¿Cuáles son las
relaciones entre Arte y Poder?
¿Existen estéticas politizadas?
¿Cómo se consigue desafiar
y subvertir el poder establecido
a través de la práctica artística?
¿Qué papel juega el arte
en los procesos colectivos
de lucha y revolución social?
Las vanguardias artísticas
surgidas en las
primeras décadas del siglo XX,
durante esos años
de estupefacción y horror
ante la dramática tragedia colectiva
que supuso la I Guerra Mundial,
inician ese cambio radical,
del arte por el arte,
heredera de la
tradición decimonónica,
a una estética
mucho más politizada,
que consiguiese
expresar e interpretar
el caos de la guerra,
la violencia y la desolación,
así como el fracaso estrepitoso del
orden social y político imperante.
Era el momento
de la Revolución Social,
de la sublevación contra
el orden burgués hegemónico,
cuyo referente más inmediato
lo representaba el proceso
revolucionario ruso de 1917.
El arte no podía quedarse atrás,
y se fue reinventando
lenguajes propios y novedosos,
mucho más transgresores,
donde subyacía una estética,
comprometida con los procesos
de transformación social.
Movimientos estéticos
como el fauvismo, el cubismo,
el expresionismo,
el surrealismo o el arte abstracto,
supusieron el punto de partida
para el desarrollo
de esta nueva concepción del arte,
más contingente y vinculada
a la realidad social y política,
que aún habiendo iniciado su
andadura a principios de siglo XX,
se fueron
desarrollando y consolidando
a lo largo de
la década de los años 30.
Los años 30 han sido
considerados una década menor
en lo que es la evolución
y el desarrollo del arte moderno.
Se pensaba que los grandes
cambios, cubismo, fauvismo, etc.,
ocurrían en las dos primeras décadas,
y se pensaba que en los años 30,
los artistas tenían
otro tipo de prioridades,
dado el periodo que
después de la crisis del 29,
un periodo que es tan conflictivo.
Obviamente los artistas tenían,
igual que el resto de la sociedad,
prioridades perentorias.
Es una época muy conflictiva,
pero la separación entre cultura y
vida ordinaria o economía, es falsa,
y de hecho, en el momento en que la
situación se hace mucho más compleja,
política y socialmente,
los artistas, empiezan
a hacer un tipo de obras
de una gran trascendencia.
"Encuentros con los años 30",
exposición que podrá verse
hasta el próximo 7 de enero
en el Museo Reina Sofía,
plantea una reflexión
imprescindible sobre esta década,
un diálogo entre obras y artistas
de extraordinaria importancia
para entender la historia
social y política del siglo XX,
y, sin duda, nuestra más
inmediata contemporaneidad.
Obviamente, si vemos en
esta exposición, hay tres bloques,
que son el realismo,
la abstracción y el surrealismo,
que son lenguajes que provienen
de las décadas anteriores.
Pero, ¿qué hay
de nuevo en esta época?,
hay una nueva relación
del arte con la sociedad,
es entender que el hecho artístico
es completado por el espectador,
es entender que el hecho artístico
va más allá de los formalismos,
es entender que hay una relación
muy ambigua entre poder y arte,
que el dominio cultural
puede preceder al dominio político,
como ya teorizó Antonio Gramsci.
No hay que olvidar que esta década,
se caracterizó por el ascenso
de gobiernos totalitarios
que usaron el
mecenazgo de las artes
para coordinar una
narrativa de la creatividad
que favoreciese
la hegemonía cultural,
herramienta fundamental
para el dominio político.
La quiebra de Wall Street en 1929
y la posterior depresión mundial,
propició que los artistas
tuvieran que enfrentarse
de una manera
más radical y comprometida
con esa nueva
realidad económica y política.
Los artistas de esta década,
demostraron que tanto el conformismo
como el inconformismo estético
podían desafiar
o desbaratar el orden establecido.
La primera sala de la exposición
está dedicada
a los realismos del momento,
que tratan
de aunar una doble tradición,
por un lado,
el hacer un arte de vanguardia,
como lo vemos especialmente
en las obras de Beckmann,
pero al mismo tiempo un arte
que tenga que ver
con una cierta línea histórica,
hay elementos que tiene que
ver con el clasicismo italiano,
por ejemplo con
aquella pintura de Berni,
y lo que muestra esta sala
es este interés de hacer un
arte de vanguardia, un arte moderno,
pero que al mismo tiempo
sea popular, llegue a la gente.
Los artistas son realistas
en el doble sentido
de que utilizan un arte figurativo,
pero también quieren estar
enraizados en el mundo que vivimos.
A mi me gusta especialmente esta
obra, que es absolutamente moderna,
vemos que las
figuras están como recortadas,
son como figuras
que se superponen unas con otras,
pero al mismo tiempo
hay un elemento clásico,
con el escorzo de la figura,
con la perspectiva,
incluso, los colores, que nos
recordarían a los frescos italianos.
