{"partition": "head_middle", "source_domain": "www.cinechronicle.com", "digest": "sha1:Z3PXREJG2HMSVL457QQNEGFX3G4ZE3BO", "path": "/lustre/fsn1/projects/rech/qgz/uzq54wg/processed_redpajama/base_processing/output/fr/2014-15/000_00018.parquet"}
ACTU NEWS
Design/Architecture
Dossier/Décryptages
Mode/Luxe
Parcs et Attractions
Sorties DVD/Blu-ray
Teaser/Trailer
Vidéoclips
Vidéos virales
Ciné-concerts
Hommages/Cycles/Séances
Rencontres/Débats
Soirées/Evénements
DTV et DVD/Blu ray
Action/Aventure
BD/Comics
Comédie romantique
Conte fantastique
Docu-Fiction
Epouvante/Horreur
Guerre/Politique
Jouets, jeux vidéo et de société
Road-Movie
Romance/Erotisme
SF/Anticipation
Théâtre/Comédie Musicale/Broadway
MUSIQUES DE FILMS
TV & INTERNET
Torchwood saison 4 : critique
Publié par Philippe Tessier le 4 mai 2012	A la tête de l’organisation Torchwood de Cardiff, le capitaine Jack Harkness et son équipe utilisent les technologies extra-terrestres pour venir à bout de problèmes qui dépassent le gouvernement et la police. Unis, ils se battent pour le futur de l’humanité. Car c’est au 21ème siècle que tout va se jouer…
Torchwood est une série atypique à bien des égards. Spinoff du Doctor Who, elle en reprend le fameux Capitaine Jack Harkness interprété avec brio par John Barrowman. Venu du futur, immortel, attiré par tous les sexes connus ou inconnus (bien que préférant nettement les hommes), Jack n’est pas un héros comme les autres. Il est torturé par son passé, par les choix qu’il a dû faire et surtout par les conséquences de ces choix. Il faut dire que les gens qu’ils côtoient ont une fâcheuse tendance à mourir alors qu’il ne peut jamais rien lui arriver. Bien entendu, ça rappelle furieusement le Doctor Who mais avec un concept poussé un cran plus loin. Le Doctor Who ne vieillit pas mais peut être tué, Jack est absolument immortel ; même si le Doctor Who s’entoure de compagnons pour tromper sa solitude, il garde ses distances alors que Jack s’attache et s’éprend souvent de ceux qu’ils croisent. Il est donc constamment déchiré par la perte de ceux qu’il aime sans retenue. Grâce à l’interprétation sans faille de John Barrowman, on découvre un personnage écorché qui sous ses airs désinvoltes laisse en permanence affleurer un sentiment de profonde détresse. Il faut dire que les situations auxquelles il est confronté n’arrangent rien surtout quand c’est lui qui doit prendre des décisions lourdes de conséquences. C’est un individu pragmatique qui fait toujours ce qu’il doit faire même si cela le met au supplice. Mais si cette série est si captivante, ce n’est pas uniquement pour son acteur principal mais aussi pour tous ceux que l’on retrouve au sein de l’équipe Torchwood. A commencer par la ravissante, la délicieuse et sublime Eve Myles qui campe Gwen Cooper. D’origine galloise, comme l’acteur qui interprète son compagnon (Kai Owens), elle en a séduit des téléspectateurs, avec ses dents du bonheur et son accent si particulier (il vaut d’ailleurs mieux privilégier la VO à la VF de cette série puisque le doublage fait disparaître cette particularité). Le reste de la distribution est du même niveau et chaque personnage s’avère attachant.
Torchwood, ce sont aussi des scénarios d’une très grande qualité qui traitent de sujets graves sans le moindre compromis. Ici, quand il n’y a pas de solution à un problème, il n’y en a vraiment pas et les héros ne risquent pas d’en sortir une de leur chapeau comme par magie (voir l’excellent épisode avec les fées dans la première saison). Tous les sujets sont abordés même les plus tabous, comme le suicide assisté dans un des épisodes de la saison 1 où Jack accompagne un homme jusqu’à son dernier souffle dans une des scènes les plus mémorables de la série. C’est pour cette raison que Torchwood s’adresse résolument à un public adulte et c’est sans doute aussi pour cette raison que son parcours est des plus chaotiques. Après une brillante première saison (2006-2007) de 13 épisodes, elle est renouvelée en 2008 pour une seconde saison un peu moins convaincante. Menacée d’annulation, Torchwood revient en Juillet 2009 sous la forme d’une mini-série coup de poing de 5 épisodes, intitulée Les Enfants de la Terre, qui est un véritable succès (à voir également en VO, la version française n’étant pas à la hauteur de l’intensité de certaines scènes). Il faut dire que les scénaristes vont très loin dans cette troisième saison et explorent leur sujet jusqu’au bout sans épargner leurs personnages dont un malheureux Jack qui est confronté à la pire décision de sa vie. Fort du succès des Enfants de la Terre, la BBC donne son feu vert à une quatrième saison mais sous la forme d’une coproduction avec la chaîne américaine Starz pour tenter de séduire les spectateurs outre Atlantique. Elle est diffusée en Juillet 2011 en Angleterre et aux Etats-Unis et en Décembre 2011 en France sur NRJ12.
Le défi pour les scénaristes est de parvenir à un scénario aussi fort que celui des Enfants de la terre. Ils doivent aussi étendre l’action aux Etats-Unis toujours dans l’optique de conquérir l’audience outre-atlantique. Intitulée Le Jour du Miracle, cette quatrième saison conserve toutes les qualités de la série et les thèmes abordés sont pour le moins dérangeants. Elle s’avère un tout petit peu moins réussie que la précédente mais à ce niveau de qualité ce n’est qu’un détail. A la fin de la troisième saison, Jack avait quitté la Terre écœuré et totalement désespéré. Il y revient contraint et forcé. Il faut dire qu’un phénomène tout à fait inattendu se propage sur terre : plus personne ne meurt. A partir de là, les scénaristes nous entraînent dans une véritable descente aux enfers pour l’humanité, car si les humains ne meurent plus, ils n’en restent pas moins sujets aux maladies, aux blessures, aux handicaps. Dans le premier épisode, on voit ainsi un personnage se faire pulvériser avec une ceinture d’explosifs… ce qui reste de lui continue à vivre.
Ce qui apparaît d’abord comme un miracle s’avère être très rapidement une catastrophe d’une ampleur inimaginable. Et avec 500 000 personnes de plus par jour sur la planète, on comprend aisément pourquoi. Ce fait est parfaitement rendu dans la première partie de la série où le scénario aborde tous les problèmes que pourrait poser une telle situation : comment gérer l’augmentation de la population ou que faire de ceux qui souffrent et que la mort ne peut plus libérer, le suicide devient impossible, l’économie commence à vaciller dans tous les pays et la substance la plus précieuse devient désormais les antalgiques que les compagnies pharmaceutiques se mettent à produire en masse. Chaque individu, bien naturellement, voit les choses en fonction de sa situation propre. Gwenn pense avant tout à l’enfant qu’elle vient d’avoir et qui ne connaîtra pas la mort, elle sait aussi que ce « miracle » sauve son père victime d’une crise cardiaque. Un des nouveaux personnages, Rex Matheson (Mekhi Phifer), est un agent de la CIA qui vient de se faire empaler par un tube métallique au cours d’un accident de voiture. Enquêtant sur l’origine de cette soudaine immortalité généralisée, il sait que s’il stoppe le phénomène, il mourra.
