content:
Benarkah mendengarkan musik baroque itu baik buat kamu? Melihat beberapa studi ilmiah yang dilakukan baru-baru ini, musik baroque memang memiliki manfaat. Temuan menunjukkan bahwa ada banyak manfaat bagi kesehatan mental dan fisik kita. Dapat merangsang otak, meningkatkan kualitas tidur, mengurangi stres dan juga memperkuat sistem kekebalan tubuh. Sumber artikel website kami dari situs login sbobet.
Berikut adalah 8 alasan mengapa Anda harus mendengarkan musik baroque lebih sering daripada yang mungkin Anda lakukan sekarang.
1. Itu membuat otak Anda bekerja lebih baik
Di Universitas Northumbria (Inggris Raya), tim peneliti melakukan beberapa eksperimen pada fungsi otak siswa saat melakukan tes sambil mendengarkan konser Musim Semi Vivaldi. Mereka menjawab lebih cepat dan lebih baik daripada saat mereka mendengarkan konser musim gugur yang menyedihkan. Kesimpulannya adalah aktivitas otak meningkat saat mendengarkan rangsangan yang menyenangkan dan membangkitkan.
2. Membantu penderita demensia
Jika orang yang dicintai menderita demensia atau Alzheimer, perlu diperhatikan penelitian yang menunjukkan bagaimana musik dapat membantu mereka mendapatkan kembali ingatan dan sangat meningkatkan kualitas hidup mereka. Tonton video di sini tentang seorang pria yang dihidupkan kembali dengan mendengarkan musik yang dia sukai di masa lalu. Jika orang yang Anda cintai sangat menyukai musik apa pun, baroque atau non, mereka dapat sangat terbantu dengan mendengarkan musik yang sama. Penjelasannya adalah karena musik memengaruhi banyak bagian otak, musik dapat membangunkan kembali bagian-bagian otak yang tidak terpengaruh oleh demensia. Ini terutama benar ketika musik dikaitkan dengan peristiwa atau memori tertentu. Sangat menarik untuk membaca buku oleh almarhum ahli saraf Oliver Sacks berjudul Musicophilia: Tales of Music and the Brain yang menjelaskan fenomena tersebut dan menceritakan banyak kisah yang mengharukan.
3. Dapat membantu Anda tidur lebih nyenyak
Ada banyak penelitian tentang efek menguntungkan dari musik baroque terhadap kualitas tidur. Sebuah penelitian menunjukkan bahwa sekelompok siswa yang mendengarkan musik baroque yang menenangkan mendapatkan kualitas tidur yang jauh lebih baik daripada ketika mereka dihadapkan pada buku audio, misalnya. Peneliti yakin bahwa musik lebih baik daripada rangsangan verbal untuk tujuan merilekskan tubuh dan pikiran sebelum tidur.
4. Dapat menenangkan Anda saat mengemudi
Apakah Anda terkadang mudah marah di jalan? Pemerintah Jerman mengkhawatirkan tingginya angka kecelakaan di jalan raya negara itu (2,4 juta setiap tahun). Banyak dari kecelakaan ini disebabkan oleh mengemudi yang agresif dan kemarahan di jalan raya. Untuk mengatasi hal ini, Kementerian Transportasi Jerman telah merilis CD untuk driver yang menampilkan Piano Concerto No.21 Mozart. dimainkan oleh Menteri sendiri! Ia berharap efek musik yang menenangkan akan menenangkan pengemudi.
5. Dapat membantu mengurangi nyeri
Berbagai penelitian menunjukkan bahwa mendengarkan musik dapat mengurangi nyeri pasca operasi dan kronis terutama pasca operasi. Ini tidak akan pernah menggantikan obat penghilang rasa sakit tentu saja tetapi akan sangat membantu dalam mengurangi depresi, kecacatan dan rasa sakit. Alasannya tampaknya itu dapat membantu menghilangkan rasa sakit dengan meningkatkan pusat penghargaan otak, sehingga mengurangi sensasi nyeri.
6. Ini dapat membantu Anda mengekspresikan emosi Anda.
Musik dapat mengungkapkan apa yang kita mungkin tidak pernah mampu secara lisan dan syukurlah untuk itu. Kita mungkin harus bergumul dengan kemarahan, cinta, depresi, dan banyak emosi serta perasaan lainnya. Saat kita terhubung dengan musik, kita bisa mulai mengatasinya. Itu membantu kita untuk lebih jujur pada diri kita sendiri. Penelitian di The Southern Methodist University menunjukkan bahwa ketika mendengarkan musik baroque, mahasiswa sarjana lebih komunikatif dan terbuka tentang emosi mereka. Setiap orang memiliki playlist favorit mereka untuk membantu mereka saat mereka merasa romantis, malas, atau kelelahan. Mendengarkan musik baroque membantu Anda mengekspresikan emosi dengan cara yang unik.
7. Dapat membantu tekanan darah
Sangat menarik untuk mengetahui bahwa ahli jantung telah menemukan hubungan antara Simfoni Kesembilan Beethoven dan tingkat tekanan darah kita. Mereka menemukan bahwa karya ini dan banyak karya musik baroque lainnya selaras secara alami dengan ritme alami tubuh kita sendiri dan membantu menjaga tekanan darah pada tingkat optimal. Profesor Bernardi dari Universitas Pavia di Italia telah melakukan beberapa penelitian menarik tentang ini.
8. Dapat membantu orang dalam diet
Anda sekarang betapa sulitnya untuk makan perlahan, mengunyah makanan dengan benar, dan benar-benar menikmatinya. Memutar musik lembut dan meredupkan lampu di ruang makan terbukti membantu orang menikmati makanan lebih banyak dan makan lebih sedikit! Ini adalah hasil utama dari studi yang dilakukan di Cornell University. Di sisi lain, tempat-tempat seperti kedai makanan cepat saji menggunakan lampu yang lebih terang untuk mendorong makan cepat dan lebih banyak keuntungan bagi bisnis. Anda dapat meningkatkan cara Anda menikmati makanan dengan lebih memperhatikan cara Anda makan, termasuk memainkan musik lembut saat makan.
10 Komposer Baroque Terbaik Sepanjang Masa
Posted on December 3, 2020 December 3, 2020
Dari sekitar 1600 hingga 1750, periode Barok menyaksikan penciptaan beberapa mahakarya terbesar yang pernah dibuat, kami mengutip 10 komposer baroque terbaik menurut http://sbobetcasino.id/ di tahun 2020 ini berdasarkan voting di situs mereka.
Berikut 10 Komposer Baroque Terbaik:
Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Bach telah disebut sebagai ‘wasit tertinggi dan pemberi hukum musik’. Ia menyukai musik sebagaimana Leonardo da Vinci bagi seni dan Shakespeare bagi sastra, salah satu jenius kreatif tertinggi dalam sejarah.
Rekaman penting St Matthew Passion
Solois; Trinity Boys Choir, Monteverdi Choir, English Baroque Soloists / Sir John Eliot Gardiner (Recording of the Month, April 2017; Terpilih untuk Penghargaan Baroque Vocal 2017)
Antonio Vivaldi (1678-1741)
Dengan Antonio Vivaldi, musik Barok Italia mencapai puncaknya. Dunia Venesia kontemporer yang makmur dan terpelihara bersinar melalui semua karyanya, yang disusun dengan keahlian bawaan.
Rekaman penting The Four Seasons
Rachel Podger vn Brecon Baroque (Pilihan Editor, Mei 2018; terpilih untuk Gramophone Concerto Award 2018 )
George Frideric Handel (1685-1759)
Handel adalah salah satu raksasa sejarah musik. Musiknya yang ceria, percaya diri, dan melodius dijiwai dengan keanggunan sekolah vokal Italia, kelancaran dalam menulis bahasa Jerman yang kontrapuntal dan tradisi paduan suara bahasa Inggris yang diwarisi dari Purcell.
Rekaman penting Mesias
Solois; Selir Dunedin dan Pemain / John Butt (pemenang Penghargaan Vokal Barok 2007 Gramophone )
Henry Purcell (1659-95)
Banyak yang menganggap Purcell sebagai komposer Inggris terhebat sepanjang masa. Di antara karyanya yang paling berpengaruh adalah opera Dido dan Aeneas dan semi-opera The Fairy Queen dan King Arthur .
Rekaman penting The Fairy Queen
Lucy Crowe, Claire Debono, Anna Devin; Paduan Suara Glyndebourne dan Orkestra Zaman Pencerahan / William Christie (DVD Bulan Ini, Oktober 2010; Penghargaan Gramophone 2010 untuk Pertunjukan DVD)
Claudio Monteverdi (1567-1643)
Monteverdi, seorang komposer yang menjembatani periode Renaissance dan Baroque, dapat dianggap sebagai salah satu tokoh paling kuat dalam sejarah musik. Di antara karyanya yang paling terkenal adalah opera Orfeo dan L’incoronazione di Poppea.
Rekaman penting Vespers
Taverner Consort / Andrew Parrott (The Top Choice in our Gramophone Collection Article in June 2010)
Heinrich Schütz (1585-1672)
Schütz adalah komposer Jerman terbesar abad ke-17 dan yang pertama bertubuh internasional.
Rekaman penting Musicalische Exequien
Vox Luminis / Lionel Meunier ( Rekaman Gramophone Terbaik Tahun 2012)
Domenico Scarlatti (1685-1757)
Scarlatti menghasilkan banyak sekali musik instrumental yang paling dikenalnya, dan khususnya sonata keyboard. Karya-karya ini memperluas genre secara tak terukur, memperkenalkan keahlian dan kecemerlangan yang membuat terobosan baru.
Merekam penting Sonata
Yevgeny Sudbin pf (Recording of the Month, April 2016; terpilih untuk Gramophone Instrumental Award 2016 )
Jean-Philippe Rameau (1683-1764)
Meskipun dia bukan penilai libretto, dia mengangkat sisi musik opera ke tingkat yang baru dan dalam baletnya memperkenalkan banyak efek deskriptif baru – orang Prancis menyukainya – seperti gempa bumi di Les Indes galantes .
Rekaman penting Overtures
Les Talens Lyriques / Christophe Rousset (pemenang Penghargaan Non-Vokal Gramophone Baroque 1998 )
Arcangelo Corelli (1653-1713)
Corelli adalah pendiri utama permainan orkestra modern dan komposer yang membentuk dua bentuk musik baru, trio Barok dan sonata solo, dan grosso konser .
Rekaman penting Complete Concerti Grossi
Amandine Beyer vn Gli Incogniti (Pilihan Editor, Februari 2014; terpilih untuk Penghargaan Instrumental Barok 2014 Gramophone )
Georg Philipp Telemann (1681-1767)
Telemann mungkin adalah komposer paling produktif dalam sejarah musik. Dia menulis hampir sebanyak Bach dan Handel mengumpulkan (dan masing-masing menulis jumlah yang membingungkan) termasuk 600 tawaran Perancis atau ruang orkestra, 200 konser, 40 opera dan lebih dari 1000 karya musik gereja.
Rekaman penting Concertos & Cantata Ihr Völker Hört
Clare Wilkinson mez Florilegium (Pilihan Editor, September 2016; terpilih untuk Penghargaan Instrumental Barok Gramophone 2017)
Lihat juga 5 Tips Mempelajari Musik Barok Prancis.
Musik orkestra Barok
Posted on October 22, 2020 October 22, 2020
Semua informasi tentang musik orkestra barok ini di ambil dan diterjemahkan dari web https://www.mabosway.win/, apabila Anda ingin membaca versi Aslinya dan yang lebih lengkap maka Anda bisa langsung mengklik tautan diatas.
Musik Barok memiliki ciri:
garis melodi yang panjang mengalir sering menggunakan ornamen (nada dekoratif seperti getar dan belokan )
kontras antara keras dan lembut, solo dan ensembel
sebuah kontrapungtal tekstur mana dua atau lebih baris melodi digabungkan
dinamika bertingkat – perubahan mendadak pada level volume, terkadang menciptakan efek gema
penggunaan kontinu harpsichord
Contoh musik Barok adalah gerakan kedua dari Bach Brandenburg Concerto No. 4. Ini mendemonstrasikan kelompok solo biola dan dua seruling dan string ripieno (pengiring).
Instrumen dalam orkestra Barok
Sebuah orkestra adalah ensemble berperan besar dengan bagian string, kuningan, woodwind dan kadang-kadang perkusi. Biasanya disutradarai oleh seorang konduktor. Orkestra Barok terkadang diarahkan dari harpsichord.
Bagian kontinu (atau basso continuo ) biasanya dimainkan di harpsichord atau organ . Instrumen digunakan dalam harmoni dan untuk menyatukan ansambel. Bassline sering dimainkan oleh cello atau bassoon. The piano adalah instrumen keyboard di mana senar dipetik daripada dipalu.
Orkestra Barok relatif kecil (orkestra kecil dikenal sebagai orkestra suite ). Orkestra masih berkembang selama periode Baroque. Pada awalnya tidak ada instrumen yang disetel, tetapi seiring kemajuan abad ke-17, orkestra mulai terbentuk.
Instrumen orkestra Barok biasanya termasuk:
string – biola, biola, cello, dan bas ganda
woodwind – perekam atau seruling kayu, obo dan bassoon
kuningan – terkadang terompet dan / atau tanduk (tanpa katup)
timpani (kettledrum)
kontinu – harpsichord atau organ
Contoh orkestra Barok yang sedang beraksi adalah The Four Seasons karya Vivaldi. Perhatikan kontras antara bagian biola solo dan tutti (bagian utama orkestra).
Bentuk musik orkestra Barok
Karya orkestra yang biasa ditemukan selama periode Barok termasuk konser dan suite.
Konser
Sebuah concerto adalah komposisi skala besar untuk sebuah orkestra ditambah solo atau sekelompok solois.
Komposer Barok yang menulis concerto termasuk Vivaldi, Bach dan Handel. Vivaldi menulis lebih dari 500, sekitar setengahnya untuk biola.
Ada dua jenis konser Baroque – konser grosso dan konser solo.
Kedua jenis konser tersebut umumnya memiliki tiga gerakan – cepat, lambat, cepat.
