{"word_count": 2957, "character_count": 17892}
La Maison de la Culture du Japon offre la possibilité de voir de très rares films taiwanais, des années 1930 aux années 2000. Wafa Ghermani, qui a participé à la programmation de cet événement, nous en dit plus ci-dessous.Wafa Ghermani est une des rares spécialistes en France du cinéma taiwanais. Elle a soutenu en 2015 une thèse révélant l’histoire méconnue de ce cinéma. Dans sa thèse, « Cinéma et identité nationale : le cas de Taiwan de 1895 à nos jours », Wafa retrace l’histoire d’une cinématographie issue d’une société à l’identité complexe, ayant connu la colonisation japonaise, puis, à partir de 1949, la mise en place d’un pouvoir dirigé par des élites tout juste arrivées du continent, imposant une langue (le mandarin), une culture (la culture han) et un mode de gouvernement sur une société aux multiples racines.Outre ses activités de chercheure, Wafa collabore à différentes programmations et festivals tels la Taiwan Cinema Week (novembre 2016) ou le Festival des cinémas d’Asie de Vesoul.Pour les publications récentes de Wafa Ghermani, voir iciUn amour ancien qui perdure : la présence du Japon dans le cinéma taïwanais  par Wafa GhermaniDu 23 septembre au 30 octobre 2017 se tiendra à la Maison de la Culture du Japon la première partie d’un cycle intitulé « Présence du Japon dans le cinéma taiwanais ».L’idée de cette programmation a germé dans l’esprit du programmateur de la MCJP, Fabrice Arduini, après un séjour à Taiwan où il avait été frappé par les traces de la colonisation japonaise (1895-1945), qu’elles soient architecturale (quoique peu nombreuse), mais aussi linguistiques, culinaires, ou encore dans la façon d’être des Taiwanais.Nous avons travaillé ensemble pour constituer un programme qui puisse refléter les différentes facettes de la présence du Japon tout au long de l’histoire du cinéma taiwanais. C’est également l’occasion de découvrir une cinématographie à la fois diverse et peu connue si ce n’est les quelques réalisateurs qui ont émergé dans les années 1980.Cette présence du Japon dans les films peut être concrète comme dans le documentaire de propagande de la fin des années 1930 The Southward Expansion to Taiwan qui dresse un portrait forcément élogieux de l’île sous domination nippone pour mieux légitimer la conquête de l’Asie par l’Empire japonais. Loin d’être rébarbatif, ce documentaire qui s’ouvre sur un train lancé en pleine vitesse est absolument passionnant dans sa rhétorique des images qui tente, après des décennies de cinéma de fiction faisant de Taiwan une île exotique et dangereuse, de présenter la colonie comme le symbole de la maîtrise et du succès où les Aborigènes ne sont plus les effrayants – mais combien séduisants – sauvages mais de loyaux sujets prêts à mourir pour l’empereur : l’île devient une projection d’un idéal de développement qui est même meilleur que celui du Japon, car débarrassé du poids du passé. C’est également le portrait d’une époque dont il ne reste de nos jours presque plus aucun vestige. Cela nous donne à voir un Taiwan hybride qui mélange sa culture chinoise à la nouvelle culture japonaise.Le film sera présenté par le professeur Jing Yng-ruey, qui est un peu le Henri Langlois taiwanais. Il a été directeur de ce qui était le Taipei Film Archive dans les années 1990 (devenu depuis le Taiwan Film Institute). C’est grâce à lui que les recherches sur le cinéma taiwanais se sont développées. Lui et ses équipes ont travaillé d’arrache pied à retrouver les copies des films en Hoklo jusque-là considérés comme définitivement perdus, à interviewer les survivants, à photographier les anciens cinémas. Il a entrepris de restaurer ce film retrouvé par hasard avec ses élèves du Master de restauration qu’il a mis en place dans le Sud de Taiwan. Il est à la fois une mémoire vivante, un militant et le sauveur de très nombreuses archives film et non-film. Sans lui, des pans entiers de l’histoire du cinéma taiwanais auraient définitivement disparu. Et son cas est particulièrement étonnant et touchant car Jing Yng-ruey n’est pas taiwanais de souche, mais issu d’une famille chinoise arrivée à Taiwan en 1949, comme le laisse entendre son accent du Nord de la Chine. Mais ayant grandi dans un petit village du Sud, il est très attaché à la culture populaire taiwanaise et aux films qu’il a vus pendant son enfance. (Samedi 23 septembre 17h).La présence du Japon devient plus discrète et diffuse dans les films d’après-guerre. En