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* Titelmusik *
Quentin Tarantino ist
in der Filmbranche ein wahres Unikat.
Der eigensinnige Filmemacher
produziert, was er möchte
und dafür liebt ihn
seine treue Fangemeinschaft.
Nun nimmt er zum 50-jährigen Gedenken
das tragische Schicksal
einer aufstrebenden Schauspielerin,
um eine turbulente Geschichte
im L.A. der 60er zu erzählen.
Mit seinem 9.Film
"Once Upon a Time in Hollywood"
begibt sich der Filmemacher
auf neue hochinteressante Pfade.
Damit willkommen
zu unserer spoilerfreien Filmkritik
hier auf Cinema Strikes Back.
Sharon Tate
war eine Ikone der Swinging Sixties.
Mit ihrer gutherzigen Ausstrahlung
und ihrem komödiantischen Talent
verzauberte sie
nicht nur Millionen Kinobesucher,
sondern auch den Star-Regisseur
Roman Polanski.
Sie heirateten 1968
und zogen das Jahr darauf
in den Cielo Drive in L.A.,
direkt neben das Haus
des Schauspielers Rick Dalton,
der aber
im Gegensatz zu den beiden anderen
ein Produkt
von Tarantinos Fantasie ist.
Dalton ist berühmt
für seine Western-Serie "Bounty Law",
aber Hollywood
befindet sich im Wandel
und Dalton muss einen Weg finden,
relevant zu bleiben.
Ein Karriereende
wäre nicht nur für ihn ein Debakel,
sondern auch für sein Stuntdouble,
Fahrer und besten Freund Cliff.
Cliff ist ein altes Original
und fackelt nicht lange,
wenn er vor einem Problem steht.
Auch nicht, als er
Charles Mansons Jünger kennenlernt,
die es auf das Haus von Sharon Tate
und Roman Polanski abgesehen haben.
"Once Upon a Time in Hollywood"
ist eine Zeitmaschine,
die uns in das Los Angeles
der 60er versetzt.
Wenn Hippies auf den Straßen
gegen den Vietnamkrieg demonstrieren,
freie Liebe praktiziert wird
und sich Drogen und Rock'n'Roll
in der Mitte
der Gesellschaft breit machen,
zahlt sich Quentin Tarantinos
Purismus auf der Leinwand aus.
Der Kultregisseur ist berühmt dafür,
komplett auf Bilder
aus dem Computer zu verzichten.
Im Gegensatz zu seinen Kollegen
wie Martin Scorsese.
Wenn bei Tarantino das L.A.
der 60er gezeigt werden soll,
dann müssen für ihn
die richtigen Locations gefunden
oder komplexe Sets gebaut werden.
Oder beides.
Das gesamte Produktionsdesign
des Films ist einzigartig,
es ist sehr gelungen, denn die Liebe
zum Detail ist atemberaubend.
Sticker an einer Bushaltestelle,
Filmplakate im Hintergrund
und zeitgenössische Spritschlucker
vermitteln,
welch Herzensangelegenheit
der Film für Tarantino war.
Hier hat er die Welt seiner Kindheit
wieder aufleben lassen.
Dennoch wird Tarantinos Streifen
kontrovers diskutiert.
Kritiker werfen ihm vor,
dass er den Tod von Sharon Tate
für seinen Film ausgenutzt habe.
Die Frage kommt auf,
ob ein Filmemacher
das tragische Schicksal
einer Einzelperson
für eine leichte Komödie
ausnutzen darf
und ob es moralisch vertretbar ist,
wesentliche Ereignisse abzuändern
und seiner gewünschten Dramaturgie
zu unterwerfen.
Tate war das berühmteste Opfer
von Charles Manson,
der sie von seinen Jüngern
hat töten lassen,
nur weil sie das ehemalige Haus
von einem Menschen bewohnte,
den Manson hasste.
Ihr Mord hat einen bleibenden
Eindruck hinterlassen.
So war ihre Schwester
Debra Tate entsetzt,
als Quentin Tarantino
mit dem Drehbuch auf sie zukam.
Sie empfand es als geschmacklos.
Sie änderte ihre Meinung jedoch
und unterstützte die Produktion
mit Einblicken
in Sharon Tates Persönlichkeit.
Margot Robbie bekam von ihr
sogar Sharons angebrochenes Parfum
und ihren Schmuck.
Umso verwunderlicher ist es,
dass viele Kritiker in Margot Robbie
eine große Schwäche des Films sehen.
Ihre Szenen
seien in die Länge gezogen,
sie ergäben wenig Sinn
und Margot Robbie
sei nicht mehr als ein Werkzeug,
um die Handlung
in eine Richtung zu drücken.
