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Commissaire d’expositions, Guillaume Désanges a créé la structure de production WORK METHOD pour défendre les valeurs de rigueur et d’organisation mises au service de projets originaux. Rencontre avec un iconophile exigeant selon qui « rien n'est impossible quand on a envie d'un projet ».M. B. L’une de vos récentes expositions intitulées « 2001-2011 : Soudain, déjà » qui se tient jusqu’au  08 janvier à l’Ensba, propose un retour rétrospectif sur une génération de diplômés issus de cette école. Le parti-pris curatorial consiste à créer des liens entre ces artistes et l’actualité de façon à tisser des réseaux de correspondances. Ce projet a nécessité un important travail de synthèse pour compiler les évènements marquants d’une décennie. Afin de préparer cette rencontre, je me suis moi-même plongée dans vos archives et notamment dans l’un de vos articles parus dans le Numéro 2 de la revue Trouble en 2002 : « Questions pour un champion (100 milliards de propositions pour faire parler un artiste) ». Je voudrais aujourd’hui tester la validité de ce questionnaire sur le commissaire d’expositions que vous êtes, de façon à pouvoir « adapter la forme de l’entretien à l’œuvre interrogée » et ici, en l’occurrence, à l’exposition. Parmi les propositions suggérées dans ce « formulaire à compléter », j’ai choisi en premier lieu :L’apophtegme : proposer à un artiste [commissaire d’exposition] de résumer son œuvre en trois mots (cf. “résumer à une phrase 35 ans de travail” par François Morellet).Pouvez-vous résumer votre exposition à l’Ensba en trois mots ?G. D. Le premier mot qui me vient à l’esprit est celui de RISQUE. Il y avait pour moi un vrai défi à confronter aussi crûment l’art et l’actualité. On peut le faire de façon théorique, dans des textes, mais cette fois, il s’agissait de manifester ces liens de manière visuelle, dans l'espace d'exposition. D'habitude, je répugne à contextualiser l'art, dans son époque ou dans un réseau admis de déterminations idéelles ou formelles. Mais ici, puisqu'on me demandait de faire une exposition sur la dernière décennie, j'ai décidé que cette tranche temporelle imposée ne serait pas une contrainte mais le sujet même de l’exposition. Confronter des œuvres d’artistes qui n’avaient rien demandé avec une frise chronologique d'articles de presse reprenant des événements de la décennie, c’était tenter de provoquer un choc, sans en maîtriser par avance les conséquences en termes de forme ni de signification.Le deuxième mot serait le ZEITGEIST, ce fameux esprit du temps, qui est lié à l'idée de "génération". Le Zeitgeist, c’est ce que chacun voudrait saisir sans jamais y parvenir. L’Histoire s’écrit toujours a posteriori, et je crois que les années 2000 sont trop proches pour qu’on puisse en saisir les spécificités. Par ailleurs, ce qu’on peut saisir d'une époque relève toujours partiellement d’une fiction et cela est également vrai pour l’histoire de l’art. Dans cette exposition, il s’agissait moins de saisir ce Zeitgeist que de lui tendre un piège, en multipliant les liens plus ou moins explicites entre les faits et les objets pour épouser en creux la forme de cet esprit du temps..Comme troisième mot, je dirais le CHAOS qui détermine assez bien cette décennie qui a, je crois, contesté l'idée d'un développement uniforme et linéaire de l’Histoire. Les perspectives sont éclatées. Je pense que c’est un phénomène profond qui crée de l’incertitude mais aussi beaucoup de curiosité pour le présent. La coexistence de mondes compossibles me paraît très intéressante à observer, y compris dans l’art, où il n'y a pas qu'une vision moderniste et post-duchampienne, mais plusieurs histoires qui peuvent avoir des connexions inattendues, que le médium exposition peut parfois révéler. [caption id="attachment_1007" align="alignright" width="300" caption="Vue de l&#039;exposition. Copyright ENSBA (1er plan :  Adam Vackar, onomatopoeia, 2011)"][/caption]M.B. Risque, Zeitgeist et chaos : seraient-ce des valeurs propres à la contemporanéité ? Est-ce que l’exposition en donne une définition possible ?G.D. Il s’agit plutôt de faire ressentir. La question que je me suis posé au départ, comme n'importe quel curateur je crois, c’est : « Je suis invité par l’école nationale des beaux arts de Paris à faire une exposition bilan de ses dix dernières années.  Premièrement, quelle sélection opérer parmi tous ces artistes qui ont fréquenté l'école ? Et deuxièmement, comment trouver des liens entre ces artistes ? » La facilité aurait été de prendre les quarante plus reconnus, puis tirer des lignes, par médiums, ou de manière plus abstraite par thématiques larges, avec un titre indéterminé comme « théâtre du réel ». Mais je n’ai accepté cette exposition qu’à la seule condition de trouver un propos spécifique à tenir à l'occasion de cette commande. Sinon, il était clair que je ne l’aurais pas faite.  