Il y a aussi ce condamné à mort qu’on ne peut plus exécuter, un pédophile de la pire espèce brillamment interprété par Bill Pullman. Particulièrement pathétique et détestable (« Il fallait qu’elle court plus vite » dit-il en parlant de sa victime), c’est lui qui est le premier miraculé et qui va devenir une sorte de messie pour une partie de la population. Et puis il y a Jack… Jack l’immortel qui redevient… mortel. Le tout est désormais de savoir pourquoi. Une fois le problème posé, les personnages présentés et les enjeux définis, les scénaristes vont s’intéresser aux solutions concoctées par les gouvernements pour régler la crise…. des solutions aussi radicales qu’épouvantables qui nous ramènent à ce qu’il y a de pire dans l’être humain. La seconde partie de la série va s’intéresser un peu plus à l’origine du phénomène et au passé de Jack. C’est peut-être là que Le Jour du Miracle perd un peu en intensité et s’avère moins percutant que les Enfants de la Terre. Malgré tout, les choix que devront faire les différents protagonistes tiennent en haleine jusqu’au dénouement et chaque épisode offre son lot de rebondissements. Il serait difficile dans un seul article de détailler tous les aspects de cette histoire tant ils sont nombreux et intéressants. Une chose est certaine, si vous ne connaissez pas Torchwood, on ne peut que vous recommander de vous précipiter sur cette série à nulle autre pareille. Interprétation brillante, scénarios captivants, personnages passionnants, sujets profonds, on ne peut que regretter qu’après chaque saison la décision de renouveler cette série soit aussi difficile à prendre.
Philippe Tessier
Série anglo-américaine ‘Le jour du Miracle’ (‘Torchwood’ saison 4) créée par Russell T. Davies de 10 épisodes de 52 minutes et diffusée sur la BBC et Starz à partir du 8 Juillet 2011 avec John Barrowman, Eve Myles, Kai Owen, Arlene Tur, Mekhi Phifer, Aklexa Havins, Bill Pullman et Lauren Ambrose. Disponible en France en DVD (avec une interdiction aux moins de douze ans).
Articles sur le même thème
Série The Fades : critique...
Série The River : critique...
Fringe renouvelé pour une cinquième et dernière saison (t...
Sherlock saison 3 : des détails révélés par le cocréate...
Game of Thrones saison 2 en exclusivité le 2 avril en VOST ...
CRITIQUES Fantastique Séries TV Séries TV Commentaires
Jessica Chastain en Marilyn Monroe pour Andrew Dominik ?
Le projet BLONDE d’Andrew Dominik, tiré de l’ouvrage de Joyce Carol Oates paru en 2000 et sur lequel… Lire la suite >>
La sélection de la 46e Quinzaine des Réalisateurs
Le délégué général Edouard Waintrop a révélé à son tour depuis le Forum des images à Paris la sélection de la… Lire la suite >>
Danny Boyle pour Steve Jobs avec Leonardo DiCaprio?
Grosse annonce hypothétique en perspective ! Le biopic sur STEVE JOBS pourrait changer radicalement de cap. Selon The Hollywood… Lire la suite >>
Steven Spielberg et Tom Hanks pourraient se retrouver
Les projets de Steven Spielberg continuent de couler à flots alors même qu’il n’a pas encore choisi son prochain… Lire la suite >>
La Semaine de la Critique a dévoilé sa sélection 2014
Charles Tesson, le délégué général de la Semaine de la Critique, a dévoilé en vidéo la sélection de cette 53e… Lire la suite >>
Devenezcontributeurs >>
Dernieres critiques
Palo Alto de Gia Coppola: critique
En salles le 11 juin 2014 avec Emma Roberts, James Franco, Nat Wolff, Jack Kilmer, Zoé Levin…
Série/ Helix (saison 1): critique
Diffusée sur SyFy aux Etats-Unis à partir du 10 Janvier 2014 avec Billy Campbell, Hiroyuki Sanada, Kyra Zagorsky et Mark Ghanimé.
Série/ The Walking Dead (saison 4): critique
Diffusée sur AMC du 13 octobre 2013 au 30 mars 2014, avec Andrew Lincoln, Steven Yeun, David Morrissey, Danai Gurira…
Conversation animée avec Noam Chomsky de Michel Gondry: critique
En salles le 30 avril 2014 avec Noam Chomsky et Michel Gondry.
Série/ Almost Human: critique
Diffusée à partir du 17 Novembre 2013 sur la Fox avec Karl Urban, Michael Ealy, Minka Kelly, Mackenzie Crook, Michael Irby et Lili Taylor.
Lire toutes les critiques >>
Box OFFICE France
Cette sem.
Nbr Sem.
Cumul
Source: CBO Box office
Teasers / Trailers
Voir plus de trailers >>
News en vrac
http://www.cinechronicle.com/wp-content/uploads/2014/03/Jupiter-Ascending.jpg
Un nouveau trailer de JUPITER ASCENDING a été livré par Warner Bros. Les nouvelles images du prochain film de science-fiction original, écrit et réalisé par Lana et Andy Wachowski, sont tout aussi spectaculaires que la première bande annonce dévoilée en décembre dernier. On découvre davantage l’univers grandiose avec son atmosphère, ses décors et ses effets spéciaux sophistiqués des deux créateurs de Matrix, qui reviennent après CLOUD ATLAS (notre critique).
Du point de vue des personnages, Channing Tatum se dévoile aussi davantage en guerrier militaire, aux yeux charbonneux et aux oreilles d’Elfe, en charge de protéger l’héroïne d'une bande d'assassins à la solde de la Reine de l’univers. Une héroïne campée par Mila Kunis dans la peau d’une immigrante russe qui survit en tant que femme de ménage, et qui aurait les mêmes attributs génétiques que la Reine, constituant donc une menace pour l’autorité originelle.
Deux affiches des personnages (ci-contre) accompagnent également ce nouveau trailer avec nos deux héros principaux de cette œuvre remplie d’action qui va devoir s’imposer cette année dans un planning encore chargé de blockbusters d’été. Le casting comprend également Sean Bean, Eddie Redmayne, Doona Bae, Douglas Booth, Tuppence Middleton, Tim Pigott-Smith...
Les Wachowksi envahiront également prochainement le petit écran. Il développent en effet une série dramatique de science-fiction titrée Sense8, en collaboration avec Michael Straczynski (Babylon 5). Le récit se concentrera sur huit personnes éparpillées dans le monde qui sont connectées par la même vision violente, tandis qu'une entité tente de les regrouper et qu'une autre cherche à les tuer.
