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&#160;[caption id="attachment_1398" align="aligncenter" width="474"] Grégoire Alexandre, Histoires Parallèles, Villa Noailles.[/caption]Muriel Berthou Crestey. Souvent, le processus de création de l’image est dévoilé en intégrant du matériel de studio (pieds, câbles) dans le champ. Est-ce pour montrer l’image en train de se faire ? Grégoire Alexandre. Globalement, j’aime bien préserver une ambiguïté dans mes images. Je ne le fais pas systématiquement mais c’est vrai que j’aime bien désamorcer le premier degré et l’idée de faire complètement illusion, tout en ayant des moyens superficiels. Le fait de montrer le dispositif instaure un deuxième degré. Dans un sens, cela permet de recontextualiser. Et en même temps, cela fait travailler encore plus l’imagination en donnant une échelle et en ancrant la scène dans la réalité des choses. Sinon, les mises en scène pourraient sembler très abstraites. Le studio est un lieu tout blanc, sans repère, ni mur ni plafond. Du coup, le fait de réintégrer quelques éléments concrets redonne une réalité et des clés de lecture pour situer les images. En même temps, je ne le fais pas de manière réaliste. Souvent, je le pervertis un peu. Les mises en scène sont « faussement réalistes ». Je ne mets pas les choses dans la situation où elles devraient l’être vraiment. Si je pense à des images en particulier, j’ai installé par exemple des parapluies dans une situation telle qu’ils font penser à ceux que nous utilisons en studio. Cela rend la scène ambigüe. Un grand parapluie d’éclairage venu recouvrir le mannequin devient une intrusion dans la photo. J’essaie de pousser à l’extrême certaines situations. Dans une série, j’avais habillé toute l’équipe et pas seulement le mannequin. Je cherche à créer des fictions qui ont l’air réalistes. Toutes ces images peuvent avoir des statuts différents.[caption id="attachment_1399" align="alignright" width="232"] Grégoire Alexandre, Christian Lacroix, Histoires de Mode, Musée de la Mode et du Textile. Grégoire Alexandre, Christian Lacroix, Histoires de Mode, Musée de la Mode et du Textile.[/caption]-Quels sont les lieux privilégiés : le studio ou les prises de vue en extérieur ?-J’ai plus développé un langage de studio. Cela m’arrive de shooter en extérieur mais je cherche alors à créer une distanciation par rapport au réel. J’aime bien l’idée d’intervenir sur l’environnement pour ne pas être trop littéral. -Le projet créé à Deauville est une exception.-Ce projet inversait un peu mon approche habituelle. Le traitement consistait à réaliser des installations à partir de l’environnement de la plage qui est un espace vide de tout et du coup, j’introduisais des dispositifs pour créer une distanciation. C’est de l’extérieur traité comme du studio. J’utilisais des cadres moirés, des tracés au sol… J’aime bien l’idée de rendre les choses un peu plus abstraites. [caption id="attachment_1419" align="aligncenter" width="473"] Grégoire Alexandre, Deauville, Planche(s) Contact.[/caption]-Existe-t-il un prolongement entre les pratiques de commande dans le champ de la mode et les projets personnels ? -J’aime bien la commande. Je trouve que c’est un bon levier pour la création. Cela me permet d’avoir un temps déterminé, un contexte dont j’ai besoin. Quand on me laisse trop de liberté, j’ai du mal. J’apprécie le fait d’avoir des échéances et des moyens associés aux projets. Mais il arrive que la commande soit un peu contraignante ou qu’elle concerne un objet très fort et pas excitant en tant que tel. J’aime l’idée de faire des images qui puissent être lues dans un autre contexte que celui de la marque qui m’a passée la commande. Je veux faire des images autonomes, au final. Parfois, la nature de la commande rend les choses trop lourdes. Souvent, je fais des « à-côtés » : le décor vide ou le contexte… J’utilise une partie de ce que j’ai mis en place pour la commande ou bien un état un peu différent de la prise de vue pour en donner une vision plus subjective. Dans la destruction d’un décor, je trouve parfois quelque chose qui m’intéresse. En ce moment, j’ai envie d’initier des choses un peu différentes et j’essaie de repartir sur autre chose. Je fais des bricolages, hors commande, chez moi.-Il y a une dimension expérimentale et artisanale dans les images avec beaucoup de mises en scène et de constructions d’objets en amont de la prise de vue. Comment se construit le projet de départ ? -Il y a toujours une phase de préparation et d’anticipation. Je trouve plus intéressant d’utiliser des moyens propres à la photographie et je souhaite mettre les choses en place dès la prise de vue. Photoshop m’intéresse peu pour trouver la composition. C’est plus pour le traitement final. -Comment s’organise le travail d’équipe, notamment avec le décorateur Jean-Michel Bertin ?