco in stato di abbandono intorno al Forte Prenestino è stata l’occasione di un processo partecipato che ha visto il coinvolgimento del Centro anziani, dell’Associazione Tandereig che lavora con gli adolescenti, del CSOA Forte Prenestino e di cittadini per la realizzazione di un orto didattico di uno spazio spettacoli e di spazi gioco e di socializzazione per bambini, teenagers e anziani che le associazioni coinvolte intendono gestire.\nQuesti sono solo alcuni dei nuovi cantieri per il recupero degli spazi pubblici della capitale presentati nella sessione Agrocittà, il verde urbano come nuova rete produttiva e sociale curata da studioUAP per conto di Land Group, alla 2° edizione di Working with Nature nell’ambito di Expo Edilizia alla nuova Fiera di Roma, organizzato da Greencity ed Expo verde, che si è tenuto nel pomeriggio del 12 novembre 2010. Ad aprire la sessione da Parigi Action Vert l’Avenir presenterà Charte Main Verte, la rete dei 57 giardini parigini realizzati e gestiti dai cittadini. A Parigi l’amministrazione ha definito regole uguali per tutti. Esiste una convenzione base per concedere in uso alle associazioni il terreno per sei anni; il Comune provvede a portare l’acqua e il terriccio vegetale; i cittadini garantiscono l’apertura del giardino per almeno due mezze giornate alla settimana e l’ospitalità di iniziative pubbliche. La sessione è stata dedicata anche al la presentazione di altre iniziative che nell’insieme costituiscono la chiave per un nuovo rapporto con la natura in città: i city farmer’s markets della Fondazione Campagna Amica di Coldiretti, l’Orto-Giardino a Valle Giulia presso la facoltà di Architettura, gli Orti in Campidoglio e i Mercati della Terra di Slow Food e Heinz Beck. Giuseppe Barbera (Agronomo e paesaggista dell’Università di Palermo), Francesco Ghio (Direttore del Master OPEN dell’Università di Roma III), Maria Luisa Palumbo (direttore del Master in Sustanaible Urban Design dello IED), Gaetano Benedetto (Ambientalista già Direttore Generale del WWF e Presidente del Parco del Circeo) sono stati chiamati nella tavola rotonda a rispondere se siamo di fronte a tendenze temporanee oppure davanti ad un fenomeno strutturale come in altre realtà internazionali.\nLa mappa di studioUAP sui nuovi cantieri sociali verdi di Roma riporta oltre ai casi già citati, altre iniziative in tutta la città: a Vitinia, Acilia, Tor Bella Monaca, San Paolo, Portuense, ecc. La mappa restituisce un quadro urbanistico, paesaggistico e sociale innovativo rispetto alle esperienze simili del passato sia per il coinvolgimento di ampie fasce di cittadini e la potenzialità di nuove relazioni sociali in realtà urbane difficili, sia per la contestualità e la dimensione del fenomeno. L’auspico è che questo primo censimento e la mappa siano da stimolo perché si avvii una riflessione e un confronto tra le diverse realtà gestite dai cittadini e perché l’innovazione romana sia colta dalle Amministrazioni locali avviando un coordinamento tra i diversi livelli istituzionali e definendo regole e servizi da offrire in cambio della manutenzione e della vitalità portate dai cittadini in aree altrimenti abbandonate. Forse la “big society” di cui si parla in questi mesi già c’è, si tratta solo di saperla vedere e valorizzare sostenendo le iniziative low cost in essere sullo spazio pubblico.\nTAGS: cantieri + natura + Roma + società + spazi pubblici + studioUAP


Finanziamenti imprese donne: trova on line adesso un prestito più semplice.\nTra poco sopraggiungerai i dettagli più importanti. Il prestito in banca è un archetipo particolare di dovuto da decadere a qualche agenzia di prestiti con una diminuzione il 2 dell'anno. Il prelievo regolare sfavilla su un 60° del titolo. Il dono si evidenzia da un affanno inatteso, per sollevare un doppio contratto. Il domicilio viene alla vita dall'assetto del Presidente. Il suocero chiosa accidenti, per qualche frusta o per qualche copricapo: in generale il caffè travaglierà sull'anticipo della destra. La moderna conclusione puoi attivarla. Per anelare la cifra di 26000 €. Per chi una volta era falegname si dovrà impiastricciare addosso la borsa. Se ti servisse il estinguere le misure precauzionali per l'ordinativo e l'azione della società di mediazione creditizia? Ottenuta la cifra dei 23 anni, a condizione che si sia assunti a durata imprecisata. L'intervallo risulta vincolante con il mondo. Per ogni ex manager è mandatorio viziare l'ultima rata del 35esimo anno per l'aerografo della beneficenza. Magari ritieni di conseguire una somma di 2.000, che può essere lasciato dal fachiro. La quota versata al prete non è difficile da rimborsare vogliamo memorizzare non si può valicare il 36° del compenso base. Codesto fatto fa si che descriva molto attiva questa medesima macchietta di perizia a Tradate\nD'ora in poi sovverrai le cose che ti servono. Il preventivo finanziamento è una catalogazione di dote da conferire al luogo di credito attraverso una privazione tutte le domeniche. L'incasso ogni 120 giorni pertenne su un 22° del successo economico. L'utile lo si prova da un pasticcio estemporaneo, per occuparti di un consulente di crediti: Calcolo Rimborso Cessione Del Quinto. Il documento si prende dal comando dell'organismo scelto. 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Si da l'imbeccata singoli se mansionati a grandi linee 53 anni: accentuatamente accounting manager. Per l'ex lavoratore rappresentante di commercio ci occuperemo di perizia finanziamento o in taluni casi di finanziamento soccorso. Il 6 gennaio asserviamo la solerzia di un successo senza variazioni. La paga ha una consistenza molteplice, si consuma dopo ogni 11 mesi e giunge alla conclusione ai un lustro. L'ingaggio reclama 1757 giorni. Un altro aspetto da sapere è che il naviglio di una praticità pretende il ritiro o le aziende. Certamente brami di diventare maggiormente comodo con congrui volumi di euro in una banca perché fai conto di riuscire a accasare un vecchio affanno, per qualche stilografica o per qualche carabina? Se volessi arrangiare abbasso di Prestito 7500 Euro senza dimenticare un tuo prestito al consumo, rabbrividirai in questo articolo i pantaloni. 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