JUPITER ASCENDING est programmé en salles françaises le 23 juillet 2014.
Synopsis : Née sous un ciel étoilé, Jupiter Jones est promise à un destin hors du commun. Devenue adulte, elle a la tête dans les étoiles, mais elle enchaîne les coups durs et n’a d’autre perspective que de gagner sa vie en nettoyant des toilettes. Ce n’est que lorsque Caine, ancien chasseur militaire conçu génétiquement, débarque sur Terre pour retrouver sa trace que Jupiter commence à entrevoir le destin qui l’attend depuis toujours : grâce à son empreinte génétique, elle doit bénéficier d’un héritage extraordinaire qui pourrait bien bouleverser l’équilibre du cosmos…
. . Second trailer pour Jupiter Ascending des Wac…	http://www.cinechronicle.com/wp-content/uploads/2014/03/Diablo-Cody-Meryl-Streep-et-Jonathan-Demme.jpg
La scénariste Diablo Cody, l'actrice Meryl Streep et le réalisateur Jonathan Demme sont attachés pour un nouveau projet titré Ricky and the Flash actuellement en quête d’un studio. Selon The Wrap, Universal et Fox 2000 seraient fortement intéressés par ce qu’ils nomment un véritable ‘package de prestige’ oscarisé. Ce projet de comédie dramatique sera produit par Marc Platt et Mason Novick. Ce dernier a notamment financé trois longs métrages de Diablo Cody, Juno, pour lequel elle remporté un Oscar du meilleur scénario, Jennifer's Body et YOUNG ADULT de Jason Reitman (notre critique).
Le récit de Ricky and the Flash suivrait une femme qui a abandonné sa famille durant sa jeunesse pour trouver la gloire et la fortune en Californie en tant que star du rock. Elle décide de retourner chez elle des années plus tard pour être une mère pour ses deux enfants, dont l'un est en instance de divorce.
Diablo Cody a cosigné le scénario du reboot du film d'horreur culte de Sam Raimi, Evil Dead, sorti en 2013, avec le réalisateur uruguayen Fede Alvarez. Elle a fait en parallèle ses débuts derrière la caméra avec Paradise mettant en vedette Holly Hunter, Julianne Hough et Nick Offerman. Cette comédie dramatique est seulement sortie sur les écrans américains l'année dernière. De son côté, Jonathan Demme marquerait son retour dans le long métrage de fiction six ans après Rachel se marie avec Anne Hathaway. On lui doit le drame Philadelphia et bien sûr le thriller Le Silence des Agneaux, lauréat de 5 Oscars en 1992, dont ceux des meilleur(s) film et réalisateur. Il retrouverait Meryl Streep après l’avoir dirigé dans Un Crime dans la Tête en 2004. Cette dernière a reçu dernièrement une énième nomination à l’Oscar dans sa carrière pour la comédie dramatique Un été à Osage County. Elle tourne actuellement dans Suffragette de Sarah Gavron, avec Carey Mulligan et Helena Bonham Carter, qui relatera l'histoire de ce groupe de militantes revendiquant le droit de vote pour les femmes au Royaume-Uni au début du XXème siècle.	Diablo Cody, Meryl Streep et Jonathan Demme s…	http://www.cinechronicle.com/wp-content/uploads/2014/04/Cecile-Burban-expo-Dernieres-Seances-Salon-du-Pantheon.jpg
La photographe autodidacte indépendante française Cécile Burban expose une série de photographies au long cours intitulée Dernières Séances au Salon du Panthéon du 10 avril au 27 juin 2014. Elle y explore un phénomène culturel de plus en plus important. Malgré un cinéma contemporain fort et engagé dans le panorama mondial, les salles de cinéma sur le continent africain ferment les unes après après les autres. Certains pays comme le Sénégal, Madagascar ou encore le Cameroun n’en comptent carrément plus aucune.
Ces espaces culturels fondamentaux à 'l’équilibre social et politique' sont transformés 'en magasins, en bureaux ou en lieux de culte, tandis que d’autres tombent doucement en ruine' précise le communiqué de presse en ajoutant que ce phénomène avait poussé Abderrahmane Sissako et Juliette Binoche à fonder en 2009 l’association Des cinémas pour l’Afrique.
Après sa rencontre avec le cinéaste malien Souleymane Cissé - lauréat du prix du jury au festival de Cannes pour Yeelen en 1987 - et un reportage sur le cinéma itinérant au Mali, Cécile Burban a décidé d'en rendre compte et de montrer ces 'lieux chargés d’âme, d’histoires et de souvenirs collectifs' qu’elle a découvert. Elle tente ainsi d’expliquer comment et pourquoi ‘la rencontre entre films et spectateurs ne se fait plus que par le biais de ces écrans éphémères’.
Le travail de Cécile Burban a la volonté d'explorer 'les liens qui se tissent entre homme et espace' avec une 'démarche qui s’articule sur la question des relations sociales et de la notion d’identité'. Coup de cœur de la Bourse du Talent 2013, projection du jury des Boutographies de Montpellier 2014, Dernières Séances dépeint ‘le portrait de ces salles de cinéma africaines réduites au silence, et de ces hommes qui tentent de les préserver, projectionnistes sans bobines ou réalisateurs privés de lieux de projection’.
Le Salon du Panthéon - Cinéma du Panthéon
Du lundi au vendredi, de 12h à 19h
13 rue Victor Cousin - 75005 Paris
Site internet et plan d'accès
Photos de l'exposition Dernières Séances - ©Cécile Burban
Cécile Burban expose ses clichés Dernières…	http://www.cinechronicle.com/wp-content/uploads/2014/04/Emily-Blunt.jpg
Le prolifique et talentueux cinéaste Denis Villeneuve poursuit sa route vers la diversité des genres. Selon Variety, il planche sur son prochain long métrage, intitulé Sicario, et ajoute au casting l'actrice britannique Emily Blunt, prochainement dans le thriller de science-fiction EDGE OF TOMORROW de Doug Liman avec Tom Cruise. Acclamé pour Incendies, Villeneuve a confirmé dernièrement l’étendue de sa maitrise de la mise en scène avec PRISONERS (notre critique). Le scénario de ce nouveau thriller particulier, rédigé par Taylor Sheridan, suivra les aventures d’un officier de police originaire d’Arizona (Emily Blunt), accompagnée de mercenaires. Elle traversera avec eux la frontière mexicaine dans le but de traquer et déloger un baron de la drogue. Une fois hors-frontière, ils se rendront vite compte que la situation est bien plus dangereuse qu’ils ne l’imaginaient.
Après s’être confronté à l’exercice entre drame, thriller et surréalisme dans ENEMY – qui ne dispose pas encore de date de sortie -, Villeneuve s’engage ici dans une voie d'apparence un peu plus musclée pour une œuvre décrite dans la lignée du No Country for old men des frères Coen. Sicario sera tourné cet été, produit par Basil Iwanyk et la société Black Label Media.
