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Éditions
Des mots. Pour le personnage, pour le comédien, pour le spectateur.	Entrevues Théâtre 30 mars 2012
par Noémie Roy
Si sur une terre inconnue rêvée par les dramaturges, leurs personnages inventés s’animaient ? À cette réunion sacrée, Geneviève Billette, inviterait Karl, le perturbateur, Hans, l’ouvrier type, Nils, le garçon à la capacité gustative hors norme, Sarah, la petite fille qui chante la plus haute note humainement productible, Sammy et Timothée, les jeunes fugueurs à la recherche du pays des genoux et Évariste Galois, le mathématicien, érudit, d’une intelligence trop vive pour son époque. La naissance des personnages recèle ses motifs, ses mystères et ses dualités ; et dès le stade embryonnaire, ceux-ci sont spécialement ficelés pour des spectateurs, pour une société. Geneviève Billette, auteure dramatique et professeure à l’École supérieure de théâtre m’a parlé de son rapport à l’écriture, un rapport aux multiples facettes, un rapport qu’elle tente encore aujourd’hui de saisir.
Crédit: Julien Tremblay-Léger
Dangerosité
Le charme a opéré, dit-elle, au moment où Jacques Leblanc a interprété La Flèche dans l’Avare de Molière, mis en scène par Jean-Pierre Ronfard (Théâtre du Trident, 1989). C’est là que sa profession s’est tracée. Pour Geneviève Billette, ce geste d’insuffler les mots aux comédiens pour créer le personnage dramatique est le gage d’un danger. La dangerosité apparaît lorsque le comédien qui incarne le texte propose un modèle à l’humanité et « élargit le spectre de ce que l’on reconnaît comme humain ». C’est ce désir de l’animation d’un modèle de l’humanité qui se présente à elle comme un terreau et un motif à l’écriture théâtrale. C’est aussi « l’aspect démocratique qui met en lumière le spectre des visages humains », en l’occurrence cette multiplication des points de vue qui lui permet de poser un regard sur le monde. Or, ce regard s’étend des mots imprimés sur papier jusqu’au corps vivant du comédien, c’est précisément entre ces deux pôles que le personnage théâtral vit. La matérialisation des mots du comédien au personnage est organique. Elle s’approprie une forme de l’instantané, une forme plastique, une forme du sang qui coule dans les veines. Et c’est là toute la dangerosité du théâtre.
Écrire
Écrire du théâtre pour Geneviève Billette, c’est apprivoiser des personnages, d’abord flous, pour dessiner leurs contours, pour les admirer, pour les détester, pour tenter de comprendre leur humanité. Si aucun rituel d’écriture précis ne régit le travail de la dramaturge, elle considère néanmoins que ce geste est constamment à baliser et qu’il se métamorphose selon les univers et les projets qui l’animent. Son rituel d’écriture dépend aussi du quotidien et du mode de vie : « J’enseigne maintenant! Je travaille avec de vrais êtres humains et non pas seulement avec des êtres fictifs. »
Quête
Certains mots sont utilisés de manière récurrente par les auteurs. Ils martèlent leur discours, souvent pour transmettre la nature profonde de leur geste d’écriture. Pour Billette, le mot « quête », comme révélateur du secret de son art, semble incarner le leitmotiv de sa démarche. « Entre deux pièces, une histoire se raconte. Celle du temps, celle des métamorphoses, celle de la quête[1]. » Or, cette quête évite de compartimenter ses projets. Bien sûr, Billette considère ses pièces de théâtre de manière individuelle, mais elle les inscrit aussi dans un parcours continu, panoramique, où les récits s’unissent pour se révéler davantage. Sa quête est investie, entre autres, par une certaine sensibilité aux rapports entre individus et collectivité; plus précisément par « ce moule qui peut tronçonner la pensée, même dans une société démocratique ». D’une part, ses pièces Crime contre l’humanité et Le gouteur déploient un regard sur des personnages contraints par leur société, tandis que Le pays des genoux aborde le phénomène de la désobéissance, Contre le temps questionne quant à elle la créativité et la pensée trop souvent atrophiées.
Aujourd’hui, le théâtre
Si la notion de quête est un élément qui s’impose dans le parcours artistique de Geneviève Billette, la place qu’occupe le dramaturge dans la société québécoise lui pose également moult questionnements. « Nous vivons dans une société bruyante », dit-elle. Les fioritures qui entourent les productions sont souvent plus galbées que le message lui-même. Sans vouloir participer à ce bruit souvent alimenté par les médias de masse, Geneviève Billette tente plutôt d’articuler l’urgence de sa parole par une recherche formelle. Avant de faire du bruit, le message derrière le projet mérite qu’on s’y attarde, qu’on réfléchisse à ce qu’il apporte de plus à notre culture. Ce théâtre-pour-le-théâtre-bien-emballé est peut-être le syndrome de l’affiche qui surplombe le contenu. Ne le souhaitons pas. Mais en regardant la programmation des théâtres institutionnels et moins institutionnels, les artistes autant que les spectateurs peuvent se questionner. Sans pour autant tourner totalement le dos au théâtre de divertissement, certaines questions sont légitimes : pourquoi monter telles ou telles œuvres aujourd’hui? Qu’apportent-elles à notre société contemporaine? D’ailleurs, Geneviève Billette n’est pas la première à manifester ses inquiétudes quant à un théâtre souvent convenu. Le Projet Blanc d’Olivier Choinière a proposé une réflexion semblable. Il clame la mort du théâtre pour le faire revivre. À travers ce projet, Choinière propose que le champ théâtral contemporain saisisse le présent plutôt que de remâcher le passé.