The Baroque concerto grosso:
ditulis untuk sekelompok alat musik tunggal ( konserino ) dan ansambel yang lebih besar ( ripieno )
memiliki contoh terkenal seperti enam Konser Brandenburg karya Bach
Brandenburg Concerto No. 4 karya Bach adalah contoh dari grosso konser. Saat bidak terbuka ada satu kelompok biola dan dua seruling menonjol. Mereka kemudian bergabung dengan string ripieno . Harpsichord dimainkan dalam kontinu.
Konserto solo Barok:
ditulis untuk satu instrumen solo plus orkestra
sering kali memiliki bagian-bagian yang brilian dan menuntut secara teknis untuk dimainkan oleh seorang solois
The Four Seasons karya Vivaldi adalah contoh terkenal dari konser biola solo Barok. Dalam karya ini ada kontras yang mencolok antara bagian biola tunggal dan ripieno . Perhatikan kontras antara bagian biola tunggal dan ripieno dalam kutipan ini.
Orkestra Suite
The orkestra Suite adalah kumpulan tarian. Musik Air Handel dan Musik untuk Kembang Api Kerajaan adalah suite. Bach menulis empat suite orkestra.
Gerakan pertama dari masing-masing adalah an tawaran dan ini diikuti oleh sejumlah tarian sering kali termasuk:
courante – tiga ketukan dalam satu bar, kecepatan sedang
gavotte – 2/2 atau 4/4 kali, seringkali dengan setiap frase dimulai di tengah bar
minuet – 3/4 waktu, kecepatan sedang
gigue – hidup dan dalam waktu gabungan (6/8, 9/8 atau 12/8)
Sebagian besar tariannya berbentuk biner . Bentuk biner memiliki dua bagian (A dan B). Musik berpindah ke kunci baru di akhir bagian A dan kembali ke kunci home ( tonik ) di bagian B.
Pada gigue dari Bach’s Orchestral Suite No.3 ada 6/8 time signature dan penilaiannya meliputi obo, terompet dan basso continuo.
Baca juga Kontribusi Johann Sebastian Bach untuk musik era Barok.
5 Tips Mempelajari Musik Barok Prancis
Posted on August 27, 2020 August 27, 2020
Ketika Anda memikirkan komposer Barok, yang bekerja dari 1600–1750, Vivaldi dan Bach paling sering muncul di benak Anda. Namun, ada banyak repertoar untuk string yang dapat ditemukan dalam musik fantastis — dan idiosinkratik — musik era Barok Prancis. seperangkat aturan khusus, tetapi, jangan khawatir, dengan tips ini, Anda akan bermain dengan gaya dalam waktu singkat.
Anehnya, komposer Barok Prancis paling terkenal dan berpengaruh berasal dari Italia. Jean-Baptiste Lully (1632–1687), lahir sebagai Giovanni Battista Lulli, tinggal di Florence hingga usia 11 tahun, mempelajari tari dan berbagai instrumen, termasuk biola. Dibawa ke Paris. sebagai guru Italia untuk seorang wanita bangsawan Prancis, Lully yang berbakat mendapatkan perhatian dari Raja Louis XIV muda ketika mereka menari bersama dalam balet. Lully segera menjadi sangat diperlukan bagi Louis, mendapatkan ketenaran karena ketepatan orkestra senar, dan melanjutkan ke menggubah banyak balet dan opera yang diisi dengan tarian, dan mempengaruhi gaya musik selama beberapa dekade yang akan datang.
1. Bicaralah Dulu
Karena sebagian besar musik Lully adalah untuk opera, ada baiknya mendengarkan bagaimana musik dipengaruhi oleh bunyi syairnya. Musik Barque pada umumnya didasarkan pada retorika, dan musik Prancis tidak terkecuali.
Elizabeth Field, pemain biola Modern dan Barok, yang mengajar di Universitas George Washington, sering kali memperkenalkan gaya tersebut dengan cara ini: “Saya memiliki aria Lully di mana saya memutihkan semua teks dan artikulasi apa pun, jadi tidak ada petunjuk tentang musik apa Saya meminta pemain biola modern untuk ‘memainkannya sehingga terdengar seperti musik,’ dan selalu terdengar seperti Schumann.
Kunjungi Juga SItus Sponsor Blog Kami : http://wmcasino.info/
“Itu mengejutkan mereka ketika saya mengembalikan teksnya dan mereka harus menemukan suku kata dalam musik. Hal yang hebat adalah menyadari bahwa tidak peduli seberapa mirip notasi yang mungkin muncul secara dangkal (yaitu, tiga not seperempat terpisah) setiap saat Hal ini menghasilkan garis panjang retoris yang tidak hanya vokal (yang saya anggap sebagai definisi sebenarnya dari ‘garis panjang’ abad ke-19). Itu mengarah pada gagasan menemukan gerakan yang lebih kecil alih-alih melodi berkelanjutan yang kami hasilkan di musik selanjutnya. “
2. Downbeat? Down bow
Salah satu konsekuensi paling luas dari masa jabatan Lully sebagai konduktor “24 biola Raja” adalah tuntutannya agar semua pemain menggunakan busur yang sama – sesuatu yang dilakukan semua orkestra hari ini. Bentuk busur Baroque membuatnya lebih kuat. busur bawah daripada busur ke atas, dan, menurut kontemporernya Georg Muffat, “Lullists” memainkan nada pertama dari setiap ukuran pada busur bawah, dengan sedikit penekanan pada busur ke atas. Latihan ini paling banyak digunakan di Prancis, tetapi mencapai ke Jerman dan Inggris juga.
“Sangat membantu untuk mencoba mengikuti aturan ketat membungkuk Prancis saat bermain dansa,” kata profesor Yale dan pemain biola Baroque Robert Mealy yang sibuk, “tidak hanya dalam musik Prancis, tetapi dalam musik yang dipengaruhi Prancis seperti Purcell. turun busur, Anda bisa menjatuhkan yang lain di garis bar atau mengambil dua di dalam bar. “
Dalam hitungan tiga kali lambat, coba turun-naik-turun dalam hitungan, ulangi turun pada hitungan berikutnya, yang disukai Prancis untuk dikecilkan ke atas.
“Mereka tidak pernah menggunakan busur bawah secara berurutan di dalam bar,” kata Mealy, “tetapi mereka sering melakukan haluan ke bawah melintasi garis bar – ini menghasilkan gaya angkat dan artikulasi yang luar biasa di garis bar.”
Anda dapat mencoba membungkuk ke bawah pada minuet apa pun di Bach Partita atau Suite.
3. Dapatkan Pegangan
Busur French Baroque lebih pendek daripada busur Italianya dan memiliki artikulasi yang sangat jelas — sempurna untuk gerakan tarian cepat. “Pegang busur modern Anda jauh dari katak” untuk merasakan busur yang lebih kecil dan ringan, “pemain cello Handel dan Haydn Society Reinmar Seidler menyarankan, “Juga, pegangan busur Prancis sangat tidak biasa – ibu jari ditempatkan di bawah busur pendek itu, menekan rambut pada katak, dengan jari-jari di atas. Jika Anda mencoba ini, mungkin sulit tetapi sangat instruktif —Anda akan menemukan satu-satunya tempat untuk mengangkat busur dari senar adalah di katak. Ini cocok dengan artikulasi — akan ada sedikit ejekan. Hindari ejekan hampir sepanjang waktu — karakter tarian membutuhkan artikulasi dan ritme yang tajam. ”
Mealy menambahkan bahwa dalam musik Prancis “aturan umum musik Barok pasti berlaku: semakin kecil intervalnya, semakin halus guratannya — untuk bagian skalar (bahkan salah satu dari sedikit nada) Anda bisa sangat legato, dan kemudian lebih pandai berbicara ketika interval lebih besar. Ikuti lanskap frasa, naik saat naik, turun saat turun. “
4. Ketukan Kuat & Lemah
Dalam musik Baroque Prancis, prinsip ketukan kuat dan lemah dijalankan secara ekstrem: jika Anda memiliki serangkaian nada konjungsi dengan nilai yang sama, mainkan nada busur bawah yang kuat sedikit lebih panjang daripada busur atas yang mengikutinya – ini diketahui sebagai nada di égales — yang memberikan bagian, seperti yang dikatakan Mealy sebagai “infleksi ritme yang halus, berayun, dan fleksibel.”
Cobalah pegangan gaya Prancis itu dan berikan sedikit tekanan pada rambut busur dengan ibu jari Anda pada busur ke bawah, lepaskan pada busur atas. Tiru perasaan itu dengan memegang busur biasa dengan tenggelam dalam gerakan busur ke bawah sedikit lebih dari Anda lakukan untuk haluan atas.
“Pikirkan inégale bukan sebagai long-short (yang biasanya berakhir dengan sesuatu yang tersentak atau putus-putus) tetapi sebagai kuat-lemah,” kata Mealy. “Ini dapat membantu masalah kehabisan busur pada rangkaian ayunan yang panjang nada kedelapan. Ingatlah untuk membuat koreografi busur: seperti halnya pemain biola sering menjadi ahli menari, Anda harus memikirkan menari dengan busur di biola. ”
5. Ornamen & Trills
Musik Prancis sering kali dipenuhi dengan rangkaian getar dan ornamen lainnya, tetapi jangan biarkan hal itu membuat Anda melupakan musiknya! Pahami garis musik tersebut tanpa ornamen terlebih dahulu sebelum memasukkannya. Dan Stepner, pemain biola pertama di Lydian String Quartet dan concertmaster dari Handel and Haydn Society Orchestra, menekankan “pernyataan komposer Jean-Philippe Rameau tentang bagaimana ornamen harus dirasakan (yaitu bermuatan emosional) dan bukan hanya ‘fundamental’.” Dia juga menunjukkan hal itu dalam Piéces de clavecin en concerts, Rameau “memiliki ornamen yang serentak, tetapi berbeda pada garis yang serempak (misalnya, harpsichord kanan dan biola), yang membuat saya percaya bahwa Rameau menginginkan efek corengan, dan bukan yang tepat, super-jelas. Gestur adalah yang penting di sini, bukan presisi. “
Mealy sependapat: “Trills harus ekspresif. Semakin panjang getar, semakin lambat awal dari getar — seharusnya tidak terdengar seperti bel pintu.”
PELAJARI REPERTOIRE PERANCIS DARI ERA BAROK
Pemain biola dan profesor Yale Robert Mealy menyarankan untuk menjelajahi karya-karya Barok Prancis yang hebat ini untuk mengenalkan Anda dengan gayanya.
Cari DVD opera Jean-Philippe Rameau dengan Les Arts Florissants — Une symphonie imaginair (Marc Minkowski dan Les Musiciens du Louvre) dan Suites from Naïs and Le temple de la gloire (Philharmonia Baroque Orchestra). Semuanya hebat, dengan luar biasa pertunjukan luar biasa — mulai dari neo-Baroque hingga hip-hop.
François Couperin’s Les Nations yang direkam oleh Hesperion XXI adalah set trio sonata dan tarian dengan kedalaman dan kefasihan Bach, dimainkan oleh pemain instrumentalis all-star. Juga lihat rekaman mereka tentang trio sonata Les Apotheoses Couperin, yang membayangkan keduanya Lully dan Corelli naik ke surga.
Lihat juga rekaman Boston Early Music Festival dari opera Lully, Psyché and Thésé.
Untuk musik vokal lainnya, coba rekaman Les Arts Florissants tentang Charpentier: David et Jonathas, Medé, atau Actéon.
Mealy berkata bahwa pemain biola harus mencoba sonata biola Leclair, “yang semakin lama semakin sulit: buku keempatnya memiliki beberapa efek biola yang spektakuler. Juga buku duet keduanya untuk dua biola patut ditemukan: jauh lebih sulit dan lebih menarik daripada buku pertama.”
Para pemain cello dapat mempertimbangkan untuk memainkan sonata Joseph Bodin de Boismortier atau Jean-Baptiste Barrière.
Konser Couperin’s Les royaux dan Les goûts-réunis, konser ou nouveaux memberikan pelajaran dalam bahasa Baroque Prancis tingkat tinggi yang dihias dengan indah dan fasih.
Mealy mendesak agar musik ini dalam faksimili “karena ukiran Prancis adalah seni yang tinggi: musiknya dapat dibaca dengan indah, dan Anda tidak perlu mengabaikan penambahan editorial.”
Sebagian besar musik ini dapat dipesan dari sheetmusicplus.com (cari Edisi Fuzeau — faks yang bagus dari aslinya).
Kontribusi Johann Sebastian Bach untuk musik era Barok
Posted on June 21, 2020 September 28, 2020
Kontribusi Johann Sebastian Bach untuk musik era Barok tidak diragukan lagi di antara yang paling penting dalam sejarah. Kemampuannya yang tak tertandingi untuk memadukan teknik, gaya, dan tradisi eklektik mungkin merupakan aspek terpenting dari keahlian komposisinya. Memiliki komposisi musik tujuan sakral dan sekuler, serta dalam banyak genre musik Barok (tidak termasuk opera), J.S. Peran Bach sebagai seorang komposer secara ironis dapat digambarkan sebagai peran “manusia Renaisans.” Sementara keinovatifannya tidak meluas jauh dari teknik dan gaya para pendahulunya dan orang-orang sezamannya (penguasaan gaya-gaya ini yang mengungkap efek inovatif sejatinya pada musik), kemampuannya untuk mengekspresikan dirinya secara emosional tanpa menempelkan musik ke biografinya sendiri. perspektif, keterampilan luar biasa dalam hal menerapkan teknik komposisi, dan afinitasnya untuk infus dan penjajaran karakteristik musik yang tampaknya berbeda adalah penanda paling menonjol dari tempatnya sebagai bisa dikatakan komposer terbesar di era Barok.
