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Auteure invitée : Clara Daniel (Aix-Marseille Université)L’œuvre cinématographique des frères Coen, O Brother, Where Are Thou?, est une réécriture lâche de L’Odyssée d’Homère. À partir d’une structure narrative épisodique, les réalisateurs, avec l’humour parodique qu’on leur connaît, ont réinvesti un célèbre fond commun mythologique qui constitue ce que nous avons appelé la « mémoire homérique » (cf. article précédent). L’échappée d’Ulysses (George Clooney), prisonnier aux travaux forcés dans le Mississipi des années 1930, dont le but est de retrouver son foyer et son épouse, prend la forme d’un road-movie qui retranscrit, dans les grandes lignes, le nostos d’Ulysse (le fameux ancêtre odysséen), ce « voyage du retour » semé d’embûches (comme la rencontre avec le Cyclope).Au-delà du jeu scénaristique autour d’épisodes célèbres repris et transformés, le processus de transposition repose sur un autre parti-pris créatif : le rôle essentiel de la musique. Car pour analyser son rapport à la source homérique, O’Brother, qui déborde largement les codes du road-movie, peut tout à fait s’envisager à l’aune d’un autre genre, celui de la comédie musicale.[caption id="attachment_4813" align="aligncenter" width="1834"] Jean-Baptiste Auguste Leloir, "Homère". Huile sur toile, 1841.[/caption]L’Odyssée n’est pas, à l’origine, une forme littéraire de l’écrit : ce poème épique n’a longtemps existé que sous forme orale, donc non fixe, narrée de mémoire par les fameux aèdes, ces conteurs grecs voyageant pour chanter des épopées. Or, c’est à cette dimension d’oralité et de musicalité que répond de manière très réussie le film des Coen, puisque la bande-originale, nous allons le voir, n’a rien d’un simple accompagnement musical (c’est-à-dire un support scénique servant à redoubler l’émotion attendue du spectateur). Au contraire, dans O’Brother, la musique est en elle-même une logique structurante qui fait écho au fonctionnement de l’épopée comme récit oral et dont le rôle principal va culminer avec la chanson phare du film, qui narre les malheurs du nouvel Ulysse.La bande-original d’O’Brother se compose presque exclusivement de reprises de vieilles chansons américaines, des classiques piochés dans divers genres musicaux (country, bluegrass, folk, gospel, etc.) qui caractérisent l’époque et le lieu où se situe l’histoire, c’est-à-dire les états du sud dans l’Amérique des années 1930. La chanson country, « You Are My Sunshine », interprétée en 1939 par Jimmie Davis, est ainsi utilisée dans une scène de concert à la fin du film, où elle est reprise en cœur par le public.https://www.youtube.com/watch?v=aWD2vq-Z5EMAutre exemple bien connu : « Big Rock Candy Mountain », l’air folk qui raconte l’histoire d’un vagabond rêvant du paradis, est utilisé en générique d’ouverture comme un parti-pris de narration puisque, tandis que les paroles résonnent « Dans les montagnes du Gros Rocher en sucre, / il y a une terre, belle et lumineuse », nous suivons à l’écran l’évasion d’Ulysses vers un avenir meilleur. D’ailleurs, le travail de mémoire des Coen s’affiche avec ce choix de générique puisque, à côté  d’autres chansons du film, il ne s’agit pas d’un enregistrement moderne (donc, d’une reprise à proprement parler), mais de l’utilisation de la version d’origine, enregistrée par Harry McClintock en 1928. La voix et les grésillements que le spectateur entend donnent cet aspect vintage qui promet de façon programmatique, dès l’ouverture du film, une plongée dans le passé.https://www.youtube.com/watch?v=2vTomEuuIZAIl faut aussi noter que la grande variété de genres musicaux n’est pas un choix créatif gratuit : à côté d’airs populaires entraînants, des chansons plus graves servent aussi à sous-tendre différentes problématiques sociales et culturelles de l’Histoire américaine que l’on croise dans le film (cf. article précédent). Par exemple, la dimension religieuse est évoquée par l’utilisation d’un morceau de gospel chanté par des membres religieux se faisant baptiser au bord d’une rivière, « Down in the River to Pray ».https://www.youtube.com/watch?v=ZCnmYSIzZBcLa solennité du rituel, observé par les protagonistes, est mise en valeur par cette interprétation chorique et a cappella. Quant à la séquence d’ouverture, elle montre des prisonniers enchaînés, en majorité noirs, en train de casser des cailloux au bord de la route. Au rythme des coups de pioche, ils interprètent « Po’ Lazarus », une chanson d’importance historique.En 1959, James Carter, détenu à la prison d’état du Mississipi, chante cet air accompagné d’un groupe de prisonniers, en coupant du bois en cadence. C’est Alan Lomax, un ethnomusicologue de renom, qui l’enregistre alors pour le publier dans un album de compilations intitulé « Bad Man Ballads », avec en couverture la photographie iconique d’un détenu dans son uniforme rayé. Le producteur musical d’O’Brother, T-Bone Burnett, en a racheté