Ces réflexions nous amènent à observer, à réfléchir, à choisir nos valeurs en tant que spectateurs. Choisir la réflexion, le questionnement, plutôt que la facilité du «convenu» divertissement est probablement le gage d’une plateforme théâtrale en santé. D’ailleurs, c’est dans un tel contexte que des artistes comme Geneviève Billette peuvent alimenter nos réflexions et proposer des modèles à l’humanité ; en créant d’autres personnages dramatiques comme Karl, Hans, Nils, Sarah, Timothée, Sammy et Évariste Galois.
[1] Geneviève Billette, « Mes Batailles et mes deuils », Liberté 287, vol. 51, no. 3, février 2010, p. 41-47.
Noémie Roy
Les artistes rentables	Critiques Théories & perspectives UQAM 26 mars 2012
par Sophie Horth
Avec les remous actuels concernant la lutte pour l’accessibilité à l’éducation, on remet sur la table non seulement les débats engendrés il y a quelques décennies sur l’éducation au Québec, mais aussi sur un autre point, tout aussi fondamental que l’accès à l’éducation : le lien que la société entretient avec elle. On nous présente les études universitaires comme un « investissement rentable », quelque chose qui va nous permettre de faire plus d’argent que d’être gérant chez McDonald’s et qu’ainsi, par le fait même, s’endetter pour le faire ne devrait pas être un problème.
En promouvant cette forme d’endettement, le gouvernement dévie le but premier des universités : former des citoyens. Elle dévie cette finalité au profit de l’apparition et de l’exploitation d’une nouvelle strate de consommateurs : la clientèle universitaire. Exit les citoyens, des gens munis d’une conscience sociale, capables de porter un regard critique sur le monde pour pouvoir, autant que possible, le corriger et le rendre meilleur. Maintenant plus que jamais, alors qu’au siècle des lumières on jugeait la qualité d’un homme par sa capacité à faire valoir son esprit, on encourage la médiocrité crasse du travail pour l’argent, de l’effort vide de sens; apparaît un nouveau prolétariat, celui de la prostitution intellectuelle, qui remplace celle de la force manuelle.
Combien de fois les étudiants en sciences humaines et en arts se font poser la question classique « mais que comptes-tu faire avec cela plus tard? », et que peu importe ce qu’ils répondent, tout ce qu’ils obtiennent est un soupir de découragement, poussé, bien souvent, par des gens qui eux aussi avaient des rêves d’égalité et de justice, jadis, mais qui, pour obtenir une reconnaissance sociale au sein de leur entourage de bien nantis, ont mis de côté qui ils étaient pour quelque chose de stable.
Souvent on reproche aux étudiants en arts d’être des vampires de l’économie, de gaspiller l’argent des contribuables dans quelque chose qui ne rapporte pas assez et qui, par extrapolation, ne devrait pas exister. « Si tu ne fais pas d’argent avec ton art, c’est sans doute parce que tu n’as pas de talent »… Je voudrais bien voir ces gens dire cela à Pierre Falardeau, Honoré de Balzac ou encore Eugène Delacroix – encore faut-il les connaître, connaître leurs œuvres.
La liberté guidant le peuple, par Eugène Delacroix, 1830
Je ne pense pas parler à travers mon chapeau lorsque j’affirme que l’art est omniprésent dans la vie de tout être humain et qu’il contribue à créer l’identité de tout un chacun. Peu importe quelle profession on occupe, il y a quelque part une forme d’art qui saura nous émouvoir et nous rejoindre. Personne ne peut avoir le culot de dire qu’au cours de sa vie, il n’aura aimé aucun film, aucune image dans un conte pour enfant, aucune chanson, aucun livre. L’art doit exister parce qu’il est fondamental à l’existence, parce qu’il permet à une société de se démarquer et de perdurer à travers le temps, après l’effondrement des ponts et après les gouvernements. Sa rentabilité ne se calcule pas en revenus, mais en influence. Il est ce qui différencie l’homme des autres espèces. Il est nécessaire et là pour durer, et ni les coupes budgétaires ni les jugements de valeurs portés par les supposés « bien pensants » ne sauront le faire taire. Alors plutôt que de juger bassement ceux qui l’étudient, il nous faudrait davantage les encourager : ils seront les défenseurs des identités culturelles de demain. De cette mince culture qui persiste hors du consumérisme généralisé.
Sophie Horth
C’est Sous La Neige que l’hiver a fondu no. 2	Critiques Musique 24 mars 2012
par Gabriel Vignola
Vendredi le 16 mars, c’était au tour de Julie Doiron de fouler les planches de la Sala Rossa. Tête d’affiche du festival Sous La Neige, sa performance a été précédée par celles de Terra Lightfoot et The City Streets. Retour sur un spectacle que l’on pourrait qualifier d’« à la bonne franquette ».