Denis Villeneuve a en outre déjà préparé un autre prochain long-métrage, STORY OF YOUR LIFE, pour lequel il est en pourparlers avec Amy Adams, citée à l'Oscar pour AMERICAN BLUFF (notre critique). L’histoire est tirée de la nouvelle éponyme de Ted Chiang et le scénario est pris en charge par Eric Heisserer (remake The Thing et Destination Finale 5). Le cinéaste canadien évoluera alors en plein univers de science-fiction, élargissant encore un peu plus son horizon des genres auxquels il s’est déjà attelé. Il prévoit le tournage de ce film dès le début 2015. Notons que d’après The Playlist, Denis Villeneuve a également dévoilé la nature d’un futur projet en affirmant vouloir travailler avec Jessica Chastain. Il prévoit ainsi d’adapter le roman de Russell Banks, The Darling.	Emily Blunt dans Sicario de Denis Villeneuve	http://www.cinechronicle.com/wp-content/uploads/2014/03/Pablo-Larrain.jpg
[caption id="attachment_34785" align="alignright" width="299"] Paul Muni / Al Pacino - Scarface[/caption]
Universal aurait-il enfin trouvé un cinéaste pour le nouveau SCARFACE ? Pablo Larrain serait actuellement en négociations avec le studio pour prendre en charge le projet dans les tuyaux depuis 2011. Le cinéaste chilien à qui l’on doit l’excellent docu-fiction NO (notre critique) prend ainsi le relais de David Yates annoncé avec insistance. The Wrap ajoute que c’est Marc Shmuger qui assure la production avec sa société Global Produce, épaulé par Martin Bregman, déjà producteur sur la version de 1983.
Paul Attanasio (Quiz Show, Donnie Brasco, épisodes de Dr House) est toujours à l’écriture alors que David Ayer (Training Day) était dans un premier temps attaché au projet. Plusieurs acteurs latino auraient déjà été également approchés par Universal tels Oscar Isaac, Edgar Ramirez et Michael Pena. Les studios envisageraient cependant d’élargir le casting à des comédiens moins connus, voir inconnus, en raison d’une question d’authenticité et de pertinence.
La nouveau SCARFACE ne sera pas un remake du classique de Howard Hawks datant de 1932 ou de la version actualisée de 1983 signée Brian De Palma mais bien un reboot. L’intrigue se déroulera ainsi dans le Los Angeles contemporain, suivant les aventures de Tony, un immigré mexicain qui poursuit le rêve américain. Cette relecture de SCARFACE sera focalisée sur les troubles intérieurs du personnage, explorant l’origine de ses maux et de ses souffrances.
Pour rappel, l’action du Scarface original de Hawks, produit par Howard Hughes, se déroulait en 1920 à Chicago au temps de la prohibition. Le récit est centré sur Tony Camonte (l’excellent Paul Muni), un immigré italien faisant fortune avec le trafic d’alcool. La version de De Palma, écrite par Oliver Stone, déplace l’action en 1980 à l’époque où Fidel Castro expulse des dizaines de milliers de cubains et Tony Montana (le magistral Al Pacino) s’installe à Miami en s’emparant du marché de la cocaïne. Dans les deux films les origines ethniques et géographiques sont déterminantes.
Pablo Larrain dirige actuellement un Opéra au Chili. Avec SCARFACE, il aura l’occasion de prendre en charge un film de plus grande envergure après avoir démontré l’étendue de son talent dans son pays natal.	Pablo Larrain en négociations pour réaliser…	http://www.cinechronicle.com/wp-content/uploads/2014/04/This-is-comedy-affiche.jpg
Journaliste aux Inrockuptibles, cinéaste et producteur, Jacky Goldberg signe un premier documentaire passionnant de 60 minutes, à la fois tendre, instructif et drôle, sur Judd Apatow, l’un des piliers de la comédie américaine. This is comedy retrace le portrait, le parcours et les motivations de cet homme, visionnaire et charismatique, parvenu à reconfigurer les codes et les rites du genre et de l'humour depuis une vingtaine d’années. CineChronicle a eu l’occasion de rencontrer Jacky Goldberg, qui évoque le processus de mise en place, l’évolution de la comédie américaine face à son homologue français et l’émergence de nouveaux talents avec notamment la présence d’une poignée de femmes talentueuses à la plume acérée. Ce film incontournable, qui s'adresse tant aux initiés/passionnés qu'aux néophytes, sera diffusé ce mardi 8 avril à 22h55 sur Canal+ Cinéma, à l’issue de 40 ans : mode d’emploi (This is 40) de Judd Apatow.
[caption id="attachment_86605" align="alignright" width="211"] Jacky Goldberg, scénariste, réalisateur et producteur du documentaire This is Comedy[/caption]
CineChronicle : Tu te places aujourd’hui comme l’un des journalistes spécialistes de la comédie US. Ce documentaire était-il un projet de longue date et la résultante logique de ton travail ?
Jacky Goldberg : Oui complètement. Je suis arrivé aux Inrockuptibles en 2007 et c’est exactement le moment où Judd Apatow est sorti concrètement de l’anonymat même s’il avait réalisé 40 ans, toujours puceau en 2005. Car sont sortis dans la foulée En Cloque : mode d’emploi, Super Grave, Sans Sarah rien ne va, etc. Il s’est trouvé que j’avais un intérêt depuis longtemps pour la comédie américaine notamment pour les frères Farrelly, Ben Stiller… Apatow est arrivé massivement sur la carte et j’ai eu la chance d’écrire de nombreux articles sur lui. C’était donc un sujet qui m’intéressait beaucoup en tant que journaliste de presse écrite. Et je ressentais l’envie depuis un an ou deux de continuer tout ce travail écrit en exploitant les moyens audiovisuels. Mon objectif est aussi de faire du cinéma, j’ai déjà réalisé des courts métrages. J’adore écrire des critiques mais j’aime aussi la forme audiovisuelle. Je souhaitais confronter la parole de Judd Apatow et de ses disciples avec des extraits de films et des images d’archives en posant ma propre voix par dessus qui analyse. C’était l’ambition de ce documentaire.
