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Auteur invitée : Clara Daniel (Aix-Marseille Université)En mars 2018, la Maison de la Culture de la Seine Saint Denis à Bobigny (MC93) a vu aboutir une collaboration entre le rappeur D’ de Kabal et le comédien et metteur en scène Arnaud Churin, autour d’un spectacle intitulé Orestie Opéra Hip Hop. Une version filmée, de 2h15, a été par la suite diffusée sur France télévision. La pièce se présente comme une production « d’après Eschyle » et reprend la trame de la tragédie grecque. Ce drame antique est une trilogie qui raconte l’histoire mythique des Atrides, famille royale d’Argos.À son retour de la guerre de Troie, le roi Agamemnon est assassiné par son épouse Clytemnestre et son amant Égisthe (Agamemnon), puis le fils Oreste, caché en Phocide, revient tuer sa propre mère pour venger son père (Les Choéphores). Après une longue errance, en proie aux Érinyes, les divinités persécutrices, Oreste finit par être acquitté de son crime grâce à l’instauration du premier tribunal des hommes, créé à Athènes (Les Euménides). Si le titre de l’adaptation moderne pouvait laisser craindre une cacophonie générique, le résultat est un mélange harmonieux qui réussit à faire dialoguer, sur le plan artistique mais aussi politique, théâtre antique et société contemporaine. L’Orestie d’Eschyle a pour enjeu la justice : la création du système judiciaire permet de régler les conflits de la cité par un arbitrage collectif, brisant le mécanisme violent et sans fin de la vengeance personnelle. Dans leur spectacle, D’ de Kabal et A. Churin ont conservé cet enjeu, en reposant le débat à partir d’une problématique actuelle, que l’on pourrait formuler ainsi : la justice peut-elle être démocratique si la société est inégalitaire ? De cette manière, la tragédie grecque sert de cadre à une réflexion politique contemporaine sur le vivre ensemble.https://www.youtube.com/watch?v=VZ0G2zUAf38&#160;La réussite de ce trait d’union repose avant tout sur le travail musical : portés par des percussions de bouche (un trio de human beatboxing) et accompagnés par un danseur hip-hop, les protagonistes et le chœur (une dizaine d’acteurs) chantent et rappent.[caption id="attachment_7183" align="aligncenter" width="3200"] Photo : Christophe RAYNAUD DE LAGE[/caption]Paradoxalement, c’est ce choix d’une ambiance sonore urbaine et contemporaine (le hip-hop, assorti d’emprunts multiples à d’autres genres : slam, gospel, soul, chant lyrique) qui fait signe vers ce qu’il y a de plus ancien et de plus difficile à mettre en scène aujourd’hui. Car la tragédie grecque n’était pas seulement la représentation d’un texte dramatique : c’était un art du « spectacle total, alliant proférations, chants, musique et danses. » Dans leur note d’intention ainsi, les deux créateurs ont assumé la volonté de retrouver la performance antique via des codes contemporains comparables : « Le Hip Hop, à la manière de la Tragédie Grecque est une culture du spectacle total : il est composé de cinq disciplines distinctes [les cinq piliers de la culture hip-hop sont : rap, beatboxing, DJing, break-dance, graffitis] mais qui peuvent, dans un même espace scénique, exister ensemble, à l'unisson et dans une harmonie parfaite. » D’ailleurs, comme dans le théâtre antique, on peut distinguer plusieurs niveaux d’écriture dans ce spectacle : les passages parlés, principalement dans les dialogues courts, de type informatif ; les passages scandés ou récités, dans lesquels le texte poétique résonne ; les passages chantés.[caption id="attachment_7185" align="aligncenter" width="3200"] Photo : Christophe RAYNAUD DE LAGE[/caption]La forte présence de la musique s’accompagne d’une mise en scène très épurée : tuniques ou habits de ville, les costumes sont presque toujours unis et de couleur neutre (noir, marron, gris, beige, blanc), on relève une absence quasi-totale d’accessoires (autre que les micros), le jeu de lumières est crépusculaire. Pour tout décor, de sobres gradins en bois, qui évoquent, sur le plan dramatique, l’entrée du palais des Atrides et, sur le plan symbolique, des bancs où pourraient siéger des spectateurs. La verticalité des gradins sert dans le même temps à créer un effet de mise en scène, qui distingue le monde des vivants de celui des morts : l’ombre silencieuse d’Iphigénie, de blanc vêtue, la première sacrifiée de cette famille criminelle, plane sur l’action en se déplaçant lentement sur le plus haut gradin. Elle sera bientôt rejointe par d’autres personnages assassinés dont son père, qui montent ces marches comme l’on monterait au Ciel.