-C’est un ami. Et parfois, on imagine des projets qui nous amusent sans même qu’ils proviennent de commandes. Je travaille aussi avec d’autres décorateurs. -Comment s’est fait le projet avec la licorne en origami ?-C’est le genre de commande que j’aime bien. Elle venait d’une marque de papier. Nous avons travaillé sur une dizaine de photos. Ce projet a un statut particulier puisqu’il y avait une agence derrière. Ils avaient arrêté certaines idées, avec le projet d’un conte. J’ai fait des propositions d’images plus concrètes. L’idée du prolongement entre le fond papier et la forme en origami me trottait dans la tête depuis longtemps. J’avais d’ailleurs réalisé une série de natures mortes dans ce sens mais à une plus petite échelle. Parfois, j’explore les solutions formelles dans différents formats afin de voir ce qui fonctionne le mieux. Ce projet a été réalisé avec le décorateur Hervé Sauvage. Parfois, j’ai une idée très précise de ce que je veux et à d’autres moments, ce sont les discussions qui m’amènent à concevoir le projet.-Dans quelle mesure les retoucheurs interviennent-ils ?-Je travaille avec un labo de retouches mais plutôt sur les projets de pub. Il peut y avoir des allers-retours assez laborieux et je préfère avoir un intermédiaire. En pub, il faut une discipline de travail et une rigueur qui permettent des ajustements en fonction des remarques de l’agence et du client. [caption id="attachment_1416" align="alignleft" width="216"] Grégoire Alexandre, FIAMH 2015[/caption] Pour tout ce que je produis en édito, je me charge moi-même des retouches. En fait, j’utilise plus Photoshop avec l’esprit de l’agrandisseur, pour caler les chromies et contrastes. Cela peut m’arriver d’enlever un fil ou de faire un peu de nettoyage. Mais je ne supprime pas toutes les attaches.-Il y a une dimension onirique et en même temps, cela reste de l’ordre du probable. Les images sont ancrées dans une matérialité et un rapport physique à l’environnement. Est-ce un parti-pris ?-Je cherche à faire sentir le poids et la réalité des choses. Concrètement, le pliage en papier a une consistance et cela peut exister. C’est une forme fantastique qui gagne en impact du fait que ce soit crédible. C’est ce qui me pose problème dans beaucoup de films fantastiques utilisant le numérique car cela uniformise les représentations. L’esthétique s’appuie sur la sobriété. Est-ce un choix ?-Je préfère l’économie de moyens. J’aime bien la simplicité.-Peut-on anticiper le résultat au moment de la prise de vue ?-Cela dépend quoi. Si c’est une nature morte, c’est plus facile. Parfois, on peut envisager le résultat. Mais même une composition ne permet pas cette anticipation dans la mesure où on peut difficilement imaginer la mise en perspective des différents éléments ensemble. -Un portrait comprend certainement une dimension encore plus aléatoire.-L’image dépend à la fois de notre action et de celle de la personne devant l’appareil. Ce sont les cas de figure que je préfère. Lorsque l’idée de départ n’est qu’une image mentale et que l’inattendu peut surgir, cela dépasse ce que j’avais en tête et je vois ça comme un enrichissement. Je pense à l’image où le modèle est sur le support de fond et où elle doit tenir le rouleau de papier sur lequel elle est installée. À force de le manipuler, il lui a échappé des mains et cela a créé une forme un peu étrange qui la recouvre en partie. Le hasard a créé une image plus intéressante que celle que j’avais au départ. J’aime bien me positionner dans un équilibre un peu précaire. Je fais en sorte que les compositions gardent une fragilité, pour avoir une dynamique graphique et conserver le côté un peu précaire des situations.-Il y a une dimension narrative qui reste contenue dans tes images. Est-ce la conséquence d’une attirance pour le cinéma au départ ?-Je me méfie un peu de la dimension narrative. J’essaie de me positionner [caption id="attachment_1440" align="alignright" width="160"] Grégoire Alexandre, Esquire[/caption]dans une situation intermédiaire où j’amène des éléments d’une fiction tout en préservant une position réelle qui permette au spectateur de se projeter. Souvent, je fais quand même des dessins rapides pour faire comprendre les choses à l’équipe ou même pour soi-même. Mais c’est très sommaire. -S’agit-il d’une équipe pérenne ?-Cela change à chaque fois mais il y a des personnes avec qui je travaille régulièrement. Cela évolue en fonction des contextes et des demandes. C’est assez varié. Il y a des gens qui reviennent régulièrement.-La question du corps et de son extension possible avec des prothèses est récurrente. -Ce type de travail est de l’ordre de l’image mentale et joue avec l’idée de donner à voir des choses abstraites. J’envisage tous ces accessoires et ces extensions du corps comme un prolongement des pensées.-Est-ce une façon d’interroger la dialectique entre apparence et essence ?