
French: 
Hollywood, nous voilà !
Le glamour!
Les célébrités!
Les scandales!
Je fais pas réference à Bennifer ou Brangelina.
Craig: Ils sont toujours ensemble? Nick: Non...
Craig: Je suis un peu à la ramasse
Mais j'ai une masse d'info sur l'âge d'or du cinéma muet: les stars allaient et venaient, les studios
perfectionnaient la production de masse, et les films américains dominaient le marché mondial.
Certains aspects étaient très différents du Hollywood d'aujourd'hui.
Les studios exerçaient un grand pouvoir.
Ils contrôlaient rigoureusement les acteurs et les réalisateurs.
Les films réalisés étaient muets.
Et vous deviez débourser au moins 10 ou 25 centimes pour une place.
D'un autre côté, la plupart des tendances instaurées à l'époque nous sont toujours étrangement familières.
Les studios misaient sur leurs têtes d'affiches pour vendre les films.
Les films de gangsters et les comédies romantiques proliféraient.
Le public était friand des ragots sur la vie privée des célébrités.
Pour comprendre le monde d'aujourd'hui, il faut parfois remonter à la source.
Quant à Hollywood, la source est le cinéma muet.

English: 
Hollywood, here we come!
The glamor!
The celebrities!
The scandals!
I’m not talking about Bennifer or Brangelina.
Craig: Are they still things?
Nick: No...
Craig: I'm kind of out of touch.
But I'm not out of touch with the Golden Age of Silent
Cinema, when stars rose and fell, studios
perfected the mass production of films, and
American movies dominated the global film market.
In some ways, it was very different from the
Hollywood we know today.
Movie studios wielded enormous power.
They kept stars and directors under tight
control.
The movies they made were silent.
And a ticket would set you back a whopping
10 or 25 cents.
On the other hand, a lot of the patterns set
during this time still seem awfully familiar today.
Studios marketed films on the power of their
stars.
Genres like gangster movies and romantic comedies
took hold and flourished.
And audiences craved gossip about the private
lives of celebrities.
To understand the world as it is, sometimes
you have to go back to where it all began.
And for Hollywood, that’s the Silent Era.

English: 
[Opening Music Plays]
Film was going in a lot of different directions
after the First World War.
In Germany, filmmakers drew on the Expressionist
movement to manipulate their film’s mise-en-scene,
creating groundbreaking horror films.
In Russia, Soviet filmmakers were using cinema
to perfect the arts of propaganda through
revolutionary editing techniques.
And in the US, the Hollywood studio system
was positioning itself to dominate the rest
of the world.
Within film studios, the entire filmmaking
process took place – from conceiving, writing,
and shooting the films, to marketing and distribution.
The studios had chosen California for its
film-friendly sunny weather, its proximity
to all kinds of terrain, and ... its distance
from Thomas Edison, who spent much of the
1910s fighting for control of the American
film industry from his base in New Jersey.
In the early days of the Silent Era, three
film studios ruled them all: the Famous Players-Lasky
Corporation, which would eventually become
Paramount Pictures – Loew’s Inc., which
began as a theater chain – and First National
Pictures.
Not only did these three dominate the marketplace,
they exercised near complete control over
the creative and personal lives of their stars,
writers, and directors.

French: 
[Musique d'introduction]
Le cinéma a divergé dans plusieurs directions
après la 1ère Guerre mondiale.
En Allemagne, les cinéastes ont puisé dans l'expressionnisme pour jouer avec la mise en scène,
et ainsi créer des films d'horreurs innovateurs.
En Russie, les cinéastes soviétiques ont mis le cinéma au service de la propagande
en utilisant des techniques de montage révolutionnaires.
Et au États-Unis, le système de studio Hollywoodien était en passe de dominer
le reste du monde.
L'intégralité de la réalisation avait lieu dans un studio: la conception, le script,
le tournage, et enfin, la commercialisation et la distribution.
Les studios s'étaient installés en Californie du fait de son beau temps idéal, de sa proximité
avec tout types de paysages, et... de sa distance avec Thomas Edison, lequel passa la majorité
des années 1910 au New Jersey, où il cherchait à contrôler l'industrie du cinéma américain.
Aux débuts du cinéma muet, trois grands studios les gouvernaient tous: le Famous Players-Lasky Corporation
(qui est devenu plus tard Paramount Pictures), Loew's Inc., qui avait commencé comme
chaîne de salles de cinéma, et First National Pictures.
Ces trois studios ne dominaient pas seulement le marché, mais ils avaient aussi mainmise
sur la vie personnelle et créative de leurs stars, scénaristes, et réalisateurs.

