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Antiquipop vous convie à un colloque à Toulouse le 1er juin 2019, en partenariat avec l'exposition "Age of Classics ! L'Antiquité dans la culture pop" du Musée Saint Raymond. Rendez-vous de 9h30 à 17h en salle du Sénéchal.Les saisons précédentes et les articles sur le site Antiquipop l’ont bien montré, l’Antiquité est omniprésente dans la culture populaire. Cependant on peut noter une sorte d’effet de déjà-vu tant les citations peuvent s’avérer redondantes : on ne compte ainsi plus les avatars du Laocôon, de l’Apollon du Belvédère ou de la Vénus de Milo. Pourquoi les créateurs construisent-ils une telle armée de répliques au lieu de rechercher l’originalité ? Pour sa quatrième saison, Antiquipop vous propose de vous intéresser à la construction et au parcours sémantique de ces « chefs d’œuvres » dans la culture populaire contemporaine (2000 à aujourd’hui). Le colloque de Toulouse est complété par un cycle de conférences et des visites guidées à Lyon et des projections à Aix-en-Provence. Pour consulter le reste du programme, cliquez ici et inscrivez-vous à l’événement Facebook.Programme du colloque9h30 | Accueil10h | Introduction Fabien Bièvre-Perrin (LabexMed/Gerda Henkel, IRAA)10h30 | Pour une analyse des pratiques hyper-artistiques dans l’art moderne et contemporain. Le cas de la Vénus de Milo Tiphaine-Annabelle Besnard (Aix-Marseille Université, LESA)Découverte en 1820 sur l'île de Milos en Grèce, la Vénus de Milo est l’une des œuvres star du Musée du Louvre et probablement l’une des statues antiques les plus célèbres au monde. Son état incomplet ne l’a pas empêchée de devenir une icône de la culture pop et, à ce titre, d’être l’objet de très nombreuses déclinaisons et détournements. Cette communication s’intéressera aux différentes modalités des reprises de cette sculpture majeure de l’Antiquité hellénistique, tant dans l’art moderne que contemporain, voire extrême-contemporain.https://www.instagram.com/p/BesvPPFFGdj/10h50 | Stéréotypie artistique et renovatio temporum, le cas des fresques pompéiennes à l’écran au XXIe siècle Laury-Nuria André (HiSoMa)La présence des œuvres d'art au cinéma et dans les séries contemporaines n'est plus à prouver aujourd'hui ni les conséquences des diverses modalités de réception de la matière antique. Cette présence de l'art antique, parfois massive et grandiloquente dans le cinéma hollywoodien est contrebalancée par une pauvreté des références qui aboutit à un système référentiel relevant du procédé de la stéréotypie, du même, de la trace et de l'empreinte qui produit finalement un effet proportionnellement inverse aux moyens technologiques censées porter le matériau antique et mettre en scène l’Antiquité.   Pourtant, un cas particulier émerge avec la mise en scène des chefs d’œuvre de la peinture pompéienne et plus précisément des fresques paysagères. En analysant de près plusieurs séries télévisées qui mettent en scène le paysage des Anciens notamment par le biais du corpus campanien, nous constatons que les singularités narratives et plastiques du médium contemporain qu'est la série participent d'une redéfinition du genre pictural lui-même qu'est la peinture de paysage. Au travers d'un changement de paradigme esthétique qui fait passer le paysage du modèle panoramique au modèle ornemental, s’opère un rééquilibrage entre la stéréotypie du référent artistique et l'hypertrophie du déploiement paysager antique dans le temps et dans l'espace au sein de la série. Il en découle alors un décloisonnement mettant sur le même plan paysage réel actuel (cadre du tournage) et paysage fictif peint (les reproductions picturales à l'antique du corpus campanien). On aboutit ainsi à un nouveau régime de perception de l’œuvre antique en tant que tertium quid, un objet artistique tiers et métisse, neutre, fait d'ici et d'ailleurs, de contemporain et d'antique, bref d'un nouveau régime esthétique, que l'on peut qualifier de réelle innovation artistique.Fresque de Pompéi / Musée de Naples11h10 | Le destin des icônes: perception, symboles et images des bronzes de Riace dans la culture contemporaine Daniela Costanzo (Museo Archeologico Nazionale di Reggio Calabria, AOROC)Sortis fortuitement des eaux en 1972 au large de la côte calabraise, les guerriers de Riace sont considérées à