Sebuah studi tentang pengaruh Bach pada era yang secara historis mendalam ini dalam komposisi dan ekspresi musik dapat dengan tepat dimulai pada analisis musiknya untuk instrumen keyboard (mis. Organ, harpsichord). Dipengaruhi oleh gaya Dieterich Buxtehude yang monumental dan sangat ornamen, musik Bach untuk keyboard dicontohkan oleh Preludes dan Fugues-nya. Dalam komposisi gaya toccata-nya, Bach mengeksplorasi penjajaran bagian yang sangat kontras ke titik bahwa bagian-bagian ini menjadi gerakan yang berbeda dalam sebuah karya. Sifat semu-improvisasi dari pendahuluan menarik pada komposisi komposer sebelumnya dari Sekolah Clavecin Prancis – yaitu ‘prelude non mesure’ Louis Couperin – dalam adopsi gaya non-imitatif. Namun, gaya ini diperbaiki dengan menjaga musik dalam skema metrik terstruktur. Dengan melakukan itu, Bach memastikan bahwa pendahuluannya kurang esoteris daripada orang-orang sezamannya dalam hal kinerja dan ekspresi emosional; siapa pun dapat bermain dan menafsirkan karyanya, karena makna dan ekspresinya tidak spesifik untuk komposer. Struktur metrik dari gerakan-gerakan ini juga berarti bahwa mereka dapat dengan mudah direproduksi melalui cetak. Sebagai contoh, gerakan pertama “Pendahuluan dan Fugue di C Minor,” berjudul “Das Wohltempiert Klavier” (bahasa Inggris: “Keyboard Tempered”), menggambarkan pengulangan sosok melodi tunggal (dalam bentuk arpeggio) diterapkan pada ritme yang berulang. Teknik ini dikenal sebagai ‘irama motorik,’ dan berfungsi sebagai kontras tekstur di mana tempi juga bervariasi.
Selain dari banyak suite tariannya, Bach biasanya mengkomposisikan pembukaannya sebagai pengantar non-imitatif untuk seorang Fugue. Ungkapan imitatif subjek-dan-eksposisi ini sering bertentangan, dengan cara monumental yang tidak mengejutkan, sifat pendahuluan sebelumnya, dan dalam lebih dari satu kasus diperluas pada struktur imitatif kanon. Contoh dari ekspansi ini terlihat di bagian organnya, “‘Little Fugue’ di G Minor.” Dalam tulisan ini, konsep imitasi eksposisi gaya kanon diubah sehingga subjek dan eksposisi mengambil makna baru ketika konteks musik terlihat jelas secara retrospektif. Seolah-olah aplikasi teknik komposisi yang sangat canggih ini tidak cukup untuk mencerminkan J.S. Keutamaan Bach, “Seni Fugue” -nya (Jerman: “Die Kunst der Fuge”) secara aktif mengarsipkan semua teknik meniru yang mungkin dari musik gaya fugue. Setelah membuat melodi subjek pengantar yang sangat sederhana, ia kemudian menerapkan berbagai perangkat imitatif, seperti inversi, retrograde, retrograde-inversion, dan bahkan teknik yang jauh lebih spesifik seperti ‘stretto.’ Sementara tak lama setelah kematiannya (ia tidak menyelesaikan volume ini) “Seni Fugue” Bach dianggap usang di hadapan ‘stile galant,’ koleksi potongan fugue ini dianggap hari ini sebagai karya komposisi terbesar dari teknik imitasi, dan berfungsi sebagai bukti JS Pentingnya Bach dalam sejarah musik Barat.
French Clavecin School, termasuk komposer berpengaruh seperti Chambonnieres, Couperin, Lully, dan D’Anglebert, bertanggung jawab atas standardisasi Dance Suite selama era Baroque. Bach menggubah karya instrumental dan orkestra solo berdasarkan standardisasi ini. Namun, bakatnya untuk menyempurnakan dan menanamkan teknik komposisi dari banyak sumber dan gaya sekali lagi terlihat jelas dalam karya-karya ini. Untuk suite dansa instrumental solo – yang disiapkan Bach untuk berbagai instrumen mulai dari harpsichord hingga seruling melintang – teknik Prancis dan Italia diadopsi. Sementara Bach berusaha untuk tetap dalam konstruksi Sekolah Clavecin Prancis dalam karya-karya instrumental ini, ia sering mengabstraksi model ini. Pertama, prelude-nya bukan sepenuhnya ‘non mesure,’ tetapi mencerminkan sifat semi-improvisasi dan kadang-kadang menyerupai ekspresi ‘recitativo’. Lebih jauh, Bach mengikuti perintah (secara tidak sengaja) dari pergerakan suite yang ditetapkan oleh penerbit Froeberger dengan mengakhiri setiap suite dengan gerakan ‘gigue’. Jika tidak, gaya suite relatif konservatif karena mereka mengikuti struktur komponis Prancis akhir dan berfokus pada gerakan nuklir dari suite tari, daripada mencerminkan tren kemudian seperti pembubaran gerakan seperti yang dicirikan oleh Couperin’s (‘le grand ‘)’ penahbisan. ‘ Bukti lebih lanjut tentang kepatuhannya pada gaya Prancis terlihat dalam kelalaiannya tentang ‘sarabande’ yang cepat dalam mendukung ‘kuburan sarabande.’ Suite-suite ini tidak semata-mata mencerminkan pengaruh Prancis. Dimasukkannya ‘ganda’ – gerakan berulang dengan penambahan ‘passaggi’ genap – sengaja dirancang untuk meniru teknik komposisi komponis Italia. Secara kumulatif, suite instrumental solo Bach mewakili transisi musik dansa dari yang murni berfokus pada hiburan ke bidang pendengaran dan interpretasi yang serius; bahkan gaya dan teknik paling sederhana dari tarian Sekolah Prancis diuraikan menjadi tantangan intelektual bagi pendengar.
J.S. Bach memang mengarang musik dansa yang sangat kontras dengan sifat konservatif model Prancis di suite orkestranya. Sementara ia hanya menyusun empat dari potongan-potongan ini, semuanya dimulai dengan ‘ouvertures’ (bukti pengaruh Lully berbeda dengan gaya pendahuluan berbasis toccata). Juga, tidak seperti kepatuhannya pada model Prancis tradisional seperti yang terlihat dalam suite instrumental solo, suite orkestra sering menghilangkan, mengganti nama, atau menata ulang banyak gerakan ‘nuklir’ (dicontohkan oleh fakta bahwa potongan-potongan ini tidak pernah termasuk ‘allemande’ sebagai gerakan kedua mereka); keputusan ini menunjukkan bagaimana Bach sebenarnya dipengaruhi oleh ‘le grand’) Couperin. Dengan membandingkan gaya dan judul gerakan mereka, perbedaan ini dapat ditunjukkan melalui karyanya untuk instrumen solo, “Lute Suite No. 1 di E Minor,” dan karya orkestra, “Orchestral Suite No. 3 di D Major.”
Ritornello concerti juga karya yang diadopsi, dikuasai, dan diubah oleh Bach dengan menggabungkan banyak teknik dan gaya. Dalam karya-karya ini, Bach hanya secara longgar mengikuti model umum komposisi konserto: banyak konsertnya cocok dengan tiga model gerakan ritornello, sementara yang lain hanya menerapkan tempi ritornello pada gerakan pertama potongan, dan beberapa gerakan bahkan disusun dalam gaya musik dansa. Sebagai contohnya, mari kita perhatikan tiga gerakan pertama karya itu, “Brandenburg Concerto No. 2.” Gerakan pertama mencerminkan gaya konser ritornello Italia, tetapi bervariasi karena tidak meniru. Alih-alih, melodinya terfragmentasi dan tersebar sedemikian rupa sehingga potongan tidak diputar terlalu lama tanpa merujuk elemen tematik. Gerakan-gerakan berikut sangat bervariasi dari model Italia: gerakan kedua terdiri dari komposisi, dan meniru tempo lambat dan efek tiga meter dari ‘kuburan sarabande’. Tekstur gerakan ini mencakup pintu masuk tema melodi pendek di banyak nada instrumen, dan bahkan menyandingkan tema-tema ini dengan kontra-melodi. Gerakan ketiga mengingatkan kita pada ‘gigue’, yang terdengar riang dan imitatif, tetapi perbandingan berakhir di sana karena penggunaan meteran ganda dan persamaannya dengan struktur subjek-eksposisi fugue. Namun, itu juga bukan fugue, karena fakta bahwa pada satu titik subjek berdiri sendiri dan dilawan oleh melodi polifonik lain. Karya ini sekali lagi menunjukkan kecenderungan Bach untuk meminjam teknik komposisi dari sumber yang berbeda; Penguasaan Bach atas teknik-teknik ini menghasilkan perawatan gaya tradisional yang benar-benar inovatif, meskipun faktanya tidak ada bahan novel yang diperkenalkan.
Akhirnya, perlakuan Bach terhadap musik kantata menunjukkan bukti lebih lanjut tentang pengaruhnya terhadap musik Barok. Sementara mereka biasanya didasarkan pada melodi chorale Lutheran, Bach sering memasukkan karakteristik ‘chorale prelude’ dalam perawatannya terhadap melodi chorale. Bach akan menggunakan melodi dengan gaya cantus firmus; penampilan pertamanya sangat sederhana (untuk membantu mengajar siapa pun yang tidak terbiasa), sementara presentasi berikutnya membuat melodi di latar depan melalui konteks tekstur (dalam bentuk perhentian organ). Selain itu, tekstur polifonik yang dibangun di sekitar melodi chorale sangat kompleks dan ekspresif secara artistik (mis. Gerakan keempat kantata, “Sleepers Awake Calls the Voice”). Mengenai teks chorale, Bach akan menggunakan ‘madrigalisme’ sebagai cara untuk meningkatkan ekspresi libretto suci, bahkan jika tidak ada teks yang dinyanyikan pada saat itu dalam karya tersebut. Ini tampak jelas dalam pendahuluan nyanyiannya, “Kita Seharusnya Sekarang Memuji Kristus.” Untuk iringan vokal dari karya-karya ini, Bach masih mengandalkan teknik komposisi instrumental, seperti ‘urutan’ dan ‘passaggi.’
Karya-karya kolektif Johann Sebastian Bach yang merupakan seniman sangat luar biasa dalam penguasaan teknik dan gaya masa lalu mereka dikombinasikan dengan kemampuan Bach untuk secara impersonal menghubungkan kombinasi inovatif dari teknik-teknik ini di seluruh genre musik yang berbeda. Pengakuannya sebagai komposer terhebat di zaman ini diperoleh dengan baik dan dibuktikan dengan jelas, begitu juga pengaruhnya terhadap komposer-komposer baru dan gaya komposisi novel.
Baca juga : Apa itu Musik Barok Dan Penjelasan Singkatnya
Brian Sullivan menerima gelar sarjana dari Rutgers University, Universitas Negeri New Jersey, di bidang komunikasi, dengan minat khusus dalam komunikasi massa dan studi media. Sebagai bagian dari program ini, Brian juga mempelajari teori musik, sejarah, kinerja, dan dampak musik pada budaya populer kontemporer.
Karakteristik Musik Barok
Posted on March 21, 2020 May 23, 2020
Dalam kasus seni Barat, diikuti oleh Renaissance dan periode Barok diterima secara luas untuk menutupi tahun 1600 hingga 1750, ketika periode klasik dimulai. Apa yang kita temukan ketika kita mencermati karakteristik periode sejarah ini adalah bahwa musik saat ini sebagai perkembangan alami dari yang datang sebelumnya. Banyak bentuk, struktur dan konvensi Renaissance memberikan dasar bagi gaya dan suara barok baru. Pada artikel ini, saya akan menjelaskan secara singkat beberapa fitur utama dari musik Baroque untuk memberi Anda ide tentang apa yang harus didengarkan.
Karakteristik Musik Barok
Bagi banyak orang, kemegahan Barok melambangkan keagungan dan keanggunan. Musik barok adalah favorit untuk acara pernikahan dan perayaan, untuk alasan yang baik. Banyak bagian yang telah menderita sebagai favorit dari cermin Baroque musik kami benar-benar indah dan kemewahan periode ini dan arsitektur seni rupa. Ini berlaku untuk karya-karya sakral dan sekuler dari periode kebesaran dan ornamen bermata bersalah yang selalu menarik.
kami mengenali hari ini dalam musik klasik Barat pada periode Baroque seperti sekarang. The Concerto adalah bentuk musik yang sangat populer dan Concerto Grosso. Faktanya, perbedaan utama antara kedua jenis ini adalah bahwa musik menggubah Concerto Grosso untuk sekelompok solois (Concertino) dan orkestra atau ensemble (ripieno) yang menyertainya, sedangkan konser biasanya satu solois dan orkestra. Jumlah gerakan dapat bervariasi, tetapi secara teratur mengikuti model cepat, lambat, cepat dan sering berdasarkan bentuk tarian Renaissance sebelumnya.
Vivaldi dan Corelli sering dianggap sebagai dua barok yang memberikan kontribusi terbesar pada bentuk musik. Vivaldi mungkin terkenal hari ini untuk penampilan dramatis musim ini di “Quattro Stagioni” atau empat musim. 12 Corelli Concerto Grossi Op. 6 adalah yang terbaik dari periode ini. Corelli juga seorang master dari trio sonata yang lahir dari Renaissance Canzona dengan dua biola dan bersambung.
Tarian sopan yang ditampilkan dalam musik sebelumnya sekarang mulai meletakkan dasar untuk peran penting dalam karya-karya barok. Itu datang dari seluruh Eropa dan dipengaruhi oleh Jerman, Prancis dan Italia dalam ukuran yang sama. Komposer Barok mengambil tarian ini dan mengembangkannya menjadi potongan-potongan di kanan mereka sendiri, tanpa harus menari penari jelas tetap teduh. Tarian Barok Jenderal Renaissance diubah menjadi instrumen “Suites” akan termasuk Jerman, he Usual, Gigue dan Sarabande. Setiap tarian memiliki meteran kontras dan nuansa. Empat Jerman akan moderat sementara Sarabande tiga lambat. J.S Bach English, French and German Suites menggambarkan hal ini secara ringkas.
Seperti setiap periode sejarah, musik instrumental membutuhkan pengembangan panggung utama. Flute, (pendahulu biola modern), cenderung mendukung biola baru yang lebih ekspresif dan dinamis. Ini sebagian besar adalah Catherine Medici, yang mendanai pengembangan instrumen dengan para master seperti instrumen Stradivari yang masih menciptakan semacam karya seniman masa kini. Kuncinya menjadi tulang punggung dari sebagian besar majelis dan dalam hubungannya dengan Celli rendah atau kadang-kadang dua, membentuk apa yang dikenal sebagai kontinu. (Bagian iringan yang mendukung garis melodi memberi harmoni dan ritme). Seruling, obo, sangkakala (tanpa valentine), timbale dan semua anggota dibentuk dari apa yang pada akhirnya akan dikenal sebagai orkestra simfoni hari ini. Seiring kualitas instrumen yang dikembangkan komposer semakin mengeksploitasi rentang dinamis yang lebih besar. musik antiphonal di mana ada perbedaan yang sangat mencolok antara musik duduk dengan lembut melawan kuat, keahlian. Variasi dinamis ini merupakan fitur penting di sebagian besar musik Barok.
