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  Présentée au Palais Galliera du 21 mai au 23 octobre 2016, l’exposition Anatomie d’une collection répond à une double ambition de la part du musée de la mode de la Ville de Paris : présenter certains de ses chefs-d’œuvre ainsi que parachever une réflexion menée depuis 2012 sur la présentation et l’interprétation de ses collections.A la première, le Palais Galliera y répond admirablement en présentant une centaine de vêtements, accessoires et objets de mode d’une grande rareté. Que ce soit en raison du savoir-faire exceptionnel dont elles sont le reflet, du talent du couturier qui les a créées ou de la célébrité des personnes qui les ont portées, ces « personnalités évanouies »1 comme aime les appeler Olivier Saillard, sont toutes plus belles les unes que les autres.Dans la première salle consacrée aux XVIIIe et XIXe siècles, on ne peut être qu’ébahi devant le travail de broderie qu’a nécessité la confection du manteau de cour de l’impératrice Marie-Louise, offert en cadeau diplomatique par le vice-roi d’Egypte Méhémet Ali. De salle en salle, le visiteur peut contempler des vêtements ayant appartenu à Wallis Simpson, Natalie Barney ou Catherine Deneuve. Ces mêmes pièces sont griffées de maisons illustres telles que Dior, Paul Poiret, Yves Saint Laurent ou encore Christian Lacroix.L’exposition est aussi l’occasion de découvrir de nouvelles pièces encore jamais exposées comme cette magnifique tenue du soir griffée Balenciaga ayant appartenu à  Liliane de Rhéty, seconde épouse de Léopold III de Belgique. Cette robe, en crêpe de soie imprimé de gigantesques fleurs roses, a été acquise en 2014 lors de la première édition de la Vogue Paris Foundation2. Cet événement permet chaque année de collecter des fonds pour l'enrichissement des collections du Palais Galliera.Moins exposées puisque plus fragiles, de nombreuses pièces du XVIIIe siècle font leur retour dans les salles du Palais Galliera. Depuis sa réouverture en 2014, le musée n’a pas, ou peu, exposé de pièces aussi anciennes. En témoigne ce casaquin en soie et dentelle d’argent daté des années 1730-40 qui accueille les visiteurs dans l’exposition. Les amoureux du siècle des Lumières seront comblés par la beauté des pièces présentées dont certaines, à l’instar des deux costumes du futur Louis XVII, portés peu de temps avant son décès à la prison du Temple, ne peuvent qu’émouvoir.En pendant de ces vêtements insignes, l’exposition prend le parti inédit de présenter des vêtements autrefois portés par des anonymes, pour la plupart issus des catégories sociales les plus basses de la société. Ainsi sont exposées des jupes datées de la fin du XVIIIe siècle – début XIXe siècle, faites en draps de laine grossier, et à travers lesquelles transparait la modestie de ses premiers propriétaires. Exposé au mur telle une icône, un pantalon d’homme en grosse toile de coton, rapiécé à de multiples reprises, rappelle que pour certains l’habillement est plus une nécessité qu’un ornement. En exposant cette partie peu connue de sa collection, le Palais Galliera répond à une attente de nombreux amateurs et chercheurs en histoire de la mode qui défendent la reconnaissance des vêtements de « gens de peu » dans les collections publiques3. Comme l’exprime Denis Bruna, conservateur au Musée des Arts Décoratifs : « Les vêtements dits populaires, ceux de la production courante, destinés au plus grand nombre font défaut, on l’a vu, dans les collections. (…) Mais ayons la sagesse et la rigueur scientifique de constituer un échantillonnage de la diversité des modes et des usages vestimentaires. Si le musée des Arts décoratifs, en charge d’une collection nationale, ne le fait pas, qui le ferait ?4 ». Il en va de même au Palais Galliera.A en