French: 
Les réalisateurs étaient souvent amenés à choisir entre les ordres du studio ou leurs carrières.
C'est alors que les quatre grandes icônes du cinéma muet ont joint leur efforts
pour créer leur propre studio.
En 1919, deux réalisateurs, Charlie Chaplin et D.W Griffith,
et deux acteurs, Douglas Fairbanks et Mary Pickford, fondèrent United Artists.
Leur but était d'accorder plus de liberté créative et un plus gros pourcentage
des profits aux réalisateurs.
"BLING BLING!", ont-ils probablement crié.
Seulement, peu de réalisateurs pouvaient se permettre de se lancer en solo, et le système des contrats
perdura pour encore quelques décennies.
En 1924, lors de l’acquisition de Goldwyn Pictures et de Louis B. Mayer Production par Loew's
le studio le plus influent vit le jour: Metro-Goldwyn-Mayer, ou MGM.
Lequel a engendré MGM Studios, qui à son tour a donné la Tour de la Terreur,
et avez-vous déjà fait la Tour de la Terreur? Ça vaut le détour.
C'est un processus qui s'est répété tout au long des années 1920 et 1930:
les fusions, acquisitions et démantèlements des studios.
Sûrement du fait de la prohibition, et qu'ils n'avaient rien d'autre à faire.
Vers la fin de l'ère du cinéma muet, la plupart des films américains étaient réalisés
par des studios avec des noms familiers: pas seulement des grands groupes comme United Artists et MGM
mais aussi Warner Brothers, Fox, Universal, et Columbia Pictures.
Bien que la structure de leur entreprise était en changement perpétuel, la réalisation des films

English: 
Filmmakers often had to choose between following
the studio’s orders or abandoning their careers.
Then, four of the most powerful figures in
early silent cinema came together to create
their own film studio.
In 1919, two directors – Charlie Chaplin
and D.W. Griffith -
and two stars -- Douglas Fairbanks
and Mary Pickford – founded United Artists.
Their goal was to give filmmakers more control
over their films and a greater percentage
of the profits.
CHA-CHING! Is what I assume they would say.
Of course, not many filmmakers could afford
to go out on their own like that, so the contract
system would continue for several more decades.
In 1924, the most powerful studio emerged
when Loew’s purchased Goldwyn Pictures and
Louis B. Mayer Productions to create Metro-Goldwyn-Mayer, better known as MGM.
Which lead to MGM studios which lead to Tower of Terror,
and have you been on Tower of Terror? That's a pretty fun time.
This is a process that would get repeated
throughout the 1920s and 1930s, as studios
merged or sold or split apart.
Probably because of prohibition and they didn't have anything else to do.
By the end of the era, most American films
were being made at studios whose names you
might recognize from the multiplex today:
not only United Artists and MGM, but also
Warner Brothers, Fox, Universal, and Columbia
Pictures.
Now while the corporate structure of these
companies kept changing, the process by which

English: 
they were making films was becoming remarkably
stable and efficient. Unlike me.
The major studios became very good at churning
out large-scale, commercial movies with mass
appeal.
One of the leading innovators in setting up
the way studios worked was a man named Thomas H. Ince.
Like D.W. Griffith, Ince came to film as a failed actor.
He directed his first film in 1910, and by
1913 he was making as many as 150 two-reelers
a year!
His biggest impact on film came by applying
the lessons of mass production to the actual
making of movies.
Prior to Ince, most films were overseen by
a director-cameraman – a single person who
conceived the story, worked with the actors,
and operated the camera.
Ince broke those roles into separate jobs:
A screenwriter to conceive the story and write the script.
A director to make creative decisions on set
and work with the actors.
An editor to assemble the footage.
A producer to supervise the project from inception
to final cut.
And a studio head to oversee the entire studio.
While other filmmakers had played around with
these roles, it was Ince who standardized
them into a system – a system still used
today.
By 1912, he’d earned enough money to buy
a ranch west of Hollywood where he built his
own studio, a place he called Inceville…
Yep!