Musik paduan suara tidak diabaikan pada periode Barok. musik suci adalah bagian penting dari beban kerja komposer Baroque. Massa, Cantata dan sampai batas tertentu Oratorio sepenuhnya didirikan sebagai pilar komposer besar seperti Bach (Matius Gairah dan massa dalam B minor), Handel (Mesias), Vivaldi (Gloria: RV589). Henry Purcell tidak boleh diabaikan dalam hal musik suci Barok dengan koleksi penting nyanyian pujian dan lagu-lagu pujian. Di sisi lain dari musik vokal Baroque, Purcell juga mulai mengeksplorasi konsep opera. “Dido dan Aeneas” oleh Purcell dianggap oleh banyak orang sebagai contoh pertama dari opera lengkap yang ditulis pada periode tersebut.
Musik keyboard menjadi bagian rutin dari diet untuk musik Barok. Meskipun kuncinya sendiri adalah instrumen yang sangat andal, cepat menyelinap keluar dari nada, banyak potongan yang disusun olehnya dan organ saingannya. Scarlatti, komposer Italia dan menulis secara luas pada keyboard dan menghasilkan serangkaian sonata (kebanyakan satu gerakan) yang mempesona. Karya-karya keyboard Bach yang paling terkenal dapat dianggap sebagai 48 pembuka dan fugues-nya. Banyak dari karya keyboard ini menunjukkan kualitas yang sama pada periode tersebut. Bach fugues adalah bentuk musik yang sangat kompleks dengan garis melodi yang menjalin yang menciptakan tekstur padat dan indah. Dalam istilah musik, ini dikenal sebagai polifonik (banyak suara). Fitur lain dari karya-karya ini adalah tandingannya. Jenis penulisan musik berasal dari kebangkitan di mana jika garis jatuh yang lain naik ke musik pada saat yang sama.
Fitur tambahan yang penting untuk mendengarkan musik Barok adalah urutan dan peniruannya. Urutan kata mengacu pada musik akor tertentu selama bagian umumnya mengikuti pola yang diakui. Ini digunakan untuk mewarnai musik dan kadang-kadang mengubah tombol dengan lancar. Vivaldi mempertimbangkan master ini dan menggunakannya untuk memberikan efek besar pada banyak karyanya. Imitasi dalam musik adalah seperti kata yang disarankan; tiruan, di mana Anda dapat mendengar bagian melodi melalui instrumen atau suara kadang-kadang lainnya sebagai salinan sempurna.
Demikianlah artikel seputar karakteristik musik barok yang bisa kami sampaikan kepada anda.
Baca juga : Sejarah Baroque Music
Sejarah Baroque Music
Posted on February 14, 2020 September 26, 2020
Istilah, “Baroque” mungkin berasal dari bahasa Portugis yang berarti “mutiara yang formatnya tak beraturan”. Seni Barok dianggap terlalu dekoratif, dramatis, flamboyan, dan emosionil. Arsitektur, lukisan, patung, dan musik semuanya memperlihatkan sifat-sifat ini juga.
Bangkitnya monarki memainkan peran penting dalam penciptaan gaya nasional, sebab para raja dan pangeran merupakan di antara yang paling patron dalam kehidupan bermusik yang mewah.
Ada banyak penelusuran ilmiah pada ketika ini: fisiologi, astronomi, matematika dan fisika segala memengaruhi musisi untuk memakai sistem sains untuk persoalan musik, yang mengarah ke pengembangan sistematis teknik-teknik seni musik.
Fungsi Musik
Kian banyak musik religius juga diaplikasikan untuk tujuan non-liturgis; pembuka, penutup, dan sebagainya. Banyak musik yang ditulis memasuki akhir jangka waktu Baroque ditulis untuk pemain amatir di rumah tangga kelas aristokrasi dan kaya. Beberapa besar musik ini berperan, namun musik vokal acap kali dimasukkan. Di rumah tangga aristokrasi, sekelompok kecil musisi memberikan komposisi dan pertunjukan musik makan malam, tarian dan konser ensemble.Tak ada organisasi institusional untuk mendidik seni musik, sehingga siswa (kebanyakan laki-laki) diajari oleh ayah atau kerabat musik mereka sendiri yang terikat pada rumah tangga komposer / pemain.
Praktek dan Performa
Jangka Baroque merupakan jangka waktu di mana seni improvisasi merupakan keperluan tiap pemain. Bagus komposer vokal dan instrumental seringkali cuma “menguraikan” garis melodik dengan kemauan penuh supaya pemain tak cuma menambahkan ornamen, namun juga nada yang melewati, komponen skalar, dan malahan fragmen irama ke irama yang dinotasikan. Dalam Barok kemudian, ornamen cerah dan pesat dari ragam virtuoso diketahui sebagai “coloratura”. Dalam komposisi vokal dan instrumental, pemain diinginkan untuk memperluas ritme, lebih-lebih ritme klimaks di dekat akhir suatu gerakan atau karya, dengan improvisasi yang kompleks. Improvisasi seperti itu kemudian diketahui sebagai “cadenzas”, di mana pemain akan menampakkan keterampilan improvisasi dan teknik mereka. Metode penyeteman yang gampang diaplikasikan secara universal. Temperamen Meantone merupakan yang paling tetap diaplikasikan, namun pada akhir jangka waktu kecenderungan ke arah metode temperamen yang sama lebih disukai sebab praktik modulasi meningkat dari komposer.
Karakteristik Musik yang terlihat
“Tremolo” dan “pizzicato” untuk instrumen dawai; dinamika bertingkat meski dinamika seperti “p”, “f”, “cresc.” dan “redup.” disampaikan dan diaplikasikan dengan hemat; ritme biasanya simpel, namun sungguh-sungguh ketat; pertanda tempo seperti “allegro”, “andante” dan “kuburan” disampaikan ‘penekanan pada homofoni solo berdendang’ disampaikan dan ada bersama dengan polifoni; penunjukan ornamen dengan memakai singkatan dan pertanda-pertanda diaplikasikan banyak – komposer memakai pertanda-pertanda ini untuk menampakkan harapan pribadi mereka dalam ornamen, namun pelaku juga bebas untuk berimprovisasi ornamen mereka sendiri; virtuoso dan “bel canto” (lagu menawan) dengan teknik kemerahan; perubahan ke metode nada mayor / minor; harmoni yang sistematis; chromaticism dan disonance diaplikasikan untuk tekanan; gaya improvisasi, dengan komponen skalar yang pesat, dekorasi, pertunjukan teknik seperti fantasi cuma-cuma; prinsip ragam; frasa yang terang; suasana hati yang tetap di semua komponen musik.
Apa itu Baroque Music?
Posted on January 31, 2020 October 27, 2020
Berasal dari barroco Portugis, atau “mutiara berbentuk aneh,” istilah “baroque” telah banyak digunakan sejak abad kesembilan belas untuk menggambarkan periode musik seni Eropa Barat dari sekitar 1600 hingga 1750. Membandingkan beberapa karya agung terbesar sejarah musik menjadi sebuah mutiara yang cacat mungkin tampak aneh bagi kita hari ini, tetapi bagi kritikus abad kesembilan belas yang menerapkan istilah itu, musik era Bach dan Handel terdengar terlalu dihiasi dan dilebih-lebihkan. Setelah lama melepaskan konotasi yang merendahkan, “barok” sekarang hanyalah tangkapan yang nyaman – semua untuk salah satu periode terkaya dan paling beragam dalam sejarah musik.
Selain memproduksi musik Eropa paling awal yang akrab bagi kebanyakan dari kita, termasuk Canon Pachelbel dan The Four Seasons dari Vivaldi, era Barok juga sangat memperluas cakrawala kita. Penerimaan teori Copernicus abad ke-16 bahwa planet-planet tidak berputar mengelilingi bumi membuat alam semesta menjadi tempat yang jauh lebih besar, sementara karya Galileo membantu kita untuk lebih mengenal kosmos. Kemajuan teknologi, seperti penemuan teleskop, membuat apa yang diyakini terbatas tampak tak terbatas. Pemikir hebat seperti Descartes, Hobbes, Spinoza, dan Locke menangani pertanyaan besar tentang keberadaan. Jenius seperti Rubens, Rembrandt, dan Shakespeare menawarkan perspektif unik melalui karya seni mereka. Negara-negara Eropa semakin terlibat dengan perdagangan luar negeri dan kolonisasi, membawa kita ke dalam kontak langsung dengan bagian-bagian dunia yang sebelumnya tidak dikenal. Dan pertumbuhan kelas menengah baru menghembuskan kehidupan ke dalam budaya artistik yang lama tergantung pada keinginan gereja dan pengadilan.
Siapa komposer Barok utama, dan dari mana asalnya?
Banyak kepribadian terkenal dari bagian pertama periode Barok berasal dari Italia, termasuk Monteverdi, Corelli dan Vivaldi. (Pada pertengahan abad kedelapan belas, fokus kami beralih ke komposer Jerman Bach dan Handel.) Banyak bentuk yang diidentifikasi dengan musik Barok berasal dari Italia, termasuk kantata, konser, sonata, oratorio, dan opera. Meskipun Italia memainkan peran penting dalam pengembangan genre-genre ini, konsep-konsep baru tentang apa artinya menjadi sebuah negara meningkatkan imperatif “gaya nasional.” Perbedaan antara negara-negara sering terdengar dalam musik dari periode itu, tidak hanya dalam cara musik dikomposisi, tetapi juga dalam konvensi kinerja; yang sangat jelas adalah perbedaan antara Italia dan Prancis. Meskipun negara-negara tertentu tampaknya mengklaim bagian yang lebih besar dari pengalaman kami tentang musik Barok hari ini, bagaimanapun, setiap negara memainkan peran. Ketika musisi dan komposer melakukan perjalanan ke seluruh Eropa dan mendengar musik satu sama lain, kebaktian baru yang mereka temui membuat kesan yang halus pada mereka. Beberapa komposer paling terkenal dari periode tersebut meliputi yang berikut:
Italia: Monteverdi, Frescobaldi, Corelli, Vivaldi, Domenico dan Alessandro Scarlatti
Prancis: Couperin, Lully, Charpentier, dan Rameau
Jerman: Praetorius, Schein, Scheidt, Schutz, Telemann, Handel dan Bach
Inggris: Purcell
Apa filosofi musik Barok?
Meskipun satu filosofi tidak dapat menggambarkan 150 tahun musik dari seluruh Eropa, beberapa konsep penting dalam periode Baroque.
Keyakinan pada musik sebagai alat komunikasi yang kuat
Salah satu aliran filosofis utama dalam musik Barok berasal dari minat Renaisans pada ide-ide dari Yunani kuno dan Roma. Orang Yunani dan Romawi percaya bahwa musik adalah alat komunikasi yang kuat dan dapat membangkitkan emosi apa pun pada pendengarnya. Sebagai hasil dari kebangkitan kembali ide-ide ini, komposer menjadi semakin sadar akan kekuatan potensial musik, dan menumbuhkan kepercayaan bahwa komposisi mereka sendiri dapat memiliki efek yang sama jika mereka dengan benar meniru musik kuno. Sebagai sarjana humanis Prancis Artus Thomas menggambarkan pertunjukan di akhir abad keenam belas,
Saya sering mendengar tentang Sieur Claudin Le Jeune (yang, tanpa berharap untuk meremehkan siapa pun, jauh melampaui para musisi di masa lalu dalam pemahamannya tentang hal-hal ini) bahwa ia menyanyikan sebuah lagu (yang ia buat dalam beberapa bagian) … dan ketika udara ini dilatih di sebuah konser pribadi, hal itu menyebabkan seorang pria di sana untuk bergandengan tangan dan mulai bersumpah dengan keras, sehingga tampaknya mustahil untuk mencegahnya menyerang seseorang: ketika itu Claudin mulai menyanyikan lagu lain … yang membuat pria itu setenang sebelumnya. Ini telah dikonfirmasi kepada saya karena oleh beberapa yang ada di sana. Itulah kekuatan dan kekuatan melodi, ritme, dan harmoni dalam pikiran.
Pada 1605, komposer Italia Claudio Monteverdi sebenarnya mendefinisikan praktik “pertama” dan “kedua”: dalam yang pertama, harmoni dan tandingan didahulukan dari teks; dalam hal yang kedua, kebutuhan untuk mengungkapkan makna kata-kata melampaui keprihatinan lain. Dalam barok, semangat latihan kedua — menggunakan kekuatan musik untuk berkomunikasi — yang mendominasi era.
Realitas perlindungan
Setiap diskusi tentang filosofi artistik komposer Baroque harus dibujuk, setidaknya sedikit, oleh kenyataan hidup mereka. Di zaman modern, seniman sering mencari nafkah dengan memproduksi jenis seni yang mereka inginkan. Oleh karena itu, kita sering menganggap seniman — dan tingkat inspirasi artistiknya — sebagai titik awal untuk sebuah karya seni. Namun, sepanjang sebagian besar era Baroque, komposer hanya mendapat penghasilan dari menulis musik jika mereka cukup beruntung untuk menjadi penggajian lembaga politik atau agama. Karena itu, kebutuhan musikal lembaga itu mendikte musik yang dihasilkan komposer. Bach menulis jumlah kantata yang dia lakukan, misalnya, tidak harus karena dia menemukan bentuk inspirasional, tetapi karena tuntutan liturgi gereja Leipzig yang mempekerjakannya. Jika dilihat dalam cahaya ini, musik Barok dapat memberikan jendela yang menarik ke dalam sejarah.
Apa karakteristik musik Barok?
Minat baru pada kemungkinan dramatis dan retoris musik memunculkan banyak cita-cita suara baru di periode Baroque.
Kontras sebagai elemen dramatis Kontras adalah unsur penting dalam drama komposisi Barok. Perbedaan antara keras dan lunak, solo dan ansambel (seperti dalam konser), instrumen dan nada yang berbeda semuanya memainkan peran penting dalam banyak komposisi Barok. Komposer juga mulai lebih tepatnya tentang instrumentasi, sering menentukan instrumen yang harus dimainkan daripada membiarkan pemain memilih. Instrumen brilian seperti trompet dan biola juga semakin populer.
