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L’exposition mise en place par Franck Balland, dans le cadre du programme « Hors-les-murs » du centre d’art du Parc Saint-Léger de Pougues-les-eaux (Nièvre) tourne autour de l’idée de nature morte. Elle s’est déroulée du 18 mars au 28 mai, au lycée Raoul Follereau à Nevers.  Une dizaine d’artistes y est exposée : Charles Beauté &#38; Juliette Goiffon ; Alix Desaubliaux ; Mimosa Echard ; Lauren Huret ; Tiziana La Melia &#38; Tamara Henderson ; Pablo Réol ; Stéphanie Saadé. DESCRIPTIONLa scénographie était divisée en différentes séquences : le visiteur est tout d’abord accueilli, dans le hall central, par une vitrine séparée en deux sections. Tout d’abord Trophies, une projection vidéo d’Alix Desaubliaux présentant des trophées modélisés en 3D, inspirés des récompenses obtenues dans les jeux vidéo des consoles récentes, qui résonne également comme une parodie des galeries de trophées sportifs que l’on trouve fréquemment dans les établissements scolaires. L’autre partie de la vitrine accueille Faux-Jumeaux une sculpture double de Stéphanie Saadé, où deux roses, l’une naturelle et périssable, l’autre artificielle et éternelle, reposent dans un vase.[caption id="attachment_158" align="alignnone" width="500"] Trophies, A. Desaubliaux (2016); Faux-Jumeaux, S. Saadé (2014).[/caption]La deuxième partie, et la plus importante, se situe dans la salle Claude Parent. Le spectateur y est immédiatement attiré par l’installation géante d’Alix Désaubliaux, Internet Meditation Playground, un mini terrain de jeu, pourvu de coussins signés Pablo Réol, où le visiteur est invité à essayer un jeu vidéo apparemment sans but ni action, sinon celle de se balader dans un environnement fantasmagorique. Un peu plus loin au fond de la pièce, l’artiste propose Self-Conscious Bots, où le spectateur peut interagir avec un robot de conversation, qui prend littéralement conscience de lui-même sous nos yeux et interroge le sens de son existence, à la manière des Nexus de Blade Runner et de Kusanagi de Ghost in the Shell.[caption id="attachment_151" align="alignnone" width="500"] Self-Conscious Bots, A. Desaubliaux, (2015)[/caption]Alors que l’on traverse l’exposition, des choses semblent s’animer sur notre passage : ce sont les installations Infra-jungle de Charles Beauté et Juliette Goiffon. Ceux-ci se sont emparé de plantes fréquemment utilisées pour décorer les intérieurs de bureau, avant de placer sur les pots des vibreurs de manettes de consoles, reliés à des capteurs de mouvement. Les feuilles des plantes crissent dès que l’on s’approche d’elles. Le duo d’artistes prolonge l’expérience avec Rainmaking, une installation à même les vitres de la salle, donnant l’illusion qu’une pluie tropicale bat constamment la surface. L’ensemble est relié à des enceintes diffusant des chants tribaux appelant la tombée de la pluie. Sur le mur en face, Mimosa Echard a disposé 9 Nymphes, sortes de totems de cire d’épilatoire moulés d’après des sextoys, emprisonnant de petites formes vitales : fleurs, papillons, coquillages, matières plastiques, comme si l’on cherchait à figer les différents acteurs du règne du vivant. Sur le même mur, Three Pockets di O Getti, une vidéo de Tiziana Le Melia et Tamara Henderson, où le spectateur est confronté à un enchaînement de scènes figurant des objets, dans une ambiance proche des clusterfuck aesthetics chères à feu Mike Kelley. Plus loin, une autre vidéo, particulièrement troublante : Torture Iphone Epic Test Burn Fire Ice Bend Drop de Lauren Huret, dans laquelle l’artiste détruit plusieurs smartphones d’Apple de différentes façons : en les jetant à terre, en leur tapant dessus, en les faisant bouillir, etc, dans une rhapsodie de tortures qui révèle notre empathie curieuse envers ces petits outils technologiques, comme s’il s’agissait d’êtres vivants. L’exposition est encadrée par des bâches de Pablo Réol, où l’artiste développe une composition assez typique du « post-internet », où se mêle des répétitions d’images de sneakers, serveurs informatiques. L’ensemble donne l’impression d’une étrange salle de repos, à mi-chemin entre la salle d’attente médicale et le playground, comme un avant-goût de la détente telle qu’elle sera pratiquée sur l’autre versant du XXIe siècle.[caption id="attachment_155" align="alignleft" width="500"] Nymphe (série de 9), M. Echard (2015)[/caption] 2.  