croire le propos de l’exposition, les habits sont donc réellement personnifiés par l’évocation de ceux qui les ont portés, qu’ils soient illustres ou anonymes. Dès la première salle, les commissaires affirment que « l’émotion d’un corps disparu, évanoui, persiste dans le creux des corsages coquillages5». Ainsi, le Palais Galliera semble résoudre un paradoxe auquel se confrontent de nombreux musées de mode : « Quelles solutions apporter pour pallier une disparition particulièrement visible ?6 » Ici, celle du corps. Abordé par le conservateur Laurent Cotta, dans un article du catalogue intitulé Musées de mode, la disparition du corps, cette interrogation occupe les professionnels de musées depuis de nombreuses décennies. Elle donne aujourd’hui lieu à de nombreuses recherches académiques qui retracent une histoire de la présentation des vêtements dans les musées7. Autrefois photographiés sur des modèles vivants, les vêtements sont aujourd’hui exposés sur des mannequins artificiels, pour d’évidentes raisons de conservation. Un problème demeure : comment retranscrire l’énergie d’un vêtement autrefois porté sur un corps vivant? A cette interrogation, le Palais Galliera apporte une réponse des plus originales faisant appel à l’imagination et à la sensibilité des visiteurs.Loin des artifices proposés par certains musées afin d’insuffler de la vitalité à des mannequins inévitablement statiques, le musée parisien propose de « jouer avec l’absence en refusant tout simulacre de corps  (…) en assumant qu’il [le vêtement] ne sera plus jamais porté par un être vivant et restera à jamais désincarné; montrer son changement de statut radical en entrant au musée8. » Par ce procédé, l’institution muséale donne un nouveau sens à l’objet en étendant sa biographie9 au monde des réserves dans lequel il réside désormais. De nouvelles lectures sont alors possibles.Dès 2012, lors d’une exposition consacrée à Balenciaga à la Cité de la Mode et du Design, le Palais Galliera avait photographié l’ensemble des pièces dans les tiroirs de leurs réserves. Capturé sans corps ni volume, le vêtement apparaît alors tel quel, « pour l’objet qu’il est10 », à savoir un objet de musée.L’année suivante, lors de l’exposition intitulée Mannequin, le corps de la mode, qui retraçait une histoire de la photographie de mode du point de vue des modèles, une section du parcours était intitulée « La disparition du corps ». Celle-ci présentait des photographes qui, à partir du XIXe siècle, capturaient des articles de mode sans mannequins, telles des natures mortes : « Classés, numérotés, détourés, les vêtements acquièrent la poésie de leur abstraction11. »En 2015, lors de la rétrospective consacrée à Jeanne Lanvin, Alber Elbaz, directeur artistique de l’exposition, choisit de disposer de nombreuses robes à plat. Placées dans des vitrines, sur des tables en verre et se réfléchissant dans des miroirs, ces créations devinrent, aux yeux du couturier « comme des objets ou des bijoux. Des belles endormies12 ». Une nouvelle fois, exposées sans corps, les robes acquièrent un statut nouveau.Enfin, lors de la dernière exposition consacrée à la comtesse Greffulhe, une robe de garden-party griffée Worth était exposée sous vitrine, à même le sol, en regard du testament rédigé par la comtesse. Cette mise en scène romantique semblait questionner le statut des vêtements après la mort de leurs propriétaires, comme le fait Laurent Cotta dans son dernier article: « Liés à des moments précis, chargés d’affects, les vêtements des défunts donnent l’illusion que ces derniers se sont absentés un instant, ne tarderont pas à revenir... Leur présence ne fait ressentir que plus cruellement l’absence définitive de celui qui les a portés13. »Aujourd’hui, l’exposition Anatomie d’une collection