Julie Doiron : Loneliest In the Morning
Crédit photo: Sous La Neige
Julie Doiron avait un mandat bien particulier pour son spectacle : jouer l’intégrale de son premier album, Loneliest In The Morning, album paru en 1997, suite à la dissolution du groupe Eric’s Trip, groupe au sein duquel elle était bassiste et chanteuse. Comme ce fut le cas pour Eric’s Trip, cet album a eu la chance de paraître sous l’étiquette légendaire qu’est Sub Pop, maison de disque liée au mouvement grunge de Seattle.
« À la bonne franquette »? Effectivement, la chanteuse a candidement avoué, dès le début du spectacle, qu’elle n’avait pas eu le temps de réviser convenablement les morceaux de Loneliest In The Morning, chansons composées il y a plus de quinze ans, dont plusieurs n’avaient jamais été jouées en spectacle. Plusieurs pièces de Loneliest In The Morning ont un propos très personnel et sont donc difficiles à aborder en public.
Bien loin du son béton et du professionnalisme du spectacle de In Days Of Yore que j’avais vu la veille, Julie Doiron a donné une performance très brouillonne, souvent même hésitante. Cela n’a pourtant pas empêché la magie d’opérer. Son manque de préparation a même contribué à mettre de l’avant la superbe fragilité de sa musique. En effet, Julie Doiron fait partie de cette classe à part d’artistes dont le charisme naît de la plus simple sincérité, artistes qui peuvent arriver à subjuguer une foule avec une quasi absence de moyens, contrant du coup les codes normaux du spectacle, reléguant aux oubliettes toute la dimension technique qui normalement fait l’apanage d’un concert de qualité.
C’est ainsi que Julie Doiron a enchainé les 14 pièces de Loneliest In the Morning. Se plaisant visiblement à la scène, elle a ensuite joué plusieurs chansons tirées d’albums plus récents, répétant sans cesse « je joue cette pièce et ensuite c’est terminé » pour finalement rejouer une autre chanson… Et une autre, et une autre…
Terra Lightfoot et The City Streets
Le spectacle a débuté par la performance de The City Streets, un groupe originaire d’Edmonton, mais désormais basé à Montréal. L’ensemble a proposé un rock simple et efficace rappelant fortement Sam Roberts.
La prestation de The City Streets a été suivie par celle de Terra Lightfoot, jeune chanteuse basée à Hamilton en Ontario. Délicates mélodies, riches harmonies, belles riffs de guitare, ses compositions aux accents folks, bien que n’amenant rien de neuf sous le soleil, ont néanmoins un grand pouvoir de séduction. À cela s’ajoutait le travail irréprochable de solides musiciens accompagnateurs, ainsi que des interprétations bien senties. En somme, une excellente prestation et, pour ma part, une belle découverte.
Le concert de Julie Doiron, Terra Lightfoot et The City Streets était présenté à la Sala Rossa dans le cadre du festival Sous la Neige.
Gabriel Vignola
Aime le gros son, mais aussi la délicatesse… Le verre ciselé par l’orfèvre… Aime qu’on se lance, qu’on s’attrape et qu’on s’arrête, devant une toile, un livre ou un panneau de signalisation. UQAM en Spectacle : de l’art, de la couleur et de la passion	Critiques Musique UQAM 21 mars 2012
par Fanny Samson
La septième édition d’UQAM en Spectacle a eu lieu le 16 mars dernier, au Théâtre Plaza, où le public a eu droit à une performance haute en couleur du groupe Orange Orange, sans oublier les membres du groupe Fred Labrie qui ont reçu le premier prix du jury.
Crédit photo: UQAM en Spectacle
La salle donnait déjà beaucoup de cachet à la soirée. Une salle qui rappelle l’effervescence qu’a eu le septième art dans les années 20, et qui fait littéralement rêver, avec ses murs ornés de détails dorés, de fresques et de vitraux. L’endroit idéal pour mettre en lumière la langue française à travers les arts, lors de ce concours extra-académique où 17 étudiants ont présenté devant près de 200 spectateurs, dix numéros variés, passant du chant à l’humour, sans oublier la danse et la musique.
Les dix performances ont ensuite déboulé, une à une, non pas sans quelques accrochages techniques, mais rien de majeur. Certains ont su venir chercher l’émotion du spectateur, ce fut le cas d’ailleurs de Philippe Turcotte, avec sa composition Ras Alhague, qui se retrouvera sur son album en novembre prochain. Il n’a eu besoin que de sa guitare et de ses mains pour nous faire ressentir notre petitesse dans un Univers si grand. Il a dû rejouer sa pièce deux fois plutôt qu’une, à cause d’un fil mal branché, pour le plus grand bonheur de nos oreilles. Du côté des classiques, Maxime Blais a fait revivre à la salle les jeux vidéo des années 80 et 90, en performant un medley de rock, métal et reggae. Mario, Yoshie et Luigi étaient de la partie…sans oublier le jeu Tétris. Un autre Maxime, Pouliot cette fois, a offert un monologue de Sol, philosophant sur l’itinérance et la dure montréalité de la vie urbaine. L’humour a eu sa place avec Les Cogiteurs, un numéro comique et léger qui a libéré le public de toute réflexion. La dernière performance a été celle du groupe Fred Labrie. Celui-ci a joué une pièce rappelant le grand froid hivernal et la vie en ville. La sonorité et le texte imagé faisaient un peu penser à Montréal -40°C de Malajube. C’est pour son énergie et son sens du groupe que Fred Labrie représentera l’UQAM lors de la grande finale nationale d’Univers-Cité en Spectacle qui se tiendra le 7 avril prochain à l’Université du Québec en Abitibi-Témiscamingue (UQAT).
