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« L'explosion des couleurs va très bien avec les drames. » (All About Almodovar, A passion for Cinema) L'expression est de Pedro Almodovar. Le réalisateur, connu pour son esthétique si particulière, donne en effet à la couleur un rôle primordial. Or, cette minutie vis à vis des décors et de la gamme chromatique est très lisible dans un film tel que Tout sur ma mère. Si l'ensemble des décors peut paraître parfois hétéroclite, avec des couleurs vives ou des motifs disparates juxtaposés, tout est pourtant d'une grande cohérence. Il s'agira donc d'analyser s'il existe bel et bien un chromatisme « almodovarien », et si oui, s'il obéit à une logique dictée par l'art et la symbolique des couleurs ?Comme souvent pour les œuvres d'Almodovar, l'affiche vient précéder le prisme chromatique du film tout entier. Ici, les couleurs dominantes de l'affiche sont avant tout le bleu et le rouge. Les couleurs secondaires sont le jaune et le noir. La palette joue donc avec les couleurs primaires. Dès l'affiche, le spectateur est également amené à voir une filiation entre Picasso et la figure du personnage féminin. Les yeux sont de tailles différentes, le nez est représenté de face alors même que la figure semble être de trois quarts, certains éléments comme le menton ou les lèvres sont grossis à outrance. Ainsi, il semblerait que les références artistiques d'Almodovar, ainsi que son esthétique, soient déjà affirmées dès l'affiche. En partant de cette affiche, on suivra donc un plan permettant d'analyser les trois composantes qu'elle nous donne à voir :des contrastes de couleurs forts sur une palette restreinte,une influence espagnole, couplée à une forme d'outrance,une connaissance des arts picturaux.&#160;UNE PALETTE SIGNIFIÉE ET SIGNIFIANTEA priori, les couleurs d'Almodovar s'ordonnent avant tout selon son goût. Adorant le rouge, il considère qu'un canapé carmin en dit beaucoup plus qu'un canapé violet. Pourtant, pour éviter toute construction théorique, il refuse régulièrement d'utiliser le vert, la couleur complémentaire du rouge. Le réalisateur ne veut pas être perçu comme conventionnel dans son utilisation des couleurs et refuse de satisfaire une attente. Pourtant, une analyse des contrastes qu'il aime disséminer dans Tout sur ma mère prouve qu'il a une véritable connaissance à la fois des théories sur la couleur et de leur symbolique.En effet, plus que le rouge en tant que couleur unique, c'est bien le contraste bleu/rouge que le réalisateur met en place tout au long du film. La dialectique rouge/bleu se met en place de manière précoce, dès le Moyen-Age, alors même que le manteau de la Vierge est théorisé comme étant bleu et rouge, le premier pour marquer sa nature céleste, le deuxième pour préfigurer la Passion du Christ. Le contraste bleu/rouge est donc très vite emprunt d'une religiosité latente, qui, dans un pays imprégné de tradition chrétienne comme l'Espagne, n'a pas pu manquer d'intéresser Almodovar. Comme le rappelle Michel Pastoureau, historien de la symbolique des couleurs, dans son Petit Livre des couleurs, ce n'est qu'au XIIIe siècle que le bleu et le rouge vont former un couple de contraires. On va les opposer ainsi en tant que couleur masculine/couleur féminine, couleur froide/couleur chaude, couleur morale/couleur festive. La relation très forte entre le bleu et le rouge va, à partir de là, se matérialiser dans tous les arts, aussi bien en peinture, que dans le vitrail (le bleu s'enfonce, tandis que le rouge ressort) ainsi qu'en photographie et au cinéma. Le bleu va attirer le rouge et inversement.Dans Tout sur ma mère, cette symbolique du contraste bleu/rouge semble bien être mise en place. Au début, Manuela prépare le repas pour son fils habillé d'un « monochrome » rouge qui vient se détacher distinctement sur le bleu de sa cuisine. On verra progressivement que la cuisine de Manuela est particulièrement minimaliste, en comparaison avec les autres décors du film, comme pour mieux introduire ce contraste récurrent. En guise de préambule, le contraste semble nous être présenté.Plus tard, lorsque les deux personnages sont attablés devant la télévision, l'opposition rouge/bleu se construit entre le fils et la mère, et, dans une sorte de volonté ironique, elle vient donner un genre sexué au personnage. Alors même qu'Almodovar semble refuser l'existence d'un genre auquel on peut être asservi, il