Monodis dan munculnya basso continuo Dalam era musik sebelumnya, sepotong musik cenderung terdiri dari melodi tunggal, mungkin dengan iringan improvisasi, atau beberapa melodi dimainkan secara bersamaan. Tidak sampai periode Baroque konsep “melodi” dan “harmoni” benar-benar mulai diartikulasikan. Sebagai bagian dari upaya untuk meniru musik kuno, komposer mulai kurang fokus pada polifoni rumit yang mendominasi abad kelima belas dan keenam belas dan lebih pada suara tunggal dengan iringan sederhana, atau monodik. Jika musik adalah bentuk retorika, seperti yang ditulis oleh orang-orang Yunani dan Romawi, diperlukan orator yang kuat — dan siapa yang lebih baik untuk pekerjaan itu daripada penyanyi solo vokal? Penggabungan baru antara ekspresi perasaan dan penyanyi solo datang dengan keras dan jelas dalam kata pengantar Monteverdi untuk Combattimento di Tancredi e Clorinda dari Buku Kedelapan Madrigals (1638), di mana ia menulis: “Tampaknya bagi saya bahwa Gairah atau kasih sayang utama pikiran kita ada tiga, yaitu kemarahan, keseimbangan batin, dan kerendahan hati. Para filsuf terbaik setuju, dan sifat dasar suara kita, dengan rentang tinggi, rendah dan menengahnya, akan menunjukkan hal yang sama. ”Opera-opera paling awal adalah ilustrasi yang sangat bagus tentang estetika baru ini.
Seiring dengan penekanan pada melodi tunggal dan garis bass muncul praktik basso continuo, metode notasi musik di mana melodi dan garis bass dituliskan dan pengisi harmonik ditunjukkan dalam jenis steno. Seperti yang dijelaskan oleh musisi Italia Agostino Agazzari pada 1607:
Karena gaya pengungkapan kata-kata yang sebenarnya akhirnya ditemukan, yaitu, dengan mereproduksi indra mereka dengan cara terbaik, yang berhasil dengan suara tunggal (atau tidak lebih dari beberapa), seperti di udara modern oleh berbagai kalangan. laki-laki, dan seperti latihan konstan di Roma dalam musik bersama, saya katakan bahwa tidak perlu membuat skor … Bass, dengan tanda-tanda harmoni, sudah cukup. Tetapi jika seseorang mengatakan kepada saya bahwa, untuk memainkan karya-karya lama, penuh dengan fugue dan tandingan, Bass tidak cukup, jawaban saya adalah bahwa karya-karya vokal semacam ini tidak lagi digunakan.
Karena basso continuo, atau bass menyeluruh, tetap menjadi latihan standar hingga akhir periode Baroque, era ini kadang-kadang dikenal sebagai “zaman bass menyeluruh”.
Suara instrumental yang berbeda
Setelah diabaikan selama beberapa dekade, musik Barok telah menjadi semakin populer selama lima puluh tahun terakhir. Sebagai bagian dari ketertarikan baru ini, para cendekiawan dan musisi telah menghabiskan waktu berjam-jam untuk mencari tahu bagaimana musik itu terdengar bagi audiens abad ke 17 dan 18. Meskipun kami tidak akan pernah dapat menciptakan kembali kinerja dengan tepat, pekerjaan mereka telah menggali beberapa perbedaan utama antara Barok dan ansambel modern:
Pitch: Pada tahun 1939, orkestra modern setuju untuk menyetel ke a ‘= 440 hz (nada A bernada pada 440 siklus per detik), yang menggantikan nada yang sebelumnya lebih rendah (a’ = 435 hz) diadopsi pada tahun 1859. Namun sebelum tahun 1859, ada tidak ada standar nada. Oleh karena itu, nada yang disetel oleh ansambel Barok sangat bervariasi pada waktu dan tempat yang berbeda. Akibatnya, musik yang dinotasikan pada skor mungkin terdengar sebanyak setengah nada lebih rendah daripada bagaimana biasanya dilakukan hari ini. Dalam upaya untuk memungkinkan perbedaan ini, banyak ansambel barok menyesuaikan penyetelan mereka dengan repertoar yang dilakukan: a ‘= 415 hz untuk musik barok akhir, a’ = 392 hz untuk musik Prancis, a ‘= 440 hz untuk musik Italia awal dan a’ = 430Hz untuk repertoar klasik.
timbre: Meskipun sebagian besar instrumen dalam ansambel barok sudah dikenal, ada beberapa anggota terkemuka yang tidak lagi ditampilkan dalam ansambel modern. Harpsichord adalah instrumen keyboard utama (dan anggota penting dari grup contino), dan instrumen penting di abad ke-16 dan ke-17 seperti kecapi dan kekerasan, masih terus digunakan. Variasi dalam instrumen yang masih populer saat ini juga memberi ansambel barok suara yang berbeda. Instrumen dawai seperti biola, viola, dan cello menggunakan dawai daripada dawai yang dibalut dengan logam yang dirangkai hari ini, misalnya, memberi mereka nada yang lebih lembut dan lebih manis.
teknik kinerja: Skor barok mengandung sedikit (jika ada) informasi tentang elemen-elemen seperti artikulasi, ornamen atau dinamika, dan karenanya ansambel modern perlu membuat pilihan berdasarkan informasi mereka sendiri sebelum setiap pertunjukan. Perbedaan mekanis antara instrumen barok dan modern juga menunjukkan bahwa instrumen yang lebih tua akan terdengar berbeda, sehingga ansambel seperti Music of the Baroque sering menyesuaikan teknik mereka untuk memungkinkan ini. Karena barok dan busur modern secara struktural berbeda, misalnya, pemain string yang menggunakan busur modern sering menggunakan serangan yang lebih lembut pada string dan crescendos dan diminuendo pada not yang lebih panjang. Risalah kinerja abad ke-17 dan ke-18 juga menyiratkan bahwa jari vibrato (teknik di mana pemain string menggetarkan ujung jari pada string untuk memperkaya nada) digunakan dengan hemat untuk momen-momen ekspresif, sementara bow vibrato (gerakan busur yang bergelombang) umumnya lebih disukai.
Bentuk musik apa yang datang untuk mendefinisikan era barok?
Sementara bentuk-bentuk dari era sebelumnya terus digunakan, seperti motet atau tarian tertentu, minat terhadap musik sebagai bentuk retorika memicu perkembangan genre baru, khususnya di bidang musik vokal. Banyak bentuk yang terkait dengan era Barok datang langsung dari dorongan dramatis baru ini, terutama opera, oratorio, dan kantata. Dalam dunia musik instrumental, gagasan kontras dan keinginan untuk menciptakan bentuk-bentuk skala besar memunculkan konser, sonata, dan rangkaian.
Musik vokal
Opera: Drama yang dinyanyikan terutama, disertai dengan instrumen, dan disajikan di atas panggung. Opera biasanya bergantian antara lagu resitatif, seperti bicara yang memajukan plot, dan arias, lagu di mana karakter mengekspresikan perasaan pada titik-titik tertentu dalam aksi. Chorus dan tarian juga sering dimasukkan. Munculnya genre pada pergantian abad ketujuh belas sering dikaitkan dengan kegiatan sekelompok penyair, musisi dan cendekiawan di Florence sekarang dikenal sebagai Florentine Camerata. Opera pertama yang masih hidup adalah Jacopo Peri’s Dafne, berdasarkan libretto oleh Ottavio Rinuccini dan dilakukan di Florence pada 1598; opera paling awal yang masih dilakukan hingga hari ini adalah Orfeo karya Claudio Monteverdi (1607). Subjek dari opera pertama diambil dari mitos Yunani, yang mencerminkan aliansi dekat genre dengan upaya untuk menciptakan kembali musik dan drama budaya kuno, dan dilakukan semata-mata dalam lingkaran aristokrat untuk tamu undangan.
Ketika rumah opera publik pertama dibuka di Venesia pada tahun 1637, genre ini diubah agar sesuai dengan preferensi penonton. Penyanyi solo mengambil semacam status selebritis, dan sebagai hasilnya, penekanan yang lebih besar diberikan pada aria. Resitatif tumbuh kurang penting, dan paduan suara dan tarian hampir menghilang dari opera Italia. Realita finansial dari pementasan produksi opera yang sering juga berpengaruh. Efek panggung spektakuler yang terkait dengan opera di pengadilan sangat diremehkan, dan libretto dibangun untuk mengambil keuntungan dari perangkat stock scenic. Pada awal abad ke-18 (khususnya di Naples), dua subgenre opera menjadi jelas: opera seria, di mana fokusnya adalah pada subjek yang serius dan da capo aria, dan opera buffa, yang memiliki nada lebih ringan, bahkan komik dan kadang-kadang duet bekas, trio, dan ansambel yang lebih besar. Tradisi opera Italia secara bertahap mendominasi sebagian besar negara Eropa. Namun, pada akhir abad ke-17 Prancis, Jean-Baptiste Lully kelahiran Italia dan pustakawan Philippe Quinault menciptakan opera versi Prancis yang dikenal sebagai tragédie-lyrique.
Oratorio: drama musikal yang diperluas dengan teks berdasarkan materi pelajaran agama, dimaksudkan untuk pertunjukan tanpa pemandangan, kostum atau aksi. Oratorio awalnya berarti aula doa, sebuah bangunan yang terletak berdekatan dengan sebuah gereja yang dirancang sebagai tempat untuk pengalaman keagamaan yang berbeda dari liturgi. Meskipun ada preseden akhir abad keenam belas untuk oratorio dalam motet dan repertoar madrigal, oratorio sebagai genre musik yang berbeda muncul di tengah-tengah akustik luar biasa dari ruang-ruang ini pada awal 1600-an. Pada pertengahan abad ke-17, oratorio dilakukan di istana dan teater publik dan tumbuh semakin mirip dengan opera, meskipun subjek, pembagian menjadi dua bagian (bukan tiga tindakan) dan tidak adanya aksi bertahap masih membedakannya. Beberapa komposer yang terkait dengan genre di Italia termasuk Giocomo Carissimi, Alessandro Scarlatti dan Antonio Vivaldi. Oratorio semakin populer di bagian lain Eropa. Di Jerman Protestan, musik dramatis yang digubah untuk digunakan di gereja Lutheran lambat laun menyatu dengan unsur-unsur oratorio, terutama dalam penyertaan teks-teks non-Alkitab. Gairah oratorio, demikian sebutannya, memuncak dalam karya-karya besar J. S. Bach. Contoh terkenal lainnya di luar Italia termasuk oratorios Inggris dari George Frideric Handel, yang mempopulerkan genre ini di London sebagai akibat dari ketidaksukaan Inggris terhadap opera Italia. Karya-karya seperti Mesias, Israel di Mesir, dan Yudas Maccabeus tetap menjadi favorit penonton hingga hari ini.
Cantata: sepotong diperpanjang yang terdiri dari suksesi resitasi dan mengatur potongan-potongan seperti arias, duet dan paduan suara. Berasal di Italia awal abad ke-17, kantata dimulai sebagai karya sekuler yang disusun untuk suara solo dan basso continuo, kemungkinan besar dimaksudkan untuk pertunjukan di pertemuan sosial pribadi. Banyak dari karya-karya ini diterbitkan, menunjukkan bahwa mereka dilakukan oleh musisi profesional dan amatir. Pada pertengahan abad kantata diterbitkan lebih jarang, menunjukkan bahwa pertunjukan semakin banyak dilakukan oleh para profesional. Pada akhir abad ke-17, kantata mulai menggabungkan da capo aria dan sering disertai iringan orkestra. Komponis besar dalam genre cantata Italia termasuk Luigi Rossi, Antonio Cesti, Alessandro Stradella, dan pada paruh pertama abad ke-18 Alessandro Scarlatti, Handel, Benedetto Marcello dan Johann Adolf Hasse. Di luar Italia, genre yang berkembang dari motet Lutheran mulai menggabungkan banyak unsur cantata Italia, terutama teknik ekspresi dramatis seperti resitatif dan aria. Banyak cantata Bach menunjukkan pengaruh luas dari rekan-rekan Italia mereka.
Musik instrumental
Sonata: Digunakan untuk menggambarkan beberapa jenis karya di era barok, istilah sonata paling sering digunakan untuk beberapa gerakan untuk satu atau lebih instrumen (paling sering biola) dan bassocontinuo; sonata untuk dua biola atau instrumen treble lainnya plus bass biasanya disebut trio sonata. Pada 1650-an, sonata sering diklasifikasikan baik sebagai sonata da chiesa (“gereja sonata”), biasanya terdiri dari empat gerakan bergantian antara tempo lambat dan cepat dan dilakukan di gereja, atau kamera sonatas da (“kamar sonata”), yang terdiri dari serangkaian tarian yang mirip dengan suite. Contoh kedua jenis ini dapat ditemukan pada karya-karya Corelli di akhir abad ke-17. Pada abad ke-18, Telemann, Bach, dan Handel menulis banyak sonata yang meniru Sonata da chiesa Corelli. Naiknya keunggulan sonata solo untuk instrumen keyboard dimulai pada akhir periode barok, termasuk untuk organ (Bach) dan harpsichord (Handel, Domenico Scarlatti). Contoh terkenal lainnya dari sonata solo termasuk karya Bach untuk biola dan cello tanpa pendamping.
Concerto: Berasal dari concertare Italia (untuk bergabung bersama, bersatu), concerto mengambil beberapa bentuk selama era barok. Sampai awal abad ke-18, sebuah konser hanyalah sebuah komposisi yang menyatukan ansambel beragam yang terdiri dari suara, instrumen, atau keduanya. Karya sakral untuk suara dan instrumen sering disebut concerto, sementara karya sekuler serupa umumnya disebut arie (udara), cantatas, atau musiche. Sementara concerto suci berskala besar dapat ditemukan dalam karya-karya Claudio Monteverdi, komposisi yang lebih intim untuk satu hingga empat suara, kontinu dan instrumen solo tambahan jauh lebih umum. Di Jerman, contoh-contoh indah dari konser suci dapat ditemukan dalam karya-karya Johann Hermann Schein, Michael Praetorius, Samuel Scheidt dan Heinrich Schütz (khususnya Kleine geistliche Concerte, atau “Small Sacred Concertos”, tahun 1636-39).