effet, après sa défaite en 1945, le Japon doit abandonner ses colonies et Taiwan passe sous l’autorité de la République de Chine, sous l’égide du Parti Nationaliste Chinois (le KMT) qui justement vient d’achever une guerre de huit contre le Japon. L’archipel nippon représente donc l’ennemi absolu (en concurrence avec les Communistes chinois qui chassent le KMT et ses partisans de Chine en 1949). A Taiwan, devenue donc le siège de la République de Chine, les films japonais sont régulièrement interdits, la période coloniale passée sous silence, sauf dans certains films en « hoklo » (une langue du sud de la Chine parlée par la majorité des Taiwanais) qui trahissent la nostalgie de cette époque.Nous avons choisi trois films des années 1960 qui déclinent cette influence japonaise :- De façon très évidente avec le film A-Zhuang monte à Taipei de Wu Fei-jian de 1966 qui est un remake du Voyage à Tokyo d’Ozu de 1953. Il n’est pas sûr que le film d’Ozu ait été montré à Taiwan, mais les réalisateurs circulaient entre Taiwan et le Japon régulièrement. Le film suit la même structure que le film d’Ozu, deux campagnards vont rendre visite à leurs enfants qui les rejettent à part la veuve de leur fils qui refuse de se remarier. Cependant, le film se moque aussi bien du vieux couple péquenot (le nom du héros veut dire « naïf ») que de leurs enfants montés à la ville obsédés par l’argent et oublieux de leurs devoirs. L’argent comme dans beaucoup de film en hoklo est un problème central à une époque où la société taiwanaise commence à s’enrichir. (Samedi 23 septembre à 14h30)Un amour ancien qui perdure tourné en 1962 est particulièrement frappant, il s’ouvre sur la ligne de train du mont Ali, une des prouesses techniques japonaises sur une chanson de style enka (style japonais par excellence) évoquant la nostalgie d’un passé inoubliable. Il a été de surcroît réalisé par Shao Luo-hui, pur produit de l’éducation japonaise qui a été séparé de sa épouse japonaise à la fin de la guerre. Ce film dont on ne sait s’il se situe à la période coloniale ou dans les années 1960 nous plonge dans un univers à la fois très taiwanais, l’histoire débute dans le sud dans les plantations de bétels, puis dans le Mont Ali et se termine à Taipei, mais imprégné de culture japonaise. C’est également un des exemple de ce cinéma populaire qui en plus de refuser la langue officielle du KMT, le mandarin, offre une répartition des genres à l’opposé des films « officiels », ici c’est la jeune femme qui prend les devants et se bat pour imposer son amour, le héros masculin, interprété par le chanteur star Hong Yi-feng fait pâle figure. (Jeudi 28 septembre à 19h30)Enfin T’aimer jusqu’à la mort de Xu Shou-ren est un mélodrame qui se passe à l’époque coloniale (ce qui demeure assez rare dans la production de l’époque). La trame est une classique histoire d’amour entre un jeune propriétaire terrien et la fille de ses métayers. Contrairement aux films en mandarin de l’époque qui prône une obéissance aux parents, ici les amants préfèrent tout abandonner derrière eux et il n’y aura pas de réconciliation finale avec le patriarche. Les amants sont séparés par la guerre du Pacifique où le jeune homme est enrôlé dans l’armée japonaise – participation qui n’était jamais mentionnée au cinéma. La jeune femme reste et s’épuise au travail en attendant son retour. Malgré le soutien des leurs amis, cela finira très mal, mais en chanson.Les années 1980 et 1990 marquent une rupture à la fois dans la façon de faire du cinéma, mais aussi d’aborder l’histoire de l’île.Il est particulièrement intéressant de comparer deux films à cet égard : The Strawman de Wang Tung et La Cité des douleurs de Hou Hsiao-hsien.The Strawman (1987) est une comédie qui se passe pendant la seconde guerre mondiale. Il met en scène des militaires japonais aussi benêts que les paysans taiwanais. Une bombe tombée dans un champ sans éclatée est le début à une promenade absurde et le portrait de la paysannerie taiwanaise sous domination japonaise. A la veille de la levée de la loi martiale, Wang Tung suit la représentation officielle de la colonisation : une campagne misérable, des Taiwanais non-éduqués, des colons japonais forcément ridicule. (Samedi 30 septembre 17h)Un an plus tard, e film qui marque la rupture entre la vision officielle du Japon (comme implacable ennemi des Chinois en Chine et occupants à la fois autoritaire mais obligé d’être admiratif de l’esprit de résistance des Han à Taiwan) est