juste titre comme l’une des plus importants témoignages de la production artistique ancienne. À leur extraordinaire qualité esthétique et technique, il convient de considérer toute une série de dynamiques anthropologiques qui ont fait des deux statues conservées au Musée national de Reggio de Calabre de véritables icônes modernes.Les Bronzes sont devenus, avant tout, symbole de la ville et de la région, avec une relation presque viscéral qui s’est établie entre les statues, la ville de Reggio de Calabre et les Calabrais en général. C’est pour cette raison qu’en 2015 il avait été proposé d’exposer les statues dans le cadre de l’Exposition Universelle de Milan pour représenter la Calabre, projet jamais accompli pour des raisons de conservation. En 2011, dans un spot vidéo financé par la Région Calabre et destiné à promouvoir le tourisme, les statues mises en mouvement tiraient au sort pour décider où passer leurs vacances.On retrace donc le premier usage de l’image des Bronzes, l’usage “commercial”, exploité soit par les institutions publiques soit parles sociétés privées les utilisant pour leurs produits, gadgets et souvenirs, qui n’ont rien à voir avec l’histoire des statues et leur fonction dans le monde ancien. L’image des Bronzes a été utilisée pour un usage politique, comme par exemple par le mouvement contre la mafia « Adesso ammazzateci tutti » ou par la Ligue du Nord dans la querelle pour leur exposition à Milan en 2015. Bien évidemment, il y a aussi un usage culturel des Bronzes, qui sont associés à des valeurs positives et constituent une source d’inspiration pour les artistes de par le monde : l’image des Bronzes a même parfois été soumise à une manipulation d’un goût douteux, comme les clichés de Gerald Bruneau, en tulle et boa en 2014, qui nous permet d’identifier un autre niveau : l’usage anticonformiste/désacralisant des statues, qui deviennent aussi véhicule d’ironie ou de satire. Cette communication se focalisera sur la perception des deux statues qui explique cette large utilisation de leur image à plusieurs niveaux de la vie culturelle et sociale contemporaine. Une réflexion entre archéologie et anthropologie à la découverte d’un phénomène à part entière.[caption id="attachment_5991" align="aligncenter" width="500"] Les colosses de Riace (photographies : Effems)[/caption]11h30 | Échanges12h | Pause14h | Le Laocoon en icône queer et camp. Enjeux esthétiques, culturels, politiques Michel Briand (Université de Poitier, FoReLL)Le Laocoon en icône queer et camp. Enjeux esthétiques, culturels, politiques. Le groupe du Laocoon, source d’inspiration artistique, du Titien à Roy Lichtenstein et ensuite, et objet d’étude critique, pour les historiens de l’art, tels Lessing, reste aussi très populaire dans la culture queer contemporaine. Parmi divers exemples à étudier, dans les années 2010, on signale ainsi (voir les images ci-dessous) : la peinture de Richard Wallace, Laocoon, mêlant érotisme et douleur, kitsch et grotesque ; des campagnes de communication LGBT+, comme le Pride Festival de Salt Lake City (modern8.com, 2017) ; la série photographique de Danil Golovkin : Modern Heroes : Photographing Bodybuilders in the Digital Age (hungertv.com). Deux autres exemples : des guides proposent de visiter le Musée du Vatican en mode queer gaze (The untold gay history of Vatican), et le chanteur Drew Beckmann, « queer cowboy and folk songster », à une question sur son oeuvre d’art favorite répond « le Laocoon du Greco », pour des raisons esthétiques et érotiques. L’étude de ces exemples, avec d’autres, croise deux perspectives : la notion problématique de culture queer, entre théorie critique d’ « avant-garde », empowerment activiste et industrie culturelle de masse, en relation avec les notions de camp et de kitsch et l’idée d’une possible réception queer (« tordue ») de l’Antiquité ; l’usage esthétique et éthique des références à l’Antiquité dans la culture visuelle contemporaine, à thématique et de style queer. La réflexion portera donc sur des études de cas hétérogènes où se déploie une référence à une Antiquité reconstruite et détournée, par le biais du Laocoon, mais où aussi les études classiques participent à une queerisation de la culture contemporaine, des conceptions dominantes du temps historique (« anachronisme raisonné » de N. Loraux ou « écart » de F. Dupont), ainsi que du rapport art contemporain / pensée critique / culture pop.Moulage du Laocoon au musée des moulages de Lyon14h20 | Construire ses propres modèles : le cas des bandes sonores du péplum Arnaud Saura Ziegelmeyer (Université de Toulouse, PLH-ERASME)Trompettes claironnantes annonçant l'arrivée d'un empereur romain, harpe orientale fluide et délicate raisonnant à l'intérieur des palais intimistes d'une reine égyptienne, aulos rugueux chantant au sein d'un paysage grec bucolique : d'où viennent ces images sonores qui nous sont si familières ? Sont-elles issues des données archéologiques qui nous sont parvenues ou sont-elles des constructions modernes fantasmées ? La rareté des données musicales antiques ont nécessité, de fait, d’inventer le paysage sonore des films à l’Antique. Il s’agit donc de voir sur quels modèles une musique de péplum est conçue et qu’est-ce que cela peut révéler sur notre façon de percevoir le monde ancien et contemporain. Après avoir abordé la question des représentations sonores dans le jeu vidéo, nous proposons de remonter un peu plus loin dans l'histoire des conceptions sonores liées à l'Antiquité avec le péplum. C'est en effet dans ce genre cinématographique que le jeu vidéo puise son inspiration pour ses bandes sons. Loin de vouloir jauger l'historicité des fonds sonores proposés au spectateur des salles obscures, il s'agit plutôt de voir les phénomènes d'imitation pouvant apparaître à partir des clichés sonores créés par le péplum lui-même et d'en déduire également les schémas de pensées qui, contextualisés, influencent ces compositions. Chaque film pouvant contenir plusieurs dizaines de pistes ost, nous proposons de limiter l'analyse, dans le cadre de cette étude exploratoire, à une période allant de la fin de la Seconde Guerre Mondiale à aujourd'hui. Par une analyse quantitative (plusieurs centaines de bandes seront consignées et codées sous forme de base de données) et qualitative (écrits et interviews de compositeurs, mise en contexte de la production globale de chaque film, etc.), on souhaite pouvoir dégager des tendances sonores et les mettre en perspective avec l'histoire du péplum, déjà bien connue par ailleurs. Enfin, afin d'éviter tout effet « monographique », on évoquera, dès que possible et ponctuellement, d'autres supports sonores tels les séries, les jeux-vidéos, les clips ou encore les publicités. [embed]https://www.youtube.com/watch?v=xmdBcrYeQ9g[/embed] 14h40 | Les ailes de la Victoire : citations et réappropriation du chef d'œuvre de Samothrace Élise Pampanay (Université Lumière Lyon 2, HiSoMA)Figure de proue de la sculpture hellénistique, la Victoire de Samothrace trône depuis plus de 150 ans du haut de son écrin, au faîte de l’escalier Daru du Musée du Louvre. Découverte sur l’île de Samothrace en 1863 par Charles Champoiseau, alors ambassadeur de France à Constantinople, celle qu’il qualifie de « mousseline de marbre » n’a cessé depuis de nous fasciner et conserve encore bien des mystères, notamment l’identité de son créateur. Cette splendide statue acéphale est devenue non seulement un incontournable du musée parisien, de la sculpture antique, mais aussi de notre culture populaire contemporaine. En effet, immortalisée par le célèbre bleu Klein à la fin des années 1960, la statue a plus récemment été reprise par un artiste contemporain, Omar Hassan, qui en a fait le support de plusieurs créations à la bombe aérosol, questionnant notre vision d’un marbre de Paros immaculé et rappelant de manière astucieuse la polychromie des œuvres antiques.Si l’on regarde du côté du marketing, la Victoire s’est vue également, selon la légende, donner une partie de son nom et de son identité visuelle à la célèbre marque de chaussures sportives, sous le terme générique grec « Nikè ». Elle fut également l’objet d’une restauration très médiatisée en 2013-2014 donnant lieu à une exposition au musée du Louvre qui nous a permis de la redécouvrir, voire de la « dépoussiérer », ce qui est également l’effet de sa présence dans le tout dernier clip du couple Carter, qui s’est offert une nuit au Louvre afin de prendre pour toile de fond les plus célèbres œuvres du musée. Nous tenterons de décrypter les sens et les valeurs de ces différentes citations et réappropriations qui enrichissent notre rapport