Kemudian pada abad ketujuh belas, konser mulai mengasumsikan definisi modernnya: karya multimovement untuk solois instrumental (atau kelompok solois) dan orkestra. Mengambil isyarat dari canzonas dan sonata dari akhir abad keenam belas dan ketujuh belas, yang menggunakan kelompok-kelompok instrumen yang kontras untuk efek yang besar, concerto grosso mengganti kelompok kecil solois dengan ansambel yang lebih besar. Karya-karya Corelli, khususnya Op. 6 koleksi, mungkin memberikan contoh-contoh paling terkenal dari akhir abad ke-17 concerto grosso. Sementara karya-karya Corelli ditiru di abad ke-18, terutama di Handel’s Op. Dalam 6 koleksi, banyak contoh abad ke-18 dari concerto grosso menunjukkan semakin meningkatnya pengaruh solo concerto (misalnya, Brandenburg Concertos dari J. S. Bach).
Jenis konser yang paling dominan di abad ke-18 adalah konser solo, yang menampilkan instrumen tunggal yang kontras dengan ansambel. Komposer solo konser paling produktif adalah Antonio Vivaldi, yang menulis sekitar 350 dan membentuk bentuk tiga-gerakan standar konser (dua gerakan luar cepat, satu gerakan tengah dalam tempo lebih lambat). Sementara sebagian besar concerto solo ditulis untuk biola, concerto terompet juga populer, dan concerto juga dikomposisikan untuk cello, oboe, seruling dan bassoon. Pada 1730-an, Handel menulis 16 organ concerto, dan Bach juga menggubah beberapa concerto untuk harpsichord sekitar waktu yang sama (sebagian besar adalah pengaturan karya yang sudah ada sebelumnya).
Suite: Berdasarkan pada pasangan tradisional tarian di Renaissance, suite adalah karya multi-gerakan pertama untuk instrumen. Suite ini pada dasarnya adalah serangkaian tarian dalam kunci yang sama, sebagian besar atau semua dari mereka dalam bentuk dua bagian. Sekitar pertengahan abad ke-17 di Jerman urutan allemande, courante, sarabande dan gigue menjadi relatif standar, meskipun gerakan tarian lainnya, seperti allemandes tambahan atau courantes, bourreés, gavottes dan minuets, sering dimasukkan. Sebagian besar suite juga dimulai dengan gerakan pengantar seperti pendahuluan, ouverture, atau fantasia. Bagi banyak komponis barok, tarian-tarian yang berbeda mewujudkan karakter-karakter tertentu. Dalam bukunya Der volkommene Capellmeister (Direktur Musik Lengkap), 1739, ahli teori Jerman Johann Mattheson memberikan daftar karakter masing-masing tarian: minuet adalah “keriangan sedang,” gavotte “kegembiraan gembira,” bourreé “puas,” sang courante “ harapan, “sarabande” ambisi “dan pertunjukan itu bisa menandakan sejumlah emosi mulai dari kemarahan hingga kegembiraan. Suite Baroque dinilai untuk instrumen solo maupun orkestra; yang ditulis untuk satu atau dua instrumen melodi dan kadang-kadang disebut sonata da camera. Suite Perancis untuk keyboard kadang-kadang disebut ordres (seperti dalam karya François Couperin, yang memasukkan banyak gerakan non-tarian termasuk sketsa karakter evokatif personel pengadilan.
Bagaimana rasanya menghadiri konser di era barok?
Di zaman modern, pergi ke konser adalah acara. Kami mendengar iklan di radio atau melihat daftar di surat kabar; kami membeli tiket; kami pergi ke gedung konser dan duduk dengan tenang sampai tiba saatnya untuk bertepuk tangan. Di era barok, konser publik semacam ini jarang terjadi. Banyak komposisi barok paling terkenal dilakukan di gereja-gereja untuk suatu kebaktian, atau sebagai bagian dari konser pribadi atau perayaan di rumah pelindung kaya. Namun, selama barok itu, pertunjukan publik menjadi lebih umum, terutama dalam genre opera dan oratorio, dan tradisi konser modern kami mulai menyatu di banyak kota di Eropa. Seperti Roger North menggambarkan pertunjukan di salah satu seri konser paling awal, yang diselenggarakan di London pada 1670-an:
Upaya pertama rendah: proyek Banister [John] lama, yang merupakan biola yang baik, dan komposer teater. Dia membuka ruang tak dikenal di rumah publik di biara Putih; mengisinya dengan meja dan kursi, dan membuat kotak samping dengan tirai untuk musik. Kadang-kadang permaisuri, kadang-kadang solo, dari biola, flageolet, bass viol, kecapi dan lagu all’Italiana, dan varietas semacam itu mengalihkan perusahaan, yang membayar saat masuk. Satu shilling sepotong, panggilan untuk apa yang Anda suka, bayar perhitungannya, dan selamat datang Tuan-tuan.
Munculnya konser publik membuat kelas menengah yang berkembang menjadi sumber pendapatan penting bagi musisi. Pada akhir barok, subset sosial ini telah menjadi pelindung musik hampir sama kuatnya dengan gereja atau pengadilan.
Apa yang terjadi setelah periode barok?
Pada pertengahan abad kedelapan belas, gagasan barok tentang musik sebagai bentuk retorika sedang diserang. Musik memiliki kekuatan yang luar biasa kuat untuk mengekspresikan konsep yang paling sulit sekalipun — tetapi hanya dalam bentuknya yang paling “alami”, di mana era barok seolah-olah kacau. Seperti yang dikatakan Johann Adolph Scheibe tentang J. S. Bach pada 1737,
Pria hebat ini akan menjadi kekaguman seluruh bangsa jika dia membuat lebih banyak kemudahan, jika dia tidak menghilangkan unsur alami dalam karya-karyanya dengan memberi mereka gaya yang turgid dan bingung, dan jika dia tidak menggelapkan kecantikan mereka dengan kelebihan seni . Karena dia menilai berdasarkan jari-jarinya sendiri, potongan-potongannya sangat sulit dimainkan; karena ia menuntut agar penyanyi dan instrumentalis harus mampu melakukan dengan tenggorokan dan instrumen mereka apa pun yang dapat ia mainkan pada clavier, tetapi ini tidak mungkin … Turgiditas telah membawanya [dari] ke alam, buatan, dan dari tinggi ke suram ; dan … seseorang mengagumi kerja keras dan usaha yang tidak biasa – yang, bagaimanapun, sia-sia digunakan, karena mereka bertentangan dengan Alam.
Desakan Scheibe pada kejelasan dan kemudahan kinerja mengisyaratkan perubahan besar dalam estetika musik: sepanjang caciannya, wasit terakhir dari rasa bukanlah Plato atau Aristoteles, tetapi pada akhirnya pendengar dan pemain itu sendiri. Penekanan baru pada ekspresi melodi langsung dan arsitektur musik yang jernih ini menunjukkan jalan menuju periode klasik, zaman Mozart dan Haydn.
Era barok di zaman modern
Meskipun periode barok berakhir lebih dari 250 tahun yang lalu, sisa-sisa era dapat didengar di mana-mana. Beberapa komposisi yang paling berpengaruh dan dicintai secara teratur dilakukan di ruang konser, dan banyak rekaman membuat barok tersedia sesuai permintaan. Banyak genre musik yang masih digunakan sampai sekarang, seperti oratorio, concerto, dan opera, berasal dari masa itu. Komposer abad kedua puluh seperti Ralph Vaughn Williams, Igor Stravinsky dan Benjamin Britten memberi penghormatan kepada baroque dalam karya-karya mereka. Pengaruhnya bahkan dapat didengar di luar bidang musik seni: gerakan bebas antara solo dan grup dalam jazz kadang-kadang dibandingkan dengan musik barok, dan cuplikan Bach dan Vivaldi sering muncul dalam solo gitaris heavy metal. Dan semangat barok – keyakinan teguh pada kekuatan musik untuk menyentuh kehidupan orang-orang – mengubah sejarah musik selamanya.
Apa itu Musik Barok dan Penjelasan Singkatnya
Posted on January 18, 2020 August 29, 2020
Apa itu “barok,” dan kapan periode Barok?
Berasal dari barroco Portugis , atau “mutiara berbentuk aneh,” istilah “baroque” telah banyak digunakan sejak abad kesembilan belas untuk menggambarkan periode dalam musik seni Eropa Barat dari sekitar 1600 hingga 1750 .
Membandingkan beberapa karya terbesar sejarah musik dengan mutiara yang cacat mungkin tampak aneh bagi kita hari ini, tetapi bagi para kritikus abad kesembilan belas yang menerapkan istilah itu, musik era Bach dan Handel terdengar terlalu dihiasi dan dibesar-besarkan. Setelah lama melepaskan konotasi yang merendahkan, “barok” sekarang hanyalah tangkapan yang nyaman – semua untuk salah satu periode terkaya dan paling beragam dalam sejarah musik.
Selain memproduksi musik Eropa paling awal yang akrab bagi kebanyakan dari kita, termasuk Pachelbel’s Canon dan The Four Seasons dari Vivaldi ., era Barok juga sangat memperluas cakrawala kita. Penerimaan teori Copernicus abad ke-16 bahwa planet-planet tidak berputar mengelilingi bumi menjadikan alam semesta tempat yang jauh lebih besar, sementara karya Galileo membantu kita untuk lebih mengenal kosmos.
Kemajuan teknologi, seperti penemuan teleskop, membuat apa yang diyakini terbatas tampak tak terbatas. Pemikir hebat seperti Descartes, Hobbes, Spinoza, dan Locke menangani pertanyaan besar tentang keberadaan. Genius seperti Rubens, Rembrandt, dan Shakespeare menawarkan perspektif unik melalui karya seni mereka. Negara-negara Eropa semakin terlibat dengan perdagangan luar negeri dan kolonisasi, membawa kita ke dalam kontak langsung dengan bagian-bagian dunia yang sebelumnya tidak dikenal.
Siapa komposer Barok utama, dan dari mana asalnya?
Banyak kepribadian terkenal dari bagian pertama periode Barok berasal dari Italia, termasuk Monteverdi , Corelli dan Vivaldi . (Pada pertengahan abad kedelapan belas, fokus kami beralih ke komposer Jerman Bach dan Handel.) Banyak bentuk yang diidentifikasi dengan musik Barok berasal dari Italia, termasuk kantata, konser, sonata, oratorio, dan opera. Meskipun Italia memainkan peran penting dalam pengembangan genre-genre ini, konsep-konsep baru tentang apa artinya menjadi sebuah negara meningkatkan imperatif “gaya nasional.”
Perbedaan antara negara-negara sering terdengar dalam musik dari periode itu, tidak hanya dalam cara musik dikomposisi, tetapi juga dalam konvensi kinerja; yang sangat jelas adalah perbedaan antara Italia dan Prancis. Meskipun negara-negara tertentu tampaknya mengklaim bagian yang lebih besar dari pengalaman kami tentang musik Barok hari ini, bagaimanapun, setiap negara memainkan peran. Ketika para musisi dan komposer melakukan perjalanan ke seluruh Eropa dan mendengar musik satu sama lain, kebaktian baru yang mereka temui membuat kesan yang halus pada mereka.
Italia: Monteverdi, Frescobaldi, Corelli, Vivaldi, Domenico dan Alessandro Scarlatti
Prancis: Couperin, Lully, Charpentier, dan Rameau
Jerman: Praetorius, Schein, Scheidt, Schutz, Telemann, Handel dan Bach
Inggris: Purcell
Apa filosofi musik Barok?
Meskipun satu filosofi tidak dapat menggambarkan 150 tahun musik dari seluruh Eropa, beberapa konsep penting dalam periode Baroque.
Kepercayaan pada musik sebagai alat komunikasi yang kuat.
Sumber Foto : www.depoxito.com
Salah satu aliran filosofis utama dalam musik Barok berasal dari minat Renaisans terhadap ide-ide dari Yunani dan Roma kuno. Orang Yunani dan Romawi percaya bahwa musik adalah alat komunikasi yang kuat dan dapat membangkitkan emosi apa pun pada pendengarnya.
Sebagai hasil dari kebangkitan kembali ide-ide ini, komposer menjadi semakin sadar akan kekuatan potensial musik, dan menumbuhkan kepercayaan bahwa komposisi mereka sendiri dapat memiliki efek yang sama jika mereka dengan benar meniru musik kuno. Sebagai sarjana humanis Perancis Artus Thomas menggambarkan pertunjukan di akhir abad keenam belas,
Pada 1605, komposer Italia Claudio Monteverdi sebenarnya mendefinisikan praktik “pertama” dan “kedua”: dalam yang pertama, harmoni dan tandingan didahulukan dari teks; dalam hal yang kedua, kebutuhan untuk mengungkapkan makna kata-kata melampaui keprihatinan lain. Dalam barok, semangat latihan kedua — menggunakan kekuatan musik untuk berkomunikasi — yang mendominasi era.
Realitas perlindungan
Setiap diskusi tentang filosofi artistik komposer Baroque harus diatasi, setidaknya sedikit, oleh kenyataan hidup mereka. Di zaman modern, seniman sering mencari nafkah dengan memproduksi jenis seni yang mereka inginkan. Karena itu, kita sering menganggap seniman — dan tingkat inspirasi artistiknya — sebagai titik awal untuk sebuah karya seni.
Namun, sepanjang sebagian besar era Baroque, komposer hanya mendapat penghasilan dari menulis musik jika mereka cukup beruntung untuk menjadi penggajian lembaga politik atau agama. Oleh karena itu, kebutuhan musikal lembaga itu menentukan musik yang dihasilkan komposer. Bach menulis jumlah kantata yang dia lakukan, misalnya, tidak harus karena dia menemukan bentuk inspirasional, tetapi karena tuntutan liturgi gereja Leipzig yang mempekerjakannya.
Lihat Juga : Biografi Musik Chopin & Pengontrolan Format Baroque Skala Besar
Kenali Manfaat Dari Mendengarkan Musik Barok Untuk Kesehatan
Posted on December 23, 2019 May 23, 2020
Jika Anda ingin berolahraga kekuatan fisik, olahraga. Tetapi jika Anda ingin meningkatkan kekuatan otak Anda, dengarkan musik barok. Mengapa? Karena manfaat mendengarkan musik barok untuk otak dan kesehatan tubuh secara keseluruhan, sangat besar.