réutilise pourtant les codes sociaux du rouge pour les filles et du bleu pour les garçons. Dès le début, le contraste bleu/rouge est donc présent à l’œil – mais bien plus encore, il est signifiant. L'image est d'autant plus forte que le titre vient s'intercaler entre le fils et sa mère, comme pour mieux souligner la séparation visuelle créée par les costumes – mais aussi comme pour mieux préfigurer la séparation affective et réelle à venir entre les deux personnages.Un peu plus tard, la séquence au théâtre s'ouvre sur un plan général, où Manuela est habillée de rouge devant l'affiche d'Un Tramway nommé Désir, elle vient se superposer à la comédienne Huma Rojo dont le dénominatif lui-même renvoie à la couleur primordiale du film. Le rouge suppose bien une forme de sensualité ici, puisqu'il se concentre notamment sur les lèvres d'Huma – emblème de volupté et de désir. D'ailleurs, la taille de la police « DESEO » vient appuyer cette idée de désir, d'autant plus que l'immense visage d'Huma fixe le spectateur. Le rouge vient définir un rôle également – et non uniquement un genre. Le rouge semble être employé pour les mères : Manuela et Rosa, mères qui perdent toutes les deux leurs enfants. Le rouge renvoie régulièrement à la mort, à l'amour, à la sexualité. C'est également la couleur des condamnés à mort en Chine, comme Almodovar aime régulièrement à le rappeler. On comprend donc mieux pourquoi Rosa est régulièrement vêtue de cette couleur.Dans la séquence où Rosa vient apprendre à Manuela qu'elle est enceinte, la jeune femme entre dans l'appartement de Manuela baignée dans une lumière bleutée qui vient se superposer aux deux personnages. Dans ce plan taille, la lumière vient créer un léger camaïeu, qui passe progressivement, de la droite vers la gauche, du bleu au rouge. Cette lumière transforme le blanc de la porte et le blanc du peignoir de Manuela en bleu – tandis que le mur orange, que l'on devine encore à gauche, est vu comme étant rouge. Une véritable opposition se construit entre la mère à venir (Rosa) et celle qui était mère il y a peu encore (Manuela). Le contraste bleu et rouge est appuyé par les deux vêtements également. L'artificialité de la scène apparaît à travers cette lumière, mise en place par Almodovar, comme s'il avait pour but de souligner le caractère « faux » de son film. Ce plan suggère donc que l'utilisation des couleurs outrepasse le réalisme, de manière à transmettre une signification.Ce même rouge vient à nouveau contraster avec du bleu sur scène, mais de manière plus métaphorique. Huma Rojo ou Huma « Rouge », qui symbolise à elle seule cette couleur, vient se superposer à un décor monochrome bleu, alors même qu'elle est censée interpréter « Blanche »... En quelques plans, Almodovar donne de la matière à une symbolique des couleurs. Comme pour le vitrail, le bleu est utilisé pour sa capacité à s'enfoncer et à faire ressortir le rouge, autrement dit faire ressortir Huma. De surcroît, ces plans sont d'autant plus fort que des lignes noires verticales viennent rythmer la scène, comme une grille abstraite.Les couleurs permettent aussi de créer des effets de contraste violents, effets qui viennent redoubler les situations de tensions. L'exemple le plus frappant est sûrement celui du parapluie arc-en-ciel, qui se déplie alors même qu'il pleut, dans la scène de l'accident de voiture. Il participe d'un effet décoratif ; la couleur vient se superposer sur les deux visages des protagonistes. Les trois couleurs primaires (jaune, rouge, bleu) et les lignes noires rappellent de nouveau les couleurs de l'affiche. Mais le plan vient renforcer, par le contraste saisissant entre les couleurs chatoyantes et l'arrière-plan terne, une impression d'étrangeté et une certaine tension.Chaque personnage semble représenter une couleur emblématique qui la suit pendant tout le film. Si Manuela est le rouge lorsqu'elle est encore mère, elle s'en défait une fois Esteban mort, et se drape de noir, selon la notion de deuil. Le rouge est ensuite porté essentiellement par Rosa. Le bleu se concentre sur des personnages comme la mère de Rosa ou Manuela, la couleur vient donc illustrer les problèmes de filiation et le rapport parent-enfant (en particulier mère-fille) en jouant sur des contrastes très forts. Rouge et bleu sont toujours attirés mais jamais unis.La couleur permet à Almodovar de faire passer différentes sensations, différentes émotions, et elle porte des