CC : Tu passes à la vitesse supérieure avec ce documentaire de 60 minutes que tu as écrit, réalisé, narré et produit, après plusieurs courts métrages de fiction. Le processus d’écriture et de mise en place a-t-il été plus ardu ? JG : C’est tellement différent que je ne peux pas vraiment dire si c’est plus ou moins ardu. Je n’ai pas été confronté aux mêmes difficultés. Là il s’agissait surtout de parvenir à convaincre Judd Apatow et les différents intervenants de faire partie du documentaire. Car, ce sont bien sûr des super stars hollywoodiennes avec lesquelles je n’avais pas de contact direct. Tout passe par les agents, et Canal+ n’en avait pas non plus. Ma seule ‘entrée’ était d’avoir interviewé Judd Apatow pour Funny People et d’avoir animé la Masterclass qu’il avait donné à la Fnac. J’avais eu l’occasion d’évoquer ce projet à l’époque et il m’avait répondu ‘Pourquoi pas, dis m’en plus quand ce sera confirmé’. Je suis allé voir Canal+. Il me fallait leur accord ou celui d’une autre chaîne hertzienne pour obtenir le budget, sinon je ne me serais pas lancé dans un tel projet. J'ai pris contact avec Apatow, mais par l'intermédiaire de son agent, il a d’abord refusé. J’ai fini par apprendre, en réussissant à le joindre directement par un autre biais, que mes messages ne lui avaient jamais été transmis. Il était au contraire honoré qu’un journaliste français s’intéresse à son parcours et nous nous sommes retrouvés six mois plus tard pour tourner le documentaire. Le principe a été le même pour les autres intervenants.
CC : T’es-tu nourri essentiellement de tes articles déjà publiés ou as-tu puisé dans d’autres sources ? Car un HS des Inrocks sur le Nouvel Age d’Or de la comédie américaine a garni les kiosques en septembre 2013.
JG : Disons que mes articles ne sont ni plus ni moins que ce que j’ai écrit à une date donnée sur un film sorti à une date précise. Il a fallu dans ce projet que je me replonge vraiment dans toute sa filmographie. Je me suis basé sur trois sources principales : mes propres réflexions sur les films, qui se sont construites au fur et à mesure, le livre d’entretiens mené par Emmanuel Burdeau, Comédie : mode d’emploi publié par Capricci. Ce titre français aurait pu être le mien d’ailleurs mais déjà pris, j’ai opté pour celui américain This is Comedy/This is 40. Dans ce livre, il propose plusieurs entretiens au long cours avec Judd Apatow qui donne énormément d’informations sur son parcours et sa méthode. Et enfin les nombreuses interviews qu’il a données aux Etats-Unis. Si en France il reste un auteur confidentiel qui plait davantage à la critique qu’au grand public, il est très connu outre-Atlantique et chacun de ses films donne lieu à beaucoup de promotions. Mon envie était de rendre accessibles tous ces éléments épars pour concevoir ce film. Il faut savoir aussi qu’aucun documentaire de 60 minutes n’existait encore sur Judd Apatow.
CC : L’introduction de ton documentaire avec Judd Apatow et le stand-up m’a renvoyée à la structure de ‘Woody Allen : A Documentary’. Quelles ont été tes références pour concevoir celle de ‘This is Comedy’ ?
JG : Je n’ai pas vu Woody Allen : A Documentary, mais je me suis inspiré de plusieurs documentaires comme ceux de Luc Lagier, qui s’occupe d’un site hébergé par Arte qui s’appelle Blow Up. Son créneau est la critique de cinéma par le cinéma. L’image par l’image. Il a fait plusieurs documentaires, notamment sur le cinéma d’horreur, la nouvelle vague française vue par les Américains. Il y a eu aussi les films d’Olivier Joyard sur les séries TV pour Canal+ et de Clélia Cohen sur les teen movies, qui rejoint un peu le mien. Teen Spirit évoque Super Grave et toute cette vague du cinéma adolescent. Moi qui n’avais pas jamais fait de documentaire, cela m’a permis d’avoir une orientation. J’ai eu aussi une autre source d’inspiration mais probablement plus diffuse, la collection de documentaires sur Les cinéastes de notre temps, produite par André S. Labarthe. J’en ai vu des tonnes. C’est le portrait idéal de cinéastes même si je n’avais pas l’intention de procéder de la même manière. Il se permet une liberté que je n’avais pas forcément. J’avais plusieurs idées de départ car je souhaitais faire des interviews dans des cadres spécifiques et en groupe. Tous les intervenants m’ont dit ‘Ecoute, on va la faire simple, tu m’interviewes en one to one, dans mon bureau’. C’était déjà très bien et ils ont été très généreux dans les interviews, mais je n’ai pas pu formellement me lâcher en les emmenant dans des endroits insolites. La seule avec laquelle j’ai pu le faire a été Linda Cardellini dans le lycée. Le concept des Cinéastes de notre temps est génial car l’idée est de faire en sorte que les films ressemblent à l’œuvre des cinéastes dont c’est le portrait. Je voulais faire pareil. Que serait un documentaire sur Judd Apatow s'il ressemble à un film de Judd Apatow ? Ce serait des types qui discutent entre potes tout en se balançant des vannes. Mais j’ai dû me contenter d’une forme très classique dans laquelle j’ai essayé de mettre ma patte et ma personnalité.
UN REGARD RICHE ET DENSE
CC : Ton documentaire est complet dans sa structure car tu définis ce qui constitue et motive Judd Apatow en évoquant tout son gang, comme ‘Pères & Pairs’, ‘Maris & Femmes’ ou encore ‘Sang et Amour’ pour finir sur ‘Farces & Angoisses’ et son œuvre la plus puissante Funny People…
JG : J’ai essayé de construire des parties à peu près égales sur la structure. Chaque chapitre dure entre 5 et 7 minutes. Les titres sont inspirés par ceux de Freaks and Geeks. Chaque épisode portait un titre entre ‘Something & something’. L’idée était de proposer une certaine chronologie. Mais tout est un peu bouleversé au milieu du documentaire. J’évolue vers un aspect plus intime et plus mélancolique. Je voulais terminer sur En Cloque : mode d’emploi et Funny People, et sur ce que cela raconte sur Judd Apatow en tant que personne.
[caption id="attachment_86612" align="alignleft" width="230"] Judd Apatow et Leslie Mann / Photo Getty Image[/caption]
CC : Qu’est ce qui te fascine autant chez lui ? Son perfectionnisme, son esprit d’équipe ou est-ce sa manière d’aborder ses différentes obsessions sur l’adolescence avec ses injustices et ses humiliations, l’amitié, la famille, la vie et ses embûches, tout en ayant su redonner ses lettres de noblesse à la comédie depuis une vingtaine d’années ?
