{"word_count": 1417, "character_count": 8731}
Compte-rendu de la séance du 12 décembre 2014 : « Finir le Moyen Âge » (II)Liste des présentsFlorian Besson, Julie Pilorget, Cléo Rager, Diane Chamboduc, Julie Duruflé, Eugène Priadko, Catherine Kikuchi, Matthieu Rajohnson, Lucien Dugaz, Charlotte Kempf, Anne Kucab, Sung-Wook Moon, Benedetta Fordred, Melissa Barry, Jan Burzlaff, Mathias Sieffert, Sarah Delale, Elodie Pinel, Stéphanie Richard, Cécile Troadec, Mélanie Lévêque-Fougre, Aurore Léon, Frédéric Adroma, Céline Ménager, Fanny Mayemba, Anna Migdal, Roseline Amable, Pauline GuénaRoseline Foltz-Amable : Les arts de seconde rhétorique            Les arts de seconde rhétorique : ces textes ont pour sujet principal la mise en vers, sont des arts de rimer qui portent souvent dans leur titre les mots « laïc » ou « vulgaire ». L’art est un type de texte qui renvoie à une technique permettant la maîtrise de la création. « Seconde rhétorique » : la première serait donc celle des clercs, celle en latin. Le but de ces textes est donc de rendre compte du vers français : un siècle avant Du Bellay, s’ouvre l’ère d’une noblesse littéraire du français vernaculaire.            Ces traités permettent d’abord de construire une identité du vers français, entre héritages et ruptures. Héritages, car tous ces auteurs sont des clercs et/ou des hommes de cour : Jacques le Grand est prédicateur et enseignant, marqué par le rythme de la prose prédicative en latin. Ces clercs latinisés, « communauté de rimeurs », partagent des traits communs (ils sont tous imprégnés de culture antique notamment). On sent l’héritage de l’Antiquité : des copies de Cicéron circulent depuis la fin du XIVe siècle, et sa marque est très visible dans cette pensée de la rhétorique comme force civilisatrice du langage. Influence aussi d’Aristote.            Mais il s’agit aussi de s’émanciper du latin. Prise de distance nécessaire, car les problématiques propres au vulgaire ne peuvent être résolues avec les traités en latin : problème du e muet. La rime féminine est une spécificité de la versification vernaculaire (certains auteurs en profitent pour rappeler que l’imperfection vient du féminin...). L’objet de ces artes, c’est donc bien la langue vulgaire. Les auteurs tentent souvent de se raccrocher à ce qui existe déjà : Molinet cherche ainsi à privilégier certaines formes, condamnant des rimes non nobles. Le vers huitain est pensé comme fondamentalement français (« vers huytains, autrement appelez françois » écrit Molinet). Il s’agit même, dans un des traités, d’éviter de produire trop de latinismes : volonté de trouver des moyens propres au français. La césure est l’un de ces moyens : répondant au principe d’harmonie rythmique, elle devient une forme d’écriture spécifique.            Enfin, il s’agit d’une véritable quête de dignité de la langue. Même si les auteurs de ces traités savent récupérer à la fois les artes médiévaux et les traités des troubadours, l’enjeu est de détacher le vers de la musique. Eustache Deschamps détache totalement la parole versifiée de l’art musical : le vers, « musique naturelle », n’est plus tributaire de l’instrument, conquérant un nouvel espace. Plus de liberté et d’autonomie de la poésie. De fait celle-ci ne rentre plus dans les Sept Arts : réorganisation des champs conceptuels, nouvelle pensée des savoirs. Cette dignité de la langue va avec une dignité des poètes gallicans, mis sur le même plan qu Ovide et Christine de Pisan. Cette nouvelle langue va trouver sa place sur scène, et en retour le théâtre va trouver sa place dans les traités.Questions            Pauline s’interroge sur la postérité de ces textes et notamment sur leur lecture par Du Bellay : en fait il les déteste et dit qu’il faut tout en jeter. La Pléiade choisit une autre voie pour affirmer la poésie française.            Florian demande si ces traités se lisent entre eux ? Oui, c’est évident, mais vu leur forme (ils se présentent comme des tableaux de rimes...) c’est dur de dire qu’ils sont ou non d’accords entre eux, car tout est très concret.            Sarah souligne que derrière le mot poésie, il y a d’importants effets de mode. A l’époque la poésie se définit comme allégorie, et donc ces textes très concrets évitent sciemment ce mot.            