Schließlich ist Tates Schicksal
der Dreh- und Angelpunkt des Films.
Viele haben die Intention Tarantinos
kaum verstanden.
Ihre Szenen
sind deswegen so leichtfüßig,
so ereignislos und geerdet,
um den Zuschauern zu zeigen,
dass Sharon Tate
mehr ist als nur ein Mordopfer.
Das ist der Grund dafür, warum sie
so oft zu sehen ist in diesem Film
und voller Hoffnung
durch die Straßen schlendert,
während Charles Manson als Figur
nur für wenige Sekunden
auf der Leinwand ist.
Es ist Tarantinos Art, und manche
würde da einen Zwang unterstellen,
sich dem Schema F
von Hollywood zu entziehen.
Wir sind es gewohnt, dass jedes
noch so kleine Handlungselement
und jedes gesprochene Wort
Relevanz für die Handlung haben muss.
Von "Harry Potter"
über "Star Wars" bis zu "Matrix"
hat jeder erfolgreiche Hollywood-Film
der letzten 5 Jahrzehnte
die "Heldenreise" als Grundkonstrukt.
Richtig angewandt zeigt sie uns,
wie ein Mensch
über sich hinauswachsen kann,
um äußere und innere
Herausforderungen zu bewältigen.
Nur leider hat ein Drehbuchautor
nach dem anderen
die Heldenreise ausgemolken.
Oft sind das Autoren,
die nicht verstanden haben,
dass die Heldenreise
metaphorisch verstanden werden kann
und keine Vorlage,
keine Schablone ist,
in die man seine Figuren
mit aller Gewalt hineindrückt,
sondern vielmehr eine Anregung,
sich mit den Fragen zu beschäftigen,
die einen Zuschauer
auch nach dem Film fesseln können.
Tarantino zeigt immer wieder,
wie gut er diese Erzählmuster kennt.
Er dreht sie in seinen Filmen
ins Gegenteil um
und macht ein kleines Mädchen
zur Mentorenfigur z.B.
Das wäre gerissen,
wenn es nicht unzählige Male zuvor
ausgelutscht worden wäre.
Tarantino verweigert aber
jeglichen Spannungsaufbau,
indem er Szenen und Dialoge einbaut,
die völlig fehl am Platz wirken,
weil sie die Handlung
nicht vorantreiben.
Dabei begibt er sich immer wieder
auf einen schmalen Grat,
denn ein ständiger Kritikpunkt
an seinem letzten Film
"The Hateful Eight" war, dass er
in fast 3 Stunden nichts erzählt hat.
Seine Filme mäandern
wie ein betrunkener Postbote
zu einem Ziel,
das man oft nicht voraussehen kann.
Dabei hat er selten im Sinn,
eine hochtrabende Aussage
über die Menschlichkeit
oder unseren Kosmos zu äußern.
In erster Linie
möchten seine Filme unterhalten
und uns seine brennende Leidenschaft
für die Filmwelt näherbringen.
Es geht um den Spaß
und wer diese Eigenschaften
von Tarantino schätzt,
wird mit dem neuen Film
abermals seine helle Freude haben.
Viele dürften vom frühen Presse-
material überrascht worden sein.
Die Trailer wirken diffus.
So viele einzelne Elemente
und Filme-in-Filmen,
die sich nicht zu einem großen Ganzen
zusammenfügen wollen.
Ich habe die Trailer mehrmals gesehen
und wusste am Ende immer noch nicht,
worum es gehen soll.
Dieser Film ist so vieles auf einmal.
Und so vieles auch nicht.
Kaum einer von Tarantinos Filmen
ist so entspannt.
Über weite Strecken sieht man
Brad Pitt nur durch L.A. fahren
und nur wenige Regisseure
und Schauspieler
können das so unterhaltsam
auf die Leinwand zaubern.
Gleichzeitig ist Tarantino
ein Meister darin,
innerhalb kürzester Zeit das Tempo
ins Unermessliche anzuziehen.
Wie in einer Dunkelachterbahn
wirft er seine Figuren
in abstruse Situationen,
die sie selbst
gar nicht auf dem Schirm haben.
Und weil diese Figuren
so eigen sind,
entwickelnsich dabei
die verrücktesten Situationen,
und ein Schauspiel, das man nur in
Tarantinos Filmen zu sehen bekommt.
Das hat einen Grund: Möchte man
ein Drehbuch zu einem Film schreiben,
kann man erst
die ungefähre Handlung ausarbeiten
und dann erst
die Figuren dazu entwerfen.
