Cuando la mayoría piensa en el arte, al menos
el arte pictórico, piensa en algo así, así,
o así. Son obras clásicas, dignas de colgarse
en un museo, pero eso fue hace mucho tiempo.
Desde mediados del siglo pasado, mucho ha
cambiado. El arte contemporáneo o, como algunos
lo llaman, posmoderno, es esto, esto, y esto.
¿Consideraríamos esto arte? Para muchos
no lo es. Quizá para ti tampoco, pero antes
de juzgarlo como algo frívolo o insignificante,
hay que entender el contexto cultural en que
se hace. En los últimos 50 años ha habido
mucho estilos o movimientos: el arte pop,
el arte conceptual, el performance, instalaciones,
etc., todos con sus particularidades y diferencias.
Para efectos de este vídeo, los voy a agrupar
bajo el rubro de posmoderno en el sentido
de que lo que todos comparten es pertenecer
a un período posterior al arte moderno. Al
entender el arte moderno tendremos una idea
mucho mejor del arte contemporáneo.
Acabo de decir algo que parece un tanto extraño.
He distinguido el arte moderno del arte contemporáneo.
¿No significan esos términos la misma cosa?
Lo que es moderno parece denotar lo contemporáneo,
lo que está sucediendo ahora. Si es así,
¿cómo podemos estar en un momento posmoderno,
en un momento más allá del aquí y ahora?
Pues la respuesta tiene que ver con cómo
nos relacionamos con el pasado. Ser moderno
significa estar consciente de un pasado que
es distinto del presente.
Uno de los primeros ejemplos de esto, al menos
en el arte, es en 1127 con el abad de la iglesia
de San Denis en París. Estaba remodelando
la basílica y cuando terminó, se dio cuenta
que se había transformado en algo distinto
a cualquier cosa que se había visto hasta
entonces. Primero, veamos una iglesia al estilo
romanesco. Este es el exterior, y aquí el
interior. Ésta es la iglesia de St. Denis
y su basílica remodelada quedó así. Lo
que el abad creó fue un nuevo estilo que
llegó eventualmente a llamarse “gótico”.
Pero en ese momento no sabía qué llamarlo,
entonces acudió al latín y lo describió
como un “opus modernum”. Ese abad era
uno de los primeros modernos al tener consciencia
de su diferencia con la larga tradición de
arquitectura greco-romana.
Este proceso fue desde luego muy lento, pero
a las alturas del Renacimiento se notaba una
intensificación de esta consciencia en términos
del rechazo de lo sobrenatural de la iglesia.
Tanto en el arte como en la ciencia, se veía
un nuevo énfasis en lo natural del cuerpo
y de la tierra. En ambos campos vemos el comienzo
de la idea de representación, la idea de
que lo que hace la mente del científico o
la paleta del artista es reflejar la naturaleza.
Esta idea, de hecho, es la que Richard Rorty
critica en su famoso libro “La filosofía
y el espejo de la naturaleza”. En fin, lo
que empieza con la idea de la representación
en el arte es el estilo que llamamos realismo.
Veamos unos ejemplos.
Aquí tenemos “La madona en gloria” de
Giotto, pintado en 1310. Esto todavía no
es el estilo realista ya que le falta perspectiva
y la estatura de las personas no va de acuerdo
con la naturaleza sino con su importancia
social. En 1482 estamos ya en pleno Renacimiento
y vemos el realismo del que hablé en “La
adoración de los magos” de Botticelli.
Con el paso de los siglos vemos que el estilo
realista permanece. Aquí está uno de Caravaggio
de 1601, y aquí “La muerte de Sócrates”
de Jaques Louis David en 1787. Estilísticamente,
muy poco cambió entre el Renacimiento y finales
del siglo 19. Fíjense en éste retrato que
hizo Cezanne de su madre en 1883. Si lo comparamos
con un
retrato realizado de forma realista 30 años
antes por Ingres, vemos que algo ha cambiado.
El retrato de Cezanne parece un tanto fragmentado,
la línea está quebrada y la aplicación
de pintura parece un poco tosca. ¿Por qué
tiene esta apariencia? ¿Qué le llevó a
romper con el estilo realista?
Un factor importante fue la invención de
la cámara fotográfica unas décadas antes.
La cámara captaba o representaba la realidad
de forma mucho más fiel que la brocha de
un pintor. Imitar a la naturaleza en las pinturas
se volvió obsoleto y por tanto los artistas
tenían que reinventar su quehacer. Un nuevo
estilo tenía que buscarse, y eso es lo que
encontramos en los cuadros de Cezanne. Esta
ruptura con el realismo se dio no solamente
en el arte sino más o menos al mismo tiempo
en la ciencia. Lo que se estaba cuestionando
era la doctrina del realismo, la idea de que
lo que hacen el arte y la ciencia es representar
una realidad estática.
En los cuadros de Cezanne reconocemos todavía
objetos de nuestra percepción cotidiana:
árboles, montañas, etc. Así que, el tema
de su arte sigue siendo la realidad que le
rodea. Su innovación fue ampliar la paleta
del realismo para incluir la incertidumbre
en nuestra percepción de las cosas. Cezanne
no pinta un simple objeto sino el efecto de
la interacción entre el acto de ver y el
objeto visto. Como dice él, “No vemos las
cosas como fijas sino como cambiantes. Un
árbol cambia si mi mirada cambia ligeramente.”
