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aller directement au numéroEditorialGiuseppe Di LibertiIntituler le premier dossier d’une revue dédiée à la réflexion sur les images “Théories” peut sembler à première vue, si ce n’est prétentieux, du moins un peu “flou”. Ce titre correspond en réalité à une exigence constitutive d’Images re-vues : la nécessité d’une réflexion méthodologique sur des approches disciplinaires différentes et sur des concepts et des modèles qui caractérisent le débat actuel sur l’image. Lors des deux journées de présentation des travaux des doctorants du CEHTA en février 2005 - dont une sélection est publiée dans ce premier numéro – celle-ci est apparue comme le fil conducteur le plus évident. Le dossier, à travers les six articles qui le composent, vise à présenter différentes approches pertinentes de la production des images. Les questions soulevées par ces articles, très ponctuelles dans le choix de territoires explorés, concernent l’ensemble des processus d’identification des pratiques artistiques et de la réflexion théorique autour de ces pratiques. Tous ces articles participent au projet de la revue en ce qu’ils témoignent d’une recherche qui se construit en repensant des repères scientifiques. Cette recherche coïncide avec la recherche de sens et d’identité de notre travail. (lire la suite)La transparente opacité du masque ironiqueBronzino à l'épreuve de l'ironie figurativePauline MartinLe paradoxe de l’ironie picturale ne se réduit pas seulement au phénomène figuratif que cet article propose de décrire. Il demeure aussi dans le puits, petit, mais sans fond dans lequel tombe chaque recherche parue sur le sujet. L’absence d’étude sur l’ironie picturale, mis à part dans le cadre de l’art contemporain qui place souvent l’ironie au cœur de sa démarche, est en effet déplorée par la plupart des historiens qui s’y intéressent, alors même qu’ils contribuent à combler ce vide. Il est en effet étonnant d’observer que les recherches de Paul Barolsky et d’Ernest B. Gilman dans les années 1970, qui abordent de manière plus large l’humour dans l’art du XVe au XVIIe siècles, puis les divers articles qui s’intéressent à l’ironie particulière d’une œuvre ou d’un artiste, ne se sont pas du tout accumulés pour faciliter la compréhension de l’ironie dans la peinture figurative ; ils se sont le plus souvent juxtaposés sans prendre en considération les contributions précédentes. (lire la suite)L'art, transmission d'un savoirRéflexions sur deux moments de transitionItay SapirIl arrive parfois qu’une surcharge de réalisme devienne, pour ainsi dire, quelque peu surréaliste.« Painters of Reality » – Les peintres de la réalité – a été le titre, l’année dernière,d’une exposition organisée par le Metropolitan Museum of Art à New York et par le MuseoCivico de Crémone, en Italie. Le sous-titre explicitait, historiquement et géographiquement, cede quoi il s’agissait vraiment : « L’héritage de Léonard et de Caravage en Lombardie ».L’exposition parcourait environ deux siècles de peinture – du début du 16e à la fin du 17esiècles – dans cette région de l’Italie du Nord, et son catalogue présentait en détail lesprocessus et les aléas artistiques en oeuvre pendant cette époque. (lire la suite)L'ouvrage d'Arachné : la résistance en oeuvre de Ghada Amer à Louise BourgeoisAnne CreisselsEn proposant de considérer certaines formes de l’art contemporain comme travaillées par la figure d’Arachné, je souhaiterais définir les modalités d’un « travail du mythe ». L’histoire d’Arachné, contée en détail par Ovide, met en scène de manière paradigmatique la question de l’affirmation dans son lien à la soumission. Arachné, pour avoir osé revendiquer son autonomie et un savoir faire dans l’art du tissage au moins égal à celui d’Athéna, se trouve transformée en araignée. Parce qu’elle se met en rivalité avec les dieux, Arachné peut être vue comme une figure de l’artiste créateur. En cherchant à sortir de sa condition (de femme mortelle), elle manifeste la volonté d’échapper à un certain déterminisme, de remettre en question aussi certains fondements. Si ce défi relève pour les Grecs de l’hybris, ou excès d’orgueil, nécessairement sanctionné par les dieux, il pourrait aussi désigner, décontextualisé par un regard contemporain, la difficulté qu’il y a à s’affirmer en tant que sujet, en tant qu’artiste et a fortiori en tant qu’artiste femme. (lire la suite)Le réalisme de CourbetDe la démocratie dans l'art à l'anarchieThomas SchlesserEn 1861, Gustave Courbet définit le réalisme comme « art démocratique ». Cette revendication s’inscrit principalement dans un contexte polémique, en marge de l’Exposition universelle d’Anvers. Celle-ci est marquée par l’organisation d’un congrès où mille cinq cents artistes, écrivains et critiques se trouvent invités pour traiter « des intérêts matériels de l’art et de sa philosophie ». Courbet est alors une personnalité incontournable du monde des arts et vient en particulier, deux mois auparavant, de présider un banquet réaliste en son honneur à la Barrière de Clichy. C’est à cette occasion que l’éditeur des Parnassiens, Poulet-Malassis, entame des négociations au nom de l’inspecteur général des expositions sous le Second Empire, le marquis de Chennevières, en vue de l’achat du Combat des cerfs pour le Luxembourg. Malgré l’échec des négociations et l’obtention quelque peu décevante d’une simple médaille de deuxième classe au Salon, la reconnaissance officielle du réalisme de Courbet vient s’ajouter à son caractère scandaleux. C’est donc à double titre que le maître d’Ornans se situe au centre des débats et des discussions sur l’art.(lire la suite)Analyse topique d'une caractérisation artistiqueEtude des lieux communs dans l'art contemporain islamiqueMonia Abdallah“L’art contemporain islamique” est avant tout une dénomination fluctuante dont la charge sémantique se retrouve aussi dans les appellations suivantes : Contemporary Art from the Islamic World, Modern Islamic Art, Arab-Islamic Art, etc. Cette dénomination découle d’un processus de catégorisation. L’interrogation de ce processus mène à poser la question suivante : quelles sont les spécificités des œuvres regroupées sous cette bannière unificatrice ? (lire la suite)Etudier ou rêver l'antiqueFélix Ravaisson et la reproduction de la statuaire antiqueMouna MekouarLe sujet que nous abordons s’inscrit dans une étude plus large, qui consiste à mesurer la place qu’occupe la photographie de sculptures antiques dans la formation du regard et du goût des artistes du 19e siècle. Nous essaierons à travers l’exemple choisi ici, de démontrer quels peuvent être les enjeux de cette production photographique et sa réception chez certains artistes du 19e siècle.L’objet de notre exposé porte sur l’analyse d’un corpus photographique – les Classiques de l’art – réalisé sous la direction de Félix Ravaisson. Ce corpus est constitué essentiellement de reproductions de sculptures antiques destinées à l’enseignement du dessin. Néanmoins, sont mêlées à ces images d’après l’antique, quelques photographies d’après des dessins des maîtres de la Renaissance. Ces images - les Classiques de l’art, modèles pour l’enseignement du dessin publiés sous les auspices du ministre de l’instruction publique - se distinguent des photographies à portée documentaire : elles sont conçues pour servir de guide dans l’apprentissage du dessin, elles suivent une méthodologie précise. (lire la suite)