connotations particulièrement sensuelles. Cet amour de la couleur, qu'il dit tenir de Douglas Sirk, cette façon qu'il a de l'utiliser, le fait se distancier des autres réalisateurs nationaux. Il le dit lui-même : « la couleur est quelque chose de très espagnol, et c'est pourtant si peu utilisé en Espagne... Cela correspond aussi bien à ma personnalité qu'au comportement baroque des mes personnages. » (Strauss, 2008). Ainsi, il faut bien comprendre qu'Almodovar n'est pas forcément représentatif d'un cinéma espagnol par son usage de la couleur, bien que, paradoxalement, ce soit ce dernier qui le rende « espagnol » aux yeux des spectateurs du monde entier.BARCELONE, CAPITALE DU BAROQUELes décors ne sont pas seulement là pour la scène, ils doivent recréer un univers particulier. Le travail en studio lui permet d'aménager comme il le souhaite ses appartements et ses lieux de vies, de manière à participer de cette chromophilie. Chaque objet est recherché dans des catalogues, selon un cahier des charges bien précis. Les lieux de tournage sont ensuite décorés avec une grande richesse. Malgré l'aspect hétérogène, rien n'est laissé au hasard. Almodovar intègre même des objets conçus par des collaborateurs comme c'est le cas de Juan Gatti qui s'est occupé du design ainsi que Federico Garcia Cambero, le décorateur de Tout sur ma mère. L'importance des décors chez Almodovar se lit aussi dans les scénarios, où il n'hésite pas à décrire et détailler les intérieurs, car ceux-ci sont révélateurs de la personnalité de ses personnages. Les décors participent de l'histoire.A Barcelone, où Almodovar filme pour la première fois avec Tout sur ma mère, les couleurs viennent se mélanger au motif. L'esthétique est kitsch, avec une accumulation de papiers-peints différents, mais aussi une cuisine très aménagée et la présence d'objets un poil désuet.Le nouvel appartement de Manuela à Barcelone est associé à une surcharge de motifs qui rendent l'espace étouffant. Ce salon baroque vient contraster avec les monochromes rouges que représentent les manteaux de Huma, Manuela et Rosa. Par ailleurs, le Pop Art, qui suppose un style aux couleurs brillantes, des motifs kitsch et l'absence de tout réalisme, a une part importante dans l'esthétique almodovarienne. Le spectateur le remarque dans les formes rondes et colorées de l'appartement de Manuela. La maison des parents de Rosa suppose également une surcharge décorative d'autant plus forte qu'elle est présentée selon un mode symétrique. Par cette symétrie, la géométrisation des formes qui recouvrent l'appartement semble d'autant plus étouffante et prégnante au spectateur.Le tout sert à insister sur l'aspect renfermé de cet univers dans lequel les personnages évoluent. L'environnement suffocant et lourd de Barcelone s'incarne ainsi dans ses décors, ainsi que le guêpier dont les personnages échouent à sortir.[caption id="attachment_1068" align="aligncenter" width="300"] L'appartement des parents de Rosa[/caption][caption id="attachment_1071" align="aligncenter" width="300"] L'appartement de Manuela[/caption]Par ailleurs, la couleur, une fois à Barcelone, suppose bien un message. Attardons nous sur la cuisine. Si la première cuisine de Manuela était harmonieuse, dans des tons bleus criards, la nouvelle cuisine de Manuela n'est qu'un amoncellement d'objets, aux couleurs ternes. Comme le reste de son appartement, tout n'est que surcharge. Les deux photogrammes représentent deux plans américains dans lesquels Manuela, ancienne cuisinière, fait à manger pour les gens qu'elle aime. En comparaison avec le premier plan, le second nous présente le personnage de Manuela de dos, elle ne nous fait plus face. Elle vient contraster sur l'arrière-plan, mais de façon beaucoup moins claire que lorsqu'elle portait son t-shirt rouge. Par ailleurs, elle est reléguée à présent sur le côté gauche du cadrage, et non plus sur la droite. La joie et l'ordre du premier plan ont fait place à un décor plus anarchique et à une alternance blanc/noir dans le peignoir qui vient nier la couleur. La mort vient s'inscrire entre les deux décors, qui sont des environnements exprimant bien deux choses différentes.