Musik barok, dianggap mampu membantu menghilangkan stres, mereka membuat kita merasa lebih energik, dan bahkan dapat membantu menghilangkan rasa sakit. Siapa sangka, pemeliharaan kesehatan bisa dilakukan dengan cara yang menyenangkan.
Mental untuk kesehatan fisik, ini dia penjelasan lebih lengkap tentang manfaat mendengarkan musik barok untuk tubuh kita.
1. Membantu mengurangi stres
Anda mungkin sering mengalami, ketika Anda stres dan kemudian mendengarkan lagu favorit, pikiran dan kemudian secara bertahap menjadi lebih tenang. Ini bukan kebetulan dan ada penjelasan ilmiah di baliknya.
Mendengarkan musik barok, ternyata bisa mengurangi kadar kortisol dalam tubuh. Kortisol adalah hormon yang bertanggung jawab dalam merespons stres.
Musik barok juga dapat memengaruhi aktivitas fisiologis dalam tubuh, seperti detak jantung, suhu tubuh, dan tekanan darah.
Musik barok dengan irama lambat, dianggap mengurangi jumlah detak jantung, laju pernapasan, dan tekanan darah. Sementara itu, musik yang bergerak cepat memiliki efek sebaliknya.
2. Meringankan Gangguan Kecemasan
Bagi orang-orang yang memiliki riwayat mengalami gangguan kecemasan ringan hingga parah, mendengarkan musik dapat membuatnya lebih santai. Karena musik bisa menjadi pengalih perhatian yang baik.
Manfaat mendengarkan musik pasien kanker ini yang sedang menjalani perawatan juga dirasakan. Dengan musik, pasien merasa lebih tenang, sehingga komunikasi dengan orang-orang terdekat mereka selama perawatan bisa lebih lancar.
Musik juga dapat meningkatkan kenyamanan selama perawatan kanker, membuat suasana pengobatan lebih baik.
3. Meningkatkan kemampuan kognitif
Mendengarkan musik dan memainkan alat musik berkaitan erat dengan peningkatan fungsi kognitif dan intelektual.
Karena itu, ketika kita mengerjakan sesuatu yang kognitif seperti menulis atau membaca, tidak ada yang hilang untuk dilakukan saat mendengarkan musik.
4. Baik untuk diet
Manfaat mendengarkan musik dalam hal ini tidak diharapkan. Diet dan musik dapat dihubungkan, karena melalui aktivitas mendengarkan musik dengan ritme yang lambat dan pencahayaan yang ringan, kita akan merasa lebih rileks. Karena itu, kita akan makan lebih lambat dan dengan cepat memperhatikan rasa kenyang.
5. Dapat menghilangkan rasa sakit
Meskipun hubungan antara musik dan hilangnya rasa sakit tidak jelas, para ahli percaya ini ada hubungannya dengan produksi opiat di otak.
Opioid adalah komponen di otak yang dapat bertindak sebagai penghilang rasa sakit alami.
6. Meningkatkan daya ingat
Bagi sebagian orang, belajar sambil mendengarkan musik dapat membuatnya lebih mudah untuk mengingat topik pelajaran. Tentu saja, ini tergantung pada jenis musik dan selera masing-masing orang.
Shutterstock memainkan ilustrasi musik ilustrasi musik
7. tidur lebih nyenyak
Menggunakan terapi musik dianggap efektif dalam mengurangi gangguan tidur seperti insomnia. Mendengarkan musik klasik yang rileks, Anda bisa membuat tidur lebih nyenyak.
8. Meningkatkan mood
Baik itu musik klasik, dangdut, atau pop, mendengarkan lagu-lagu favorit, itu telah terbukti meningkatkan mood.
Sebab, mendengarkan musik favorit akan memicu pelepasan dopamin dalam tubuh. Dopamin adalah bahan kimia yang menyebabkan kesenangan dan kebahagiaan.
9. Membantu mengurangi gejala depresi
Bagi penderita depresi, mendengarkan musik klasik dan musik yang digunakan untuk meditasi dapat memiliki efek yang baik pada suasana hati. Sementara itu, jenis musik, seperti metal dan techno, tidak efektif dalam menghilangkan gejala depresi.
10. Tingkatkan resistensi
Berolahraga sambil mendengarkan musik akan membuat kita lebih antusias dan menentang. Ketika dieksekusi, misalnya, pilih musik, di mana langkahnya dapat dilanjutkan.
Itu selain berjalan, akan menjadi lebih bersemangat, perlawanan mereka juga bagus. Karena itu, kita bisa berolahraga lebih lama. Jenis musik apa yang efektif untuk memberikan manfaat kesehatan?
Tren saat ini adalah bahwa musik dengan kecepatan cepat digunakan untuk olahraga dan musik dengan kecepatan lambat digunakan untuk relaksasi.
Jika Anda cocok dengan pola ini, silakan ikuti. Tetapi jika tidak, Anda bebas memilih yang lain.
Penggunaan musik sebagai terapi adalah masalah selera dan tidak selalu sama. Mungkin Anda termasuk di antara mereka yang merasa lebih santai ketika mendengarkan musik rock, dibandingkan dengan ketika mendengarkan musik klasik.Atau lebih tepatnya, mendengarkan musik rock hanya membuat suasana hatinya lebih buruk.


content:
Indramayu - Puncak peringatan Hari Pers Nasional (HPN) ke-64 tingkat Kabupaten Indramayu berlangsung semarak yang diramaikan oleh sepeda santai Bupati Indramayu dengan para pejabat, insan pers, dan komunitas sepeda ontel serta pagelaran musik dangdut yang dipusatkan di Water Park Bojongsari.
Dengan mengambil start di depan kantor PWI para peserta sepeda menyusuri jalan S.Parman, Jend. Sudirman, Gatot Subroto, Suprapto, dan finish di objek wisata Water Park. Bupati Indramayu DR. H. Irianto MS. Syafiuddin berada pada barisan terdepan yang kemudian disusul oleh ketua Tim Penggerak PKK Kabupaten Indramayu Hj. Anna Sophana serta diikuti oleh peserta lainnya.
Ketua PWI Kabupaten Indramayu Makali Kumar mengatakan, pers di Indramayu saat ini sudah sangat mesra dengan pemerintah. Hal ini dibuktikan dengan besarnya perhatian dan apresiasi dari pemrintah terhadap kinerja para wartawan yang diakomodir oleh Bagian Humas dan Protokol Setda Indramayu. Kemudian juga para pelaku pers saat ini terus dituntut untuk bersikap professional dan bekerja sesuai koridor yang ada.
Sementara itu Bupati Indramayu DR. H. Irianto MS. Syafiuddin dalam sambutannya mengatakan, peringatan HPN saat ini menjadi starting point bagi seluruh insan pers di Kabupaten Indramayu untuk meningkatkan dedikasi dan profesionalisme dalam mendukung pelaksanaan pemerintahan dan pembangunan di Kabupaten Indramayu. Tema yang diusung pada HPN tahun 2010 adalah “Kemerdekaan Pers Dari dan Untuk Rakyat”. Makna dari tema, menurut bupati adalah menjaga keseimbangan antara kebebasan dengan kepatuhan pada pranata, baik pranata hukum maupun pranata sosial. “Untuk itu, alangkah baiknya apabila pers melakukan self sensoring, tidak perlu pemerintah yang mensensor. Kita juga ingin liputan pers itu balance, cover both sides, di samping mengkritik juga memberikan kesempatan,” katanya.
Menurut bupati, Pers sekarang ini menjadi salah satu elemen yang powerful. Oleh karena itu, pastikan bahwa power, kekuasaan, dan kekuatan itu digunakan secara tepat dan konstruktif. “Sekarang, pers justru bisa memilih, bisa memilah, bisa menentukan, dan bisa membatasi, dalam keadaan apa power yang surplus itu digunakan dengan baik. Dan ini saya kira momentum yang paling baik, momentum sejarah bagi insan pers untuk betul-betul mendayagunakan power-nya untuk kepentingan masyarakat,” tegas bupati.
Untuk itu, sebagai pimpinan daerah dengan segala kelebihan dan kekurangan yang bertanggung jawab atas penyelenggaraan pemerintahan yang baik, senantiasa membuka pintu untuk menjalin kemitraan yang harmonis namun tetap kritis, dimana peran media sangat membantu dalam membingkai isu-isu yang berhubungan dengan pelayanan publik yang berkaitan erat dengan kepentingan warga masyarakat. Kemitraan ini bukan hanya sekedar stigma untuk memenuhi lembaran berita tanpa informasi, karena berita yang berisi informasi sangat dibutuhkan sebagai interaksi positif antara pers, pemerintah, dan masyarakat. Tanpa pemerintah dan masyarakat, pers tidak ada artinya. Sebaliknya, tanpa pers pemerintah tak bakal ada ceritanya, sedangkan masyarakat tanpa pers tak ada yang bisa dibaca.
Pembangunan Indramayu yang sedang dan akan terus berkelanjutan untuk mencapai visi Indramayu yang religius, maju, mandiri, dan sejahtera telah dilakukan melalui misi Sapta Karya Mulih Harja. Keberhasilannya sudah barang tentu merupakan bagian dari keberhasilan peran pers dalam membangun komunikasi yang positif antara pemerintah dengan masyarakat melalui media massa, baik cetak maupun elektronik, yang sekarang sudah dapat dibaca dan dinikmati oleh masyarakat sampai di pelosok pedesaan.
“Untuk itu, pada kesempatan yang berbahagia ini, sekali lagi saya atas nama pemerintah daerah dan seluruh warga masyarakat Indramayu menyampaikan terima kasih dan penghargaan setinggi-tingginya kepada seluruh insan pers dan media massa, baik lokal, regional, maupun nasional yang telah membantu merubah dan membangun citra Indramayu,” katanya.
Pada kesempatan itu pula diberikan penghargaan dari PWI kepada Bupati Indramayu DR. H. Irianto MS. Syafiuddin dan diserahkan secara langsung oleh Makali Kumar. (dens/humasindramayu)

warc-identified-content-language: ind,eng

content-type: text/plain

warc-type: conversion

label: id


content: GAME SABUNG AYAM S128 TERBAIK DI INDONESIA – Halo Semua, Pada Kali Ini Admin S128 Akan Membahas Artikel Tentang Game Sabung Ayam S128 Terbaik Di Indonesia. Fipperbet adalah salah satu agen daftar Aduan Ayam yang adalah situs penyedia permainan Aduan Ayam yang pastinya kamu sudah tidak asing lagi dengan jenis permainan yang satu ini adalah…


content: Guspardi Gaus, Anggota DPR RI dari Fraksi PAN mendukung sikap Nahdlatul Ulama (NU), Muhammadiyah dan PGRI mundur dari Program Organisasi Penggerak (POP) Kemendikbud. Hasil seleksi


content: Timnas U 19 Indonesia akan mendapatkan tantangan dari Qatar untuk melakukan pertandingan uji coba sebanyak dua kali di Kroasia. Rencananya, pertandingan uji coba Timnas U


content:
Saat ini harga Oppo A71 yang murah dengan spesifikasi yang berkualitas membuatnya banyak menjadi incaran para pengguna smartphone. Oppo sendiri adalah salah satu brand terkenal yang selalu mengeluarkan produk terbarunya untuk bersaing di pasar Indonesia. Oppo A71 ini merupakan smartphone yang baru-baru ini dirilis dan kembali dikembangkan dengan spesifikasi yang mumpuni.
Baca juga : Spesifikasi dan Harga Oppo A5 2020, Kualitas Terbaik dengan Harga Terjangkau
Saat Anda menggunakannya, Anda akan disuguhkan dengan berbagai macam fitur menarik dan canggih yang telah diberikan oleh smartphone ini. Hal ini merupakan salah satu daya tarik yang banyak diminati oleh pencinta smartphone terutama karena kamera Oppo yang dikenal bagus. Selain fitur canggih, ponsel pintar ini memiliki spesifikasi terbaik yang tidak kalah dengan produk bersaing lainnya.
Daftar Isi
Spesifikasi Terbaik Oppo A71
Body dan Ketajaman Layar
Kamera Profesional Oppo A71
Baterai Besar dan Tahan Lama
Harga Smartphone Oppo A71
Spesifikasi Terbaik Oppo A71
Harga Oppo A71 yang cukup murah ini telah dilengkapi dengan spesifikasi dan fitur yang dapat memberikan pengalaman berbeda untuk Anda saat digunakan. Ponsel ini memiliki ukuran layar 5,2 inch dengan tipe IPS LCD yang memiliki kapasitas touchscreen, serta memiliki 16M warna. Adapun resolusi yang dimiliki adalah 720 x 1280 pixel, dengan rasio perbandingan yaitu 16:9 yang menambah daya tarik.
Pada layar ponsel ini telah dilengkapi dengan adanya pelindung corning gorila glass 3 yang kuat, sehingga mampu melindungi layar dari benturan dan tidak mudah pecah. Adapun dapur pacu yang dimiliki oleh ponsel pintar jenis Oppo A71 ini berbasis android dengan versi 7.1. Sudah berbasis OS nougat dan color OS 3.1, lengkap dengan chipset mediatek MT6750 (28 nm).
Baca Juga : Harga Hp Oppo F9 Pro, Jagoan Baru dengan Kamera Kelas Atas
Oppo A71 mempunyai CPU Octa-core dengan kecepatan 4×1.5 GHz Cortex-A53 & 4×1.0 GHz Cortex-A53 yang mendukung dan berpengaruh penting untuk spesifikasi terbaik. Spesifikasi ini tentunya sudah sangat baik, dan banyak diminati karena mendukung kinerja ponsel yang lebih baik. Ponsel dengan koneksi jaringan 4g yang didukung dengan dual sim. Adapun ruang penyimpanan yang disuguhkan yaitu Ram 2GB dengan internal 16Gb dan Ram 3Gb untuk internal 32Gb, dengan eksternal hingga 256GB.
Body dan Ketajaman Layar
Walaupun harga Oppo A71 ini terbilang cukup murah, namun Anda akan disuguhkan dengan berbagai macam fitur menarik serta kelebihan yang unggul pada ponsel ini. Pada bagian body, handphone ini memiliki desain kekinian yang menarik karena terbuat dari bahan aluminium yang kokoh dan bagus. Selain itu ponsel ini memiliki desain bagian depan yang dibuat menggunakan kaca, hal inilah yang membuatnya lebih terlihat elegan serta menarik.
