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[caption id="attachment_476" align="alignleft" width="300" caption="Hervé Guibert, Autoportrait, New York, 1981 © Christine Guibert"][/caption]L’exposition rétrospective de la MEP consacrée à Hervé Guibert (1955-1991) jusqu’au 10 avril tend à reprendre la vie là où il l’avait laissée : dans ses photos. Rongé par une maladie qui ne lui permet guère d’envisager un avenir, il ne lui reste plus qu’à dévisager le présent, à regarder ces beaux moments. C’est dans les années 1980 qu’il réalise alors l’essentiel de sa production organisant des ponts entre photographie, littérature et critique (pour Le Monde). Dans ses Autoportraits, il pose comme un objet au milieu de paysages intimistes. Souvent, le regard est pénétrant. Parfois, il apparaît le visage interrogatif, habité ou défait. Son fantôme acquiert une image tangible. Inéluctable et obsessionnelle, la pratique d’Hervé Guibert est décomposée, hachée entre drame, intimité, affects, reflets d’une époque et anecdotes visuelles. C’est dans les scènes d’intérieurs que le rollei 35 offert par son père parvient le mieux à retranscrire les ambiances. Les sujets (famille, amants, amis) se mobilisent pour trouver une place parmi les draps, billes, tulipes, boules de Noël, ombres chinoises, moustiquaire, marionnettes, livres, ciel, fumée, déguisements, table de travail et machine à écrire… Pourtant, ces petits formats noirs et blancs génèrent, ensemble, une dimension implacable et tendent souvent à ne montrer qu’un seul visage, le sien.« Longtemps je n’ai supporté et laissé passer de moi qu’une image statique qui ne donnait rien d’autre à voir que son masque, une indication de traits noirs sur la pâte morphologique du visage poudré par la lumière, une tête sans corps et sans front, avec une masse de cheveux bouclés, un regard droit portant le défi du vide, d’une résistance ou d’une inquiétude, le seul signalement d’un nez, le tissu charnu d’une bouche auquel la photo rend la moindre innervation, et qui ne desserre jamais ses lèvres, une sphère à la fois plate et modelée, qui honnit l’angulosité du profil et la réalité masticatoire des dents, et se redonne immuablement, trop sûre de son impénétrabilité, comme l’angelot d’un chromo : une moue posée sur une main fermée[1] ».Obnubilé par la recherche d’une vérité, Hervé Guibert apparaît là où on ne l’attend pas. Car c’est bien lui qu’on discerne, en creux, dans les écorchés et moulages photographiés dans sa jeunesse au Musée Grévin, semblant avoir pris chair, comme des morceaux de corps auxquels il est parvenu à imprimer une émotion. Ainsi, Hervé Guibert a instillé à ces natures mortes une ambiance comparable aux univers intimistes que Vermeer conférait aux représentations de la vie domestique de son époque. Il a envisagé les lieux comme des anatomies. Il a vu ses objets comme des formes assimilables à son intériorité. Enfin, il a photographié des personnes parce qu’il les aimait à cet instant. Ainsi définit-il le choix de son sujet immergé dans des mises en scène où les pièces s’apparentent à des instances psychiques, comme dans les visions oniriques. Les espaces sont pris en surplomb ou dans la lumière crue d’un face à face, sans issu. L’objectif du photographe consiste à immortaliser un laps de temps. Compte tenu du cadre où ces images prennent place, cette ambition communique alors un sentiment inverse à sa devise : « ne pas perdre espoir, c’est le moment ».[caption id="attachment_477" align="aligncenter" width="300" caption="Hervé Guibert, Sienne, 1979 © Christine Guibert / Collection Maison Européenne de la Photographie"][/caption]Parangons de l’esthétique du journal intime, les images pour lesquelles le visiteur enthousiasmé se presse propagent pourtant en lui un sentiment d’oppression inéluctable. Si la mauvaise retransmission sonore de la vidéo de 1991 La Pudeur ou l’Impudeur gâche en partie sa réception lors des fortes affluences, elle propage malgré tout une compassion dépassant le champ d’une pratique traversée par la sentinelle du Moi. Narratives et disertes, ses photos sont jalonnées de coutures perceptives (les marges existant entre chaque clichés composant autant de blanc à investir par l’imaginaire du spectateur). Le visible, pour lui, s’écrit.Exercices d’admirations ou miroirs d’une intériorité duplice, les images d’Hervé Guibert apparaissent comme un moyen de scruter les traces de ses états d’âme sur une pellicule qui semble progressivement plus sensible aux marques que la maladie lui inflige. Hanté par le présent, il étudie en profondeur cet « effet de surface » que représente la photographie selon Wittgenstein, sortant d’une optique de la description pour mener une approche des « airs de famille » appliquée à partir de son seul visage. Et lorsqu’il se cherche dans les yeux de l’autre, c’est souvent dans l’intention d’y voir le reflet lissé de ses propres blessures.[1] Hervé Guibert, « L’image de soi ou l’injonction de son beau moment ? » in Hans Georg Berger, Hervé Guibert, Dialogue d’images, William Blake &#38; Co, 1992, n.p.