Tarantino arbeitet aber
auf die gegensätzliche Art:
Jahre bevor auch nur
ein Moment der Handlung feststand,
arbeitete er bereits
die Figuren Rick und Cliff aus.
So vielschichtig wirken sie dann auch
im fertigen Film.
Ein wiederkehrendes Element
seiner Filme
ist die Komplexität im Schauspiel,
das beginnt im Drehbuch.
Seine Figuren
müssen innerhalb der Handlung
immer wieder eine Fassade aufziehen.
Wenn Aldo Raine z.B.
sich als Italiener ausgeben muss,
wenn Mr.Orange
als Undercover-Cop agiert
oder wenn King Schultz vorgibt,
Interesse an einem Sklaven zu haben,
dann spielen Schauspieler eine Figur,
die etwas spielt.
Dieses Mal
geht Tarantino den direkten Weg
und entwirft
mit Rick Fucking Dalton eine Figur,
die selbst Schauspieler ist
und ein Stunt-Double hat,
das ihn spielen muss.
Abermals spielt Leonardo DiCaprio
eine Figur, die eine Figur spielt.
Das ist anspruchsvolles Schauspiel
in einem leichtfüßigen Film.
Das ist eine gute Zutat,
um zur Kultkomödie zu werden.
So ist der gesamte Film
nicht nur ein klassischer Tarantino,
sondern wie ein Best of
aller seiner vorherigen Filme.
Als würde er jetzt beginnen,
sich selbst zu zitieren.
Selbst mit dem Schnitt geht Tarantino
zurück zu seinen Ursprüngen.
Er lobte etliche Male seine Editorin
Sally Menke mit den Worten,
dass seine Filme
im Grunde nicht brutal seien,
sondern erst Menke sie brutal mache.
Mit ihrem Tod nach dem Erscheinen
von "Inglorious Basterds"
hatte sich der Rhythmus in seinen
Filmen schmerzlich verändert.
Mit "Once Upon a Time in Hollywood"
geht Tarantino aber wieder zurück
zu Menkes Art der Montage.
Die macht einen Haufen Spaß.
Wir haben einen dynamischen Schnitt,
der von weiten Aufnahmen
zu Detailaufnahmen wechselt,
die das Geschehen
aus den absurdesten Winkeln zeigen.
Die schrägen Dutch Angles
von Tarantino
dürfen natürlich nicht fehlen
und obwohl sie ein Stilmittel sind,
das kaum ausgelutschter sein könnte,
verleihen sie der Manson-Familie
eine Bedrohlichkeit,
die nicht nur daher rührt, dass der
Zuschauer weiß, wozu sie fähig ist.
Tarantino baut ständig Gegensätze auf
und so detailverliebt der Film
das L.A. der 60er porträtiert,
so frei ist der Umgang mit allem,
was die Manson-Familie angeht.
Deswegen werfen so viele Menschen
Tarantino vor,
Sharon Tates Schicksal auszunutzen.
Viele fragen sich auch,
was der Film überhaupt möchte
und ob Tarantino
überhaupt eine Intention hat.
So bekommt auch Martial Arts-Legende
Bruce Lee ein kurzes Stelldichein,
aber auf eine Weise,
die Bruce Lees Familie
als "schrecklich, unverschämt
und respektlos" bezeichnet hat.
Lees Tochter Shannon Lee
warf Tarantino sogar vor,
den Unterschied
zwischen Selbstbewusstsein
und Arroganz nicht zu kennen.
Was viele nicht verstehen, ist,
dass Tarantino in seinem Film
Hollywood-Mythen dekonstruiert.
Er lässt gestandene Actionstars
wie Kleinkinder weinen
und macht aus der größten
Martial Arts-Legende aller Zeiten
eine Figur
mit Fehlern und Schwächen.
Ob die Figuren tatsächlich so waren
wie Tarantino sie porträtiert,
ist eine Thematik,
derer sich Tarantino entzieht.
Schließlich hat er als Filmemacher
das Recht auf künstlerische Freiheit.
Der Film ist eine kleine
und in sich geschlossene Geschichte,
die nicht den Anspruch erhebt,
die Realität abzubilden.
Deswegen kommen auch zahlreiche Filme
auf Plakaten vor,
die 1969 gar nicht existiert haben,
sondern erst die Jahre darauf.
Es ist ein Märchen,
das Tarantino entworfen hat,
und so ergibt der Name des Films,
"Es war einmal in Hollywood",
einen völlig neuen Sinn.
Von mir gibt es für Tarantinos 9.Film
9 von 10 Punkten.