[caption id="attachment_7186" align="aligncenter" width="3200"] Photo : Christophe RAYNAUD DE LAGE[/caption]L’élément musical est transposé grâce au hip-hop. Mais comment D’ de Kabal, qui a fait publier le livret de sa propre version aux éditions l’Œil du Souffleur, a-t-il adapté le texte d’Eschyle ? Aucune précision quant à la traduction utilisée n’a pu être trouvée. Mais, quel que soit le texte français qui a servi de référence, le traitement littéraire des trois « épisodes » (appelés ainsi dans ce spectacle), repose sur un principe de gradation qui matérialise le cheminement de la pièce depuis l’Antiquité jusqu’à nos jours. Le cas d’Agamemnon (dont la représentation dure 1h15) serait d’abord une « lecture suivie » du dramaturge grec. S’il s’agit sans nul doute d’une traduction nouvelle et créative, faite de coupes, parfois très importantes, et d’extensions (certains ajouts développent des vers grecs plus condensés), il n’y a pas à proprement parler d’invention. Le script théâtral se déploie autour du noyau de l’original, à l’aide d’un travail poétique sur les images, les sonorités, les registres. Le prologue ouvre par exemple sur un slam : « Je prie les pères tout puissants, présents dans les pensées des pieux et des poètes, / Je plaide ma pénible cause. / Mon être privé de sommeil, / Depuis de longtemps perd forces et patience. / Piteuse posture que celle du chien, / Accroupi sur le toit je scrute le lointain. / Je connais les cimes du ciel, / Les fonds des ravines et des puits, je connais. / Les pépites de nuit qui scintillent, / Les étoiles nombreuses, je connais. / L’écoulement des saisons qui soufflent et le froid et le givre et le chaud et le souffre, / Je connais. » Ce passage est plus long que les sept premiers vers d’Eschyle auxquels il correspond, mais la teneur en est conservée fidèlement et l’on voit que le rallongement est dû à l’expressivité de la langue poétique, qui joue des figures sonores (rime, allitération) et stylistiques. L’improvisation tient une grande place dans la culture hip-hop et on a l’impression que les répliques sont brodées à partir d’une base textuelle à conserver. D’ailleurs, de l’aveu des créateurs, les parties chantées du spectacle ont été élaborées ainsi : « Ce que l’on entend a été composé sous forme d’improvisation puis de retranscription. »[caption id="attachment_7187" align="aligncenter" width="3200"] Photo : Christophe RAYNAUD DE LAGE[/caption]Si le texte des Choéphores est toujours identifiable et peut être suivi de façon globale dans le second épisode (30 minutes), on note déjà une prise de distance par rapport à la version antique. En effectuant une coupe des cent premiers vers, les créateurs ont par exemple choisi d’ouvrir par la tirade d’Électre, fille de Clytemnestre et d’Agamemnon, qui souhaite venger son père assassiné. Tout le début de la pièce, servant chez Eschyle à présenter le retour secret d’Oreste exilé en Phocide en train de mûrir son projet de matricide, est accéléré, comme s’il y avait urgence, comme s’il fallait en venir au but. Et une lacune importante dans le manuscrit d’Eschyle a offert aux créateurs l’occasion d’expérimenter une plus grande liberté d’écriture : apparaissent plusieurs fois dans le chant du chœur, comme une litanie, les termes «  justice » et « vengeance », faisant signe vers la conclusion de la tragédie.Mais c’est le troisième épisode qui reçoit le traitement le plus libre et le plus contemporain (30 minutes). Abandonnant la littéralité du texte qui devient un canevas de plus en plus fin, D’ de Kabal et A. Churin parviennent à donner le sens final à leur création : une réflexion sur le fonctionnement de la démocratie et de la justice dans notre société. Le spectateur retrouve certes des éléments familiers, canoniques, de la pièce antique : la folie d’Oreste, l’ombre de Clytemnestre qui profère des menaces. Mais, si l’on récupère dans leurs bouches quelques répliques d’Eschyle, peu à peu, le dramaturge antique disparaît, car les protagonistes s’effacent devant le nouveau rôle principal, tenu par le chœur, c’est-à-dire le peuple. D’ailleurs, toutes les figures divines jouant un rôle essentiel dans la version du dramaturge grec (la Pythie, Apollon et Athéna) ont été supprimées : ne reste que l’humanité, incarnée par ce chœur d’hommes et de femmes qui s’affirment comme sujets, laissant tomber leurs larges tuniques uniformes pour révéler, en même temps que leur tenue moderne, leur identité.[caption id="attachment_7188" align="aligncenter" width="3200"] Photo : Christophe RAYNAUD DE LAGE[/caption]À travers une prise de parole individuelle, multiple et alternée, les créateurs mettent en scène un agôn (au sens du « conflit démocratique »). L’histoire des Atrides devient secondaire ou mieux, parabolique, car l’on ne connaîtra jamais le sort d’Oreste : ce qui importe est de débattre. Les voix du peuple se croisent, chacun exprimant son point de vue, en parlant ou en rappant. Ce qui ressort de cette prise de parole populaire est la source des trois inégalités fondamentales de nos sociétés : la race (une actrice noire, qui jouait une esclave de Clytemnestre, rappe en évoquant la « condition » et la « rage » des esclaves), la classe (Oreste, en tant que Prince, devient l’incarnation des « possédants » face aux « mal nés »), le genre (les puissants sont aussi ceux qui possèdent un « phallus » et l’on évoque le sort de Clytemnestre, une femme traitée en homme). Les