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Une première version de cet article est paru dans la revue Les Lettres françaises en février 2019.En novembre 2017, la&#160;3e&#160;scène&#160;de l’opéra de Paris présentait un court-métrage de Clément Cogitore intitulé&#160;Les Indes galantes&#160;: on y voit  des jeunes gens vêtus de sweat à capuches danser le&#160;krump&#160;– une forme de danse issue de la pratique hip-hop – sur la musique des&#160;Indes galantes&#160;de Rameau, un opéra-ballet du début du XVIIIe siècle. Devant le succès inattendu du film, l’Opéra de Paris a commandé à Clément Cogitore une mise en scène de l’ensemble de l’opéra-ballet. Ce sera l’un des spectacles phare de la saison anniversaire de 2018-2019, qui célèbre à la fois les 350 ans de la fondation de l’Académie royale de musique – ancêtre de l’Opéra – et les 20 ans de l’Opéra Bastille.&#160;https://www.youtube.com/watch?v=9h9HP-VOJv4Les Indes galantes. Court-Métrage de Clément Cogitore pour la 3e scène de l'Opéra de Paris.La célébration d'un patrimoineAvec&#160;Les Indes galantes, l’Opéra de Paris affirme sa vocation patrimoniale&#160;: l’œuvre est en effet emblématique à la fois d’une musique nationale – Rameau incarne la «&#160;musique française&#160;» opposée à la musique italienne dans la querelle des Bouffons – et d’une musique ancienne, étroitement liée à la naissance de l’opéra à la fois comme genre et comme institution&#160;: la musique dite «&#160;baroque&#160;». Ce répertoire, longtemps oublié en raison notamment de l’évolution des instruments, ne fut redécouvert en France que dans la deuxième moitié du XXe siècle. C’est alors que&#160;Les Indes galantes&#160;furent à nouveau jouées, en 1952 à l’Opéra comique puis en 1953 à Versailles, et devinrent rapidement l’œuvre de Rameau la plus représentée.[caption id="" align="aligncenter" width="474"] Les Indes Galantes à l'Opéra comique. 1961. Source: Gallica[/caption]Si l’on discute fréquemment des problèmes musicaux posés par les interprétations contemporaines de ce patrimoine – choix des instruments, du tempo ou des ornementations –, les problèmes politiques sont plus souvent occultés. Pourtant, le genre de l’opéra-ballet hérite de l’esthétique des divertissements de cour et est étroitement lié à la glorification de la monarchie française. Au travers d’une série d’intrigues amoureuses, les&#160;Indes galantes&#160;font l’éloge de la domination française sur le monde, et particulièrement sur les récentes colonies d’Amérique. Un hymne à la colonisationDepuis les années 1660, la monarchie française a construit la galanterie comme une idéologie nationale ((Voir A. Viala, La France galante, Paris, PUF, 2008.)) . En 1697, l’un des premiers opéras-ballets,&#160;L’Europe galante&#160;de Campra et Houdar de la Motte, mettait déjà en scène le triomphe de la galanterie dans toute l’Europe pour mieux proclamer la supériorité de la monarchie française sur les puissances rivales, l’Italie, l’Espagne et l’Empire Ottoman ((Voir le synopsis de L'Europe galante sur le site Opéra baroque.)).&#160;Les Indes galantes&#160;reprennent le même schéma, mais cette fois-ci, c’est le monde entier qui est dominé par la galanterie française&#160;: la première entrée évoque la Turquie, la deuxième le Pérou, la troisième les Perses. La quatrième entrée, ajoutée en 1736, s’intitule «&#160;les Sauvages&#160;» et met en scène les Indiens d’Amérique. Les peuples choisis pour figurer dans les différentes entrées sont autant d’allusions à l’actualité&#160;: en 1735, Maurepas envoie une expédition au Pérou tandis qu’en Amérique du Nord, la France étend ses possessions jusqu’en Iowa.