Esta es una obra de Beckmann,
un artista genial del momento,
que hemos contrapuesto a la
obra de Siqueiros que hay enfrente,
que muestra
dos realidades de los años 30,
por un lado,
el titulo es "Sociedad parisina",
y a través de un recurso frecuente
en muchos artistas de este momento,
a la caricatura, a la critica,
nos refleja
una sociedad cerrada en sí misma,
que no es consciente de
los cambios que se van a producir,
y por otro lado,
tenemos la pieza de Siqueiros,
un artista relacionado
con el muralismo mexicano,
donde vemos que la figura
refleja una expresión de dolor,
una expresión de sufrimiento.
Aquí estamos enfrente
de la alta sociedad parisina,
y allá estamos ante una
persona de las clases trabajadoras,
y es este contraste, esta tensión,
entre modernidad y antigüedad,
entre vanguardia y clasicismo,
entre diversos estamentos sociales,
lo que reflejan
los realismos de este momento.
El otro gran lenguaje
de la época es la Abstracción,
y de hecho algunas de las
figuras que vemos en esta sala;
Klee, Miró, Kandinsky, Mondrian,
son figuras que ya venían
trabajando desde épocas anteriores,
pero ¿qué es distinto
de este momento a lo anterior?,
básicamente dos cosas
que tiene que ver con la época,
por un lado,
los artistas de este momento,
se oponían a una
visión excesivamente idealista,
excesivamente separada
del mundo en el cual vivían,
de una abstracción que
remitía a las esencias de la pintura.
Lo que buscan
es un tipo de abstracción
que tiene algo de caligrafía,
de hecho, si vemos este Kandinsky,
tiene algo como
de notaciones musicales,
como si fuese una partitura,
y es este elemento
de convención, de lenguaje,
lo que es una novedad en estos
momentos, y luego hay otra cosa,
esta es la época donde
de repente el evolucionismo,
Darwin empieza a estar muy
de moda de un modo bastante perverso.
Esta de moda
para demostrar que unas razas,
o unos estamentos sociales
estaban por encima de otros,
entonces, los artistas de este
momento, casi de un modo irónico,
hacen estas formas
biomórficas que nos recuerdan,
que tienen que ver
con esta especie de biomorfismo,
donde las formas tienen algo
de nuevo, de convención, de lenguaje,
tienen algo, incluso de juego,
de hecho, en estos momentos,
Len Lye y algunos artistas
deciden dedicarse al cine
y hacer un cierto tipo de animación,
y es el contraste entre
este Kandinsky, entre aquel Miró,
entre el Klee de estos momentos,
y la abstracción
que se hace con anterioridad.
El tercer gran lenguaje
del momento era el surrealismo,
el surrealismo ha pasado
de ser un grupo cerrado en Paris,
como era en los años 20,
a ser realmente internacional.
Esta zona está
estructurada por exposiciones
que iban
ocurriendo en diversos sitios,
y donde se reflejan ya las diversas
líneas y corrientes del surrealismo,
cómo a través de lo surreal
tratan de cambiar la sociedad.
Es una época de contrastes,
es una época donde, por un lado,
desde el poder, desde los Estados,
se trataba de hablar de este nuevo
hombre, del ario, del hombre clásico,
y al mismo tiempo, sobre
todo a partir de los surrealistas,
aparece la noción del monstruo,
de hecho si vemos
las películas de la época,
es un momento que abundan
las películas de Frankenstein,
las películas de Drácula,
las películas de los "freaks",
porque es
el momento de lo monstruoso,
como una categoría de aquello
que la sociedad no puede absorber.
Y por tanto, los surrealistas,
hacen estas figuras acéfalas,
estas figuras que son monstruosas,
como reivindicación y como
oposición a este gran hombre nuevo,
a este super hombre
de los nazis y de los fascistas,
que por otro lado
era el líder a partir del cual
se unía esta especie
de masa de gente sin atributos,
y en este sentido, el surrealismo,
es el primer
gran humanismo de este momento.
Los años 30
son también importantes,
y es otro de los paralelismos
con el momento actual,
porque hay
un cambio de paradigma,
un cambio de lo que es
la naturaleza del hecho artístico,
de lo que es
la noción del papel del artista,
y si hasta ahora
el artista dominante,
el artista de vanguardia,
incluso el artista académico,
era un artista
que estaba en su estudio,
que producía una serie de obras,
y que luego se mostraban
en un salón o en un palacio,
a partir de estos momentos
hay un cambio fundamental,
que se produce por la introducción
de la fotografía y del cine,
y los medios
de reproducción mecánica,
es el momento,
que no por casualidad,
Walter Benjamin estaba
reflexionando sobre todo esto.
Y en la exposición
hemos recogido un aspecto
que es hoy un aspecto olvidado,
porque estamos
acostumbrados a ver la historia
solo a partir de las
obras aparentemente maestras,
y hay un aspecto fundamental,
que eran las postales,
la reproducción mecánica
a través de las fotografías,
era un modo a partir del cual
se difundían imágenes, ideas,
y eran unos elementos
postales y pósters,
en los cuales artistas
de vanguardia trabajaban.