Orange Orange : une performance acoustique haute en couleur
Pendant que le jury délibérait, c’est la formation Orange Orange, composée de Sabrina Sabotage et de Dom Hamel qui a offert au public une performance acoustique haute en couleur, bien qu’ils soient habitués de faire de l’électro, ils ont su faire de « la musique et de la scène un parc d’amusement ».
Le jeune couple était le premier choix du comité organisateur d’UQAM en Spectacle et il ne s’est pas fait prier longtemps avant d’accepter. « Dom est un ancien étudiant de l’UQAM et on aime particulièrement jouer devant notre public-cible, explique Sabrina Sabotage. C’est un exercice pour nous de jouer devant ce public et ça nous indique si on est sur la bonne voie ou si au contraire on se trompe. »
Vendredi dernier était une grande soirée pour le groupe Orange Orange. Sous les palmiers, et entre deux morceaux de Tropical Passion, les deux artistes ont mentionné à la salle la fin d’un an et demi de litige les opposant à leur ancienne maison de disque Star.ca « C’est un grand jour pour nous. Le tout s’est réglé au Palais de Justice aujourd’hui même », a affirmé avec joie Dom Hamel avant le spectacle, lors d’un entretient avec l’Artichaut, pour ensuite répandre la bonne nouvelle sur scène.
Et pour la suite ?
Beaucoup de choses restent encore à confirmer pour Orange Orange. Au début du mois, le vidéoclip de Chamoiré, le deuxième tiré de l’album Tropical Passion, a été tourné et il sortira d’ici la fin du mois. « Des murs sur roulettes avec une caméra intégrée dans les murs, une ambiance kitsch comme la chanson, a décrit Dom Hamel. Ça va être notre plus gros vidéoclip jusqu’à date. » Un clip à surveiller qui sera sur nos écrans d’ici la fin du mois, une réalisation de Youri Philippe Payé. Un nouveau site web devrait aussi voir le jour prochainement.
Des projets plein la tête, le groupe lancera bientôt son album en Europe. Chamoiré pourrait voler la vedette à Wannabe DJ en tant que single sur le Vieux Continent. « D’ici les deux prochains mois on devrait avoir plus de détails, a expliqué Sabrina Sabotage, mais c’est toujours plus long parce qu’il faut refaire toute la démarche qu’on a fait ici. »
Orange Orange, à suivre de près ce printemps, ici comme sur l’autre continent!
Fanny Samson
Rappel ponctuel en trente tableaux	Cinéma Critiques 20 mars 2012
par Thomas Dupont-Buist
J’ai parfois tendance à observer la cause féministe avec agacement. Je n’y peux rien, c’est plus fort que moi, malgré les chiffres consternants qui circulent à propos de l’équité salariale. Loin de moi l’idée de vouloir les nier, seulement voilà, mes impressions récalcitrantes refusent d’y adhérer complètement. Comme si je considérais le combat comme gagné depuis longtemps. Ça vient probablement de l’enfance et du modèle familial. Foutue psychanalyse. N’empêche que ma mère m’en a tellement parlé, de ce fameux combat. Pendant qu’elle et mon père préparaient à souper. Elle était toujours un peu plus enflammée quand elle parlait d’inégalité. Surtout celles qui touchaient directement les femmes. Chez moi, les passe-temps comme les devoirs n’avaient généralement pas de sexe. Sauf lorsque ça requérait des forces ou des intuitions innées à l’un ou l’autre des deux pendants humain. N’en venons tout de même pas à nier les attributs qui caractérisent l’homme et la femme. L’égalité oui, bien sûr. S’imaginer que ces deux bêtes brillantes sont pareilles en toute chose, sûrement pas!
J’estime que ce sont ces valeurs d’égalité que m’ont transmises mes parents qui sont ironiquement responsables de ce vague désintérêt face à la cause féministe. Il me faut donc, à moi comme à plusieurs, de perpétuels rappels de cette condition, afin de ne pas oublier le chemin qu’il reste à parcourir, au Québec comme ailleurs dans le monde. Un peu comme un téléspectateur de Vision Mondiale qui s’étonne chaque fois de la pauvreté dans le monde. Eh oui, ces problèmes, on me le confirme, semblent longs à régler.
Ce rappel ponctuel, j’y ai eu droit en visionnant le dernier film de Paule Baillargeon qui vient tout juste de recevoir un Jutra pour l’ensemble de sa carrière. Toujours est-il que je ne connaissais pas la grande dame du féminisme québécois, faute qui pourra sans doute être placée sous le compte de mon jeune âge. Je ne connaissais pas non plus sa carrière des plus riches, que ce soit comme comédienne, réalisatrice ou dramaturge. Ayant travaillé comme actrice avec ceux que l’on reconnaît généralement comme les plus grands du cinéma québécois (Claude Jutra, Denys Arcand et Léa Pool), elle s’investit également au théâtre en fondant le Grand Cirque ordinaire, première troupe de création collective avec entre autres Pierre Curzi que l’on connaît aujourd’hui pratiquement plus comme député démissionnaire du Parti Québécois que comme acteur. Mais Paule Baillargeon n’est pas la femme d’un seul projet et réalise aussi de nombreux longs métrages qui marqueront notre cinéma. Ses deux œuvres les plus marquantes restent Anastasie oh ma chérie ainsi que La cuisine rouge, toutes deux marquées par des revendications féministes très fortes et une réflexion pertinente sur le rôle de la femme. On se souviendra entre autres de scènes où une femme se fait habiller de force, violée à rebours. Ou encore des femmes de La cuisine rouge faisant la grève de tâches ménagères, laissant leurs hommes dans leur crasse.
