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Désespoir noir et permanent chez Goya dans les séries d’œuvres (essentiellement des gravures issues de fonds privés) présentées actuellement à la pinacothèque de Paris, jusqu'en 16 mars 2014, Goya et la modernité :http://www.pinacotheque.com/index.php?id=897Même lorsqu’il s'agit de décrire des jeux d'enfants, c'est le pugilat qui domine. L'Inquisition et la décadence de la monarchie espagnole en cette fin du XVIIIe siècle, la répression issue de l'invasion française qui brouille définitivement l'image d'une France des Lumières, puis le retour de l'Inquisition, rien n'est épargné à l'artiste: censurées, ces gravures paraissent bien plus tard, se vendent mal.Né en 1746, près de Saragosse, il est le fils d'un doreur qui travaille pour l'église. Il bénéficie à ses débuts du mécénat de l'Eglise espagnole de Saragosse, puis de celui de la Cour : au service des Bourbons d'Espagne (1775-1785), il fait des cartons de tapisserie pour décorer les demeures princières, puis nommé peintre du roi d'Espagne en 1786, il fait des portraits de Cour qui ne cachent rien des défauts physiques de ses modèles. Quelque unes de ces peintures-portraits figurent dans l'exposition, elles sont saisissantes de vérité. Un portrait d'un ami, plus humain, et une dame noble, très habillée et très sinistre, allongée comme dans la Maya nue.Une série impressionnante de gravures sur les "désastres de guerre", "les caprices", les "proverbes" et autres productions, dont des scènes de tauromachie, sont exposées dans la pénombre, ce qui renforce le caractère cafardeux de cette présentation, fidèle aux productions de l'artiste. Parmi les tableaux, un dont la mise en scène fait penser au Dos di Mayo, mais la personne mise en joue est une femme.Frappé par la maladie, écœuré par la répression politique qui s'abat sur Espagne avec le retour d'exil de Ferdinand VII, Goya  se réfugie en France en 1824 pour s'installer à Bordeaux, où il retrouve d'autres libéraux espagnols qualifiés d'afrancesados. Il renoue alors avec des sujets sur la tauromachie. Il décèdera dans cette ville en avril 1828.Sur les gravures de Goya, les "désastres de guerre", voir la publication à venir sur le site  du séminaire "Arts et Sociétés"  ( http://www.artsetsocietes.org/), Goya et les stratégies visuelles des « guerres asymétriques » par Godehard Janzing, Directeur-adjoint, Deutsches Forum für Kunstgeschichte, Centre allemand d'histoire de l'art :"Yo lo vì!“ – je l’ai vu –, assure la légende d’une gravure de la collection des Désastres de la guerre, créée par Francisco de Goya à partir de 1810, face à la guerre d'indépendance espagnole. Le titre semble faire preuve de la volonté de l’artiste de témoigner, et de souligner que les scènes de violence, presque prises sur le vif, se sont produites telles qu’il les représente. Cette affirmation, citée autant de fois que sont exposées ou reproduites ces gravures, a marqué notre idée de l’artiste engagé, en opposition critique à la guerre.Pourtant, l'impact politique de ces gravures resta limité à son époque – la série n'étant réellement publiée et diffusée qu'en 1863, dans une publication posthume de l'académie royale de Madrid. Est-ce un hasard si la découverte tardive des gravures de guerre de Goya a lieu au moment même où un nouveau medium entre sur le champ de bataille : la photo, qui, se plaçant du point de vue des victimes, fournit pour la première fois des preuves visuelles de la mort au combat et des horreurs de la guerre ? Le succès tardif des gravures de Goya semble fortement lié à l'apparition de cette nouvelle possibilité technique, engendrant aussi une nouvelle volonté de fournir un témoignage critique.Toutefois, la maxime de Goya, « je l'ai vu », renvoie davantage à sa créativité en tant qu'artiste qu'à un simple acte de témoignage. Dans les gravures, c'est d'abord Goya lui-même qui fait émerger la violence, qui donne forme aux atrocités et les rend visible en recréant leurs dégénérescences. Dans ses compositions, aussi complexes que réfléchies, Goya nous livre plutôt une analyse des mécanismes de la guerre que son véritable portrait. Et c'est justement cette capacité à penser visuellement le conflit qui confère à ses images un pouvoir durable, qui continue encore aujourd'hui à offenser ou même à blesser le spectateur."