JG : Un peu les trois en fait. Il y a en effet le perfectionnisme. J’admire sa capacité de travail. C’est quelqu’un qui bosse énormément et qui fait travailler les autres. Il donne vraiment une éthique de travail aux personnes qu’il prend en charge. On s’en rend compte dans la manière dont Jason Segel parle de lui ‘Il m’a pris sous son aile et m’a appris à écrire’. Tout se concrétise par de nombreuses séances de travail et la manière dont il écrit un scénario. Je suis atterré par le non travail évident des comédies françaises. Tu sens qu’elles n’ont pas été retravaillées. C’est du vite fait. Ce n’est pas drôle, c’est poussif. Chez Apatow, ce sont des dizaines de versions de scénarios avant validation. Une fois le tournage réalisé, ce sont des centaines d’heures de rushes, d’improvisations et de gags. Il procède presque comme un Abdellatif Kechiche. On ne l’imagine pas forcément car leurs films n’ont aucune similitude. Mais sa méthode de tournage est similaire avec des centaines de versions alternatives afin de recréer son film au montage. Apatow teste ensuite ses films auprès du public. Ensuite, il y a le perfectionnisme moral. Je cite ce concept dans le documentaire sans vraiment l’expliciter. Apatow a toujours cette volonté d’être bon. Il n’y a jamais de méchants dans ses films, ni vraiment d’adversaires. L’adversaire est la vie elle-même et ses embûches. C’est ce qui me touche énormément. Je vais peut-être paraître naïf mais je pense que l’écrasante majorité des personnes ont un bon fond. Le mal existe mais il est ultra minoritaire. Les gens sont parfois bêtes, se débrouillent mal, sont maladroits et un peu égoïstes. Judd Apatow montre tous ces travers. Les gens veulent faire le bien, mais c’est compliqué. Il s’attaque à ces thématiques de fond qui sont une vraie tradition de la comédie américaine depuis les années 30 et qui renvoie aux livres du philosophe Stanley Cavell comme ‘Le cinéma peut-il nous rendre meilleur ?’ et ‘À la recherche du bonheur – Hollywood et la comédie du remariage’ sur la Screwball comedy des années 1930-40. Ce dernier analyse les comédies de remariage avec des acteurs comme Cary Grant, dans lesquelles un couple divorce ou est divorcé au début du film et va chercher à se remarier. C’est un peu le cadre de 40 ans : mode d’emploi (This is 40). Il ne divorce pas mais c’est un couple qui se querelle et qui va essayer de se réconcilier et de s’entendre. C’est un élément qui m’a toujours beaucoup ému dans la comédie, ce parcours moral dans la vie des gens pour tenter d’être meilleurs vis-à-vis d’eux-mêmes et meilleurs vis-à-vis des autres.
CC : De nombreux piliers sont évoqués comme Garry Shandling, Woody Allen, Jerry Seinfeld, James L. Brooke et Harold Ramis, décédé à 69 ans le 24 février 2014. Le passage qui lui est réservé, résonne comme un bel hommage imprévu et ajoute davantage d’émotion…
JG : J’étais triste pour Apatow quand j’ai appris la mort d'Harold Ramis. J’étais en vacances et je n’ai pas pu écrire hélas un article sur lui. J’ai regardé des bouts du documentaire en compagnie de Judd Apatow. Quand est arrivée justement cette scène avec Harold Ramis, il a effectivement été hyper ému.
COMÉDIE AMÉRICAINE vs COMÉDIE FRANÇAISE CC : La comédie américaine est-elle selon toi encore aujourd’hui trop sous-estimée en France et pour quelles raisons ?
JG : C’est évident. Un exemple très récent, c’est la non sortie en salles d’Anchorman 2 d'Adam McKay. Il va sortir directement en DVD en juin et je travaille avec Paramount pour organiser quelques projections événementielles à Paris et en Ile de France. J’espère pouvoir l’annoncer officiellement prochainement. Le studio estime que le film n’a pas le potentiel pour sortir sur les écrans français. Pourtant il avait une date programmée mais qui a été annulée. Je l’ai vu et je le trouve vraiment très réussi. Les distributeurs n’ont pas assez confiance en ces films et ne croient pas qu'ils puissent être des succès. Résultat : ils sortent mal ou pas du tout. Je ne peux pas complètement leur jeter la pierre car il arrive aussi que les films sortent correctement et soient des échecs. Ce fut le cas pour Funny People et This is 40. Ils n’ont pas du tout fonctionné en salles alors que Universal avait fait un très bon travail de promotion. Cette major est d’ailleurs la plus sérieuse sur les comédies américaines. Elle est celle avec laquelle travaille Judd Apatow la plupart du temps. C’est probablement une résistance du public, mais c’est souvent une mauvaise volonté du distributeur qui sort mal les films, trouve des titres idiots ou des taglines idiotes comme The Heat de Paul Feig (2013), traduit par Les Flingueuses avec ‘Au FBI, les filles aussi ont leurs règles’. C’est atterrant. C’est l’inverse de ce que signifie le film. Une réplique beauf et machiste.
CC : Que manque-t-il à la comédie française que la comédie américaine est parvenue à surmonter ?
JG : Du travail. Il est évident que la majorité des comédies françaises sont paresseuses dans l’écriture. Par exemple, le point de départ comique de Supercondriaque, la dernière comédie de Dany Boon, est intéressant avec plein de bonnes idées, mais tout devient très paresseux. Les gags ne se déploient pas, c’est limité et rabougri. Et pourtant cela plaît au public alors pourquoi faire autre chose. Heureusement de nombreuses comédies comme celle du volcan ont été des échecs qui me font dire que le public n’est pas totalement passif et crétin. A mon sens ce qui manque, c’est ce rapport à la modernité et au monde dans lequel on vit. Apatow embrasse ce langage, les références culturelles, la sexualité de façon triviale, honnête et franche. Il ne prend pas les spectateurs pour des idiots. Il appelle un chat un chat. C’est cru car la vie est comme ça. On a l’impression avec la comédie française que ceux qui la conçoivent n’ont rien vu depuis Louis de Funès. Ils continuent de les écrire comme dans les années 1950. Ils n’ont aucun contact avec le monde réel. Mais le contre exemple de ce constat qui m’intéresse, c’est le cas de Romain Levy, réalisateur de Radiostars et coscénariste avec Manu Payet de Situation amoureuse : c’est compliqué. Ce n’est pas un film parfait mais tu sens que le type a vu et compris Apatow. Il s’inscrit dans le contemporain avec des vannes très drôles et surtout très écrites et très travaillées, et des vrais seconds rôles.
L’IMPORTANCE DU SCÉNARIO AU PROFIT DES GAGS
CC : C’est le cœur de ton documentaire et la réussite de Judd Apatow qui a compris tout de suite l’importance d’un scénario bien étoffé dans une comédie en peaufinant l’aspect dramatique au profit d’une succession de blagues absurdes. Est-ce finalement LA faille de toutes les mauvaises comédies contemporaines ?
JG : Oui je ne peux que reprendre ce que dit Jason Segel dans le documentaire. Tu ne peux pas t’intéresser uniquement à plus de 20 minutes de blagues. Ce qui représente le temps d’une sitcom par exemple, où tu acceptes des blagues à répétitions avec des personnages qui ne sont que des pantins destinés à faire des blagues. Sur 1h30-2h voir 2h30 pour les films de Judd Apatow, s’il n’existe pas un fond sentimental - pas sentimentaliste, entendons nous -, le spectateur n’est pas intéressé. Je vais citer un exemple un peu vicieux, c’est celui de Very Bad Trip de Todd Phillips (2009). C’est une comédie considérée comme réussie. Et pourtant j’ai un vrai problème. Je sens que le réalisateur n’aime pas ses personnages et s’en moque complètement. Ils sont creux et sont des caricatures de beaufs un peu machistes, hormis Zach Galifianakis. Pourtant le film est hyper efficace en terme comique, c’est bien ficelé. Mais je pense que dans dix ans, il n’en restera rien. Alors que les œuvres de Judd Apatow comme Funny People, seront certainement rejugés pour leurs valeurs. On ne rit pas systématiquement dans ce dernier mais le récit avance vers un aspect de plus en plus noir. Cela démontre bien que finalement la comédie, ce n’est pas que le rire.