Tout ça pour dire que son nouveau film, Trente tableaux, autobiographie impressionniste, arrive sur nos écrans le 23 mars prochain. C’est une occasion en or pour ceux et celles qui ne connaissent pas encore Paule Baillargeon. Prenant la forme de 30 souvenirs mis en images dans le désordre, Trente tableaux nous dévoile la femme de contraste qu’est la cinéaste. Tantôt assoiffée de vivre, pleine de revendications et de colère, elle n’hésite pas non plus à se montrer au bout du rouleau, la corde presque au cou, traitant des multiples pensées suicidaires qui ont traversé sa tête. Peu à peu, on comprend le personnage à la fois extrêmement sensible et fortement militant qui se tient debout à l’écran, envers et contre tous. Chaque fois, la mémoire est fouillée pour raconter au présent une anecdote marquante de sa vie à un âge précis. Sa rencontre-choc avec une littérature osée, le jour où elle a voulu dessiner Robin Hood et ses premiers écrits virulents. Paule s’occupe de nous raconter le tout, narrant les animations, les scènes tournées et les images d’archives qui composent le documentaire. À travers ses propres dessins et les extraits de ses films, on découvre l’artiste derrière la femme. Ou ne serait-ce pas le contraire, la femme devant l’artiste? À voir l’envergure des deux, on ne sait plus.
Projet assez audacieux,Trente tableaux, a toutefois parfois l’air bricolé. Si certaines animations des plus magnifiques s’insèrent parfaitement dans le récit, d’autres donnent l’impression de n’être là que pour combler l’espace. La qualité de plusieurs scènes tournées dans le Nord québécois laisse à désirer, faisant penser à celles que l’on aurait tous pu tourner dans un chalet avec une caméra MiniDv. Recherche-t-on ici une intimité bricolée avec quelques archives familiales? Le résultat ne convainc pas parfaitement. Malgré ces quelques détails Paule Baillargeon tient un pari difficile, celui de raconter elle-même sa vie, tout en nuances. L’essentiel est là et si contrairement à elle, je n’estime pas que toute vie se doit d’être racontée, je suis bien d’accord que la sienne en vaut la peine, et pas simplement parce qu’elle est cinéaste en résidence à l’Office national du film depuis deux ans. Plutôt parce qu’elle a su se battre contre la condition de sa grand-mère, celle de sa mère, la sienne et se bat toujours pour celle de sa fille.
« Je porte ma mère, et je porte symboliquement toutes les femmes. On a fait la révolution parce qu’on était indignées par ce que nos mères vivaient, par le manque de reconnaissance de leur travail acharné dans la maison, 24 heures par jour », explique-t-elle dans une entrevue accordée à Nathalie Bissonnette de la Gazette des femmes.
J’estime que la vie de Paule Baillargeon mérite d’être contée parce qu’elle a su être critique quand il a fallu l’être. Au sens le plus fort du mot. Parce qu’elle a su trouver sa voix dans le milieu hautement masculin qu’est traditionnellement le cinéma.
« J’ai été radicale et ça m’a nui. Pourtant, les hommes radicaux qui assument leur révolte, on les aime. »
Faut le faire quand même, réveiller le féministe qui sommeillait en moi. De l’agacement à l’émerveillement. Il ne faut parfois qu’un rappel ponctuel. Sauf que les rappels à la cause féministe ne possèdent pas tous la même qualité que Trente tableaux.
[Paule Baillargeon 2011, Québec, 81 min, V.O. française, Dist.: ONF]
Trente tableaux de Paule Baillargeon prend l’affiche le 23 mars à l’Excentris.
Thomas Dupont-Buist
Jadis sous les projecteurs, il lui aura fallu un certain temps pour se rendre compte que l’on était finalement bien mieux parmi le public, à regarder le talent s’épanouir. Un chantre des arts de la scène qui aime se dire que la vie ne prend tout son sens que lorsqu’elle a été écrite. Urgence au Théâtre du Nouveau Monde	Critiques Théâtre UQAM 19 mars 2012
«La vie est ailleurs. Marx est mort, Dieu aussi, et moi-même je ne me sens pas très bien», ont dit les étudiants parisiens en mai 1968. Transposés dans notre contexte, le 12 mars dernier, Stéphane Laporte invitait les étudiants à se mobiliser d’une façon tout aussi originale, aussi punchée, aussi vindicative que le firent naguère les étudiants parisiens. Comment? En se concentrant plus sur l’aspect collectif que sur l’aspect personnel. Il a mis les étudiants au défi en proposant une grève où les slogans mériteraient d’être imprimés dans les manuels scolaires, dans vingt ans.
Eh bien voilà que jeudi dernier, à la première médiatique du Roi Lear au TNM, une quinzaine d’étudiants ont pris illicitement d’assaut la scène quelques minutes avant la représentation. Ils ont lu un texte touchant, troublant, empreint de vérité et abordant l’importance de l’éducation accessible au sein d’une société en santé. Le tout s’est déroulé pacifiquement et solennellement. La foule a rapidement soutenu ces étudiants courageux, en ligne, devant la scène. La lecture estudiantine s’est terminée par une ovation du public et des comédiens, déjà sur scène.