French: 
commençait à suivre un processus stable et efficace. Contrairement à moi.
Les gros studios passaient maître dans l'art de produire à grande échelle
des films commerciaux populaires.
Un des grands innovateurs de ce mode de fonctionnement s'appelait Thomas H. Ince.
À l'instar de D.W Griffith, Ince a d'abord échoué comme acteur.
En 1910 il réalisa son premier film, et en l'espace de trois ans il en était déjà à 150
par an!
Son influence la plus marquée réside dans son application des techniques de production de masse
au monde du cinéma.
Avant Ince, la majorité des films étaient supervisé par une seule personne, le réalisateur-caméraman.
Il inventait le scénario, collaborait avec les acteurs, et gérait la caméra.
Ince a séparé ses rôles en différents métiers:
Un scénariste qui confectionne le scénario et écrit le script.
Un réalisateur qui se charge de la direction artistique et travaille avec les acteurs.
Un monteur qui assure l'assemblage du film.
Un producteur qui supervise le projet du début à la fin.
Et un directeur qui administre l'ensemble du studio.
D'autres réalisateurs avaient assumé ces rôles, mais Ince est la personne qui les a réellement cimenté
dans un système. Un système toujours utilisé aujourd'hui.
D'ici 1912, il avait suffisamment gagné d'argent pour s'acheter un ranch à l'Ouest d'Hollywood,
où il y fit construire son propre studio, baptisé Inceville...
Ouaip!

French: 
C'est ici que les premiers décors permanents furent construits, des scènes des quatre coins du monde
comme un saloon de cowboy, une ruelle suisse, ou un village japonais.
En spécialisant le travail et en rationalisant les moyens de production, Ince
a pu triplé le rendement du studio.
Bien qu'il soit mort jeune en 1924, son influence sur la production de films a été profonde,
vaste, et pérenne.
Mack Sennet, un magnat du cinéma brièvement associé à Ince, a, de son côté,
découvert toute une flopée de légendes du cinéma. Peut-être que des noms comme
les Keystone Cops, Fatty Arbuckle, Gloria Swanson, Carole Lombard, W.C Fields, et...
Charlie Chaplin vous diront quelque chose.
Parlons un peu de Charlie Chaplin.
Il est né en 1889 en Angleterre, dans la pauvreté.
Il poursuivit une carrière d'acteur, décrocha un contrat avec une troupe de vaudeville réputée et mit les voiles
en direction des États-Unis à 19 ans.
Un chasseur de têtes le remarqua, lui fit signer un contrat par Sennet, et le reste appartient à l'histoire.
Et on étudie l'histoire du cinéma, alors on va en parler.
Malin, curieux, motivé: en peu de temps, Chaplin développe son rôle iconique
du Charlot et commence à réaliser ses propres films.
À la fin de son premier contrat, Chaplin accepte un accord très lucratif
pour réaliser 14 courts-métrages avec les Essanay Studios de Chicago.