&#160;Les Indes galantes&#160;présentent une image heureuse et optimiste de cette colonisation en cours. Dans la dernière entrée, un couple de jeunes «&#160;sauvages&#160;» voit ses amours contrariées par l’intervention de deux officiers européens, un français et un espagnol, tous deux épris de la jeune fille. Mais le Français, touché par la tendresse des Indiens, finit par protéger leur amour ((Voir le texte du livret sur le site Rameau.)). Que la domination française semble douce&#160;!https://youtu.be/3zegtH-acXEL'entrée des Sauvages dans la mise en scène de William Christie et des Arts Florissants.Sauvages : de la réconciliation à la confrontationC’est justement cette dernière entrée, l’entrée des Sauvages, que Clément Cogitore choisit de donner à entendre dans son court-métrage. Il utilise plus précisément l’air du «&#160;grand calumet de la paix&#160;»&#160;: un air qui célèbre la réconciliation finale des sauvages et des colons ((Sur cet air, voir B. Porot, "Les&#160;Sauvages&#160;de Rameau&#160;: tours et détours d’un «&#160;tube&#160;»", Les Cahiers du CERHIC, en ligne)) . Ses sauvages sont des jeunes gens dont la tenue évoque nos cités, la violence sociale, la stigmatisation et les dominations d’aujourd’hui. Ils dansent le&#160;krump, une danse de rue issue du hip-hop et de la communauté noire-américaine ((Sur le krump, voir «&#160;Je parle KRUMP&#160;»,&#160;Africultures, 2014/3 (n° 99 - 100), p. 242-249. En ligne.)). Le texte qui accompagne la vidéo évoque le ghetto de Los Angeles, le passage à tabac de Rodney King, les émeutes et la répression policière. https://youtu.be/qemxVL-Mu3QLe film Rize de David La Chapelle évoque le krump et son histoire.Le film organise ainsi une rencontre&#160;: d’un côté l’Opéra et la musique baroque, l’institution et le patrimoine&#160;; de l’autre, le krump, ses danseuses et et ses danseurs, marginaux et contestataires. Cette rencontre, Clément Cogitore semble parfois rêver qu’elle puisse être une réconciliation: une nouvelle danse du calumet de la paix réunissant krumpeurs et spectateurs de l’opéra dans la douceur du vivre ensemble ((Voir M. MacCoskey, "Le K.R.U.M.P. embrase Rameau, entretien avec Clément Cogitore", Octave Magazine, en ligne.)) . Mais la violence radicale de la danse l’emporte, et plus qu’à une réconciliation, on assiste à une confrontation.Le rythme marqué de la musique, les cris des jeunes gens qui encerclent les danseuses et les danseurs, les mouvements saccadés de la&#160;battle, ce combat dansé, mettent au jour la violence à l’œuvre dans la musique de Rameau. L’ambiance sombre – un plateau nu et peu éclairé – contraste avec l’habituelle association de la musique baroque aux ors de Versailles et à la magnificence de la monarchie. Le dispositif filmique immersif place le regard à hauteur des danseurs, dans le cercle qui les entoure, sans la distance qui pourrait fonder l’exotisme. Ni douceur galante, ni admiration pour la monarchie, ni «&#160;Indes&#160;» de pacotille&#160;: le film semble ainsi détacher la musique de Rameau de sa charge idéologique. La fable galante veut figurer le pouvoir de la monarchie française comme agréable, à la fois plaisant et consenti. Au contraire, le film met à nu la violence de ce pouvoir, la force qui le fonde. Le choix de mettre en scène la danse du calumet de la paix comme une «&#160;battle&#160;» y fait affleurer la violence et la révolte.