réactive cette ambiguïté qui fait valser le vêtement de musée entre incarnation et désincarnation. Exposés sur des mannequins inertes, les vêtements ne semblent prendre vie qu’avec le souvenir de ceux qui les ont portés. Comme l’explique un des panneaux de salle consacré aux clientes charismatiques de la Haute Couture : « A travers les robes qui leur ont appartenu, à travers celles qu’elles ont choisi de revêtir à un moment précis de leur vie se dessinent des portraits de femmes14 ». En invoquant l’image de ces femmes, une nouvelle interprétation des vêtements s’opère, à la fois concrète et abstraite. La question de leur personnification par le truchement d’un mannequin est alors évacuée puisque superflu. La vision personnelle qu’ont les visiteurs de ces femmes, qu’elle soit réelle ou fantasmée, suffit à ressusciter ces « personnalités évanouies », ainsi qu’à habiter et animer leurs vêtements.C’est ainsi qu’au fil des expositions et d’une réflexion entamée il y a quatre ans, le Palais Galliera transforme une disparition autrefois redoutée, celle du corps, en un discours poétique et onirique qui engage la psyché du spectateur. Cette Anatomie d’une collection, en plus d’être un parcours magnifiquement orchestré à travers les collections du musée, est une belle leçon de muséographie, à travers sa scénographie ou les textes présents dans le catalogue15.Notes de bas de page:1. Caroline Rousseau, « A Galliera, les vêtements ont une âme », lemonde.fr, 19 Mai 2016 (consulté le 12 Juillet 2016).2. http://palaisgalliera.paris.fr/fr/oeuvre/robe-balenciaga (consulté le 12 Juillet 2016).3. Denis Bruna, « "De ces somptueux et légers fantômes" – Regard historiographique sur la collection du musée des Arts Décoratifs. », dans Pamela Golbin, Denis Bruna et alii, Fashion Forward, trois siècles de mode, Paris, Musée des Arts Décoratifs, 2016, p. 13-17.4.  Ibidem5. Panneau explicatif de la première salle de l’exposition « Anatomie d’une collection » présentée du 14 mai au 23 octobre 2016 au Palais Galliera.6. Laurent Cotta, « Musées de mode, la disparition du corps », dans Olivier Saillard, Sylvie Lecailler, Alexandra Bosc et alii, Anatomie d’une collection, Paris, Paris Musées, 2016, p. 190-93.7. Ingrid Mida, « Research Report, Animating the Body in Museum Exhibitions of Fashion and Dress », dans Dress, volume 41, numéro 1, 2015, p. 37-51. Dans cet article, l’auteur fait une histoire de l’utilisation de modèles vivants dans les collections et musées de mode jusque dans les années 1980. L’auteur met ensuite en avant les différentes techniques actuellement utilisées dans les expositions de mode pour animer les mannequins.8. Laurent Cotta, op. cit. , 2016, p. 193.9. Alexandra Palmer, « Untouchable : Creation Desire and Knowledge in Museum Costume and Textile Exhbitions », dans Fashion Theory, volume 12, numéro 1, 2008, p. 58. Par « biographie » d’un objet nous entendons la définition défendue par Igor Kopytoff en 1986 puis reprise par Alexandra palmer en 2008 pour y inclure le monde des musées.10. Laurent Cotta, op. cit. , 2016, p. 193.11. Dossier de presse de l’exposition « Mannequins, corps de la mode » présentée à la Cité de la Mode et du Design du 16 Février au 19 Mai 2013, p. 16. http://palaisgalliera.paris.fr/sites/galliera/files/cp_dp_visuels/dossiers_de_presse/dp_fr_mannequin.pdf (consulté le 12 Juillet 2016) 12. Guillaume Saint-Cyr, « Alber Elbaz raconte Jeanne Lanvin, exposée au Palais Galliera », lexpress.fr, 4 Mars 2015 (consulté le 12 Juillet 2016).13.  Laurent Cotta, op. cit. , 2016, p. 190.14. Panneau explicatif de la deuxième salle de l’exposition « Anatomie d’une collection » présentée du 14 mai au 23 octobre 2016 au Palais Galliera15. En particulier l’article de Laurent Cotta cité précédemment.César Imbert@16_imbert