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Wilfredo LamCentre Pompidou (30 septembre 2015 - 15 février 2016)Depuis le 30 septembre 2015 et jusqu’au 15 février 2016, se tient au centre Pompidou, à Paris, une exposition sur l’artiste cubain Wilfredo Lam, né le 8 décembre 1902 et mort le 11 septembre 1982. Cet évènement veut mettre en lumière le parcours de l’artiste, dans un cadre spatio-temporel, divisé en cinq salles.La première est consacrée aux premières années de sa vie, en Espagne, de 1923 à 1938. Elle s’ouvre sur un texte succinct racontant l’importance de sa carrière et ses origines familiales, avec la présence de quelques photographies, ainsi qu’une courte biographie. À l’intérieur de cette salle, et à travers les différents tableaux exposés, un autoportrait, des portraits, des paysages et deux compositions d’influences cubistes et surréalistes, on peut sentir les atermoiements de l’artiste à se trouver un style propre.Ensuite, on arrive à la pièce suivante, qui elle, est axée sur son passage en France, à Paris et Marseille de 1938 à 1941. Elle s’ouvre sur un deuxième autoportrait de l’artiste, fortement influencé par Matisse, et les arts premiers, avec des motifs floraux, et dans le corps du personnage. L’influence de l’art africain se perçoit également dans les quatorze tableaux de cette salle. L’attirance pour la sculpture africaine lui vient de Picasso, qu’il a rencontré à Paris à cette époque. À travers les photographies de l’artiste dans son atelier, exposées ici, on peut voir toute la répercussion de ce dernier sur son travail. De son séjour à Paris, il faut retenir l’évolution de son œuvre, qui se simplifie au fur et à mesure pour devenir des formes géométriques, voire abstraites. Ce jeu sur le volume et le rythme est une composante de sa production future. Un peu plus loin, avant de pénétrer dans la troisième salle, on arrive dans un couloir, où sont disséminées, sur les murs et dans des vitrines, des créations faites à la villa Air Bel à Marseille. En 1940 des troupes allemandes envahissent Paris, et, il dû se réfugier au sein de cette villa avec de nombreux surréalistes, et tous ensemble ils produisirent de multiples réalisations, dont certaines sont présentées ici. On retrouve plusieurs dessins collectifs, des dessins issus des carnets de Marseille, des photographies et d’autres travaux menés à bien durant son séjour.On arrive ensuite dans la troisième salle dédiée à ses années passées à Cuba, de 1941 à 1952, regroupant une cinquantaine d’œuvres. Le début de la pièce est annoncé par un grand cliché de lui dans son atelier de La Havane, puis on nous lâche dans un labyrinthe, sans indications d’un parcours à suivre. Cette pièce est un emmêlement d’œuvres d’inspirations cubistes, africaines, surréalistes telles qu’Anamu datant de 1942, des scènes de nature avec son immense tableau, la jungle de 1943, le tout dans des tonalités pastel avec des couleurs chaudes. Wilfredo Lam accorde aussi une place importante à l’animal et à l’humain, à travers ses différentes compositions mythologiques comme Autel pour Elegua, de 1943. Quelques photographies nous montrent sa relation avec ses amis surréalistes de la place Blanche, ainsi qu’avec la famille Loeb, dont Pierre, qui fut un grand marchand d’art.La salle suivante se concentre à la fois sur son retour à Paris en 1952, et sur ses nombreux voyages, à Caracas, La Havane, Abissola, et Zurich, jusqu’en 1961. Une quarantaine d’œuvres sont exposées, et les rencontres faites durant ses voyages vont amener l’artiste à s’orienter dans différents médiums tels que l’eau forte. Ses tableaux se simplifient de plus en plus et de multiples photographies nous montrent Wifredo Lam pendant l’acte créateur, dans son atelier. On perçoit également son affiliation avec les poètes, en effet, il réalisa de nombreuses illustrations de poèmes pour ses amis surréalistes comme René Char.Enfin, la dernière salle s’occupe de la période allant de 1962 à 1982, entre Paris et Albissola. Cette dernière ville est un grand centre de productions de céramique. Là-bas il s’initiera à cette technique, et l’on peut voir certaines de ses œuvres, mêlées à des dessins et des eaux fortes, ainsi que deux colonnes avec des illustrations pour le poème de Gherasim Luca, Apostrop’ Apocalypse.Cette exposition nous présente bien toute la production, très riche, de Wilfredo Lam, selon un cadre spatio-temporel, ce qui permet de bien comprendre son évolution artistique. Hors la première salle, qui nous propose un petit texte, ainsi qu’une biographie succincte de l’artiste, aucune explication n’est donnée ensuite aux spectateurs. Effectivement, ni cartels développés ni audio guides ne sont à la disposition du visiteur. Par contre, le Centre Pompidou dispose d’une application pour mobile, qui présente l’exposition et quelques œuvres majeures de l’artiste. Mais, pour les personnes qui ne connaissent pas Wilfredo Lam, l’exposition ne les éclaire pas davantage. La scénographie participe également à l’incompréhension générale de l’exposition. En effet, les différentes salles ne sont pas délimitées de façon claire, ce qui rend la tâche compliquée, si l’on veut replacer ses œuvres dans un contexte spécifique de création. C’est surtout à partir de la troisième salle, que tout se complique, on arrive dans un dédale sans indications. Également, les titres de ces peintures sont toujours très énigmatiques, et les cartels ne sont pas assez exhaustifs, ce qui pourtant, aurait été intéressant, et aurait pu permettre aux visiteurs d’en apprendre plus sur ses productions et ses diverses influences. À part cela, l’exposition met bien en avant les œuvres phares de l’artiste, ses plus monumentales, ainsi que toutes les autres créations qu’il a pu faire, en sculpture, et toute sa filiation avec les poètes et les surréalistes. Même si les salles ne sont pas clairement définies, on remarque de grandes photographies de Wilfredo Lam, qui sont placées avant chaque début de pièce, ce qui nous plonge bien dans son univers. Cette exposition nous présente parfaitement toute l’œuvre de Wilfredo Lam, mais peine légèrement en matière de scénographie, ce qui peut poser certains problèmes pour une bonne lisibilité.Quentin VillardM1 – Histoire de l’art