Afin d’éviter l’association de noms à cette prise de parole et pour parler uniquement au nom de la collectivité étudiante, les organisateurs de cette action ont noblement désiré conserver l’anonymat. L’idée est audacieuse. Elle défie les conventions. Elle s’inscrit sous la bannière, parfois nécessaire, de la désobéissance. Elle dit sur scène ce qui fourmille dans les lieux publics, dans les rues, dans les universités, dans les têtes de certains étudiants ainsi que dans celles de certains artistes et travailleurs. N’est-ce pas cela qu’on appelle un grand moment de théâtre ? Oui. Grand moment où le présent ne peut plus se taire, où l’urgence élève la voix, où la fébrilité de la jeunesse ne peut faire autrement que de verbaliser ce qui taraude l’esprit.
Ils ont dit : «Je suis révolté, foudroyé. Je suis lucide. Je ne suis pas une jeunesse qui accepte d’être considérée seulement comme une jeunesse. J’ai une parole, un sens critique. J’ai une voix et du jugement. J’ai une éducation et je veux la poursuivre, la pousser, la développer. Je veux l’enrichir et la transporter sur scène.»
Carré rouge, symbole de la lutte étudiante
Sans intention de nuire à la représentation, cette intrusion au sein de l’institution théâtrale du TNM n’a nullement été arrêtée par les autorités. En novembre dernier, suite au Projet Blanc d’Olivier Choinière, Lorraine Pintal a convié artistes et étudiants pour discuter des théâtres institutionnels montréalais. La discussion avait alors dévié vers l’apport possible du TNM aux actions théâtrales illicites. Ne s’objectant pas à celles-ci, la directrice a même invité à la prise de parole, si celle-ci respecte la représentation. C’est ce qu’on fait les étudiants jeudi dernier, à la grande fierté du public. Bravo aux individus impliqués dans cette action. Continuons pour que, dans vingt ans, le printemps 2012 s’inscrive dans les manuels scolaires.
L’ARTICHAUT APPUIE OFFICIELLEMENT LES REVENDICATIONS DES ÉTUDIANTES ET ÉTUDIANTS EN GRÈVE. Pour vous informer des enjeux et actualités de la grève étudiante, cliquez ici : http://www.bloquonslahausse.com/ Noémie Roy
C’est Sous La Neige que l’hiver a fondu	Critiques Musique 17 mars 2012
J’écoute présentement le premier album de In Days of Yore, question de me remettre dans l’ambiance du concert donné jeudi dernier, le 15 mars 2012, à la Casa del Popolo, présenté lors de la huitième édition du festival Sous La Neige.
In Days of Yore
Et je dois dire que ce que j’entends me plaît. Le son de In Days of Yore se diffuse dans mon bureau comme les effluves d’une incantation sombre, par moment dramatique. L’album représente plutôt bien ce que j’ai vu sur scène jeudi. D’un professionnalisme irréprochable, le groupe a alors déployé une belle énergie et surtout un son limpide et large. Un son où chaque chose a sa place, où chaque musicien travaille pour l’ensemble, en mettant son ego de côté afin de mieux servir la musique.
L’atmosphère presque lugubre de la musique de In Days of Yore contrastait d’ailleurs grandement avec la personnalité pétaradante de la chanteuse Carolyne La Branche qui essayait tout au long du spectacle de tempérer sa visible propension au « trash » afin de conserver un fil conducteur entre les pièces.
Give Me Something Beautiful et Maxime Robin
La performance de In Days of Yore a été précédée par celles de Give Me Something Beautiful et Maxime Robin.
Le premier groupe proposait un mélange de folk et de post-rock planant et très nuancé. Jouant beaucoup avec le volume, l’intensité et les sonorités, leurs très belles compositions n’étaient cependant pas toujours avantagées par les arrangements proposés. En effet, les musiciens, particulièrement le batteur, en faisait souvent trop, s’essayant à des partitions inutilement compliquées qui délayaient malheureusement les qualités indéniables de leur musique.
Leur représentation suivait celle de Maxime Robin, un nom qui circule beaucoup dans les médias depuis un certain temps, puisque le fruit de sa collaboration avec Gabriel Galarneau, alias McPhyllis, fait partie de la cuvée 2012 des Francouvertes.
On comprend aisément pourquoi: le musicien s’avère être d’une grande inventivité, travaillant à l’aide de son échantillonneurs avec des rythmes hip-hop très lents, rappelant parfois Prefuse 73, mais en plus pesants et avec une propension certaine pour les sonorités solennelles et les « samples » d’orchestres symphoniques, militaires ou autres.
Le festival Sous La Neige présente des concerts jusqu’au dimanche 18 mars. Pour de plus amples informations sur la programmation, cliquez ici.
Aime le gros son, mais aussi la délicatesse… Le verre ciselé par l’orfèvre… Aime qu’on se lance, qu’on s’attrape et qu’on s’arrête, devant une toile, un livre ou un panneau de signalisation. Improviste, improvisation et approbation du public	Musique 14 mars 2012
Jeudi dernier, soit le 8 mars, a eu lieu le dernier match de saison régulière de la Ligue d’Improvisation Musicale de Montréal (LIMM). S’y affrontait l’équipe du Lion d’Or versus celle du Petit Campus.