les droits pour le film des Coen. Si l’on considère le contexte d’origine de cette chanson, un chant de travail authentique interprété en prison et conservé grâce au travail d’un historien spécialisé, il faut saluer le travail de recherche de la part des créateurs du film pour représenter fidèlement la situation des condamnés américains, et surtout afro-américains.https://www.youtube.com/watch?v=ehtJC_cXjA8Avec ces quelques exemples, on peut voir comment la musique du film des Coen fonctionne, comme d’ailleurs tout leur travail de composition autour du récit homérique (cf. article 1), à partir du réinvestissement d’un patrimoine commun, celui de l’héritage culturel américain. Et ce catalogue de grands standards, par sa popularité ancestrale, explique le succès de la bande-originale, qui s’est vendue comme un album de musique à part entière. Elle a notamment remporté le Grammy Award de l’album de l’année en 2002 et entre 2000 (date de la sortie du film) et 2015, se sont écoulées 7,9 millions de copies CD aux États-Unis.D’autre part, tout ce qui, dans O’Brother, touche au monde de la production musicale est omniprésent (pensons au fait que le héros va devenir une star de la chanson !), au point que l’atmosphère sonore produit une saveur particulièrement authentique. Et ce, avant tout parce que, outre l’utilisation de chansons existantes tirées du folklore américain, le film des Coen est porté par une bande-son exclusivement intradiégétique. Cela signifie que, hormis le générique d’ouverture, toutes les chansons ne sont pas (seulement) un support externe destiné au spectateur : elles sont toutes réellement entendues par les personnages, introduites par différents procédés (du tourne-disque diffusant une chanson au concert de meeting politique, en passant par le musicien vagabond qui gratte sa guitare).[gallery columns="2" size="medium" ids="4764,4768"]Dans O’Brother, la matière filmique et la matière musicale ne font qu’un. De cette façon, le métier de musicien et tout ce qui touche au processus artistique est exhibé – préfigurant aussi le personnage de chanteur-guitariste folk dans un de leurs films plus récents, Inside Llewyn Davis. Or, la mise en valeur de la figure du musicien, ou plutôt, métonymiquement, de la voix et des instruments du musicien, diffusés dans le film par ces différents médiums, fait écho au processus oral de transmission des épopées : le récit musical se propage, voyageant de foyer en foyer.Autre preuve de l’hommage rendu au milieu musical : le goût des cinéastes pour la performance réelle, quitte à privilégier des chanteurs avant des comédiens. Par exemple, pour interpréter les « Wharvey girls », c’est-à-dire les petites filles d’Ulysses et Penny, ont d’abord été choisies les sœurs Peasall, qui leur donnent voix, avant que les actrices qui ne leur donnent un visage ne soient castées, parce que, au-delà des quelques répliques qui leur sont attribuées, la scène principale est celle où elles se produisent en public sur scène. C’est pourquoi le choix de la voix a été privilégié, et ce sont les sœurs Peasall que l’on entend interpréter « In the Highways », une chanson de bluegrass écrite spécialement pour elles et le film.https://www.youtube.com/watch?v=sdCmwh_RztEEncore plus notable, lorsqu’un chanteur se fait comédien. Tommy Johnson, un guitariste rencontré sur la route par Ulysses et ses compagnons, est joué par Chris Thomas King, un musicien de blues originaire de la Louisiane qui a vendu aux États-Unis plus de dix millions d’albums dans sa carrière. Une nuit, en pleine forêt, Tommy chante au coin du feu, en s’accompagnant de sa guitare, une vieille ballade folk, « Hard Time Killing Floor Blues ». Les tristes paroles semblent résonner pour Ulysses et ses camarades, dont la mélancolie est révélée au moyen de gros-plans individuels, fixes et longs, sur leurs visages pensifs avant qu’ils ne se mettent à partager leurs rêves intimes. « Les temps sont durs, ici et partout […] / Écoutez-moi chanter ma chanson solitaire, Ces temps durs vont nous durer bien longtemps. »La performance de Chris Thomas King a été enregistrée en live pendant le tournage, ajoutant de l’authenticité à la séquence. Et cette scène ne fait-elle pas écho à un passage, célèbre, de L’Odyssée ? Au huitième chant du texte d’Homère, Démodocos, aède à la cour des Phéaciens, chante devant Ulysse qui est l’invité d’honneur du roi, certains épisodes célèbres de la guerre de Troie. Entendant ce récit, le héros se met à pleurer parce qu’il se remémore ses propres malheurs en train d’être chantés. Ainsi, dans cette scène musicale qui produit une mise en abyme (le spectateur du film observe les protagonistes qui, transformés en spectateurs passifs, assistent à une représentation), les Coen transposent, peut-être même sans l’avoir perçu, une scène majeure de l’épopée en ce qu’elle met en avant le personnage symbolique de l’aède. Ce guitariste professionnel, qui met en musique la tristesse