El arte y los artistas de esta época
se van nutriendo de este desarrollo
de los medios de comunicación
e innovaciones tecnológicas,
incorporándolas en sus
propios procesos creativos,
así como en
la difusión de sus obras.
Es la era de la
comunicación de masas,
donde el cine y la fotografía,
empiezan a cobrar
un papel protagonista
en la difusión
de contenidos sociales y políticos.
Y a la vez, ponen de manifiesto
la vinculación entre
vanguardia y cultura de masas.
Las películas documentales
alcanzaron gran popularidad
y los gobiernos no dudaron en
crear unidades de cine y fotografía,
viendo la creciente influencia
que estaban alcanzando estos medios.
No en vano, Walter Benjamin,
en sus lúcidos ensayos
sobre Estética y Política,
llegó a afirmar que:
"la reproductibilidad
técnica de la obra de arte
la viene a emancipar por primera vez
en el curso de la historia universal
de su existir parasitario
en el seno de lo ritual.
De la placa fotográfica es posible
sacar gran cantidad de copias;
la pregunta por la copia auténtica
simplemente carece de sentido.
Pero en el mismo instante en que
el criterio de autenticidad falla
en el seno
de la producción artística,
toda la función social del arte
resulta transformadora por entero.
Y en lugar
de fundamentarse en el ritual,
pasa a fundamentarse en
otra praxis, a saber, la política."
Los años 30 es también,
el momento de las grandes
Ferias Internacionales y Universales,
hubo en Paris, en Chicago,
en Nueva York, en diversos sitios,
de hecho el Guernica
se produce para una feria,
que es la Feria
Internacional de Paris del 37,
y en esta feria, había también
otras piezas, por ejemplo esta,
que tiene prácticamente
las mismas proporciones,
el mismo tamaño que el Guernica,
tiene esta idea de mural,
que tiene que ver con
la idea de hacer un arte público,
lo cual nos da la idea
de que el Guernica no estaba solo,
sino que formaba
parte de un contexto.
Y este período lo que refleja
es la continuidad
que había entre cultura y guerra,
de hecho, en el 37,
está el Pabellón de la Republica,
que claramente tenía
una función de propaganda,
de reflejar lo que
el conflicto bélico de España,
y reivindicar
el papel de la Republica,
y por otro lado sabemos que se
veía también el Pabellón Soviético,
que está enfrentándose
al Pabellón Nazi,
además sabemos que
iban buscando información,
para contraponer uno a otro,
y por tanto hay este
elemento ya de conflicto,
en este caso lo que
tenemos es otra realidad,
una realidad que tiene que ver
con el frente popular en Francia,
y con la voluntad de hacer,
que es uno de los grandes retos
de los artistas de este momento,
un arte, a la vez de vanguardia
y, a la vez, popular y moderno,
¿qué es lo que tenemos?,
por un lado
un arte que quiere ser moderno,
¿qué era lo moderno?,
lo moderno era el movimiento,
el cambio, la transformación,
de ahí que
en este mural lo que veamos es
la importancia
que tienen las nubes,
la importancia que tiene el montaje
derivado del cine, de la fotografía,
para reflejar esta idea
de una sociedad
que está en continuo movimiento,
por otro lado,
el montaje se refiere a lo moderno,
pero es un montaje reconocible,
que tiene figuras populares,
y que, por tanto, quería
ser accesible a toda la sociedad.
¿Es casual la elección del tema
de los años 30 en esta exposición?
¿Qué paralelismos hay
con la situación actual
política y social
del país y del mundo?
La primera razón por la cual
decidimos hacer esta exposición
hace ya casi 4 años,
era porque los años 30 son
centrales en la colección del Reina,
no por casualidad
tenemos el Guernica,
porque es un periodo
que es de una gran complejidad,
de una gran
riqueza a todos los niveles,
a nivel poético,
político, técnico,
es el momento de la gran
difusión del cine y de la fotografía,
y por tanto,
desde este punto de vista,
ya era importante para nosotros.
Pero, por otro lado,
sobre todo ya con los
acontecimientos de los últimos años,
vemos el gran paralelismo
que hay entre los dos momentos,
el momento de los grandes
totalitarismos de los años 30,
de los populismos de los años 30,
que en aquellos momentos estaban
organizados alrededor de la fábrica,
alrededor del ejército,
como contraposición al trabajador.
Esto ha cambiado,
pero existen paralelismos,
en el sentido
de que hay un totalitarismo,
en este caso autoinfligido,
hay un descrédito
de cierto tipo de vida política,
hay, por otro lado, una
vuelta a ciertas estructuras míticas,
y creo que es un momento que
nos puede servir para reflexionar,
y para, como mínimo, entender
mejor la época en la cual vivimos,
de hecho, los años 30,
en cierto modo, son la base,
y no solo política,
sino también a nivel de paradigma,
de lo que significa ser artista,
del papel del arte en la sociedad,
es la base de la situación del arte,
del lugar que ocupa
el arte en la sociedad, hoy en día.