English: 
It was here where the first permanent exterior
sets were built, made to resemble far flung
locations, like a cowboy saloon, a little
Swiss street, or a Japanese village.
And as Ince worked to define the roles and
streamline the means of production, he was
able to triple the output of his studio.
Though he died quite young in 1924, Ince’s
impact on film production was as thorough,
widespread, and lasting.
Now, Mack Sennett, another early film mogul
and one-time partner of Ince, was responsible
for discovering a whole slew of film legends,
whose names you might recognize.
People like the Keystone Cops, Fatty Arbuckle,
Gloria Swanson, Carole Lombard, W.C.
Fields, and… the great Charlie Chaplin.
Let's talk a little bit about Charlie Chaplin.
He was born into poverty in England
in 1889.
He went into acting, signed with a prestigious
Vaudeville touring company, and set off for
America at age 19.
A film talent scout spotted him there, got
him hired by Sennett, and the rest is history.
That we're gonna talk about because we're talking about Film History.
Smart, curious, and driven, it didn’t take
long for Chaplin to develop his iconic Tramp
persona and begin directing his own films.
After finishing his first film contract, Chaplin
struck an extremely lucrative deal with the
Chicago-based Essanay Studios to make 14 short
films.

French: 
En travaillant pour Essanay, il combina habilement son sens aigu de l'empathie et son
fameux personnage du Charlot avec une capacité à susciter le rire,
autant par un comique de gestes que par des scénarios de plus en plus recherchés.
Il était tellement populaire qu'après avoir fini de travailler pour Essanay, il négocia
le salaire presque inédit de 10.000$ par semaine avec un autre studio,
le Mutual Film Corporation.
Ils lui offrirent aussi une prime de 150.000$ à la signature du contrat (aujourd'hui l'équivalent d'environ 3.5$ millions).
Charlie BLING BLING, qu'ils l'appelaient. Peut-être.
Les films réalisés avec le studio Mutual firent de lui une star internationale.
Ils marquent sa première transition du thème de la pauvreté vers la satire sociale,
un sujet presque inexploré par les comédies muettes.
Fidèle à ses racines, et cela malgré sa fortune colossale, ses films
présentaient l'héroïsme fortuit et délicat des opprimés.
À plusieurs reprises, il a fait des puissants les dindons de la farce, et il a fait preuve d'une immense empathie
envers les plus démunis.
En 1919, à 30 ans, il participe à la fondation de United Artists pour tenter de disposer d'un contrôl accru
sur ses films.
J'ai 36 ans... J'ai intérêt à me bouger.
Il s'ensuivit la production de classiques du cinéma, non seulement parmi les meilleurs de Chaplin,
mais aussi parmi les meilleures comédies de l'histoire: Le Kid, (son premier long-métrage et un succès au box office)

English: 
While at Essanay, he found ways to combine
his finely tuned sense of empathy and his
recognizable Tramp character with a growing
ability to make audiences laugh – through
both physical comedy and increasingly clever
storylines.
In fact, he was so popular that by the time
his Essanay contract was up in 1915, he negotiated
an almost unprecedented salary of $10,000
per week with another studio, the Mutual
Film Corporation.
They also paid him a signing bonus of $150,000
– the equivalent of about $3.5 million today.
CHA-CHING! Is what they would have said at the time.
The movies Chaplin made with Mutual brought
him international stardom.
They marked the first time his focus on the
poor verged into social criticism, a place
silent comedies rarely, if ever, went.
True to his roots – and despite being one
of the highest paid people in the world – Chaplin’s
films often focused on the gentle, accidental
heroism of the downtrodden.
Time and again, he made the powerful the butt
of his jokes and displayed tremendous empathy
for the poor and the humble.
Then in 1919, at age 30, he co-founded United
Artists in an effort to exercise greater control
over his films.
I'm 36... I better get moving.
What followed was a string of classic movies
that rank not only among Chaplin’s best,
but among the best film comedies of all time:
The Kid – his first feature film and a smash