évidemment La Cité des douleurs de Hou Hsiao-hsien en 1988. Dans le film, Taiwanais et Japonais vivent en bonne entente ; et l’élite taiwanaise a été éduquée en japonais et on est loin de cette image d’une nation d’ignorants menés par des militaires violents. Le KMT a reproché au film d’être trop positif envers la colonisation.La réponse viendra de Wang Tung à Hou dans les années 1990 avec le tragique Hill of No Return, 1992, du même Wang Tung. Ce réalisateur, un peu à la marge du Nouveau Cinéma (il adapte des nouvelles de Huang Chun-ming, il tourne un film sur sa jeunesse, mais privilégie un mode de représentation plus traditionnel en s’appuyant sur les codes du mélodrame) retourne sur les mêmes lieux que La Cité des douleurs, mais s’intéresse à la classe ouvrière, ici les mineurs, plutôt que la bourgeoisie éduquée comme Hou. Là encore, comme dans The Strawman, les Japonais n’ont pas le beau rôle, cependant, il introduit le rôle d’une jeune servante venue d’Okinawa qui est tout aussi exploitée que les Taiwanais et adoucit ainsi la charge anti-japonaise. (Samedi 17 septembre, 19h30)Le mouvement de protestation nativiste dans les années 1970 et 1980 a largement utilisé le cinéma documentaire comme moyen de contredire les films de fiction porteur de la fiction de la République de Chine. Cette tradition a perduré et les documentaires qui plongent dans les spectateurs taiwanais dans leur histoire – souvent réprimée – trouvent leur public. Ainsi Viva Tonal, the Dance Age de Chien Wei-ssu et Kuo Chen-ti (2003) nous replonge dans l’histoire méconnue du développement de la musique populaire occidentale à Taiwan. Introduite par les Japonais, elle se développe en hoklo et crée un nouveau artistique avec ses compositeurs, ses chanteuses qui deviennent le symbole de la modernité coloniale. Les réalisateurs retrouvent les témoins et acteurs de cette époque qui font revivre une jeunesse pleine d’énergie et de soif de découverte. Le film met également en évidence les différentes influences aussi bien occidentale, japonaises que chinoises qui se mélangent à Taiwan. Il s’agit également d’un ultime témoignage avant la disparition des survivants d’une époque. (Samedi 21 octobre, 14h30)Ultime témoignage, c’est également ce que tente de recueillir Huang Ming-cheng dans Wansei Back Home (2016) Il s’intéresse à ces Japonais nés à Taiwan (les Wansei) qui ont été arrachés à leur terre de naissance à la fin de la guerre et ont dû retourner au Japon. Je n’ai pas vu ce film qui a été le centre d’une polémique (car l’auteur du livre qui a inspiré le film a inventé le passé wansei de sa famille[1]). Cependant le film a arraché des torrents de larmes aux spectateurs ainsi qu’à Fabrice Arduini qui l’a vu sur place à Taiwan. (Samedi 30 septembre, 14h30)2008 est une année de rupture dans l’histoire du cinéma taiwanais avec la sortie du film de Wei Te-sheng Cape n°7 (qui sera présenté dans la seconde partie du programme) : le film remporte à la fois un succès fulgurant et inattendu et il dynamite la traditionnelle représentation de l’histoire de Taiwan au cinéma, il délaisse l’axe fictionnel qui lie Taiwan à la Chine (avec des histoires de familles et d’amants séparés par la fin de la guerre civile en Chine) pour jouer sur l’axe Taiwan/Japon. Dans le film, c’est parce que le KMT débarque à Taiwan en 1945 que les amants, la jeune taiwanaise et son amoureux japonais sont irrémédiablement séparés. Cette histoire « révisionniste » déchaîne les passions, les soutiens, les colères et les débats, mais surtout, elle remet Taiwan au centre de son histoire et la colonisation japonaise redevient un sujet de cinéma. Fort de ce succès Wei Te-sheng peut enfin réaliser le film qui lui tenait à cœur depuis de nombreuses années : Seediq bale, les guerriers de l’arc en ciel. Le film retrace l’histoire de Mona Rudao un chef aborigène (les Aborigènes sont les grands oubliés du cinéma taiwanais) Atayal de la tribu des Seediq qui a mené e dernier grand soulèvement aborigène contre les Japonais, la révolte de Musha. En effet, quand les Japonais débarquent à Taiwan en 1895, ils se trouvent en butte au Han, vite écrasés, mais surtout aux Aborigènes qui contrôlent de fait la majorité de l’île puisqu’ils se trouvent principalement dans les montagnes qui couvrent 70% du territoire. L’armée japonaise doit donc conquérir un territoire hostile et ils ne parviennent à soumettre les Aborigènes qu’en 1915.Mona Rudao a fait partie des chefs de tribu éduqués en japonais