LA NATURE MORTESous-genre par excellence tel que le système académique l’a édicté plusieurs siècles auparavant, la nature morte fut notamment privilégiée par de nombreux artistes pour la part d’expérimentation qu’elle permettait –puisque les organismes de contrôles s’en moquaient assez largement. Il ne faut pas s’étonner de ne voir arriver que tardivement les grands noms de la discipline, ceux qui firent de la nature-morte le genre même de l’avant-garde artistique, soit Cézanne, Picasso et Braque. Le constat serait cependant incomplet sans la mention d’une tradition de la nature-morte chez les Flamands –on se remémore ici que deux des œuvres les plus connues de Rembrandt mettent en scène un cadavre et un quartier de viande, comme on se souvient des Brueghel (ancien et jeune).Il est intéressant de noter que la dénomination même du genre prête à interprétation selon la zone géographique. Si pour le français la représentation des objets inanimés est « morte », elle est chez les anglophones, « still », soit « immobile » ou « silencieuse ». Le titre étant figuré en anglais, il est important de noter la distinction : le français insiste sur la contradiction d’une « nature morte », relevant par la même le mépris de l’académie de peinture et de sculpture pour les genres mineures, là où pour les anglophones (et les flamands qui l’ont baptisée « still-leven ») il s’agit d’une « vie immobile ». C’est donc non pas selon le prisme d’une nature figée à jamais, mais plutôt à l’aune d’une nature un instant immobilisée qu’il convient de lire l’exposition. Chaque œuvre peut ainsi être comprise comme une possible représentation de la nature contemporaine, captée l’espace d’un instant.La nature figée apparaît clairement à plusieurs moments dans l’exposition : les amulettes de Mimosa Echard, qui fixent des formes de vies dans des gangues de cire, les « faux jumeaux" de Stéphanie Saadé où vie naturelle et éphémère est accouplée à sa réplique de plastique. Elle surgit également chez Beauté &#38; Goiffon, par la présence des plantes vertes et de la pluie. De façon plus illustrative, on la retrouve chez Réol et Le Melia &#38; Henderson. Elle est en revanche complètement resynthétisée chez Désaubliaux, qui en propose une version virtuelle et recomposée.Ce qui frappe ici, c’est que la nature qui est mise en scène n’en est qu’une itération fortement contrôlée par l’homme : chez Echard les libres et éphémères papillons sont incarcérés dans des totems de l’hédonisme contemporain : l’épilation et le godemichet, laissant entrevoir ici une « nature » confondue avec le corps de la femme (il n’y a qu’à se replonger rapidement dans l’iconographie picturale des 2000 dernières années pour comprendre cette analogie), tous deux prisonniers d’un regard bien masculin produisant la réification de la femme comme de la nature. Le corps de la femme n’est plus naturel, mais customisé par les impératifs de la société. Les propositions de Beauté &#38; Goiffon vont encore plus loin dans cette idée de la domination de la nature. Dans leurs deux œuvres, celle-ci n’est représentée que comme subordonnée aux désirs de l’homme : elle frissonne à son passage, comme s’il était un dieu ou un fantasme sexuel (on retrouve l’analogie avec la sensualité féminine), et la pluie tombe à son appel, sur commande. On commence à entrevoir ici le tiroir à double fond. Outre cette réflexion sur la nature morte, qui n’est au fond qu’un prétexte, surgit un questionnement plus large sur le statut de la nature. On peut alors comprendre le titre autrement : de « still-life », on passe à « still, life » (soit « y-a-t-il encore de la vie ? »).III. UNE AUTRE NATURELa scénographie proposée par Franck Balland laisse ici peu de doute. Le spectateur est transformé en acteur : c’est lui qui fait vibrer les plantes, lui qui va jouer au software de Désaubliaux et qui va converser avec le bot. Il est donc lui-même incarcéré dans ce qu’on va considérer comme une superinstallation, qui s’apparente ici à la superstructure marxienne. Le spectateur-acteur est alors entouré d’injonctions similaires à celle qui le sollicitent « dans le monde réel » : regarder la télévision qui singe la réalité, jouer, mirer des biens de consommation, profiter d’une nature calibrée selon ses besoins. La superinstallation apparaît alors comme une projection esthétique de notre monde. Il est ici fort à propos que l’exposition eut lieu dans une école, lieu de formation des citoyens de demain.[caption id="attachment_153" align="alignnone" width="500"] Torture Iphone Epic Test Burn Fire Ice Bend Drop, L. Huret, (2015).[/caption]Le monde d’aujourd’hui, c’est d’abord un nouveau rapport avec la technologie. Celle-ci, très prégnante, a eu besoin de se faire plus douce et d’engager un rapport plus intime avec ses utilisateurs, sous peine d’apparaître comme un agressif envahisseur. La corde sensible est pincée par le dieu technologie, qui encore une fois frissonne sur notre passage, mais aussi s’interroge poliment sur le sens de son existence, fournissant des réponses à mesure que l’utilisateur clique (Self-Conscious Bot), se laisse arpenter docilement sans attaquer le joueur (le jeu vidéo de Desaubliaux), prend la posture de la victime chez Lauren Huret qui cherche à créer un lien émotionnel entre le téléphone martyrisé et le spectateur, ce dernier délaissant le consommateur pour jouer un rôle plus ambigu, entre l’anthropologue curieux de constater la relation totémique que nous entretenons avec la technologie, et celle de l’enfant, bouleversé de voir un doudou –le sien ?