&#160;Cette confrontation entre une musique patrimoniale, chargée d’une idéologie à la fois nationale et impérialiste - celle d’une monarchie admirable, d’une domination douce et plaisante sur des peuples exotiques -, et une danse issue des marges, porteuse d’une expérience de la violence des dominations et de revendications d’émancipation, donne à l’opéra-ballet une pertinence nouvelle. Voilà qu’il met au jour la violence des rapports de domination qui structurent notre présent, tout en interrogeant notre relation à ce passé «&#160;baroque&#160;», les enjeux idéologiques de l’admiration qu’il continue de susciter.Vers un spectacle "marron" ?La confrontation cependant n’est pas sans risque&#160;: les danseuses et les danseurs – jeunes, noirs pour beaucoup – ne sont-ils pas désignés par l’œuvre elle-même comme des sauvages&#160;? Sur le site de la 3e&#160;scène, l’entrée mise en scène par Cogitore n’est jamais nommée par son titre. Comment écrire, depuis l’Opéra de Paris, que ces danseurs sont nos sauvages, la version contemporaine des «&#160;indiens&#160;» de Rameau&#160;? Ce silence est révélateur des tensions à l’œuvre dans le court-métrage, et des défis que devra relever la mise en scène de l’ensemble des&#160;Indes galantes. Est-il possible, sur la scène de l’Opéra et devant son public, de dévoiler la violence qui fonde l’institution elle-même&#160;? Le risque est grand de reconduire l’idéologie des&#160;Indes galantes, d’exhiber des sauvages pour plaire à ceux qui ne le sont pas, leur donner le frisson de la révolte et la bonne conscience de la réconciliation et célébrer finalement la douceur des dominations.&#160;Pour le spectacle à venir, Clément Cogitore a fait appel à Leonardo Garcia Alarcon pour diriger l’orchestre. Le jeune chef défend une interprétation «&#160;populaire&#160;» de la musique baroque ((Voir Pierre-René Serna, "Leonardo Garcia Alarcon, savant et populaire", en ligne sur le site de la Maison de la Radio.)) inspirée par les rythmes latino-américains, qui permettra à la fois de lever un obstacle technique – faire danser des krumpers sur du Rameau sans les artifices permis par le montage vidéo ((Le court-métrage de la 3e scène est en effet le résultat d'un montage: lors du tournage, les danseuses et danseurs ont utilisée une version remixée de la musique de Rameau, réalisée par Morfmuzik.)) – et de tenir à distance la tradition qui a fait de la musique de Rameau une musique «&#160;nationale&#160;», au service de l’impérialisme français.&#160;Bintou Dembélé sera chargée quant à elle de chorégraphier l’ensemble du ballet en s’inspirant de la culture de rue et de la pratique hip hop. La chorégraphe, elle-même issue du hip-hop, interroge depuis plusieurs années le passé colonial et ses effets sur les corps ((Voir «&#160;S/T/R/A/T/E/S. Trente ans de Hip-Hop dans le corps&#160;»,&#160;Africultures, 2014/3 (n° 99 - 100), p. 250-261. En ligne.)). Son travail sur les zoos humains, avec le spectacle&#160;Z.H., lui a permis d’explorer les questions de l’exotisme et de l’exhibition et viendra sans nul doute nourrir son appréhension de l’œuvre de Rameau. https://youtu.be/Arit2IMUk4sDans le spectacle Z.H. Bintou Dembélé et la compagnie Rualités évoquent les zoos humains, les exhibitions coloniales et la mémoire des corps.Dans un livre récent, l’universitaire Sylvie Chalaye a fait d’elle une figure emblématique des «&#160;esthétiques du marronnage&#160;» ((S. Chalaye, Corps marron. Les poétiques de marronnage des dramaturgies afro-contemporaines. Éditions Passage(s), 2019. )). Comme les esclaves marrons, fugitifs partis vivre libres aux marges de la plantation, elle développe une esthétique de la ruse, du retournement du stigmate, de la réappropriation du corps pour ouvrir des espaces d’émancipation dans le lieu même de la domination. La chorégraphie des&#160;Indes galantes&#160;est un beau défi pour une telle démarche : s’emparer de l’œuvre de Rameau sans nier sa dimension impérialiste, et tenter d’y ouvrir l’espace d’une émancipation, d’une liberté et d’une contestation&#160;: voilà un projet qui mérite d’être tenté, et qu’il faudra suivre avec attention.[cite]