Der Film
ist Quentin Tarantinos Abrechnung
mit dem Studiosystem von Hollywood.
In den 60ern hatten die Großmeister
wie Alfred Hitchcock
ihr Lebenswerk abgeschlossen.
Hollywood stürzte in eine Krise.
Große Stars
wie Humphrey Bogart waren tot
oder gingen wie John Wayne
in den Ruhestand.
Produzenten, die schon seit 40 Jahren
in der Branche das Sagen hatten,
versuchten immer wieder,
mit denselben Filmen
neue Erfolge zu erzielen.
Zuhauf wurden seichte Musicals,
Sandalenfilme
und schlechte Western produziert
und astronomische Budgets
ließen die Hollywood-Blase platzen.
Das führte dazu,
dass junge Filmemacher
Hollywood neu erfanden.
Filmemacher wie Francis Ford Coppola,
Woody Allen, John Carpenter,
Mel Brooks oder Brian De Palma
erfanden inmitten der 68er-
Hippie-Bewegung das Kino neu
und schufen bodenständige Filme,
die harte und realitätsnähe Probleme
thematisierten.
Tarantino zeigt uns
ein wesentliches Element
inmitten dieser Umbruchsstimmung.
Nicht nur deswegen,
weil einer der wichtigsten Regisseure
dieses neuen Hollywoods
Roman Polanski war.
Die Morde der Manson-Familie,
die Hippie-Bewegung
und der Vietnamkrieg
veränderten die Filmwelt.
Tarantino lässt uns
in diese Welt eintauchen.
So ist
"Once Upon a Time in Hollywood"
auch die Geschichte
einer waschechten Männerfreundschaft,
die man selten so authentisch
auf der Leinwand sieht.
So erinnert der Film z.T.
an Filme wie "The Big Lebowski"
oder "Dumm und Dümmer".
Es ist bezeichnend,
dass in einer der besten Szenen
Leonardo DiCaprio
und Brad Pitt nichts anderes tun
als auf der Couch zu hocken
und auf den Fernseher zu starren.
Die Chemie der beiden Hauptdarsteller
verhilft diesem Film zum Kultstatus,
wie es einst mit John Travolta
und Samuel L. Jackson war.
Brad Pitt ist eine wahre Wucht
in diesem Film.
Seine Figur ist schrill, eigen und
birgt ein Geheimnis nach dem anderen.
Pitt schafft es, einer Figur, die
in vielen Aspekten hassenswert ist,
ein unerschöpfliches Charisma
einzuverleiben.
So avanciert er
zum wahren Star des Films,
und das in einem Cast,
in dem so bekannte Persönlichkeiten
wie Al Pacino, Dakota Fanning
und Bruce Dern mitspielen.
"Once Upon a Time in Hollywood"
ist ein Film,
den man liebt oder hasst.
Denn jeder Kritiker
hat prinzipiell nicht Unrecht,
wenn er oder sie bemängelt,
dass in den ersten beiden Stunden
nichts von Belang passiert.
Aber so wie einst
der große Sergio Leone uns
mit "Once Upon a Time in the West"
sein amerikanisches Märchen erzählte,
so tritt Tarantino wieder mal
in die Fußstapfen seines Idols.
Selbst wenn man jede Eigenheit
von Tarantinos Filmen hasst,
muss man am Ende immer
eine grundsätzliche Wahrheit zugeben:
Egal wie sehr sich Tarantino
an den Filmen der Vorbilder bedient,
schenkt er uns immer einen
Kinobesuch, der einzigartig ist.
Ich liebe es, du weißt schon,
das Töten. - Ganz viel Töten.
Was sagt ihr, freut ihr euch auf
"Once Upon a Time in Hollywood"?
Oder habt ihr den Film schon gesehen
und findet den im Gegensatz zu mir
gar nicht gut?
Schreibt mir das in die Kommentare,
da wäre ich sehr gespannt,
was die allgemeine Meinung
zum Film ist.
Ich möchte euch jetzt noch
unsere letzte Kritik verlinken.
Die ist auch zu einer Komödie,
aber einer ganz anderen Art,
nämlich zu "Hobbs & Shaw".
Und wir verlinken euch
den Montalk von Game Two
über die Frage,
ob Hakenkreuze in Spielen OK sind
oder ob die weg sollten.
Abonniert auf jeden Fall
Cinema Strikes Back,
falls ihr auf Filme,
Serien und Comics steht.
Ansonsten hoffe ich,
dass wir uns bald wiedersehen
auf Cinema Strikes Back
mit mir, dem Alper.
Untertitel: ARD Text
im Auftrag von funk (2019)