[caption id="attachment_1442" align="alignright" width="240"] Grégoire Alexandre, 7ème ciel, Libération[/caption]-Oui, ce sont des images sans réponse. J’avais réalisé tout un dossier sur le thème du secret où j’avais fait des expérimentations avec des projections et des vitres. Le thème de la dissimulation et l’ambiguïté entre le montré et le caché m’intéressaient. -Les titres des commandes initiales ne figurent pas toujours dans les publications.-Je préfère décontextualiser. Et j’aime beaucoup les thèmes assez larges afin qu’ils puissent être perçus indépendamment du contexte d’origine. Il est arrivé qu’on me contacte pour utiliser des images précédemment réalisées en les appliquant dans d’autres contextes. Ce sont des images où il y a beaucoup d’interprétations possibles et elles peuvent être pensées par rapport à l’identité. Dans le livre de HSBC, j’avais renommé les photos en donnant des titres simples, comme « installations ». Parfois, les projets sont quand même liés à de gros clients ayant mis à disposition des moyens importants donc cela paraît plus correct de les mentionner. Mais je ne m’appesantis pas trop là-dessus. Mes expositions mélangent souvent des prises de vue issues de différents contextes.-Les images sont intemporelles, non datées.-Sur mon site, je ne pense pas qu’il y ait la date, effectivement.-Quels sont les supports privilégiés ?-En termes de magazines, certains m’intéressent clairement plus que d’autres. Mais cela ne se joue pas tant en termes de formes que de contenus. Dans l’absolu, je préfère la forme publiée à l’exposition. Je suis un grand consommateur de livres et je ressens plus de proximité avec l’image imprimée. Je suis un peu moins enthousiaste pour aller voir les expositions. Je ne peux pas dire que je collectionne même si j’ai beaucoup de magazines. Je me freine. Maintenant, tout est fait pour que la photo soit collectionnée avec les tirages vintage mais je ne suis pas dans cette logique. À présent, je me limite aux photographes qui me motivent vraiment. -Quel est le rapport avec l’image virtuelle ?-Je suis un utilisateur d’Internet, comme tout le monde maintenant. Mais je reste attaché à l’image publiée. Je n’utilise même plus de book papier. Le numérique a évidemment changé la donne. En termes de rapports aux médias, je pense que cela transforme vraiment le rapport au monde. Comme je suis dans une approche distanciée de la réalité, je pense que le numérique me convient bien. C’est tellement plus facile à tous les niveaux… C’est un gain de temps et d’argent. J’ai beaucoup travaillé au flash mais j’ai envie de revenir en lumière continue ou en lumière du jour. Je souhaite retrouver des atmosphères moins froides et abstraites. Sur le matériel, j’ai un boîtier très précis pour le studio mais j’ai peu de souplesse et en extérieur, je préfère utiliser un autre boîtier ayant un tout petit peu moins de définition mais cela n’apparaît pas dans l’image finale car ce ne sont pas des différences majeures.-Comment s’est faite la collaboration avec Christian Lacroix ? Était-ce facile de travailler avec un couturier qui privilégie le baroque, la surenchère et la surabondance lorsqu’on préfère en général la sobriété ? -C’est une rencontre importante, en plusieurs étapes. Je l’ai rencontré en 2006 par l’intermédiaire d’Olivier Saillard qui était alors conservateur au Musées des Arts décoratifs, pour une commande liée à une grande exposition de Lacroix revisitant les collections du musée en mettant ses propres pièces en regard. J’ai donc été amené à photographier tous les vêtements à plat dans les réserves du musée des arts décos. Alors que j’étais en train de réaliser cette commande, il m’a proposé d’autres projets, notamment sa collaboration avec la Redoute. Concevoir une commande pour ce catalogue de vente par correspondance impliquait bien sûr des contraintes. Il s’agissait d’objets assez hétérogènes (vêtements portés, mobilier, accessoires…) De leur côté, ils avaient pensé à un extérieur mis en scène, avec un côté théâtral. Finalement, nous sommes partis en Camargue. Je voulais faire cohabiter des choses aux échelles variées en jouant sur des perspectives compensées ou faussées, s’organisant selon le point de vue de l’appareil (comme le fait Georges Rousse). Nous avons construit tous les décors en passant une semaine sur place. Je shootais à la chambre et le contexte de travail était idéal. Nous avons construit des scènes intérieures obéissant à certains alignements, en jouant sur la profondeur. En même temps, avec Christian Lacroix, il y avait une facilité. Il me faisait une grande confiance et est très respectueux du travail. Il n’est jamais intervenu. La saison d’après, nous sommes repartis en studio avec les mêmes contraintes. J’ai fait un livre pop ’up géant qui permettait de contourner la question de l’échelle des objets en utilisant des images imprimées surdimensionnées. C’est une approche différente mais toujours ludique. Ensuite Christian Lacroix m’a invité aux Rencontres d’Arles en 2008 pour ma première vraie exposition personnelle. Nous avons eu quelques autres collaborations professionnelles et j’ai eu également l’honneur et le plaisir qu’il accepte d’écrire la (magnifique) préface de mon livre pour le prix HSBC avec Actes Sud.