French: 
La Ruée vers l'or, Les lumières de la ville, Les Temps modernes, et sa critique controversée
d'Adolf Hitler, dans Le Dictateur.
Plus tard, des problèmes légaux et ses tendances socialistes dégradèrent sa carrière.
À tel point qu'il fut fiché dans la tristement célèbre liste noire de Hollywood, qui l'empêcha de réaliser des films.
Au plus haut de sa carrière, et à cette époque, personne n'a autant bénéficié du système des studios,
comme réalisateur, en produisant des films à la pelle; et comme acteur,
en encaissant des chèques énormes et en jouissant d'une liberté créative inédite.
Et il n'était pas le seul à tourner le système à son avantage.
Des réalisateurs-acteurs comme Buster Keaton, "Fatty" Arbuckle, et Harold Lloyd sont devenus célèbres
en réalisant leurs propres courts-métrages et comédies longs-métrages.
De Mary Pickford à Gloria Swanson; les stars jouaient sur leur célébrité pour négocier des avantages tangibles.
Certaines personnes étaient inquiètes à l'idée de voir le cinéma rentrer
dans la culture populaire.
Ils pensaient que les films représentaient un danger pour les bonnes mœurs.
Ils les voyaient comme les chantres du matérialisme, du cynisme, et de la promiscuité.
Cette controverse a refait surface à maintes reprises dans la culture américaine,
qu'il s'agisse de films, de musique, ou de jeux vidéos.
Jusqu'à maintenant. Le problème est résolu de nos jours.
L'art est-il à l'origine des problèmes sociétales
ou les reflètent-ils juste ?
À l'époque, une poignée de scandales Hollywoodien ont fait pencher la balance
en faveur de la censure des films américains.

English: 
hit – The Gold Rush, City Lights, Modern
Times, and his controversial take-down of
Adolf Hitler, The Great Dictator.
His later career would be hampered by legal
problems and socialist sympathies, which would
land him on the infamous post-war blacklist,
and keep him from making films.
But at his height, no one benefited more from
the Silent Era studio system than Charlie
Chaplin – as a director, making a lot of
films quickly and efficiently; and as an actor,
commanding enormous salaries and unheard-of
creative control.
And he wasn’t the only one to turn this
system to his advantage.
Actor-directors like Buster Keaton, “Fatty”
Arbuckle, and Harold Lloyd achieved great
success making their own short and feature-length
comedies.
Stars from Mary Pickford to Gloria Swanson
parlayed their celebrity into tangible behind-the-scenes power.
Now, as film became more and more central
to popular culture, some people started to
get nervous.
They worried that movies posed a real threat
to public morality.
They saw films promoting materialism, cynicism,
sexual license.
This would be a debate that would
come up again and again in American culture
– about movies or music or video games.
Until now when we've solved all those problems.
Is the medium causing society’s problems,
or just reflecting them?
A few real-life Hollywood scandals at the
time tipped the scales, bringing on the first
real self-censorship of American cinema.

English: 
The gossip press fed readers stories about
stars dealing with addictions, affairs, and worse.
The most famous of these centered around Fatty
Arbuckle, who was accused of the rape and
accidental death of an actress named Virginia
Rappe.
Although he was ultimately acquitted after
three highly-publicized trials, the scandal
itself all but ended Arbuckle’s career,
and left an opening for a government crackdown
on immorality in films and the film business.
Rather than wait for Congress to get involved,
the major players in the film industry banded
together to form the MPPDA – the Motion
Picture Producers and Distributors of America.
They hired a retired Postmaster General named
Will Hays, a conservative Evangelical, to
prove they were serious about cleaning up
their act.
And that’s exactly what Hays did in 1930,
putting together the Motion Picture Production
Code, also known as the Hays Code, a catalogue
of things filmmakers could and couldn’t show on screen.
...fun.
The Code also suggested a strategy called
Compensating Values.
The idea was that films could show characters
engaging in vice for most of the film, as
long as virtue triumphed in the end.
No one employed this technique better than
director Cecile B. DeMille.
He was a master at giving the audience all
the vice and excess they could handle for
the first three quarters of the movie, before
virtue came out on top.