gradins en bois, qui signalaient l’entrée du palais des Atrides, finissent par symboliser les bancs d’une assemblée politique ou judiciaire où les citoyens seraient appelés à siéger, rappelant l’instauration du premier tribunal athénien. Il faut répondre alors à cette interrogation sur le fonctionnement de la démocratie : comment la justice peut-elle être juste si, injustice sociale, les individus ne sont pas égaux entre eux ? Après cette dissension démocratique, où chacun a pu faire entendre sa position dans l’assemblée, les individus redeviennent un peuple, par le retour à l’unisson vocal (puisqu’ils récitent ensemble le même texte). En effet, si chacun propose un moyen différent d’y parvenir, tous sont d’accord : « Sans justice, pas de paix » (la dernière réplique du spectacle).[caption id="attachment_7189" align="aligncenter" width="3200"] Photo : Christophe RAYNAUD DE LAGE[/caption]Le travail musical, par le choix du hip-hop, est ce qui sous-tend cette production. Plus particulièrement pour leurs auteurs, c’est le chœur qui donne sens à cette nouvelle création, à la fois en tant que spectacle contemporain, et en tant qu’adaptation des codes de la tragédie grecque. « Dans notre version tout part du chœur, tout sort du chœur. Comme un groupe de personnes qui rejouerait ce rituel tragique pour remettre en balance les thèmes développés par les protagonistes qui sont des thèmes universels : raison intime vs raison d’État. On sait que la poésie lyrique du chœur se faisait entendre en utilisant l’anapeste, qui est un rythme, certainement marqués par les pas du chœur. » Cette sensibilité au martèlement du rythme du théâtre antique est du reste rendu par un choix essentiel : le refus de l’accompagnement instrumental. Tout repose sur les sons de bouche, où le trio de human beat-box porte le jeu, le chant et la danse. Le travail rythmique rappelle la prosodie des vers antiques et les potentialités des sons humains sont exploitées : on joue des niveaux sonores (du chuchotement au hurlement, avec un accompagnement ou non au micro) et des tessitures (la voix de basse de D’ de Kabal, qui interprète Agamemnon, instaure immédiatement une impression solennelle de royauté, ou, plus tard, le sentiment d’un avertissement outre-tombe). Aucun instrument de musique, aucun bruitage enregistré non plus. À chaque mention des Érinyes par exemple, un bourdonnement sourd, créé par la voix des acteurs, se fait entendre en fond, évoquant facilement l’image des mouches chère à Sartre. Le bruit du couteau qui frappe Clytemnestre trois fois, horreur du matricide, est produit par un son sourd de bouche réalisé au micro. Et ce qui était au début perçu comme une scénographie épurée devient finalement nécessité : la valorisation du travail sonore ne pouvait que s’accompagner d’une mise en retrait de l’aspect visuel du spectacle.[caption id="attachment_7190" align="aligncenter" width="3200"] Photo : Christophe RAYNAUD DE LAGE[/caption]Comme art total, le hip-hop a servi à instaurer une comparaison judicieuse avec les codes anciens de la tragédie grecque (chants, rythme, danse). D’autre part, comme art contemporain d’expression populaire et contestataire, il a permis d’insuffler un nouveau sens au drame antique, en s’éloignant progressivement du texte pour finir par inverser l’importance du chœur et des héros. Le peuple n’a plus pour rôle d’incarner la trame musicale de fond qui sert de support émotionnel à la tragédie des Atrides : il fait passer ses propres revendications au premier plan, jusqu’à ce que les spectateurs admettent que la source de la tragédie qui se joue sous nos yeux n’est plus une famille criminelle, mais la société toute entière, au point que l’on ne connaîtra jamais le sort d’Oreste, réduit à ce qu’il incarne de monstrueux dans la société : la royauté. Faisant référence au poète Édouard Glissant, A. Churin et D’ de Kabal ont affirmé leur position engagée : « Longtemps considérée comme une ‘culture de la périphérie’, le Hip Hop est reconnu depuis 2009 par l’Unesco comme première pratique culturelle mondiale. Le Hip Hop s’adresse et se pratique sur toute la surface du globe. Demander à un chœur de trois human beat box de constituer l’orchestre, voir sur scène des figures du rap et de la danse Hip Hop, ou encore traiter certains textes en rap, tout cela témoigne du fait que c’est le Tout-Monde qui est convoqué : la plèbe dans sa composante la plus riche et diversifiée, donc dans sa composante la plus noble.Le mariage de ces deux cultures, la tragédie et le Hip Hop, raconte notre monde en mouvement, le questionnement et les frottements entre les uns et les autres, un autre mot pourrait être utilisé pour raconter cela : Créolité. » Au-delà des performances des premiers rôles (Murielle Colvez, particulièrement, interprète une redoutable Clytemnestre), la signification de ce spectacle réside ainsi dans la manifestation de la voix du peuple : instrument artistique ou instrument politique, c’est elle qui révèle où se situe réellement la tragédie.