C’est d’ailleurs cette dernière équipe qui l’a emporté suite à un match des plus serré. On n’aurait pourtant pu douter que le Lion d’Or offrirait une aussi solide performance puisque l’équipe a dû engager la partie sans l’apport d’un instrument harmonique (ni guitare, ni piano). À la place, trombone, saxophone et violon ont dû redoubler d’imagination afin d’arriver à emplir l’espace de façon cohérente.
Les demi-finale et finale de la LIMM se tiendront respectivement les 5 avril et 3 mai à 20h au Café Campus.
Crédit photo: LIMM
Aime le gros son, mais aussi la délicatesse… Le verre ciselé par l’orfèvre… Aime qu’on se lance, qu’on s’attrape et qu’on s’arrête, devant une toile, un livre ou un panneau de signalisation. Provocation rock : Thee Silver Mount Zion	Critiques Musique 13 mars 2012
Le 19 février dernier, le groupe Thee Silver Mount Zion a donné un concert au Cabaret la Tulipe. Ma critique vient un peu tard, mais palliera le peu de couverture médiatique offerte au spectacle.
Groupe dirigé par Efrim Menuck, l’un des fondateur de Godspeed You! Black Emperor, Thee Silver Mount Zion constitue l’un des piliers de la scène post-rock montréalaise, scène qui a eu une influence déterminante sur le développement de la musique à Montréal au cours des années 90 et 2000.
Rock is dead, isn’t it?
Il va sans dire qu’en me dirigeant vers le concert, j’étais très enthousiaste à l’idée d’y voir des musiciens d’aussi grande envergure. En même temps, je m’attendais à pénétrer dans l’univers propre et douillet des musiciens de carrières, où le professionnalisme fait flèche de tout bois, où la subversion rock est une option trop couteuse pour être réellement exploitée.
Dernièrement, j’ai de plus en plus difficile de difficulté à être surpris par un spectacle rock. Peut-être est-ce seulement dû au fait d’en avoir vu beaucoup (trop?)… En fait, je ne crois pas être désensibilisé à ce point. De nos jours, tout est si bien classé, critiqué, managé, mis en marché… Même les musiques les plus expérimentales ont leurs petites classes à part, leurs petites catégories bien définies qui orientent le public, lui évitant de trop fortes surprises.
Vraiment?
Bien entendu, Thee Silver Mount Zion n’échappe pas aux catégories. Il s’agit d’un groupe de post-rock bien classique, groupe qui de surcroit occupe une belle position autant sur la scène Montréalaise qu’au niveau international. Sans surprise, le groupe a balancé ses nappes de guitares et de violons avec l’assurance de musiciens ayant roulés leur bosse un peu partout sur Terre. Cependant, au-delà du grand professionnalisme du groupe, j’ai été surpris de constater que celui-ci a su conserver son pouvoir de subversion, et ce, au-delà de l’enchainement des concerts et des albums, au-delà de la consécration du post-rock comme style musical d’importance.
Bien entendu, le post-rock résiste par définition à toute marchandisation excessive, et peut même, surtout dans le cas qui m’intéresse ici, incarner un anti-capitalisme fort. Pièces trop longues, trop sombres, trop engagés, trop inégales, trop répétitives… Un ensemble de trop qui rend cette musique difficile, qui fait en sorte de la garder en marge des médias de masse.
Peut-être pas finalement
Mais, au-delà de cela, c’est la simplicité du spectacle, ainsi que la charge politique de son propos qui m’ont surpris. Sans fla fla, sans prétention, le spectacle était d’une simplicité désarmante : des éclairages tout simples – un peu de bleu, un peu de rouge, sans plus -, des musiciens ne cherchant pas à en mettre plein la vue, mais interprétant leurs pièces avec profondeur, avec une volonté réelle de communiquer avec le public, une performance musicale honnête et profonde. Un seul artéfact improbable ne semblait d’emblée avoir aucune utilité dans cette performance musicale : un portrait de Stephen Harper placé à l’envers sur scène.
Crédit: Abbey Braden
Pourquoi Stephen? Entre les pièces, le chanteur Efrim Menuck demandait si les gens du public avaient des questions à lui poser (pas très conventionnel comme façon d’animer un spectacle). Et cette question fatidique qui a finie par surgir : pourquoi Stephen? Et Menuck de répondre quelque chose comme : « Nous [le groupe] ne croyons pas tellement au vaudou et ces genres de trucs où l’on pique une poupée avec des épingles. Mais nous espérons sincèrement que de mettre le portrait de Stephen Harper la tête en-bas sur scène lors de nos spectacles va peut-être faire mourir notre Premier Ministre. » Réponse certes surprenante, voire déconcertante, surtout à une époque où le rock se retire plus souvent qu’autrement de toute forme d’engagement politique, préférant la marchandisation à la provocation.
Thee Silver Mount Zion a eu lieu le 19 février 2012 au Cabaret la Tulipe.