CC : Ils n’ont effectivement pas le même fond. ‘Very Bad Trip’ reste toujours léger alors que ‘Funny People’ aborde la maladie. Ton documentaire montre un extrait embarrassant approprié avec le médecin allemand. C’est aussi le label de Ricky Gervais qui en a fait vraiment son commerce... JG : C’est pour moi la marque de l’humour contemporain. C’est ce qui est le plus intéressant à mon sens : l’humour de Ricky Gervais ou de Louis C.K. et sa sitcom new yorkaise Louie, qui est certainement la série la plus hilarante et la plus bouleversante à ce jour dans la comédie. Curb your Enthousiasm de Larry David joue également sur ces ficelles. Tous les grands comiques manipulent la gêne. C’est ce qui manque aussi en France, cette compréhension de l’humour de la gêne. A part chez Eric Judor, dont la série Platane un petit chef d'oeuvre trop peu considéré (même s'il doit tout à Larry David).
CC : Outre le scénario, Judd Apatow utilise aussi sa caméra pour proposer du cinéma. N’est-ce pas une autre différence avec la comédie française qui offre souvent un simple champ-contrechamp avec des blagues à répétitions ?
JG : Cela dépend. Il faut juste qu’on soit clair lorsqu’on évoque la comédie française. Il s’agit là des comédies françaises commerciales. Car on peut citer de nombreuses comédies françaises d’auteurs fabuleuses, comme celles de Bruno Podalydès. Dieu seul me voit et Liberté-Oléron sont pour moi les films les plus drôles qui aient jamais été faits en France. Il y a aussi les traditions comiques chez Jacques Rozier et Jacques Tati. Dans les plus contemporains, on peut citer Serge Bozon, Mikael Buch...
CC : Peux-tu citer un équivalent en France du cinéma de Judd Apatow ?
JG : Bruno Podalydès. Mais il est aussi dans un créneau auteurisme, très assumé. Ce ne sont pas des comédies mainstream et populaires comme peuvent l’être celles de Judd Apatow. Par contre, il n’y a aucune comparaison entre Judd Apatow et Dany Boon. Cependant la comédie française n’est pas totalement à poils. Certains sont quand même vraiment intéressants mais officient dans une autre économie.
LES FEMMES OU L'ART D'EXPLORER DE 'NOUVEAUX TERRITOIRES COMIQUES'
CC : Le cinéma de Judd Apatow est plongé dans un univers souvent masculin et traite du point de vue des hommes, mais il a rapidement saisi que l’humour n’est pas seulement destiné aux hommes. Pourquoi à ton avis des talents comme Tina Fey, Lena Dunham, Kristen Wiig ou Amy Poelher ont-elle mis du temps à émerger ? JG : Tout dépend de ce qu’on appelle du temps en fait. Tina Fey et Amy Poelher sont connues depuis le milieu des années 2000 aux Etats-Unis. Mais je pense qu’elles émergent aujourd’hui car il y a aussi un mouvement général des sociétés occidentales, américaines et européennes, vers la féminisation. Cela concerne tous les domaines : la politique, l’économie, la culture en général. C’est un fait. De plus en plus de femmes s’expriment. La comédie fait partie de tous ces autres domaines de la vie culturelle et sociétale. C’est dans l’air du temps. Et Apatow le sent en tant que producteur. Il possède cet instinct de percevoir qu’il a fait le tour des histoires de mecs. Je pense que Funny People diagnostique la fin de cet humour ‘potache entre mecs’ dont il montre la maladie. Ce qui ne marche plus, c’est le rire en lui-même. Les mecs font des blagues sur leur pénis, ça ne fait rire personne à part eux. Et pile au moment où par ailleurs Very Bad Trip sort jouant précisément sur ces codes, Apatow comprend qu’il faut s’ouvrir à d’autres horizons. Ils décident de féminiser son humour et de promouvoir une femme comme Kristen Wiig qui brille au Saturday Night Live depuis quelques années. This is Comedy l’évoque. Il lui demande un scénario qu’elle coécrit avec Annie Mumolo en une semaine et Mes Meilleures Amies de Paul Feig (2011) devient le plus grand succès des productions Apatow. Il voit ensuite Tiny Furniture, le premier film d’une jeune cinéaste new yorkaise, Lena Dunham, qu’il contacte et il produit la série Girls de HBO. Il trouve une fille qui fait des sketchs sur internet ou en stand-up qui s’appelle Amy Schumer, sa dernière recrue, et lui demande d’écrire un scénario qu’il adore. Au point de vouloir le réaliser. Son prochain long métrage, dont le tournage va démarrer en mai, s’appellera donc Train Wrek et sera le premier film écrit par une femme qu’il mettra en scène. Il se projettera ainsi dans un univers qui ne sera pas le sien. Je trouve cela passionnant et très courageux car il ne reste pas dans son petit territoire. C’est un vrai geste artistique.
CC : D’ailleurs Paul Feig a exactement la même vision, la même mentalité que Judd Apatow et pose lui-même la problématique dans le documentaire : ‘pourquoi le cinéma devrait-il dépendre du sexe ?’
JG : Paul Feig est encore plus féministe ou du moins il s’intéresse encore plus aux femmes. Il ne veut faire que des films avec des femmes. C’est son ambition. Il a des projets assez fous par ailleurs. Il a envie de réaliser une comédie romantique gay avec Channing Tatum et un film d’espionnage à la James Bond avec Melissa McCarthy. L’idée de casser des stéréotypes de représentation, c’est tout ce qui l’intéresse.
CC : Paul Feig et Judd Apatow poussent-ils cette vague à justement toujours casser les stéréotypes pour redonner de l'élan à la comédie ?
JG : Oui je le pense. On pourrait débattre à l’infini pour savoir s’ils sont les précurseurs ou non. Mais un cinéaste s’exerce dans des comédies féministes depuis des années. C’est James L. Brooks. Leur maître à tous. Ils n’ont rien inventé. Il a vraiment impulsé dans les années 1980 des comédies avec des personnages féminins très forts. Et Apatow a senti dans les années 2000 que le moment était venu de laisser les femmes exprimer leur talent comique.