Eugène demande si on peut alors parler ici de fin du Moyen Age. Roseline Foltz-Amable réaffirme que ces traités ne sont pas des « ponts » ou des « transitions » entre le Moyen Âge et l’époque moderne : il y a là une vraie coupure, une fin du Moyen Âge.Aurore Léon : la fin du Moyen Âge ou l’expression des possibles. Le laboratoire nantais comme illustration des renversements sociaux et processus d’ascension sociale dans un long XVe siècle            On se pose tous la question des bornes chronologiques dans nos recherches. Je vais tenter de souligner, à partir d’un exemple urbain à grande échelle, que borner une période revient parfois à effacer les enjeux de celle-ci. Ici, le cas de Nantes. Espace stratégique (plus grande ville et « capitale » de Bretagne), on voit une identité urbaine apparaître. Grande variété des acteurs sociaux, et c’est chez eux que se voit la transition au sein de ce long XVe siècle. Nantes est un lieu privilégié de l’affirmation de nouveaux acteurs, avec une très forte mobilité sociale. L’espace urbain est un espace social en lui-même. Cette nouvelle élite se constitue sur trois échelles : la ville, le duché de Bretagne, le royaume de France. Cette mobilité sociale ne s’explique pas par les événements politiques ou militaires : l’espace urbain est imperméable aux crises. Pour les habitants de Nantes, c’est dans la fidélité au pouvoir royal que se joue la possibilité d’ascension sociale : émergent des lignées familiales qui servent tour à tour (et parfois en même temps) la ville ou le duché pour construire leur ascension sociale : ex. de Lépervier. Tous ces officiers urbains et/ou ducaux savent en fait réussir autrement que par le service des armes. La ville joue comme un espace permettant à des acteurs très différents de se rencontrer. La ville est très autonome ; chacun cherche sa place et son rôle, et les fonctions de multiplient. Les charges pouvant être déléguées très facilement (affermage), cela facilite le cumul des offices. S’affirme, enfin, une élite laïque et religieuse, qui s’investit dans la ville et investit dans la ville (constructions,...). Des pratiques de sociabilité unissent ces élites entre elles (soins mutuels,...). Conclusion : pas de fin du Moyen Âge, pas de pessimisme d’une période qui se bouclerait, mais au contraire le dynamisme d’une ville saisie à une époque de possibles et de transitions.Anna Migdal : De l’imagerie chevaleresque à la virilitas moderne dans la figuration du XVIe siècle en Pologne            Comment change la représentation des chevaliers dans cette période censée être de transition ? On connaît les réflexions de Le Goff sur un long Moyen Âge qui s’étendrait jusqu’au XVIIIe siècle : peut-on parler de la pérennité de ce Moyen Âge ? La Renaissance n’est-elle que sa continuité ? Dans les figurations, la rupture n’est pas forcément évidente. Les signes d’un renouveau pictural sont donnés pour la première fois par les italiens, vers 1250 ; à la même époque, dans les pays d’Europe Centrale, l’art gothique s’introduit. Décalage dans la réception, donc. En Pologne, le gothique va dominer jusqu’au XVIe siècle : l’entrée de la Pologne dans le monde latin a été tardive et cela a forcément joué dans le développement des arts plastiques. Au XIIIe siècle, on a des représentations très classiques de chevaliers, sur des sceaux et des pierres tombales : en armes, sur leurs chevaux. Sur les panneaux d’autel, les chevaliers sont représentés en donateurs : à genoux, près du saint ou de l’autel. Dans les décors et les vêtements : on actualise, on représente la société actuelle. Mais il y a aussi des continuités : saint George terrassant le dragon : on retrouve cette image héroïque pendant tout les XVe et XVIe siècles, sans rupture. Mais en même temps les formes se dynamisent, les couleurs sont plus fines, les visages plus expressifs. On met en place des paysages, là où le Moyen Âge utilisant des fonds dorés, et, à partir de la seconde moitié du XVe siècle, on travaille la perspective. Les formes, notamment dans la sculpture, sont de plus en plus réalistes. Il y a pourtant un décalage majeur entre la peinture, où les continuités dominent jusque dans les années 1540, et la sculpture, qui connait une véritable révolution plastique suite à l’arrivée et à l’influence de sculpteurs étrangers. En sculpture, l’expressivité se développe, on travaille les détails, et on aboutit à des formes modernes, en partie héritées de l’Italie.La séance s’achève sans questions, faute de temps.