qui ont même été envoyés en métropole, sa tribu était considérée comme une des plus assimilée, ce qui ne l’empêchera pas à la grande surprise du colonisateur de lancer une révolte un matin d’octobre 1930 lors d’une compétition sportive où lui et ses hommes décapitent hommes, femmes et enfants identifiés comme japonais. Cette révolte en réaction aux brimades et aux travaux forcés dure deux mois et est réprimée dans le sang, les Japonais n’hésitent pas utiliser des gaz chimiques, utiliser d’autres tribus aborigènes ennemies pour mater la rébellion et déplacer les populations seediq.De cette histoire tragique à la fois oubliée et régulièrement récupérée à des fins politiques (le KMT y voit une preuve de l’attachement des Aborigènes à la République de Chine par exemple), Wei Te-sheng tire un film d’action à gros budget qui a le mérite de mettre les Aborigènes au centre de la narration et d’employer des acteurs aborigènes parlant la langue seediq. Cependant, le film a déclenché de nombreuses polémiques, car le réalisateur prend des libertés avec les faits et la chronologie, parce que les Aborigènes s’y trouvent caricaturés et parfois car le film remue de vieilles haines et rancœurs entre différentes tribus. Il est très intéressant d’entendre la réalisatrice Laha Mebow, que nous allons présenter plus bas, parler du film.Il n’en demeure pas moins un film important dans la représentation de l’histoire taiwanaise et comme exemple de film à gros budget local. (Samedi 7 Octobre, 14h30)Suite à ce film, Wei continue sur sa lancé historique avec la production de KANO dont il confie la direction à l’un des acteurs de Seediq Bale Umin Boya. Cette fois-ci le film retrace la naissance de la passion pour le base-ball des Taiwanais et le succès improbable d’une petite équipe provinciale composée de Japonais, de Han et d’Aborigènes qui parvient à se hisser au niveau national et à jouer à la métropole. Le film retrace en japonais principalement une image idyllique de la colonisation, où les Japonais apportent la modernité, l’éducation, la culture et les infrastructures et où les communautés vivent en paix et en harmonie. (Vendredi 20 octobre, 19h)Les films de Wei (réalisés ou produits) sont savoureux par le contre discours qu’ils opposent à des décennies de propagande nationaliste chinoise et en quelque sorte rejoignent la nostalgie des films en hoklo des années 1960.Enfin, le film d’ouverture est le délicieux et complexe Finding Sayun qui sous couvert d’une histoire simple : une équipe de cinéma Han se rend dans un village Atayal pour filmer le remake du film de propagande japonaise La Cloche de Sayon de Shimizu (1942) développe une réflexion sur le problème de représentation des Aborigènes, sur la mémoire personnelle/commune, ainsi que les pdiffucultés rencontrées par les Aborigènes de nos jours. Le film a d’abord été un scénario écrit par Laha Mebow, qui travaillait jusque-là comme réalisatrice de documentaire. Bien que récompensé au Golden Harvest, le scénario ne trouve pas preneur, la jeune Atayal décide de se lancer et va tourner dans son village, cette histoire qui la touche de près puisque sa grand-mère connaissait la fameuse Sayon qui s’est noyée sous ses yeux. Il faut également souligner que Laha Mebow est la première Aborigène à se lancer dans la fiction, jusque-là les réalisateurs aborigènes se concentraient sur le documentaire comme moyen d’expression et de revendication.Dans le film de Laha Mebow, les acteurs potentiels, habitants du village se dérobent face à la caméra comme pour tenter d’échapper à la caméra han qui les a tant de fois stéréotypés, caricaturés et a parlé pour eux. Ici Laha Mebow rend l’image et la parole aux personnes de son village avec qui elle invente une histoire contemporaine très proche d’eux et fait remonter à la surface une histoire presqu’oubliée et effacé, tout comme le village d’origine de la tribu que va explorer le héro du film Yugan avec son grand-père. Le grand-père est l’un des derniers à se rappeler le village de ses ancêtres alors que Yugan a forgé ses souvenirs dans le village de béton et de tôle où la tribu a été obligée de déménager après la guerre.On ne peut que vivement encourager à venir voir ce premier film minimal, certes parfois maladroit, mais qui est une bouffée d’air frais dans la production taiwanaise de par son originalité et sa complexité.Laha Mebow est également spécialement à Paris pour présenter son film.Wafa Ghermani[1] http://news.pts.org.tw/article/345672