{"word_count": 1412, "character_count": 8833}
L'exposition s'est tenue du 24 février au 20 août 2017 au Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris. Ce compte-rendu est donc rétrospectif et tente de donner un aperçu des œuvres mises en lumière par l'exposition.Créations collectives et œuvres individuellesToute la dimension du terme de réseau prend son sens lorsque l'on visite cette exposition temporaire sur l'artiste néerlandais Karel Appel (1921 - 2006) avec en tête à la fois celle consacrée à Wifredo Lam et celles des œuvres d'Asger Jorn. Une pièce du puzzle s'ajoute, un fil de la toile se noue.[caption id="attachment_208" align="aligncenter" width="500"] Entrée de l'exposition au Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris[/caption]Une œuvre dans le coin, à droite, en rentrant, en témoigne de manière flagrante : prêtée par le Musée de Silkeborg, il s'agit d'un Sans Titre de 1949, huile sur toile peinte par Richard Mortensen modifiée une première fois par Asger Jorn, possédée par Erik Nyholm – céramiste et éleveur de truites précise le cartel – puis modifiée à tour de rôle par les peintres Appel, Constant et Corneille, alors en voyage au Danemark.Nous avons ici, en un tableau quelques uns des pinceaux et toute la créativité et l’humour qui composent le mouvement CoBrA ((reprenant les initiales des capitales Copenhague, Bruxelles, Amsterdam)) dont Karel Appel et Asger Jorn ont fait partie ((un article sur ce mouvement est à paraître sur ce carnet)).Cette petite toile c’est également une partie de ces modifications, c’est-à-dire des séries de tableaux – parfois connues, parfois parfaitement inconnues – sur lesquelles Asger Jorn ((et d’autres artistes avec lui, comme ici)) a détourné certains codes, repeint certaines surfaces, ajouté des couleurs, des visages, des moustaches, des nez de clowns, des jouets … à grands traits colorés.Dans le catalogue d'une exposition de mai 1959 – intitulée Vingt peintures modifiées par Asger Jorn et montrée à la Galerie Rive Gauche à Paris, Asger Jorn explique dans un texte que ce détournement de la peinture est en fait une manière d’interroger – et de répondre – à la dialectique de l’objet/sujet dans le cadre de la peinture. On ne peut, affirme-t-il, la considérer comme un objet en soi si l’on considère que ce tableau est aussi un sujet créateur, actant. De même considérer qu’une œuvre d’art est une simple trace de l’action du peintre ((comme dans l’action painting)) ne laisse pas la place à la contemplation d’un tel objet d’art. ((Texte reproduit dans « Peinture détournée », Discours aux pingouins et autres écrits, École Nationale Supérieure des Beaux-Arts, Paris, 2001, p. 214-218))Par le détournement, c’est une tentative de la part d’Asger Jorn de valoriser l’œuvre choisie puis de la dévaloriser / désacraliser, pour finalement lui donner une nouvelle valeur voire pour offrir des valeurs nouvelles à l’art. ((Ibid. p.216)) « Je veux rajeunir la culture européenne. Je commence par l’art » ((Ibid. p.216))Collaboration d'artistes et de poètes, œuvres collectives, support artistique (matériau...) récupérés, art brut, esprit enfantin, création automatiques, on trouve tous ces ingrédients dans CoBrA comme dans le parcours coloré proposé dans cette exposition sur Karel Appel sous-titrée L'art est une fête ! Qui n'est pas sans rappeler le titre de la grande rétrospective organisée au Museum Silkeborg en 2014 : Kunst er fest! / Art is a Festival ! ((Un catalogue a été édité et porte le même titre. ISBN :  978-87-92307-19-4))Avant même d'entrer dans l'exposition proprement dite, nous sommes accueillis par des œuvres de Pierre Alechinsky ((également dans CoBrA alors qu’il est encore jeune artiste)) , lithographies fines et à peine colorées ((Les métiers en 9 lithographies et surtout le Volcan dépeint vers 1977 qui entrelace un volcan ubuesque avec des extraits calligraphiés de différentes sources, écritures et époques)) nous introduisant en douceur dans un monde d'inconscient, de totems et de chimères issus de notre quotidien.Puis, baroque ou bien kitsch et gigantesque une sculpture tardive de Karel Appel représentant des ânes chanteurs ((Singing Donkeys)) – têtes aux sourires extasiés comme les restes d'un carrousel particulièrement excentrique – sur fond de bois flottés et morceaux de meubles récupérés nous attire vers l'entrée de l'exposition.C'est à l'occasion d'une donation d'une vingtaine d’œuvres de Karel Appel au Musée