Le corpus était à la fois large (plus de mille élèves sortis de l’école dans la décennie) et restreint puisque l’Ensba n’est pas représentative de l’art dans le monde. Dès lors, la colonne vertébrale de l’exposition consistant à s’interroger sur l’art et ses relations synchroniques avec le monde, la question de la sélection était beaucoup moins essentielle au projet, même si ce choix a été une démarche à la fois complexe et passionnante.M.B. C’est une exposition paradoxale puisqu’elle allie un point de vue subjectif sur des œuvres et une forme qui se voudrait plus objective à la base.G. D. J’espère que toute exposition est un minimum paradoxale, ce qui ne veut pas dire contradictoire dans son ensemble. [caption id="attachment_1008" align="alignleft" width="137" caption="Virginie Yassef, Détecteur d&#039;oubli (détail), 2004"][/caption]M.B. Envisagez-vous l’œuvre d’art elle-même comme un objet autonome pouvant fonctionner indépendamment de sa réalisation et être compris librement par le spectateur ?G. D. Absolument, et heureusement. L’exposition de l'ensba met en place des liens avec un contexte, mais de façon désynchronisée. L'œuvre d'art en tant que phénomène reste autonome et indéterminé, tout comme l'événement historique d'ailleurs. Pour cette exposition, il y eu un grand travail en amont pour réunir les quatre cents articles de journaux. C’était un processus long et laborieux consistant à faire des tableaux chronologiques, des recherches dans la presse, etc... Et à cette occasion, je me suis aperçu que contrairement à ce que j'imaginais,  un événement n’a pas de date fixe. L'événement est un point grésillant, incertain, mobile. Dès lors, confronter un choix d'oeuvres d'art et une ligne d'événements, c'était confronter deux chaos.M. B. Je vous propose de poursuivre avec la forme d’un autre entretien que vous aviez imaginé : Tabou : prendre les dix mots les plus utilisés par l’artiste dans ses entretiens précédents et lui interdire de répondre avec. [Je choisirai la] VARIANTE : donner uniquement ces mots à commenter [en m’appuyant sur le texte du catalogue de l’exposition « 2001-2011 : Soudain, déjà »]. GENERATIONG.D. L’histoire de l'art est faite de ruptures artificielles, qui sont elles aussi indatables. Donc ce terme est plus quelque chose de pratique que de défini. [caption id="attachment_1009" align="alignright" width="300" caption="Vue d&#039;exposition. 1er plan Virginie Yassef, Billy Montana (version brun foncé), 2004-2008 2nd plan : ligne du temps de l’exposition. Copyright ENSBA"][/caption]LIENSG.D. C'est la base du travail de commissaire d’expositions. Opérer des articulations, faire des liens entre l’art et le public, et entre l’art et le monde.TIME LINEG.D. C’est une idée simple pour représenter la course de l'histoire. Je l'ai adoptée pour l'exposition de l'ensba en ayant quelques exemples en tête : une exposition de la Tate Modern qui s’appelait « Century City », la frise de l'escalier du MHKA à Anvers ou les magnifiques expositions de Group Material.Après la ligne du temps, les LIGNES DE FORCEG.D. Les lignes de force renvoient à des flux invisibles et souterrains qui pourraient dessiner quelques grandes tendances de l'époque, en déterminant plus ou moins secrètement des comportements ou des manières de penser. Un exemple simple : Internet. Les cogniticiens s’intéressent aux changements de comportements physiologiques ou psychologiques qu'il implique. Parallèlement, un intérêt pour le passé, l'objet-livre, et certaines images surannées, que l'on a vu beaucoup dans des expositions récemment, est peut-être une réaction à ce savoir dématérialisé. Ce sont ces perspectives divergentes qui trament le présent, proche de l'idée de "meshwork" dont parle le penseur américain Manuel De Landa, ou comment ce monde chaotique produit une relative stabilité.HETEROGENEITEG.D. Quand je travaille une exposition, je me méfie de la cohérence et l’homogénéité. Une exposition intéressante, c'est selon moi le contraire : des tensions, des chocs, une aventure, une expérience.SUBJECTIVITEG.D. Elle est présente dans toute prise de décision. Mais la subjectivité doit être partageable et partagée. Elle ne relève pas de l’autobiographie.[youtube]https://www.youtube.com/watch?v=zfAY3j4iA5M[/youtube]M.B. Autre type d’entretien, toujours en référence à vos propositions issues de l’article : Entretien d’embauche : à partir du C.V. (présentez-vous en quelques mots, pourquoi avez-vous choisi cette voie ?, parmi tout ce que vous avez fait, où avez-vous le mieux réussi ?, quels sont vos principaux défauts / qualités ?, que pouvez-vous apporter de nouveau ?), on pourra confier cette tâche à un véritable cabinet de recrutement.Présentez-vous en quelques mots.G.D. Je m’appelle Guillaume Désanges. Je suis commissaire d’expositions et critique d'art. J’ai fait ma première exposition, Pick-Up, en 2004 dans un lieu qui s’appelait Public, à Paris . Ensuite, j’ai fait plusieurs projets à différentes échelles dans des centres d’art et des musées, en France et à l’étranger. Depuis quatre ans, je travaille en