Meskipun desain ketebalannya cukup normal 7,6mm dan terlihat tidak begitu tebal, namun ponsel ini memiliki berat yang berkisar 137g saja, membuatnya bisa digunakan dengan satu tangan. Pada tampilannya yang elegan dan menarik, ponsel ini memiliki warna yang terdiri dari dua jenis dan modern sehingga tampak sesuai dengan desain cantik yang dimilikinya. Adapun pilihan warna yang diberikan oleh Oppo A71 ini adalah gold dan hitam.
Jenis warna yang tersedia dari ponsel ini mampu menambahkan efek tampilan yang mewah dan sesuai dengan gaya anak remaja saat ini. Desain Oppo sendiri telah dirancang untuk mendapatkan penampilan yang baik, serta membuat Anda merasa nyaman saat menggunakannya. Dengan ukuran layar yang memiliki resolusi HD memungkinkan Anda untuk merasa nyaman saat menonton video dan bermain game.
Selain itu layar kaca dari handphone ini telah dilengkapi dengan glass 2.5D yang tidak kalah dengan jenis ponsel mahal lainnya. Layar cekung sendiri umumnya disebut sebagai Rounded Border, dengan bentuk sudut oppo A71 yang sudah diperhalus pada bentuk lengkungannya. Ponsel dengan sisi lengkung seperti ini menambahkan kesan estetika, dan ergonomis, serta membantu Anda untuk memegang dengan baik.
Baca Juga : Update Daftar Harga Hp OPPO Terbaru 2021
Kamera Profesional Oppo A71
Seperti yang sudah Anda ketahui, Oppo selalu memberikan produk dengan hasil dan tampilan kameranya yang selalu bagus. Oppo A71 ini memiliki kamera yang seperti menggunakan kamera profesional yang mana tingkat kameranya memiliki kejernihan yang tinggi dan hasil baik. Jika dilihat dari spesifikasi, megapixel pada kamera Oppo jenis ini cukup standar yaitu 5MP untuk kamera depan, namun hasil yang didapat sangat detail dan juga jernih.
Tidak kalah canggih dengan ponsel terkenal lainnya, Anda akan merasa seperti memiliki ponsel dengan harga Oppo A71 yang murah seperti produk yang terbaik. Hal ini karena adanya fitur kamera canggih yang telah disematkan pada handphone ini yaitu fitur AI Beauty Recognition yang banyak digemari dan menjadi incaran pencinta kamera. Fitur ini mampu mengidentifikasi kondisi pada objek untuk memberikan hasil foto yang memiliki kualitas bagus seperti berfoto menggunakan kamera canggih.
Fitur canggih ponsel ini mampu mendeteksi 254 titik pada wajah Anda, seperti fitur menghaluskan wajah, mencerahkan, mengenali warna kulit, serta mengenali usia dan gender. Sementara pada kamera belakang atau kamera utama ponsel ini memiliki megapixel yang cukup besar yaitu 13MP dengan berbagai fitur menarik dan profesional. Kamera utama ponsel ini dibekali dengan fitur canggih yaitu Multi Frame Denoising Technology yang mampu memberikan teknologi terbaik untuk hasil foto dan video Anda.
Baca Juga : Mengulik Harga Hp Oppo Neo 7 dan Spesifikasi Terbarunya
Selain itu fitur-fitur kamera ini memungkinkan Anda untuk tetap mendapatkan hasil foto yang terbaik walaupun berfoto pada tempat yang gelap atau minim cahaya. Setiap foto dan video yang Anda ambil menggunakan smartphone memiliki detail yang tepat dan hasil yang cerah tidak buram. Selain itu kamera Oppo ini memiliki tingkat ketajaman warna yang kuat, sehingga Anda bisa mendapatkan hasil foto dengan warna yang lebih hidup dan lebih indah.
Baterai Besar dan Tahan Lama
Smartphone ini memiliki daya tahan baterai yang sangat awet atau lebih tahan lama, sehingga tidak membuat Anda untuk mengisinya setiap saat. Kapasitas daya baterai yang dimiliki oleh smartphone Oppo ini cukup besar yaitu 3000mAh, jika digunakan untuk pemakaian normal baterai ini tidak mampu bertahan dengan waktu yang lama. Lengkap dengan adanya fitur penghemat daya yang bisa Anda gunakan saat baterai hampir habis.
Android Oppo A71 sendiri telah didukung dengan adanya fast charging, yang membuatnya bisa mengisi daya baterai dengan waktu yang sebentar dan tidak lama. Sehingga saat Anda sedang terburu-buru untuk melakukan aktivitas, bisa mengisinya dengan cepat tanda harus takut baterai akan cepat habis. Anda juga tidak perlu mengisi ulang baterai berkali-kali karena ponsel ini mampu menghemat penggunaan baterai Anda.
Harga Smartphone Oppo A71
Ponsel canggih ini bisa Anda dapatkan dengan harga yang relatif murah dan bisa didapatkan di mana saja, baik itu online maupun offline.


content:
Jenis-Jenis Pengadaan – Pengadaan barang dan jasa identik dengan adanya fasilitas baru, bangunan, jalanan, rumah sakit, gedung perkantoran, alat tulis hingga kursus inggris yang dilakukan instansi pemerintah.
Pengadaan barang dan jasa biasa disebut dengan tender, pada dasarnya tidak hanya terjadi untuk instansi pemerintah. Melainkan, pengadaan barang dan jasa ini juga sering terjadi di BUMN dan perusahaan swasta nasional dan internasional.
Sehingga pada intinya adalah pengadaan barang dan jasa dibuat untuk memenuhi kebutuhan perusahaan atau instansi pemerintah yang bisa menunjang kinerja dan performance setiap orang.
Menurut KBBI, bahwa apa yang dimaksud dengan pengadaan barang dan jasa secara harfiah adalah tawaran untuk mengajukan harga dan memborong pekerjaan atas penyediaan barang atau jasa. Melalui dari definisi ini bisa dimaknai bahwa dalam pengadaan barang dan jasa terdapat dua pihak yang saling berkepentingan.
Untuk pihak pertama adalah instansi pemerintah, BUMN atau juga perusahaan swasta yang mengadakan penawaran pengadaan barang dan jasa. Sedangkan bagi pihak kedua adalah personal/perusahaan kontraktor yang tugasnya untuk menawarkan diri dalam memenuhi permintaan pengadaan barang dan jasa itu.
Berdasarkan pasal 1 ayat 1 sesuai dengan Peraturan Presiden No.54 Tahun 2010 bahwa sebagaimana diubah terakhir dengan Peraturan Presiden No. 70 Tahun 2012 tentang Pengadaan Barang/jasa Pemerintah menyebutkan kalau definisi dari pengadaan barang dan jasa adalah
“Pengadaan Barang/jasa adalah kegiatan untuk memperoleh barang/jasa oleh Kementerian/Lembaga/Satuan kerja perangkat daerah/institusi (K/L/SKPD/I) yang prosesnya dimulai dari perencanaan kebutuhan sampai diselesaikan seluruh kegiatan untuk memperoleh Barang/jasa.”.
Sedangkan menurut dari apa yang disampaikan oleh Indra Bastian (2012:263) bahwa yang dimaksud dengan pengadaan barang dan jasa adalah perolehan barang, jasa dan pekerjaan perusahaan dengan cara dan waktu tertentu, yang menghasilkan nilai terbaik bagi perusahaan.
Selain dari Indra Bastian, terdapat definisi lain dari pengadaan barang dan jasa sebagaimana yang disampaikan oleh Marbun (2012:35). Menurutnya bahwa pengadaan barang dan jasa adalah upaya untuk mendapatkan barang dan jasa yang apa yang diinginkan melalui pemikiran logis dan sistematis yang sejalan dengan norma dan etika yang berlaku, berdasarkan metode dan proses pengadaan yang baku.
Pada intinya, apa yang dimaksud dengan pengadaan barang dan jasa adalah upaya agar pihak pengguna untuk bisa mendapatkan barang dan jasa yang diinginkan, dengan memakai metode dan proses tertentu seperti kesepakatan harga, waktu dan dll.
Hakikat atau esensi dari pengadaan barang dan jasa itu bisa dilaksanakan dengan baik, apabila terdapat kedua pihak yaitu dari pihak pengguna dan penyedia selalu berpatokan pada filosofi pengadaan barang dan jasa, tunduk kepada etika dan norma pengadaan barang dan jasa yang berlaku, mengikuti prinsip-prinsip, metode dan proses pengadaan barang dan jasa yang baku.
Daftar Isi
1 Jenis-Jenis Pengadaan Barang dan Jasa Adalah?
1.1 1. Pengadaan Barang/Jasa Umum
1.2 2. Pengadaan Barang/Jasa Terbatas
1.3 3. Pemilihan Langsung
1.4 4. Pengadaan Langsung
1.5 5. Penunjukkan Langsung
Jenis-Jenis Pengadaan Barang dan Jasa Adalah?
Jenis-Jenis Pengadaan Barang/Jasa Adalah? Ini Arti & Penjelasannya (Foto: Artikelsiana.com)
Perpres Nomor 4 tahun 2015 menyebutkan bahwa jenis-jenis pengadaan barang dan jasa yang dilakukan untuk menentukan penyedia barang dan jasa yang dapat terdiri atas:
1. Pengadaan Barang/Jasa Umum
Pengadaan barang dan jasa umum adalah metode dalam pemilihan untuk menyediakan barang atau konstruksi atau jasa. Ini berlaku untuk seluruh pekerjaan baik itu penyedia barang, pekerjaan kontruksi atau jasa lainnya, dengan catatan harus sesuai dengan syarat. Pengadaan Barang/Jasa Umum dengan nilai diatas Rp. 5.000.000.000,- (lima miliar rupiah);
2. Pengadaan Barang/Jasa Terbatas
Selain itu, ada yang dimaksud dengan pengadaan barang atau jasa terbatas yang artinya adalah metode dalam memilih penyedia barang atau pekerjaan kontruksi yang memiliki jumlah penyedia yang mampu melaksanakan yang diyakini terbatas. Pengadaan barang dan jasa terbatas ini juga untuk pekerjaan yang bersifat kompleks.
3. Pemilihan Langsung
Yang ketiga adalah pemilihan langsung sebagai jenis pengadaan barang dan jasa. Maksud dari hal ini adalah metode penyedia pekerjaan kontruksi untuk pekerjaan yang memiliki nilai paling tinggi sebanyak Rp. 5.000.000.000,00 (Lima Miliar Rupiah);
4. Pengadaan Langsung
Untuk jenis keempat dari jenis pengadaan barang dan jasa yakni pengadaan langsung. Maksud dari jenis ini adalah metode pengadaan langsung kepada penyedia barang dan jasa tanpa melalui tahapan seperti pengadaan barang, jasa, seleksi. Melainkan dalam jenis pengadaan ini adalah dilakukan dengan penunjukan langsung dengan nilai sampai dengan Rp. 200.000.000,- (dua ratus juta rupiah);
5. Penunjukkan Langsung
Metode pemilihan Penyedia Barang/ Jasa dengan cara menunjuk langsung 1 (satu) penyedia Barang/Jasa.
Demikianlah informasi mengenai topik yang berjudul Sebutkan Jenis-Jenis Pengadaan Adalah? Ini Arti & Penjelasannya. Semoga informasi ini dapat bermanfaat bagi kita semua. Sekian dan terima kasih. Salam berbagi teman-teman.
Category: artikel ekonomi | Tag: #bagaimana, #barangdanjasa, #jelaskan, #jenisjenis, #mengapa, #pengadaan, #pengertian, #sebutkan, #tuliskan


content: Kami mengajak sidang pembaca untuk menyampaikan pandangannya tentang berbagai hal yang terjadi dan dirasakan dalam kehidupan sehari-hari. Silakan kirim tulisan Anda baik itu opini, esai atau catatan perjalan, dengan panjang tulisan minimal 500 karakter.

warc-identified-content-language: ind


content:
Cekresi.com menyediakan fitur cek resi otomatis (auto detect) untuk banyak ekspedisi sekaligus. Berikut ini petunjuk penggunaan situs ini.
Masukkan nomor resi Anda. Nomor resi biasanya berupa angka atau gabungan angka dan huruf.
Klik button 'CEK RESI' untuk memulai pengecekan. Tanda panah ke bawah bisa Anda klik untuk melihat riwayat (history) pengecekan sebelumnya
Hasil pengecekan akan ditampilkan beberapa detik kemudian di bagian bawah. Scroll ke bawah setelah tulisan 'SEARCHING' pada button hilang.
JIKA ANDA GAGAL CEK RESI
Pastikan kembali nomor resi yang Anda cek sudah benar. Setiap ekspedisi pengiriman memiliki format resi (airwaybill) yang berbeda-beda. Dalam banyak kasus, kesalahan input no resi merupakan penyebab utama gagalnya pengecekan status paket. Anda bisa melihat contoh format resi di sini.
Jika Anda menerima kiriman dari pihak lain, pastikan kembali nomor resi yang Anda terima sudah benar. Anda bisa bertanya kembali kepada pihak pengirim paket untuk memastikan apakah no resi sudah benar.
Pastikan juga ekspedisi yang Anda gunakan untuk mengirim paket sudah bisa dicek di cekresi.com, lihat daftarnya di sini.
Sebagian ekspedisi masih menggunakan pencatatan manual (sistemnya belum online) sehingga nomor resi Anda baru bisa dicek statusnya beberapa jam hingga satu hari sejak paket dikirim. Jadi silahkan cek resi kembali setelah satu hari paket dikirim.
Dalam beberapa kasus pengecekan gagal karena website ekspedisi sedang tidak bisa diakses. Jika hal ini terjadi Anda bisa cek resi beberapa waktu kemudian ketika web ekspedisi sudah online lagi.
Langkah terakhir, untuk memastikan Anda bisa langsung mengecek resi di masing-masing web ekspedisi.
Situs dan layanan ini tidak berafiliasi dengan ekspedisi manapun. Nama, logo, dan merek lain adalah hak milik dari masing-masing pemiliknya. Kami tidak bertanggungjawab atas penyalahgunaan, kerusakan, keterlambatan, kerugian materi dan non materi yang mungkin timbul akibat penggunaan layanan ini.