à cette œuvre d’art millénaire.Xu Zhen, Eternity-Winged Victory of Samothrace, Tianlongshan Grottoes Bodhisattva, 2013 (c) Xu Zhen15h | Échanges et pause16h | Chefs d’œuvres et bandes dessinées : usages et background Mathieu Scapin (MSR)Que l’on ouvre un manga, une bande dessinée francophone ou un comic à sujet antique, il apparaît normal et logique au lecteur de rencontrer de nombreuses représentations de sculptures, peintures ou objets de la vie quotidienne de cette période tout au long des cases et des planches.Ces images sont issues de catalogues d’images, notamment disponibles aujourd’hui sur internet. Les artistes semblent aussi avoir puisé leur inspiration auprès de publications muséales ou directement au sein des collections exposées par ces institutions culturelles. Cette communication fera un point sur les chefs d’œuvres utilisés dans les bandes dessinées, leur nature et les raisons pour lesquelles ils sont choisis. Selon les formats et les cultures qui les mettent en scène, ces œuvres ne constituent pas de simples éléments de décor d’un passé antique mais participent à la narration."Mujirushi, Le Signe des rêves" Naoki Urasawa16h30 | De Babylones antiques en Babels modernes : une tour, un mythe, de multiples versions Ariane Aujoulat (Institut national du patrimoine, Université Clermont-Auvergne (CHEC), École du Louvre)La ziggurat de Babylone était un temple immense, restauré avec magnificence par Nabuchodonosor II au VIesiècle avant J.-C. et décrit notamment par Hérodote qui en souligna la richesse. C’est ce temple qui inspira sans doute le mythe biblique de la tour de Babel et c’est par cette voie que la ziggurat connut une importante postérité.Dans notre imaginaire contemporain, ce bâtiment est devenu un puissant symbole au prix d’une profonde transformation sémantique et visuelle : au XXe siècle, le mythe de Babel fut repris par Fritz Lang dans son film Metropolis (1927) avec une relecture contemporaine du mythe très significative de ses métamorphoses conditionnées par les préoccupations modernes. Avec ce film et les réinterprétations postérieures de la ziggurat, notre lecture contemporaine du mythe de Babel est manifestement renversée : la tour devient synonyme de dictature, d’exploitation de l’humanité et le langage babélien un symbole d’uniformisation de la société. Le film de Fritz Lang fit lui-même fait l’objet d’une réinterprétation sous la forme d’un grand film d’animation japonais, Metropolis (2001), réalisé par Rintarō d’après le manga d’Osamu Tezuka. En remettant au goût du jour le film de 1927, Rintarō réactualisa cette vision en adoptant un vocabulaire mésopotamien. Il est possible de comparer le traitement de la tour chez Rintarō avec le film Alexandre (Oliver Stone, 2004), dans lequel on peut admirer une magnifique Babylone recomposée à partir de vestiges archéologiques divers. Le contraste entre les deux visions de Babel/Babylone dans un péplum dans un film de science-fiction permet de mettre l’accent sur un paradoxe : dans la pop culture puisant dans l’Orient ancien, l’inspiration archéologique demeure faible, que ce soit au cinéma ou ailleurs. Cela s’explique par une longue méconnaissance des vestiges mésopotamiens, compensée en Occident par des visions artistiques dont la plus célèbre est la Tour de Babel peinte par Pieter Brueghel l’Ancien (1563). Ainsi, lorsque les fouilles archéologiques commencèrent réellement au XIXe siècle, les clichés visuels sur Babylone étaient déjà en place depuis longtemps dans l’imaginaire occidental.Par conséquent, lorsque l’inspiration archéologique est présente dans la pop culture, elle est en général anecdotique, décorative et peu signifiante. Au contraire, quand Babylone/Babel est au cœur du sujet, les auteurs préfèrent recourir à l’imagination en proposant des formules visuelles nouvelles, projetant la ziggurat antique dans un monde futuriste afin d’en conserver la puissance évocatrice.Metropolis - Copyright Warner Bros. GmbH17h | Échanges et conclusionLe colloque aura lieu samedi 1er juin 2018, de 9h30 à 18h dans la salle du Sénéchal (17 rue de Résmusat, Toulouse). Entrée libre et gratuite.La salle est à mi-chemin entre le Musée Saint Raymond et le Capitole.Contact : Fabien Bièvre-Perrin : fabienbp@hotmail.com Post-doctorant LabexMed/Gerda Henkel, IRAA (USR 3155 CNRS/AMU)&#160;&#160;