- être ainsi maltraité.Le jeu proposé par Désaubliaux, Internet Meditation Playground, résonne avec quelques tentatives vidéoludiques de la dernière décennie, de Shadow of the Colossus à The Journey, en passant par Cart-life,  et surtout Californium, inspiré par la littérature de Philip K. Dick : on y installe une forme d’ennui pour atteindre une autre forme de concentration et d’immersion de la part du joueur. L’œuvre inverse le processus classique du jeu, où l’effort de déplacement est récompensé par une intense scène d’action, une séquence de transition époustouflante par la qualité de ses graphismes ou bien de l’avancée scénaristique qu’elle permet. Rien de tout cela ici, puisque le joueur est « gratifié » d’un autre « effort » : il reçoit quantité de données statistiques sur l’univers virtuel, nombres d’emails échangés par jour, poids des datas, etc. L’expérience légère du jeu se retrouve altérée par la pesanteur du réel. On retrouve cette dynamique avec les « trophées » virtuels que l’artiste a placé dans le hall d’entrée. Ceci permet d’aborder une autre forme d’attention que celles cherchées par les médias et les joueurs. Il s’agit d’une forme d’attention plus longue, semblable à celle de la lecture, et qui ne s’apprécie et ne s’édifie que dans le temps.On peut lire ici un commentaire sur la notion de performance, qui, en plus d’être un genre artistique, est l’une des dernières grandes valeurs de la société postmoderne. Desaubliaux questionne la notion de « performance » : bien que l’œuvre soit elle-même performative, puisqu’elle ne trouve son intérêt que dans le fait d’être pratiquée par le spectateur, la performance n’aboutit à aucune récompense typique, si ce n’est une meilleure prise au réel : on en ressort davantage informé, et l’évasion par le jeu n’a pas réellement eut lieu (on est davantage dans l’introspection). Ceci fait écho aux images de Réol, qui orne les coussins du playground et cloisonne l’espace de jeu, et qui mettent en scène différents symboles de la performance contemporaine : les baskets qui symbolisent autant le record du monde que l’auto-improvement via la mode du running, les serveurs qui représentent la prolifération exponentielle des capacités informatiques, les clubs de golf qui incarnent la réussite sociale, bref, toutes les injonctions libérales sont là, du culte du corps à celui de l’argent, à celui de l’urgence.Il y a beaucoup à dire à propos « espace de détente » que Franck Balland a cherché à installer : un contrepoint à nos sociétés organisées, rationalisées, construites autour de l’idée de l’efficacité et de la rentabilité. Dans ce monde fait de multiplications de signaux, pop ups, injonctions, l’exposition recrée un temps et la possibilité d’une distance, comme la nature-morte permettait une lente et artificielle recomposition de la nature « vivante » pour mieux la figurer, mieux la dire. Dans Still-life, les ordinateurs s’interrogent sur le sens de leur vie, les smartphones deviennent des outils sacrificiels, la nature est devenue elle-même injonction et l’évasion vidéoludique se transforme en quête de soi.On y décèle une ode à l’inutilité, au futile : il n’y a que des « trophées » contemporains détournés : les trophées de console, trophées de sport, les plantes de bureau (cache misère naturel et écolo), les smartphones, les godemichets (l’injonction de la satisfaction perpétuelle, sous le signe de la performance et du rythme). Tous sont pliés, déviés de leur axe. L’humain, sous sa forme la plus honnête, absurde, immoral, inutile, ludqique et paradoxal, a repris sa place dans ce monde où la machine se substitue à lui dans bien des tâches, en plus de lui dire quoi faire, comment faire.[caption id="attachment_152" align="alignnone" width="500"] Club_House, P. Réol, (2014), Infra-Jungle, C. Beauté &#38; J. Goiffon (2012).[/caption]La réflexion sur la nature-morte se double fatalement d’une réflexion sur la nature elle-même, et au-delà, sur la réalité. Still-life met en scène les effets de complexification du réel depuis que notre monde est entré dans l’ère du technocène. A l’aune des réactualisations postmodernes et « postpostmodernes » du réel, celui-ci n’apparaît plus seulement comme une chose, mais aussi l’ (les) image(s) de cette chose, les relations entretenues avec elle. Le grand spectacle proposé par l’exposition, au-delà des œuvres elles-mêmes, est bien celui du spectateur/acteur errant entre les propositions, à la recherche de sa propre place. C’est cette somme d’univers interdépendants qui est à l’œuvre dans Still-life, qui en négatif propose  une nature immobilisée, sortie du flux, qui nous permettrait de nous libérer de ce dernier, et de prendre du recul. C’est bien la l’ultime luxe contemporain.