French: 
La presse à sensation alimentait les lecteurs de ragots sur les addictions et les aventures des stars.
Ou pire encore. Le scandale le plus célèbre impliqua Fatty Arbuckle, alors accusé du viol
et de la mort accidentelle d'une actrice nommée Virginia Rappe.
Bien qu'il fut acquitté après trois procès ultra-médiatisés, le scandale
mit un point final à sa carrière, et le gouvernement saisit l'opportunité pour
s'attaquer à l'immoralité dans les films et l'industrie du cinéma.
Afin d'éviter l’intervention du congrès, les gros bonnets de l'industrie se réunirent
pour former le MPPDA (Motion Picture Producers and Distributors of America).
Pour montrer qu'ils voulaient donner un grand coup de balai,
ils engagèrent Will Hays, Postmaster General (Maître général des postes) et évangélique conservateur.
Et il a répondu à leurs attentes en 1930, avec la création du Motion Picture Production Code,
aussi connu comme le code Hays: une liste de choses interdites et autorisées sur les grands écrans.
...wahou.
Le code a aussi introduit un concept d'équilibre des valeurs morales.
Selon ce mécanisme, un film pouvait montrer des vices durant la majorité du film,
tant que la vertu triomphait à la fin.
Cecile B. DeMille était un maître inégalé dans l'usage de cette technique
Il montrait aux spectateurs tous les excès et les vices qu'ils pouvaient endurer
durant les trois premiers quarts du film, et terminait en donnant la victoire à la vertu.

English: 
Other filmmakers found their own ways around
the Hays Code.
German director Ernst Lubitsch came to Hollywood
in 1922 and made a successful series of witty
sex comedies that relied on suggestion and
innuendo rather than skin.
For many of these filmmakers, however, the
Hays Code was about to become the least of
their worries.
A seismic event was poised to shake up Hollywood,
and not every filmmaker of the Silent Era
was going to come out the other side with
their career intact.
The world was about to get its first taste
of synchronous sound.
And it tasted good... maybe, I don't know.
Today, we explored the Silent Era, the first
golden age of Hollywood filmmaking.
We learned about the innovations of Thomas
Ince and the rise of the American film studio.
And we discussed some of the most important
Silent Era filmmakers and how their scandals
– both real and imagined – led Hollywood
to institute industry standards governing
the content of their films.
Next we’ll tackle the biggest shift in the
history of film yet, as movies find their
voice... es...
Crash Course Film History is produced in association
with PBS Digital Studios.
You can head over to their channel to check
out a playlist of their latest amazing shows,
like The Art Assignment, Gross Science, and
PBS Infinite Series.

French: 
D'autres réalisateurs contournèrent le code Hays.
Après son arrivé à Hollywood en 1922, le cinéaste allemand Ernst Lubitsch s'est fait un nom en réalisant toute une série
de comédies pleines d'esprits qui misaient sur les sous-entendus plutôt que sur l'explicite.
Pour de nombreux réalisateurs, le code Hays allait toutefois devenir le dernier
de leur soucis.
Une invention révolutionnaire était sur le point de chambouler Hollywood, et beaucoup de réalisateurs
du cinéma muet allaient y laisser des plumes.
Le monde allait goûter pour la première fois à la synchronisation sonore.
Et c'était délicieux... Probablement, je sais pas.
Aujourd'hui, nous avons exploré l'ère du cinéma muet, le premier âge d'or du cinéma hollywoodien.
On a aussi vu les innovations de Thomas Ince et l'essor des studios de cinéma américain.
On a aussi parlé de quelques uns des plus importants réalisateurs du muet, et comment leurs scandales
(réel ou fictif) ont poussé Hollywood à imposer des normes techniques
régulant le contenu des films.
La prochaine fois, on abordera à ce jour le plus grand changement dans l'histoire du cinéma: vous en resterez
sans... avec voix.
Crash Course Film History est produit en partenariat avec PBS Digital Studios.
Vous pouvez visiter leur chaîne pour jeter un coup d’œil à leurs dernières séries web, comme les géniales
The Art Assignment, Gross Science, and PBS Infinite Series.

French: 
Cet épisode de Crash Course a été filmé dans le studio Doctor Cheryl C. Kinney avec l'aide
de toutes ces normes techniques et de notre merveilleuse équipe graphique, Thought Cafe.

English: 
This episode of Crash Course was filmed in
the Doctor Cheryl C. Kinney Studio with the
help of all these Industry Standards and our amazing
graphics team, is Thought Cafe.