[caption id="attachment_1435" align="aligncenter" width="446"] Grégoire Alexandre, Les années 50, Palais Galliera.[/caption]-Est-ce que les années 1950 sont une référence?-Je me sens certaines filiations avec Blumenfeld dans son côté expérimental et assez désincarné. Irving Penn et Avedon sont aussi très présents dans mon imaginaire. Et même au-delà de la photo, une des influences que j’ai identifié après-coup, c’est la comédie musicale des années 1950. Je suis sûr qu’il y a un parallèle à faire. J’aime beaucoup Chantons sous la pluie, par exemple, où il y a en même temps une réflexion sur le cinéma et un basculement entre les univers fantastiques et réels. -Il y a une rencontre entre plusieurs arts avec notamment l’utilisation de la sculpture. -Dans l’image avec les moulages de mains, il s’agissait de présenter des montres. Les moulages permettaient une approche plus distanciée du corps et une recherche expérimentale sur la matière. J’étais sur des choses dépouillées ; À présent, j’ai l’impression de plus me nourrir de peintures. C’est peut-être plus référencé aussi . Une autre série consistait à présenter des faux paysages et cette image de la grotte correspond pour moi à une étape, qui est moins dans la mise en abyme du studio, plus dans la construction d’un au-delà.-Qu’en est-il de l’image en mouvement ?-C’est une question qui se pose de plus en plus mais je suis encore partagé sur ce type de réalisations. En pub, cela m’arrive de faire un peu de vidéos mais le niveau de contraintes est alors très élevé. Je me concentre d’abord sur la photographie car je n’ai pas la même spontanéité avec la vidéo. Je vais voir comment cela évolue. Les premières expériences à ce niveau-là sont agréables.  [caption id="attachment_1437" align="alignright" width="312"] Grégoire Alexandre, L'orient des femmes / Musée du Quai Branly[/caption]-Il y a une double sélection des images : pour la publication en magazine et ensuite pour les images incorporée au corpus photographique. Quels en sont les critères ?&#160;-Ils dépendent aussi des commandes. Cela peut être très varié. Il arrive que nous tombions d’accord de manière spontanée sur les mêmes photos. Ce que je garde pour mettre dans mes expos ou sur mon site nécessite une articulation avec l’ensemble. Je fais parfois des photos que j’aime bien mais qui sont trop différentes du reste pour être intégrées au corpus. Sur mon site, j’ai fais une catégories « portrait » à part. -Est-ce une catégorie qui est abordée différemment ? - Pour les natures mortes, je peux être décisionnaire du début à la fin. Pour un portrait, je représente quelqu’un qui a sa propre histoire, je dois tenir compte de qui il est. Il ne s’agit pas de plaquer un concept. Parfois, on dispose de peu de temps. C’est un niveau de contrôle différent. J’essaie de préparer des choses à l’avance. Mais on a beau faire des repérages, il y a forcément une dimension de l’ordre du hasard. Je sais que ce type d’images résonne moins avec mon travail. -Certains projets relèvent-ils de challenges ?-Oui, cela peut m’amuser au départ mais a posteriori, cela ne se rattache pas nécessairement à l’ensemble de ma pratique. -Quel rapport aux couleurs ? Y at-il une gamme chromatique privilégiée ?-J’essaie des choses différentes. Quand on est dans des studios blancs, je suis plus dans des nuances de gris légers. C’est lié à la recherche de l’épure et de la simplicité, également. « Trop de couleurs distrait le spectateur » (Tati). Mais je veux prendre plus de liberté avec cela, maintenant. Il ne faut pas non plus s’enfermer dans un système. Je tends à quelque chose d’un peu plus incarné. Beaucoup de gens reviennent vers le film pour cette raison. Il y a des subtilités dans l’argentique que je voudrais retrouver avec d’autres moyens.-Est-ce que les prises de vue se font toujours dans le même studio ? [caption id="attachment_1450" align="alignright" width="300"] Grégoire Alexandre, Shopping 5.[/caption]-À Paris, il y en a quatre ou cinq que j’utilise régulièrement. J’ai beaucoup travaillé à Londres également et depuis trois ans, je vais régulièrement à New York aussi. Mais les studios sont les mêmes partout, quels que soient les pays. C’est l’avantage du studio d’offrir une base sans surprise… et sa limite. -Quels sont les projets actuels ?-En ce moment, entre différentes commandes, je bricole à la maison sur des matériaux et des formes que j’aimerais réinvestir dans mon travail photographique. 