A pesar del carácter fragmentado de su obra,
sería un error pensar que así es la realidad
para Cezanne. Lo que pinta no es la realidad
sino el efecto de percibirla. Se podría decir
que a lo largo de su obra buscaba las formas
básicas que componen la gran variabilidad
de la percepción, cosa que encontró en los
sólidos geométricos del cilindro, la esfera,
y el cono.
Esta idea de Cezanne se ve en la obra de los
impresionistas en
general: Monet, Manet, Seurat, entre otros.
De hecho, los historiadores del arte califican
a Cezanne de pos-impresionista, pero es una
distinción sutil a mi parecer. He empezado
esta historia con Cezanne debido a sus interesantes
reflexiones filosóficas sobre su quehacer.
En fin, el impresionismo dio paso a grandes
rasgos a Picasso y los cubistas, quienes representan
un cambio aun más pronunciado con respecto
al realismo. En estas obras de Picasso, la
Demoiselles d’ Avignon y Retrato de Ambrosio
Vollard, vemos cómo las ideas de Cezanne
se llevan a un extremo. Los cilindros y conos
que Cezanne incorporaba en su obra se notan
con mucho más resalto en el Desnudo bajando
una escalera de Marcel Duchamp. En estas obras,
las tendencias que podemos hacer notar son
las siguientes:
1. Una simplificación a figuras y planos
geométricos 2. Puntos de vista múltiples
y simultáneos
3. Síntesis de espacio y figura
Lo que se nota con el avance del arte moderno
es que reconocibles aspectos de la realidad
van desapareciendo.
Por revolucionaria que fuera esta nueva expresión
artística, se encontraba con una amenaza
que Walter Benjamin reconoció en su célebre
artículo de 1936, “La obra de arte en la
era de la reproducción mecánica”. Ya hemos
hablado de cómo la cámara fotográfica cambió
el quehacer de los pintores. La realidad reproducible
se deja a la fotografía pero lo que presta
autoridad y autonomía a la pintura es el
hecho de que son irreproducibles. Un cuadro
de Picasso es único, irreemplazable. Suena
bonito
eso pero comenta Benjamin que fue un fetiche
que se esfuma en la era de la producción
masiva. Las obras de Picasso y van Gogh han
sido reproducidos en millones de posters,
libros, tarjetas postales, etc. El valor que
tienen los originales ya no es principalmente
estético sino económico.
La siguiente etapa en el progreso del arte
moderno es la abstracción. De hecho, cualquier
pintura, por realista que sea, ya es en alguna
medida una abstracción porque es imposible
incluir todos los detalles de una escena.
Las obras de Cezanne son abstractos en la
medida en que las figuras geométricas están
en lugar de las líneas más quebradas de
una escena real, y las obras de Picasso y
compañía incluso mucho más. Pero llega
un punto en la historia del arte moderno donde
toda referencia a objetos reconocibles desvanece.
Veamos el ejemplo de la carrera de Piet Mondrian.
Aquí tenemos una foto de un árbol en su
jardín. En las sucesivas pinturas veremos
una representación cada vez más abstracta
hasta llegar al estilo por el que Mondrian
es más famoso. Llegamos aquí a su Composición
en rojo, azul y amarillo. Empezó con una
representación realista y acabó en la dura
abstracción. Vemos cómo, a lo largo de su
carrera, intentó purgar su arte de toda referencia
representativa, eliminar toda ilustración
de la realidad.
En esta historia que estoy contando de la
creciente abstracción en el arte moderno
hay un par de interludios: el dadismo y el
surrealismo. El dadaismo fue una reacción
contra toda la cultura y política, incluyendo
el arte, que posibilitó la Primera Guerra
Mundial. Se propuso reflejar en el arte la
irracionalidad de esa cultura y desechar sus
valores. El surrealismo fue más positivo.
Buscó superar lo osificado de la cultura
y valores europeos al recurrir a la riqueza
del inconsciente. Por tanto, el carácter
onírico de la obra de surrealistas como Dalí
y Magritte. Siguiendo el camino de la abstracción
llegamos al
expresionismo abstracto, del que Jackson Pollack
es representativo, y de ahí al minimalismo
como, por ejemplo, en esta obra de Mark Rothko.
De aquí en adelante parece bastante difícil
seguir en el trayecto de la abstracción de
la realidad ya que no hay más que eliminar.
Con el minimalismo el arte moderno se acaba
porque, según su lógica, el mismo lienzo
tendría que desaparecer. Hacía finales de
los 70 los críticos empezaban a hablar del
fin del arte. Es que el arte acabó desapareciendo
en su búsqueda de alta velocidad por la originalidad.
El arte moderno sólo pudo haberse progresado
hacia su propia aniquilación.
Pero el arte no ha muerto. Sigue hoy en día
con mucho vigor. ¿Qué se tiene después
de que todo se haya eliminado en la representación?
El arte posmoderno, desde luego. A finales
de los 60 apareció Andy Warhol y el arte
pop, un movimiento novedoso que daría paso
al arte posmoderno. Pero eso lo veremos en
el siguiente vídeo.