&#160;COULEURS, CHROMATISME, PEDRO ET L'ARTL'art prend une place importante dans la démarche d'Almodovar. Picasso, Warhol ou encore Bacon sont autant de sources d'inspiration. Dans son film Tout sur ma mère, son amour de l'art est bien présent et se matérialise surtout dans son esthétique et son décor.Dans la scène chez les parents de Rosa, Chagall est introduit par la mère de Rosa qui reproduit des fausses toiles. La présence de l'artiste permet à Almodovar d'incarner le contraste bleu/rouge dans la peinture elle-même. Au face à face entre Rosa, mère courage parée de rouge depuis le début, et sa mère faussaire (en tout point, puisqu'elle fait de la production de faux sa spécialité), habillée de bleu, vient répondre en écho le face à face de deux toiles identiques de Chagall agrémentée des mêmes couleurs. Les visages des deux femmes viennent ainsi se détacher sur un décor qui renvoie en miroir leurs différences mais qui, d'une certaine manière, les unit également, dans un espace intangible. Difficile aussi de ne pas penser à Miro, grand artiste de Barcelone, dont les cercles rouges sont devenus des marques de fabrique.La présence de Chagall n'est sûrement pas anodine. La toile reprend à l'envers une lithographie célèbre de l'artiste russe : "Le Soleil de Paris", datant de 1977. Paris est la capitale cinématographique de la Nouvelle Vague, auquel Almodovar fait sûrement référence. Il n'a jamais caché son admiration pour Godard, et elle est sensible dans ce film à travers l'utilisation de symboles similaires à ceux présents dans Pierrot le Fou de Godard : la dualité bleu/rouge, la présence explicite de toiles de Chagall ou de Picasso et le contraste de couleurs primaires.[caption id="attachment_1083" align="aligncenter" width="224"] Chagall, Le Soleil de Paris, 1977[/caption][caption id="attachment_1084" align="aligncenter" width="300"] Lithographie de Chagall : Cap Ferrat, accompagnée de deux toiles de Picasso : un petit Pierrot et Les Amoureux.[/caption][caption id="attachment_1093" align="aligncenter" width="300"] Belmondo entouré de 2 portraits de Picasso dans Pierrot le Fou[/caption]S'il n'y pas un seul plan sans la présence de bleu ou de rouge, cette évocation des couleurs primaires dans Pierrot le Fou est particulièrement sensible dans la scène du masque bleu, où Belmondo, peinturluré de bleu, tient également des explosifs jaune et rouge.La présence du décor est tellement importante qu'Almodovar lui laisse souvent 1/3 de l'image, de manière à intégrer le personnage dans un espace créé de toute pièce.Ce génie de la composition fait beaucoup penser à Edward Hopper, qui aime laisser de la place au décor dans ces toiles, référence plastique indéniable, selon les spécialistes du réalisateur, et que l'on retrouve dans d'autres films d'Almodovar comme La Mauvaise Education. Dans Four Lane Road, la toile est faite, à moitié, du paysage extérieur contemplé par l'homme assis dans son fauteuil, c'est le cas aussi de Nighthawks et de New York Office. Dans Four Lane Road, le paysage se prolonge même dans le champ intérieur, à travers la première fenêtre. Comme dans les toiles suivantes, le statisme participe de cette composition figée où l'espace et le décor jouent des rôles à part entière. L'aspect rectiligne, la vivacité des couleurs, et certains symboles du Pop art (notamment la pompe à essence dans la première toile) participent de l'esthétique almodovarien.[caption id="attachment_1211" align="aligncenter" width="300"] Four Lane Road, Hopper, 1956[/caption][caption id="attachment_1213" align="aligncenter" width="300"] Nighthawks, Hopper, 1942[/caption][caption id="attachment_1150" align="aligncenter" width="300"] New York Office, Hopper, 1962[/caption]Comme évoqué précédemment, une des grandes influences d'Almodovar dans ce film – et dans d'autres – est le mouvement Pop Art. Parce qu'il vit et qu'il filme dans les milieux « underground », il est vite associé à Andy Wahrol. Bien qu'il ait souvent critiqué cette comparaison, Almodovar joue avec l'esthétique Pop art.Ainsi, lorsque Manuela attend son fils devant le théâtre, on lit derrière elle, par une accumulation de petits motifs circulaires, les lèvres gigantesques d'Huma qui viennent faire écho au manteau de Manuela.La technique fait penser à un Roy Lichtenstein. La monumentalité du visage, le rouge à lèvres, le visage féminin omniprésent, l'esthétique du motif répétitif...Autant de traits que l'on retrouve dans une toile comme Crying Girl. Le regard tourné vers le spectateur, les cheveux blonds et les traits stylisés à l'extrême font de ce visage un écho certain à celui d'Huma. La carnation faite de motifs semble également être réalisée à partir du même procédé.