d'Art Moderne que cette exposition est présentée. Elle est organisée selon un parcours chronologique, partant de l'époque CoBrA (1948 – 1951) pour arriver au dernier petit tableau lumineux au possible Feestje ? ((Petite fête?)) (2000) en passant par les périodes de très grands formats (1980 – 2000) s'approchant du format et de sujets de fresques. La phase la plus colorée – mais pas nécessairement la plus naïve – semble être celle des années 1960 – 1970 tandis que la période parisienne entre 1952 et 1957 est qualifiée par les commissaires de « véhémence expressive ». Il ne faudrait pas non plus exclure la sculpture présente également à chaque étape de l’œuvre de Karel Appel et évoluant avec lui.[caption id="attachment_207" align="aligncenter" width="500"] Affiche dans le métro parisien pour l'exposition Karel Appel - l'art est une fête ! 2017[/caption]Jouer avec la matière et les couleursUne des clefs d'interprétation qui nous est immédiatement accessible, sensuellement, au-delà des cartels et de la chronologie, est l'importance de la matière.La matière est partout. Elle est dans cette Tête tragique de 1956, peinture aux coups de pinceaux et de couteaux apparents et où la toile se transforme en palette. Elle est dans ce Chien de 1954, terre cuite vernie, entre le plat romain et le masque totémique. Elle remplace la couleur dans le Nu tragique de 1956 où l'épaisseur et le mouvement dynamique imprimé dans la peinture noire – seulement sur le personnage – remplace sans détour la couleur de la peau. Avec Karel Appel, la chair n'est pas peinte, la chair est peinture.N'en déplaisent aux pensées simplistes, tout ceci est un choix. Preuve en est qu'il joue parfaitement de la différence entre relief dus à la peinture et aplats parfaits, notamment dans la Nude figure de 1989 où l'aplat noir lisse et quasiment sans reflet permet de donner un corps à la figure palpable noire/blanche/grise qui dans un mouvement de côté, entre danse et fuite, se retrouve en Sisyphe moderne à pousser sur le cadre de ce très grand format.La matière s'incarne complètement lorsque Karel Appel réalise des sculptures.Ces sculptures – à l'exception des terres cuites et céramiques – sont faites d'objets trouvés, de matériaux récupérés. Cette matière première est souvent colorée, transformée, bricolée, collée, clouée, etc. Nous sommes plus dans l'approche de l'art brut que dans le ready made. La nature est bien présente et s'il faut pour cela repasser par une étape de déconstruction - restructuration - création, qu'il en soit ainsi.Une autre chose frappe l'oeil et l'esprit : les sculptures ne suivent pas du tout chronologiquement l'évolution et les expériences que Karel Appel réalise dans sa peinture. Nous sommes vraiment dans une autre matière et cela a des conséquences sur les réalisations – c’est-à-dire les formes qu’elles prennent entre abstraction et figuration – la période d’après 80 étant particulièrement figurative, avec des chimères et des montages enfantins et absurdes tandis que la peinture de la même époque est particulièrement économe en terme de formes et de couleurs.Mais la commodité des étiquettes, telles que celles de la peinture et de la sculpture, est déjouée lorsque l'artiste utilise des fleurs en plastique pour orner les cheveux de sa Femme aux fleurs n°4 : est-ce une peinture puisque c’est un cadre suspendu ? Est-ce une sculpture puisque c’est réalisé avec des ajouts en relief sur un dessin peint au préalable ? Est-ce un quasi-ready made dans la mesure où les fleurs indiquent presque où devrait se trouver la tête, même si elle n’avait pas été réalisée ?De la couleur pour conclureIl y a une dimension ludique particulièrement agréable et jouissive dans cette exposition – et peut-on avancer, dans l’œuvre de Karel Appel.Il ne fallait pas s'attendre à une rétrospective de l’œuvre de Karel Appel en allant voir cette exposition, elle n'en a d'ailleurs jamais eu la prétention. Relativement petite, elle n'en est pas moins intéressante dans l'aperçu qu'elle donne de cette œuvre intense qu'a réalisé au fil des années Karel Appel.On en ressort avec des couleurs plein les yeux, même les plus noires des œuvres étant expressives. Karel Appel nous a prouvé que même dans le feu il y a du rose ((Les Décapités de 1982 en est le parfait exemple)). En ces temps tristes et maussades, c'est peut-être ce dont on avait besoin : ne pas nier la vie ni son absurdité. Le désespoir en est une facette. Le rêve une autre.