freelance. Dernièrement, j'ai développé au centre d'art le Plateau à Paris un programme intitulé « Erudition concrète » où il s’agissait d'aborder les relations entre art contemporain et connaissance, et au Centre Pompidou Metz, je suis le co-commissaire de « Erre », une exposition sur la perte, l’errance, qui est d'ailleurs une autre manière d'aborder la notion de chaos.M.B. Au sujet de l’exposition Erre, je voudrais cette fois vous soumettre à l’entretien « Stimuli ».Entretien stimuli : soumettre l’artiste à un certain nombre de stimuli (visuels, sonores : images, extraits de films, musiques, citations, etc.) et recueillir ses réactions .J’ai choisi la forme de la citation :- « Même quand on erre, on ne se dirige pas au hasard » (Sur le Jadis, P. Quignard, p. 15).G.D. C’est une jolie phrase, mais ne sachant pas de quel contexte elle est sortie, il m'est difficile de la commenter. En tout cas, il est évident que l'errance est une forme particulière de parcours, d'évolution mentale autant que physique. Et c’est l’un des aspects de cette exposition au Centre Pompidou Metz dans laquelle il s'agit d'actualiser le motif du labyrinthe, à travers l'idée de la perte comme méthode pour appréhender le monde. Avec Hélène Guénin, la co-curatrice, nous avons pensé cette exposition comme une sorte de dépliage métaphorique qui privilégie l’errance aux chemins linéaires, la ligne de traverse à la ligne droite, l’inconnaissance à la connaissance, la complexité à la simplicité. A ce sujet, j'ai réalisé a posteriori que peu de lecteurs ont pu comprendre l'allusion que j’ai faite dans le titre de mon texte du catalogue, à savoir remplacer la « méthode PERT » par "la méthode PERTE". La méthode PERT est utilisée dans le management comme une forme d’optimisation des conditions pour réaliser un projet. Et la « méthode perte » dont je parle, consisterait à aller à l’encontre de ce principe en imaginant que la perte et l’errance, loin d’être une dépense inutile, produisent quelque chose. Le vrai vide, la vraie vanité réside peut-être dans une volonté de balisage et d’optimisation, et le progrès linéaire peut être vu comme une fiction moderniste.M.B. Lorsque vous concevez ce type d’expositions, pensez-vous d’abord à la place du spectateur et à la déambulation dans l’espace ?G.D.  Oui, c’est essentiel. Je pense une exposition en termes d’arpentage, de scénario, de rythme, de façon à créer une progression, mais aussi des ruptures, des chocs. Je ne réussis pas toujours, mais ce qui m’importe, c’est de lutter contre l’ennui et l'indifférence.M.B. Qu’est-ce qui détermine qu’une œuvre est active plus que réactive, selon vous ?G. D. Les œuvres que j’aime, je les considère comme actives même s'il n’y a pas de critères précis qui définit cela. Être actif signifie être dans une relation non fonctionnelle et non déterminée par rapport à un contexte. Une œuvre active est une alternative aux formes dominantes, qui ne se soucie pas de ses propres coordonnées dans l’histoire de l’art.M.B. Avez-vous des protocoles spécifiques ?G.D. Chaque exposition est une situation nouvelle. Je me méfie des protocoles en amont. Pour l’Ensba, par exemple, l’idée consistait à mettre de manière volontariste l’art au centre d’un réseau de faits d'actualité. C’était l’intention, mais la décision de mettre des fils dans l'espace est venue très tard. C’est une décision qui s'impose à la fin d’un processus de réflexion. Donc aucun protocole d'exposition n'est a priori.M.B. S’agit-il d’inventer de nouveaux formats d’exposition ?G.D. Je suis venu à l’art par les expositions. J’aime les expositions. Mon but n'est donc pas de défier ou de contester cette forme, mais en revanche, je crois qu'il ne faut pas s’interdire de modifier les formats, d’être créatif, si cela s'avère nécessaire pour renforcer un propos. L’intention principale, c’est partager l’amour de l’art, raconter des histoires qui nous paraissent intéressantes pour tous. Donner à ressentir et à penser, sans choisir entre intelligence et sensualité : voilà la façon dont j’envisage l'horizon du métier de commissaire. Et pour cela, à certains moments, j’ai eu recours à des protocoles d’expositions qui n'ont pas pris une forme absolument classique.M.B. Enfin, un autre type d’entretien :- Le transfert : préparer des questions pour un artiste, les poser à un autre. VARIANTE : voler des questions à des entretiens existants (paraphrasant Douglas Huebler : les entretiens d’art sont remplis de questions plus ou moins intéressantes, pour avoir envie d’en rajouter même une seule).Selon la variante, je reprendrai la question d' Elisa Fedeli : Quels sont vos projets à venir? G.D. J'ai plusieurs projets d'expositions que je suis en train de développer, l'un autour de la « relation » au sens littéraire du terme de « relater », l'autre qui part de la pornographie militante, ainsi qu'un projet d'écriture d'une pièce de théâtre, que je considère comme  un travail curatorial.Propos recueillis par Muriel Berthou Crestey, décembre 2011.