Aime le gros son, mais aussi la délicatesse… Le verre ciselé par l’orfèvre… Aime qu’on se lance, qu’on s’attrape et qu’on s’arrête, devant une toile, un livre ou un panneau de signalisation. « Collision 8 » à la Parisian Laundry : le huis-clos des 7 visions	Arts visuels Critiques UQAM 09 mars 2012
par Adeline Golliet
La Parisian Laundry expose, du vendredi 2 au 17 mars, 7 jeunes artistes en maîtrise, venant respectivement de l’Université Concordia et de l’UQAM.
KOTAMA BOUABANE – JANIE JULIEN-FORT – MAUDE LÉONARD-CONTANT – KAREN KRAVEN – MÉLANIE MARTIN – JULIE TRUDEL – ANTHONY VRAKOTAS.
Crédit : Parisian Laundry
Cette exposition a deux ambitions : mettre en valeur la jeune garde montréalaise en matière d’art et donner la possibilité à ces jeunes artistes de présenter des œuvres qui, d’une part, reflètent les préoccupations artistiques qui sont les leurs au bout de deux années d’interrogations sur leur pratique et, d’autre part, sont la conclusion de leur projet de mémoire.
Même si cette démarche collective présente les œuvres individuellement, la directrice de la galerie, Jeanie Riddle, a eu le désir bienveillant d’instaurer un dialogue entre chacune des perceptions personnelles, ce qui permet de révéler les interactions et les résonances pouvant s’instaurer entre les œuvres. Dans ce but se juxtaposent photographies, installations sculpturales, peintures et sérigraphies. De là, s’inscrit une nouvelle lecture de l’espace.
Rez-de-chaussée
Le rez-de-chaussée est, à mon avis, la salle où ce concept de dialogue est le moins bien réussi. Il s’agit là d’une expo collective classique, laissant peu de place à une liaison conceptuelle et surtout sensorielle des œuvres exposées. Néanmoins, chacune a son mot à dire. Les photographies de KOTAMA BOUABANE ironisent sur les reproductions en maquette de monuments iconiques, du type de ceux que l’on peut trouver sur des parcours de mini-golf. Les prises de vues, faites dans différents pays, dévoilent la facticité des lieux par leur mise en relation avec les corps des personnages photographiés, qui sont autant d’échelles de référence. Une réflexion sur la reproduction et l’authenticité est également présente dans la série d’impressions d’ANTHONY VRAKOTAS. Au mur sont accrochés, en damier, 18 tirages d’une couverture du livre « Nineteen eighty-four » de George Orwell. Ces images réalisées en lithographie, technique d’impression facilitant la reproduction à l’identique d’une même image, sont en réalité toutes différentes. L’artiste joue ainsi avec notre accoutumance à être entouré d’images reproduites en série. Dans une même perspective se place la série des ellipses, « Projet CMJK ». L’artiste JULIE TRUDEL applique, sur plusieurs tableaux ovales, de l’encre destinée généralement à la lithographie. Son emploi est atypique : l’encre est déposée manuellement imitant la trame d’impression et est présente dans les images imprimées avec les quatre couleurs primaires. De cette trame apparaît un mouvement circulaire qui, en outre, fait naître une multitude de couleurs directement issues du cyan, magenta, jaune et noir. Enfin pour terminer le rez-de-chaussée, l’installation de MAUDE LÉONARD-CONTANT vient occuper la partie centrale de la pièce. L’œuvre prédomine, entre autres, grâce à ses grandes dimensions, mais également par la fragilité des matériaux qui la compose. En effet, le papier, la terre glaise et l’eau forcent à la considérer comme un état « transitoire ». Elle donne ainsi accès à un éventail de possibilités à venir.
Premier étage
Au premier étage sont exposées les œuvres de KAREN KRAVEN. Photographies de cartes à jouer, et installations d’objets, évoquant un parcourt de jeu de société, se côtoient parfaitement. Ainsi l’artiste a la possibilité de pouvoir présenter de multiples facettes de son œuvre, s’amusant avec les représentations soit en 2D ou 3D d’objets de notre quotidien. Un aspect collectionneur de bricoles se dégage de cet ensemble tout en sobriété.
Pour finir, la salle du sous-sol réserve une très bonne surprise. L’œuvre photographique de JANIE JULIEN-FORT, « Spectres célestes », et la sculpture de MÉLANIE MARTIN, « Deadline », s’épousent et se répondent parfaitement. Il est incontestable que cette cohabitation est bienheureuse. Les photographies argentiques aux couleurs parfois vives, parfois pâles, et aux formats divers, contaminent les murs. En étant accrochées à des hauteurs variables, une Voie Lactée se dessine au-dessus du niveau de notre regard. Puis au sol, la maquette d’un sous-marin construite, à une grande échelle, en carton brun et de ruban adhésif jaune, impose sa masse malgré la précarité de sa constitution. Cette œuvre nous plonge dans un onirisme sombre et ludique. Le carton fait dérision et la puissance du sous-marin est anéantie en raison de sa perméabilité.
Cette année encore la Parisian Laundry a laissé sa chance à de jeunes artistes et, en mettant des visions diverses et composites en relation, elle contribue ainsi à la construction d’un paysage de nouveaux talents.
Lieu : La Parisian Laundry, 3550 St-Antoine Ouest (entre Greene et Bel-Air), Montréal, QC, H4C 1A9
Dates : du 2 au 17 mars 2012
Heures d’ouverture : du mardi au samedi de 12H à 17H
Renseignements: (514) 989-1056
Pour voir quelques images, on clique: ici
Adeline Golliet
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