d’Ulysses, n’a pas une fonction différente de celle de ses ancêtres artistes : paroles, chant et instrument s’unissent dans cette performance artistique pour raconter au spectateur l’histoire.Impossible, pour finir, de ne pas évoquer la chanson phare du film. Pendant leur fuite, les prisonniers tombent sur un patron de radio qui leur propose d’enregistrer une chanson contre dix dollars. Il s’agit de « Man of Constant Sorrow », écrite au début du XXe siècle par Dick Burnett et dont existe une version célèbre de Bob Dylan. C’est ainsi que le héros se retrouve à chanter ce vieil air de country, avec pour choristes ses deux compagnons et pour guitariste leur nouvel ami Tommy, formant un groupe, les Soggy Bottom Boys. Cette chanson révèle le rôle narratif essentiel de la musique dans le film des frères Coen : en apparaissant à plusieurs reprises (de la scène de l’enregistrement en studio à l’écoute radiophonique, jusqu’à aboutir au concert final), elle devient un leitmotiv qui guide l’action des protagonistes. Car c’est l’enregistrement de ce tube qui, de rebondissement en rebondissement, conduit au happy end : le concert final de notre trio, acclamé par le public, leur vaudra d’être gracié par le futur gouverneur, le bien nommé Menelaus, concurrent politique d’un certain Homer – les Coen ne sont pas à un clin d’œil farfelu près. Ulysses accède littéralement à la rédemption par la musique.https://www.youtube.com/watch?v=meCZ5hWNRFUEn plus de sa fonction diégétique évidente, cette chanson, initialement prévue d’ailleurs pour the Dude du Big Lebowski, le film précédent des frères Coen, semble avoir été faite pour transposer musicalement le récit des aventures d’Ulysse, ce qu’a bien compris le producteur musical T-Bone Burnett. Dès son titre, littéralement « l’homme au chagrin constant », cette chanson, qui raconte à la première personne les épreuves d’une vie malheureuse, fait signe en direction du héros homérique, Odysseus signifiant étymologiquement « celui qui souffre ». Et les paroles, qui mettent l’accent à la fois sur l’errance longue et la solitude du personnage, résonnent sans peine avec les maux similaires endurés par Ulysse : « Depuis six longues années je souffre / Sur terre, j’ai trouvé aucun plaisir / Parce que je suis voué à arpenter ce monde / Sans aucun ami pour m’aider à présent ».Enfin, Mr Lund, le directeur de la station (joué par Stephen Root) a une fonction toute symbolique. Ce producteur de musique, aveugle, peut lui-aussi être considéré comme une nouvelle figure d’aède (à la cécité proverbiale) : car c’est lui qui, en radiodiffusant cette chanson, fait accéder le héros à la célébrité. Le récit des malheurs du personnage voyage grâce à la magie de la radio qui promeut une nouvelle forme de transmission orale : une épopée revisitée via la technologie. Sans oublier la touche parodique qui fait toute la saveur de l’œuvre des Coen : la noble souffrance d’Ulysse est contée non par Homère mais par un boys-band bien nommé… Les « Culs Trempés » ont remplacé le poète.Si le genre de la comédie musicale peut facilement venir à l’esprit lorsque l’on voit O’Brother, c’est parce que l’œuvre des Coen est née ainsi : la musique est le canevas du film plus que le scénario. T-Bone Burnett a choisi et fait enregistrer la bande-originale avant qu’aucune scène ne soit tournée, et les créateurs ont mis un point d’honneur à privilégier les enregistrements live, comme les deux frères l’affirment dans un entretien accordé à Jim Riley pour Weekly Wire en mai 2000. « La musique n’est pas à l’arrière-plan, ce n’est pas un fond sonore, elle est vraiment en train d’être produite quand elle filmée. » Et c’est la richesse de ce canevas musical placé au-devant de la scène qui crée un parallèle intéressant avec la dimension orale d’un récit épique. L’utilisation du principe systématique de la « reprise » (c’est-à-dire des versions nouvelles de chansons traditionnelles) et la valorisation à l’écran du monde de la musique (avec des musiciens professionnels qui chantent en direct) sont comparables au fonctionnement des épopées anciennes, colportées à l’oral et en musique de génération en génération, sans droits d’auteur, chaque version étant elle-même l’occasion de renouveler la tradition.Dans ce processus musical, entre reprise et création, les Coen s’inscrivent donc sans nul doute sous le patronage d’Homère. Toute la souffrance de leur héros est sublimée par le processus artistique, non plus, comme pour son homonyme grec, par la beauté des vers homériques, mais par une entraînante mélodie américaine. Et la Muse, invoquée à l’ouverture du film pour pouvoir raconter l’histoire, n’est plus la divinité mythologique de L’Odyssée, mais un moyen technologique moderne (la radio, mais derrière aussi, le film des Coen) qui diffuse dans les foyers (et les salles de cinéma) le récit de ce personnage en vadrouille destiné au kleos.Articlé lié : O’Brother des frères Coen, un jeu de mémoire(s)[cite]