[caption id="attachment_1216" align="aligncenter" width="300"] Crying Girl, Roy Lichtenstein, 1963[/caption]Enfin, la tendance à l'abstraction d'Almodovar est importante également. Les monochromes présents tout au long du film ne subissent quasiment aucune modulation. Les couleurs se donnent pures et entières. Presque aucun camaïeux ne vient participer au réalisme. Et lorsque l'abstraction doit être totale, notamment lors de la scène de théâtre, c'est encore une fois la couleur qui permet d'empêcher le réalisme. La couleur participe à une mise en évidence de l'artificialité.Dans ce plan, où Manuela et Rosa s'enlacent, on retrouve les couleurs primaires en arrière-plan qui, grâce à l'encadrement de la fenêtre, viennent contraster avec les carreaux ternes du premier plan, à gauche. Le cubisme et l'esthétique de Mondrian, comme dans ses Compositions de Blanc, Bleu, Jaune, Rouge, faites de lignes parallèles et de cubes colorés, semblent être les principales références du réalisateur. On retrouve une nouvelle fois son jeu avec les couleurs primaires, mais, avec une certaine malice, Almodovar se défait du jaune et du noir – deux couleurs pourtant présentes sur l'affiche ou dans œuvres de Mondrian – pour ne laisser que le bleu, le rouge et le blanc.[caption id="attachment_1222" align="aligncenter" width="278"] Compositions de Blanc, Bleu, Jaune, Rouge, Mondrian, 1937 et 1942, MOMA, New York[/caption]&#160;Par ailleurs, tout au long du film, différentes lignes de couleurs viennent construire les plans et viennent les rythmer. Ces traits de couleur ont des liens directs avec les personnages et leurs trajectoires. Ainsi, tel le fil d'Ariane, une bande rouge - une fois de plus - vient ponctuer les prises de risques de Manuela tout au long du film, fil rouge que l'on retrouve de différentes manières sur le mur des loges. A plusieurs reprises, ce mur va être filmé par Almodovar selon différentes prises de vue, ainsi le réalisateur choisit la façon dont il veut que son décor soit appréhendé.Dans ce photogramme, les bandes de couleurs viennent insister sur la perspective, et permettent de créer des lignes de force qui convergent toutes vers Manuela. Cette dernière se dirige vers la porte de la loge d'Huma et va la rencontrer pour la première fois, le moment est important. Elle semble être dirigée par cette ligne blanche, prise en étau entre deux lignes rouges. Ce mur qui mène à la loge est filmé de différentes manières tout au long du film. Les trois couleurs (orange, rouge, blanche) sont représentées différemment, de façon à mettre en avant soit le rouge, soit le blanc, soit le orange. Or, dans ce photogramme, le caractère presque abstrait du plan saute aux yeux.Dans le plan qui suit, le rouge du col roulé de Manuela vient répondre en écho au rouge du mur. Le « Rojo » inscrit sur le mur vient lui aussi faire écho au rouge, mais, ironiquement, il se démarque sur du bleu. Almodovar établit bien son propre code chromatique.Quelques minutes plus tard, les deux femmes partent ensemble à la recherche de Nina, l'assistante de Huma. Le schéma mis en évidence ultérieurement se répète, mais inversé. Cette fois-ci, c'est une ligne rouge qui semble être enserrée entre deux plages blanches. Cependant, dans ce photogramme, lignes et couleurs permettent toujours de converger vers le même point de fuite, le couple formé par Huma et Manuela, couple qui restera dans l'ombre, au fond du décor, pendant toute la durée de la scène. Les lignes viennent encore accentuer cette présence.Ainsi, il semblerait qu'il existe bel et bien un chromatisme « à l'Almodovar », qui, non seulement puise ses sources dans les théories de la couleur, mais qui est également pénétré d'une connaissance précise de l'art. Il faut aussi avoir en tête que cet amour de la couleur n'obéit pas à une culture espagnole, mais qu'Almodovar, par son travail de la couleur, a teint, fardé et sûrement embellit le cinéma espagnol – rendant ce dernier infiniment bigarré aux yeux de tous. [retour au début] ***BIBLIOGRAPHIESEGUIN Jean-Claude, 2009, Pedro Almodóvar: filmer pour vivre, OphrysMOUREN Yannick, 2012, La couleur au cinéma, CNRS EditionsPASTOUREAU Michel, 2000, Bleu : Histoire d'une couleur, PochePASTOUREAU Michel, SIMONNET Dominique, 2014, Le Petit Livre des Couleurs, PocheEPPS Bradley, KAKOUDAKI Despina, 2009, All About Almodovar, A passion for CinemaD'LUGO Marvin, VERNON Kathleen, 2013, A Companion to Pedro Almodovar