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Perceptions/Analyses de Passo (2010) d'Ambra Senatorepar Jennifer BONN.Passo, de la chorégraphe italienne Ambra Senatore, est une pièce pour cinq danseurs, créée en 2010. J'ai eu l'occasion de voir cette pièce et au même temps de découvrir le travail de la chorégraphe, le 19 mars 2013, au Théâtre de Saragosse à Pau.Dès l'entrée du public, la scène est éclairée, habitée par un seul corps, robe, chaussures et perruque années 60, immobile comme un mannequin de vitrine, mais non sans montrer l'effort derrière cette immobilité. La danseuse vacille légèrement, jette des coups d'oeil vers les spectateurs en train de s'installer, nous fait ressentir le poids de ce temps "avant que ça commence".Et puis la lumière de la salle baisse et ce corps commence à danser, mouvements gracieux, étudiés. Le mouvement s'accélère, ralentit, cherche la virtuosité, mais il est entrecoupé, brisé, empêché par les incursions de la maladresse, de la distraction, de besoins plus urgent que la grâce. Un faux pas, un regard ailleurs au moment clé qui fait faillir le mouvement, un nez qui coule, une fesse qui gratte, l'interprète démonte le corps du danseur par le biais du corps quotidien. La première base de la pièce est posée.L'interprète mène cette danse à travers la scène, habitée tour à tour par la maîtrise et la non-maîtrise, un tourbillon que nous suivons d'un regard tendu, attendant à chaque moment que "ça passe ou ça casse". La danseuse valse dans les coulisses et re-balance son corps sur scène, et nous nous rendons compte au bout d'un moment d'étrangeté que ce n'est pas le même corps. En effet, une deuxième interprète a remplacé la première : même robe, même perruque, même danse, mais marqué d'un autre style, par un corps légèrement différent.Ce jeu d'interchangeabilité imparfaite s'étend pour inclure les cinq danseurs de la pièce, et pose le deuxième fil conducteur de la pièce. Toujours le même costume, robe et perruque, même quand l'interprète est un homme. Senatore joue avec l'exigence plastique des revues dansées confrontée à la singularité et à l'imperfection de l'humain. Cinq corps soi disant identiques, dans un mouvement qui se veut identique pour tous, mais qui dans la pratique produit l'effet inverse, nous montrant à quel point chaque corps est singulier. L'effort qui soutient l'idéal esthétique des numéros dansés, sourire exagéré et exubérance qui frôle la folie, construction fragile qui s'écroule sous la pression et redevient humain, quotidien, empreint de nos défauts et de nos particularités.Tout cela ne manque pas d'humour : la chorégraphe nous montre avec quelle facilité et avec quel plaisir on se laisse tromper, prenant un corps d'homme pour un corps de femme, court instant mais qui suffit pourtant pour déclencher le mécanisme délicat de la farce. La juxtaposition de la grâce parfaite d'un saut maîtrisé, d'un équilibre étudié, ou d'une forme dansé, et de l'impudeur du geste de se gratter le cul, s'essuyer le nez, ou se rajuster la culotte, est savamment maniée par les cinq interprètes. Le tout est généreux et bon enfant, et la chorégraphe réussit à nous amener avec son équipe durant plus d'une heure sans nous lasser ni nous alourdir, entreprise qui n'est pas sans danger quand on manipule le grotesque et la farce.Entre ces deux pôles qui sont la maîtrise et la perfection du mouvement chorégraphique d'un côté, et la maladresse, l'impudeur et la singularité du corps dans son état quotidien et dans son sphère privé de l'autre, Ambra Senatore construit sa chorégraphie. Chaque geste est capable de virer d'un extrême à l'autre, et on voit les différentes qualités de mouvement trouver une utilisation propre à chaque pôle.Les relations entre les interprètes sont fondamentales pour instaurer et nuancer le grotesque et l'absurde qui se trame durant la pièce. Un jeu de regard, à la fois subtilement agencé et composé de gestes plutôt grossiers, désigne et définit l'atteinte à la pudeur qui n'en serait pas un s'il n'y avait pas de témoin, crée et dissout les inclusions et exclusions entre les interprètes, et établit tout une organisation sociale avec ses hiérarchies, ses jeux de pouvoir, ses injustices. De même, les variations de distance, de regroupement et de dispersion, ainsi que le contact ou le refus de contact, contribue à tisser les histoires qui se racontent au sein du groupe.La scène est pendrillonnée à l'allemande, ce qui permet tout un jeu d'entrées et de sorties, d'apparitions et de disparitions derrière les pendrillons latéraux, jeu efficace qui instaure la confusion entre interprètes, leur interchangeabilité ou sinon les sauts dans le temps et dans l'espace quand une interprète sort à un endroit et "rentre" d'un autre, trop loin ou trop opposé pour être vrai (c'est bien sûr un autre danseur qui entre, mais dans la rapidité l'illusion fonctionne).Le temps de la pièce se construit sur des accélérations et décélérations élastiques, créant un balancement plutôt énergique ponctué de courts moments d'immobilité qui produisent autant d'images fixes, de tableaux qui s'impriment sur la rétine du spectateur avant de se fondre dans la suite du mouvement.C'est une pièce tonique, dynamique, mais qui sait se servir du relâchement, du mou, pour mieux relancer une contraction, une impulse, un rebond. Le va et vient entre ces différentes qualités est souvent utiliser pour basculer d'un pôle à l'autre : l'appui ferme d'un mouvement maîtrisé s'amollit pour verser dans la maladresse, ou à l'inverse, la lente mise en forme d'une position parfaitement en équilibre se contracte soudainement sous l'appel d'un nez qui gratte et qui demande d'être gratté immédiatement.Ainsi le corps est dédoublé ou plutôt divisé entre un idéal et une réalité, et cette division se manifeste souvent par une partie du corps devenu rebelle à l'idéal : un pied qui se relâche au moment où le reste du corps est tendu dans une position sculpturale, un regard qui se balade ou une bouche qui discute quand le reste du corps est concentré et appliqué au mouvement. Entre les interprètes, l'échec de l'idéal est provoqué et puis passe de l'un à l'autre, chacun s'essayant au mouvement pendant que d'autres le regardent, le déstabilisent, et finissent par déclencher l'inévitable faille d'une partie du corps qui fait sombrer la perfection dans le banal.Avec la pièce Passo, Ambra Senatore réussit un pari délicat, construisant un univers dans lequel la farce, le grotesque, les blagues faciles sont intelligemment agencés au sein d'une chorégraphie dont la maîtrise est manifeste autant dans la virtuosité que dans le jeu de la maladresse. Elle nous amène avec complicité, avec générosité, à réfléchir sur le rôle du corps et du geste dans nos constructions sociales, à l'importance de l'identification avec un groupe et aux jeux de pouvoir qui nous manipulent ou que nous manipulons. Et tout ça en riant de bon coeur.