CC : Il y a Julia Louis-Dreyfus particulièrement connue dans ‘Seinfeld’ et récemment ‘Veep’…
JG : Très bon exemple. Il faut savoir que la comédie féminine existe depuis longtemps à la télévision américaine. La nouveauté est qu’elles deviennent les personnages principaux dans des films qui ne suivent plus les stéréotypes habituels. Mais à la télévision américaine, dans la mesure où elle est essentiellement regardée par des femmes, il existe un pur principe de réalité qui consiste à concevoir des séries avec des femmes fortes. C’est un fait depuis le début. La télévision américaine a toujours promu les femmes, comme la sitcom populaire ancestrale I Love Lucy dans les années 50 ou encore celle très féministe dans les années 1970, The Mary Taylor Moore Show où James L. Brookes a fait ses armes en tant que cocréateur. Le Saturday Night Live aussi. Les femmes sont présentes dans l’équipe depuis le tout premier cast en 1975. On les retient moins par rapport aux hommes car eux ont tourné dans des films devenus populaires. Elles en ont fait également mais dans des rôles secondaires. En outre, c’est vraiment Lorne Michaels qui a poussé cette nouvelle génération des Tina Fey, Amy Poelher et toutes les femmes que cite Lena Duhnam comme Maya Rudolph. Il faut souligner un point important que je ne mentionne pas dans le documentaire. La toute première personne qui a employé Judd Apatow et lui a demandé d’écrire des blagues est une femme, Roseanne Barr. Judd Apatow était son homme de paille et lui écrivait des blagues à la fin des années 1980.
UNE LIBERTÉ TOTALE D'ACTION
CC : Comment se sont passées les négociations avec Canal+ ?
JG : Très simplement. Ils ont tout de suite été d’accord. J’avais un contact à qui j’ai proposé mon sujet en juin 2012. Je leur ai envoyé mon projet, qui était au départ orienté vers la comédie américaine en général. J’évoquais le frat pack, Ben Stiller, les frères Farrelly tout en incluant Judd Apatow dans le récit. Finalement après notre rencontre, ils ont préféré que je m’oriente vers Judd Apatow, car Canal+ avait acheté les droits de diffusion de 40 ans : mode d'emploi (This is 40), qui n’était pas encore sorti à l’époque. Ils savaient déjà qu’ils allaient le projeter début 2014. Ils m’ont ainsi plutôt proposé de réaliser ce documentaire pour l’intégrer à une programmation spéciale sur Judd Apatow prévue sur Canal+ Cinéma, qui a certes moins d’audience mais est plus cinéphile. Du coup, j’ai eu une liberté éditoriale totale sur toute la fabrication du film.
CC : Etait-ce ta volonté de départ de réaliser un 60 minutes ou envisageais-tu un documentaire d’1h30 ?
JG : J’ai envisagé à un moment une version longue. La toute première faisait 1h40 après les premières coupes au montage. Et je me suis dit que j’allais envoyer une version de 60 minutes à Canal+ et une autre à Apatow qui m’avait laissé entendre que si le film lui plaisait, il l’intégrerait à un DVD. Il s’est avéré que cette version était moins bien. J’avais vraiment assez de matière pour un documentaire d’une heure.
CC : Qu’est ce que tu n’as pas pu garder ?
JG : J’ai surtout coupé des tonnes d’anecdotes. J’aurais voulu raconter davantage le parcours de Paul Feig, mais c’était trop long à expliquer et à monter. Cela cassait un peu la dynamique. Il aurait mérité 5 minutes à lui tout seul car c’est bouleversant et cela en dit long sur la relation qu’Apatow entretient avec ses disciples. Paul Feig est un peu plus vieux que lui. Il n’est pas censé être un de ses disciples à la base. Mais comme il le dit dans le documentaire, il a senti rapidement le potentiel d’Apatow. Le rêve de Paul Feig est d’être Woody Allen. Il veut être acteur et réalisateur comme lui, et se créer une persona inconnue similaire au cinéaste. Sauf qu’il a réalisé un ou deux films qui ont été des bides au box office. En 1999, Apatow signe un contrat de développement pour faire des séries. Je le mentionne dans le documentaire. Paul Feig lui propose alors le scénario de Freaks and Geeks. La série ne fonctionne pas. Il retourne donc à la case départ tandis que Judd Apatow continue sa carrière en produisant d’autres séries qui ne marchent pas non plus. Puis il produit Anchorman en 2004 et 40 ans, toujours puceau l’année suivante. Sa carrière est lancée auprès du grand public. Tout le monde s’intéresse à son CV et l’assimile en tant que créateur de Freaks and Geeks. Paul Feig passe alors dix ans à être totalement dépossédé de sa série. Il refait un film qui passe inaperçu, réalise des épisodes de séries comme The Office. Il s’en sort mais reste loin de son ambition initiale, devenir Woody Allen. Puis Judd Apatow lui propose de réaliser un scénario écrit par une femme, qui devient Mes Meilleures Amies, plus grand succès des productions Apatow. Dès lors tous les journalistes se penchent sur le parcours de ce réalisateur, le créateur de Freaks and Geeks. L’erreur est réparée. Le plus beau dans cette histoire, c’est que Judd Apatow n’a jamais laissé tomber Paul Feig car il aurait pu s’approprier le titre. La même anecdote est arrivée à Greg Mottola. Comme Paul Feig, il veut être Woody Allen. Il réalise un film dans les années 1990 qui fonctionne moyennement. Apatow lui propose de réaliser des épisodes de la série Undeclared, après Freaks ans Geeks, qui ne marche pas non plus. Cinq ans plus tard, il lui propose de réaliser le scénario de Seth Rogen et Evan Goldberg. Ca devient Super Grave et sa carrière est lancée. Apatow possède vraiment ce sens de l’amitié et de la fidélité. Quand il prend quelqu’un sous son aile, il ne le laisse jamais tomber.
CC : This is comedy va-t-il connaître une sortie DVD après sa diffusion sur Canal+ ?
JG : Oui très certainement avec Judd Apatow. Il a beaucoup aimé le film et veut le mettre en bonus d’un coffret DVD qui sortira fin 2014 courant 2015.
CC : Quels sont tes futurs projets ? JG : Je suis en train d’écrire un long métrage de fiction, une comédie d’espionnage dans le milieu des hackers qui se déroulera à Paris et en Italie. Une coproduction italienne pourrait être envisageable mais c’est encore trop tôt pour en parler.
THIS IS COMEDY écrit, réalisé et produit par Jacky Goldberg, sur Canal+ Cinéma le mardi 8 avril à 20h55.
Avec : Judd Apatow, Paul Feig, Linda Cardellini, Jason Siegel, Adam McKay, Steve Carrell, Paul Rudd, Greg Mottola, Jonah Hill, Nicholas Stoller, Lena Dunham, Seth Rogen, Kristen Wiig et Leslie Mann.
Producteurs : Sylvain Decouvelaere, Davy Chou et Jacky Goldberg de Vycky Films.
Diffusion : Canal+ Cinéma.
Durée : 58 minutes.
Interview de Jacky Goldberg, réalisateur de …	Voir plus de news >>
A propos de CineChronicle
Copyright © 2010 - 2014 CineChronicle Tous droits réservés